C’était il y a trois ans, on se prenait « Ride Paranoia » en pleine gueule, et ça faisait du bien quand tout autour de nous le rock se proclamait ‘de retour’ même s’il n’était jamais parti -la preuve par JR Ewing. Depuis 1998, ces Norvégiens enfoncent le clou d’un punk-rock abrasif, limite hardcore dans ses épanchements criards. Après ‘être farci « Ride Paranoia » (sorti sur G.S.L., le label de Mars Volta) nos tympans étaient bons pour l’acouphène, et nos nerfs pour la crise : ça faisait mal comme un bon vieux Converge (« Jane Doe »), sans oublier Refused, les parrains rock de cette scène scandinave. « Maelstrom », malheureusement, ne supplantera pas le bruit et la fureur de son illustre prédécesseur… En cause un son surproduit, qui perd en puissance ce qu’il gagne en clarté (aux desks Mike Hartung, qui a déjà bossé avec Gluecifer, Jaga Jazzist et Shining), bref qui perd de sa hargne au profit de concessions FM (la cover de « Big Exit » de PJ Harvey en bonus). Certes, c’est toujours du post-hardcore à la Blood Brothers, plein de guitares survoltées et de vocalises épileptiques (Perry Farrell vs. Dillinger Escape Plan), mais au final le ‘maelström’ tant attendu sonne davantage comme le gargouillement d’une cuvette de WC attaquée par le calcaire. C’est d’autant plus dommage que les JR Ewing viennent de décider de jeter l’éponge, après 8 ans de carrière somme toute exemplaire. « I’m Sorry, You’re Sorry, We’re All Sorry », titre l’un des morceaux de ce disque d’adieu : c’est l’épitaphe d’un groupe qui méritait davantage de succès, dont on se souviendra avec plaisir.
LaGuerra délivre son message dès les premières secondes de son premier essai. ‘We don’t need to separate church and state. We need to terminate church and state’. Tout un programme donc. En huit titres et 35 minutes à peine, les Hollandais passent en revue tous les fléaux de ce monde. Ce qui aurait bien pu s’avérer très rapidement lourdingue. Mais n’est pas le cas ici. L’avantage de la formation procède de la subtilité de son propos et la vigueur convaincante de furieux morceaux tels que « Something You Should Know », « Building Bridges », « Fed Up » et « Resources ». La théorie révolutionnaire de Laguerra ne risque pas de bouleverser le genre mais les amateurs de métal aux influences punks et hardcore devraient fortement apprécier.
Quelques semaines après la sortie de l’E.P. « Never Trust A Hippy », NOFX signe « Wolves in Wolves' Clothing », son nouvel album studio. Deux titres de l’apéro discographique anti-hippy se retrouve à l’affiche : « Seeing Double At The Triple Rock » et « The Marxist Brothers ». Autant dire que NOFX n’a guère changé sa guitare d’épaule. Toujours à gauche, côté démocratique, la bande à Fat Mike entame son douzième album par une surprenante ballade. Intitulée « 60 % », cette apparente relaxation s’achève finalement dans une furia de guitares saturées. NOFX n’a donc pas abandonné ses bonnes distorsions. A travers ses prises de position, le groupe évoque quelques chapitres délicats propres à la société américaine. Dans « The Man I Killed », nos punk-rockers n’ont pas peur. Ils s’affichent clairement contre la peine de mort. Poussant la gueulante sur un fond d’humour noir bien senti : « Je trouve que tous les gens sont d’honnêtes citoyens de notre société... sauf l’homme que j’ai tué ». Décidemment, on ne se refait pas ! Alors on chante la défonce, les cakes magiques, les noodles à réchauffer entre potes, les planches à roulettes et les créatures en robes. Partisan d’une Amérique consciente, NOFX tente de sensibiliser les gamins aux délires nombrilistes du gouvernement (« Wolves In Wolves’ Clothing »). Sans révolutionner sa musique, le groupe continue à édifier son image de mercenaire sonore. Celle d’un bon groupe punk, foutrement engagé, moins dégénéré que la plupart de leurs compatriotes. Trop souvent scotchés sur la roulotte du Warped Tour.
L’heure a sonné. Après un retour du rock, une nouvelle vague de folk étrange et un lifting new wave, voici venu le temps de réhabiliter les girls group. Au 21ème siècle, le fantasme de la bienséance américaine passe par l’Angleterre. A Brighton, Becki, Gwenno et Rose ont probablement vécu enfermées dans leurs chambrées à écouter nombre de références en jupettes colorées. En tête de leurs écoutes, The Supremes, The Shangri-La’s ou The Vandellas. En 1960, la vague des girls group inondait véritablement le marché. En 2006, nos trois Anglaises ont donc découvert les disques préférés de leurs parents. Et, de Primettes en Ikettes, les Pipettes ont composé leurs premières chansons. Sur ce E.P., fort logiquement intitulé « Meet The Pipettes », les filles s’inspirent des tubes sixties. Ces chansons, fort commodes sous l’ère Kennedy, esquissent aujourd’hui les contours d’un anachronisme criant. Sincères, les Pipettes nous livrent cinq titres décomplexés, nous laissant apprécier leur goût immodéré pour les mélodies sucrées. Les arrangements contemporains replacent The Pipettes sur la ligne du temps. En 2006, en mai, quelques mois après Tilly and The Wall, l’histoire continue…
Stephen McBean traîne ses savates de folkeux sous ‘amphets’ depuis belle lurette (Jerk With A Bomb), mais il y a seulement deux ans que le grand public est témoin de ses humeurs psychédéliques. D’abord chez Black Mountain, dont l’album éponyme sorti l’année dernière sentait bon le garage rock gonflé à l’EPO, puis avec ces Pink Moutaintops, projet plus serein, quasi à fleur de peau. « Axis of Evol » fait suite au disque tout rose sorti chez Jagjaguwar en 2004, et en moins d’une demi-heure convoque les fantômes du Velvet, des Sonics et de Jefferson Airplane. « Comas », c’est du folk sixties susurré d’une voix suppliante, une petite ritournelle qui n’a l’air de rien, et pourtant… Ca doit être ça, le talent : n’avoir ‘l’air de rien’ (être désinvolte ?), et réussir en quelques pincements de cordes une chanson qui vous hante le cerveau, tel un résidu d’acide. « Cold Criminals », c’est du V.U. pur jus, avec un ‘beep’ qui donne la cadence, comme si la boucle n’était jamais bouclée et qu’on était parti pour un trip infini, turbulent. « New Drug Queens », c’est du garage rock qui ‘fuzze’ et qui claque dans les doigts. Imaginez les Raveonettes en mieux (facile), du Primal Scream circa « Rocks » (et de fait, ça détonne). Puis arrive « Slaves », la pièce de résistance, huit minutes de stoner-folk tribal qui résume mieux la défonce que l’intégrale du bouquin de Tom Wolfe sur les Merry Pranksters (« Acid Test », pour rappel). Après ce trip fractal qui heureusement détend (on parle de langueur), une jolie ballade s’enquiert de Satan (« Plastic Man, You’re The Devil »). Il va bien, sa fête approche (le 6 juin prochain : le 06/06/06, 666, aaaargh !!!), d’où la bamboula qui s’empare de lui et de son pote Jésus. Ca s’appelle « Lord, Let Us Shine », et tout le monde chante en ouvrant grand ses bras. Mais toute fête a une fin, et c’est envahi de tristesse qu’on quitte Stephen McBean, qui s’interroge sur la liberté (« How We Can Get Free ») en murmurant comme au début. La liberté se conquiert-elle par la pensée, ou ne serait-ce qu’une utopie d’hippies, dont McBean serait le dernier des apôtres ? Laissons donc la musique parler, elle se débrouille très bien toute seule.
Après une chansonnette aux pieds de Marie Antoinette, Phoenix nous livre son nouvel album. « It’s Never Been Like That » apporte une certaine fraîcheur dans l’univers des Versaillais. Sans déstabiliser l’auditeur, Phoenix renaît de ses cendres. Ce troisième album est branché guitares et culmine dans un rayonnement de pop branchouille. Plutôt cool. Dès l’entrée en matière, amorcée par un « Napoleon Says » conquérant, la bataille commence. Phoenix n’est pas groupe à se reposer sur ses rentes. Plutôt crever que stagner ! Sur « Long Distance Call », Thomas Mars le chante à l’infini : « It’s Never Been Like That » ! Pourtant, le monde de Phoenix n’a pas fondamentalement changé. Les tubes sont toujours légion. Mais sur la longueur, les chansons demeurent moins répétitives, voyageant au gré d’ambiances variées. Contrairement à « United » (2000) et au redondant « Alphabetical » (2004), on prend son pied sur les dix titres proposés par les Français. Le superbe « One Time Too Many » est une ode à l’été, « Courtesy Laughs » s’apparente au plus beau duel entre le rock et la pop. L’apothéose « Second To None » confirme la transformation de Phoenix. Le groupe a laissé la réflexion au vestiaire. Quatre ans ne seront plus nécessaires pour balancer un nouvel album. Phoenix semble avoir déniché la clef de la spontanéité. On s’en réjouit car chez eux, le plus court est vraiment le meilleur !
Il y a sept ans déjà, « Le Mobilier », premier single de rinôçérôse, était diffusé en boucle sur les ondes. Les contours du paysage électro de l’époque étant définis par la French Touch, le duo n’eut aucun mal à imposer sa ‘Guitaristic House’ singulière. Pas de chance, la French Touch est morte une ou deux années plus tard. Et, avec elle, tout ce qui faisait l’originalité des compositions de Jean-Philippe Freu et Patrice Carrié. Après « Installation Sonore », sorti en 1999, rinôçérôse s’est enfermé dans un carcan mélodique des plus itératifs. Les vocalises, harassantes et de plus en plus nombreuses, ont fini d’achever l’histoire d’une formation au potentiel manifeste mais mal exploité. Pour preuve, un « Schizophrenia » insignifiant, publié l’an dernier. A l’image d’une carrière en dents de scie, ce rétrospectif éponyme témoigne donc autant des réussites de la formation que de ses erreurs de parcours. Des quinze morceaux, on retiendra essentiellement les instrumentaux, constituant la véritable richesse et l’œuvre la plus réfléchie du duo. En bref, rinôçérôse c’est un peu comme le « Louxor » de Katerine : ‘Et je coupe le son… Et je remets le son…’
Après les gars de Mint, une nouvelle paire de frangins vient étoffer le paysage rock de notre pays. Cependant, les frères Vandewoude n’en sont pas à leur coup d’essai. Formé il y a cinq ans environ, le quintet de Soon aura dû attendre 2003 pour que son premier effort, « Please Accelerate », trouve un distributeur. 3 ans plus tard, il nous propose « Under The Wire », condensé de powerpop méticuleusement travaillé. Il y transparaît un souci évident du détail mais n’en résulte pourtant rien de transcendant. A quelques exception près (« Anchorage », « Serenade The City »), écouter les dix titres du disque d’une traite s’avère assez rapidement devenir une tâche rébarbative. Rien ne se passe ; pas une seule petite étincelle. Un peu comme dans un épisode de Derrick…
Originaire des Pays-Bas, Solo ne risque pas de provoquer de vagues de notre côté de la frontière. Des clapotis tout au plus. L’unique subtilité de la formation tient en son nom puisqu’elle compte en réalité deux membres. Aussi mou qu’un caramel resté trop longtemps au fond d’une poche, le duo tente lamentablement de puiser son inspiration chez dEUS. Le fait est qu’un nombre incalculable de leurs pairs s’y sont déjà essayés. La plupart sans succès. Solo n’échappe pas à la règle et propose un premier essai d’une monotonie mortelle.
Fondé en 1977, TV Personalities est un peu considéré comme le parrain du D.I.Y.. A l’instar de The Fall et de Wire, il est en outre un des rares groupes a avoir réellement embrassé l’esthétisme punk. Et puis il a influencé des groupes comme Jesus & Mary Chain ou encore Pavement. Mais The Television Personalities, c’est avant tout Dan Treacy. Un personnage devenu au fil du temps accro à l’héroïne. Ce qui lui a valu de multiples cures de désintoxication, causé de graves désordres psychologiques, et au cours des dernières années, coûté un séjour à l’ombre. On comprend mieux ainsi sa disparition du circuit musical depuis 1998, date de l’enregistrement de son précédent opus. Maintenant, il faut reconnaître que plus grand monde ne lui prête intérêt depuis la sortie de « The painted word », un elpee qui remonte déjà à 1985. Evoluant quelque part entre la lo-fi, le psychédélisme ‘sydbarrettien’ et l’indie typiquement britannique, « My dark places » n’est pas un album facile. Et en particulier les quatre premiers morceaux du disque. Et il faut être très ouvert à l’expérimentation (pour ne pas dire l’improvisation pure), pour ne pas jeter précipitamment l’éponge. Heureusement, la suite est beaucoup moins impénétrable. Depuis le boogie woogie « Velvet Underground » au mélancolique « There’s no beautiful way to say goodbye », ballade partagée entre piano sonore, mélodica, violoncelle et la voix fragile de Treacy, tellement proche d’un Mark Oliver Everett (Eels), la plaque recèle toute une série de compositions de bonne facture. Et en particulier le candide « I’m not your typical boy », le noisy « She can stop traffic », le bouleversant « Tell me about it », la prière funéraire « Knock it all down », la nouvelle version du désenchanté « I hope he’s everything you wanted me to be », rebaptisée pour la circonstance « I hope you’re happy now » et le titre maître, dont les lyrics torturés sont administrés sur l’air de « Frères Jacques ». Des lyrics qui reflètent les épreuves que Dean a vécues au cours des dernières années : l’ennui, l’amertume, la dépression, la rupture, la colère, la paranoïa, le dégoût de soi-même et le délire. Maintenant, la plupart de ces titres sont abordés avec un esprit tellement torturé, qu’on ne sait pas trop s’il s’agit de folie, de génie ou d’excentricité. Peut-être les trois.
Surfant sur une planche estampillée The Tyde depuis 2001, Darren Rademaker vient de donner une suite aux acrobaties de son groupe. Après « Once » (2001) et « Twice » (2003), le troisième album, « Three’s Co », respecte la logique numérique. Sur ce nouveau disque, Darren est accompagné d’Ann Do, son épouse. Mais aussi de Brent, son frangin, activiste au sein des regrettés Beachwood Sparks et champion des mélodies sombres chez The Frausdots. « Three’s Co. » plante l’auditeur où « Twice » l’avait laissé : sur la plage. Hésitant entre une leçon de natation et une virée en planche sur les vagues californiennes, l’album vogue au gré d’inspirations variables. La pluie anglaise pour les ambiances pop déconcertées ou le soleil californien pour illuminer les moments les plus sombres de l’album. Frimant sur la plage en compagnie de The Tyde, Conor Deasy, parolier en chef des Thrills, rejoint ses copains le temps d’un excellent « Brock Landers ». A tue-tête, ils affirment « Jealousy will get you nowhere ». Sans doute. En attendant, l’équipage de Darren Rademaker décline la mer sous toutes ses vaguelettes. De chansons idéales pour un coucher de soleil océanique (« Aloha Breeze », « Don’t Nead a Leash ») en sprint sur le sable chaud (« Do It Again Again »), toutes les excuses sont bonnes pour prendre le large en compagnie de The Tyde.
En presque trente ans de carrière, Paul Weller n’avait jamais sorti de ‘live’ épinglant chaque étape de celle-ci. C’est désormais chose faite avec ce double « Catch-flame ! », enregistré au London’s Alexandra Palace, le 5 décembre 2005, à l’occasion de la dernière date d’une tournée sold out. D’après The Times, près de 50% du public présent avait moins de vingt-cinq ans. Un exploit pour un artiste dont la carrière a débuté en 1977, époque à laquelle il gravait son premier disque en compagnie de son groupe, The Jam. De ces années, il retiendra ici trois titres : « In the crowd », dans une version de plus de neuf minutes (dont deux soli de batterie), « That’s entertainment » et « A town called Malice », qui signe la fin du concert. De plus, Weller sélectionne deux hits de son deuxième groupe culte, The Style Council : « Shout to the top » et « Long hot summer » dans une version plus jazzy, qui a plutôt bien mûri avec l’âge. Weller fait également la part belle aux chansons de son dernier album « As is now ». Enfin, il va piocher dans le meilleur de sa carrière solo. « The weaver » et « Peackot suit » confirment le diagnostic : Weller est en pleine forme. Mais la bête peut aussi se montrer plus tendre, (« Wishing on the star » ou « Wild wood » que le public reprend en chœur), bouleversant même (« You do something to me »).
De l’autre côté de la Manche, Paul Weller est une véritable institution. Récemment, il s’est vu récompensé aux Brits d’une victoire pour son ‘exceptionnelle contribution à la musique’. Qu’on ne vienne plus demander pourquoi…
Prenons quatre jeunes garçons. Invitons-les à écouter les classiques de la scène pop-rock anglo-saxonne des dix dernières années. Attendons qu’ils digèrent et demandons-leur de faire un album. Ca, c’était il y a quelques années. Depuis, le groupe a connu des changements personnels (le départ du guitariste Pascal Van der Wielen et l’arrivée du multi-instrumentiste Watch de Schutter) et aujourd’hui, Yel sort son troisième opus. ‘Electrophone’, c’est avant tout le disque d’un groupe qui s’interroge sur la vie, sur l’individu et sa place dans la société. Un groupe sincère qui croit encore aux idéaux.
« Est-ce que tu l’entends » ouvre le bal et confirme que Yel est bien un groupe qui réussit le difficile alliage du rock et du français. L’intro du morceau rappelle « Smell like teen spirit ». Joli clin d’œil. Toutes guitares dehors, le groupe prouve qu’il connaît bien ses classiques : on retrouve les envolées chères à Muse (« De l’autre côté ») et les riffs entêtants de Placebo (« Sans idéaux », « Nos raisons de passage »). Mais Yel, c’est aussi la recherche de l’instant d’émotion comme dans « Faut-il » ou « Au prix de contre-jours », une jolie ballade qui semble tout droit sortie d’un album de Jean-Louis Aubert. Quant aux morceaux « Mon âme » et « Rien d’autres que toi », ils sonnent plus FM (on n’est pas loin de Kyo). Dommage ! Mais arrêtons les comparaisons car, s’il est facile de rapprocher Yel à certains groupes français (Noir Désir, Pleymo, …) ou anglais (Placebo, Muse), à qui peut-on les comparer en Belgique ? C’est peut-être là leur originalité et leur force…
Réduit aujourd’hui à un trio, The Vines nous propose son troisième opus. Un elpee qui fait suite à l’excellent « Highly evolved », paru en 2002 et au trop racoleur/accessible (biffez la mention inutile) « Winning Days », gravé deux ans plus tard. Craig Nicholls, le leader n’avait d’ailleurs pas tellement apprécié la critique négative qui s’était abattue sur sa seconde plaque. Faisant même le vide autour de lui. Finalement, il a accepté de se soumettre à différents examens médicaux. Et la faculté a diagnostiqué qu’il était atteint d’une forme assez rare d’autisme : le syndrome d’Aperger. Bref, on comprend mieux aujourd’hui ses réactions excessives. Et il faut lui reconnaître bien du courage pour avoir remis son métier sur son ouvrage. Malheureusement, ce « Vision valley » ne casse quand même pas la baraque. Et la présence de ballades inoffensives, pour ne pas dire inconsistantes, n’y est pas étrangère. On a même droit en final à un long slow de plus de six minutes, dont le Barclay James Harvest était si friand au cours des seventies. En outre, il faut se demander si Nicholls est atteint du syndrome d’Asperger ou de Kurt Cobain. Car le spectre du défunt leader de Nirvana hante la plupart des chansons de cette plaque. Il en a même chopé le timbre de voix. Et puis son néo grunge fait un peu daté. Même l’ouverture « Anysound », dont le riff de guitare semble avoir été pompé chez le « You really got me » des Kinks. Et pourtant, le disque recèle l’une ou l’autre petite perle. Et je pense tout particulièrement au hit potentiel « Don’t listen to the radio », compo power pop rampante, insidieuse, réminiscente des Cars. Du presque psychédélique « Candy Daze », tellement proche des Dandy Warhols. Et enfin de l’hymne insolite « Futuretarded ». Maintenant si vous êtes des nostalgiques des groupes qui ont marqué la scène de Seattle fin des eighties, début des nineties, vous pouvez acheter les yeux fermés…
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