Première collaboration entre l’hyperactif ‘Anticon superstar’ Alias et la jolie Rona ‘Tarsier’ Rapadas, « Brookland-Oakland » se révèle être un voyage cosmique. Collision entre l’univers impassible et mélancolique du ‘producteur-Dj-MC-etc.’ et celui plus éthéré et scintillant de la jeune femme, le disque nous plonge donc dès l’ouverture de « Cub » dans un tourbillon de savoureuses contradictions. Les beats obscurs coutumiers d’Alias se voient maquillés d’une voix angélique, très proche d’une Björk - parfois trop. Sur certains titres (« Picking The Same Lock », « Anon »), on en arrive à se demander s’il ne s’agit là que d’une collaboration de substitution pour le jeune homme, qui aurait peut-être préféré que la petite Islandaise pose sa voix sur ses compositions. Hormis ce petit accroc et, même le fait que le duo ne se soit jamais rencontré avant la fin de l’enregistrement du disque, la symbiose entre ces deux mondes dissemblables atteint la perfection. Emportés par les envolées indietroniques de « 5 Years », « Plane That Draws A White Line » ou encore de l’excellent « Luck & Fear » en compagnie de DoseOne (membre de Subtle, 13&God et Themselves), l’auditeur décolle et souhaiterait que le voyage soit éternel. Arrivé en bout de course au son d’un envoûtant « Ligaya », le retour à la réalité n’est que des plus amers. Ne reste donc plus que le plaisir du live : Alias, sans Tarsier, sera sur la scène Nameless à Dour le 16 juillet prochain.
La chaleur nous caresse le visage. Au loin, le soleil disparaît, tout doucement, se tâtant, cherchant comme toujours consolation à l’autre bout du globe. Le pas léger, nous avançons vers ces reflets orangers. David Thomas Broughton vient de composer « The Complete Guide to Insufficiency », bande son idéale de cette fin de journée ensoleillée. Par la grâce de cinq chansons en lévitation, Broughton se rapproche de Nick Drake et John Fahey, deux génies d’un siècle passé. Comme si Anthony (& The Johnsons) abandonnait son piano pour fredonner au gré d’une guitare folk. Enregistré en une seule prise sous la nef d’une église de la banlieue de Leeds, ce disque convoque la quiétude en toutes circonstances. Les agressions, les échauffourées et les colères meurent dans l’univers esquissé par David Thomas Broughton. Ne subsistent ici que l’amour, la mélancolie et l’espoir de meilleurs lendemains. Coups de cœur aux édifiants « Ambiguity » et « Unmarked Grave », véritables bénédictions musicales. Broughton chante à la mémoire de John Peel. Là-haut, l’animateur de la BBC affiche certainement un large sourire : le soleil approche. Un nouveau jour se lève.
Si David Bowie avait participé à l’éponyme de Placebo, la collaboration aurait certainement débouché sur un résultat proche de cet « Aerial View ». Les Allemands de Blackmail imitent à la perfection leurs modèles en n’ajoutant à leurs compos qu’une infime dose d’originalité. Cette dernière, on la retrouve par exemple sur « Couldn’t Care Less », lorsqu’une trompette impromptue fait irruption lors des quelques secondes de clôture du morceau, ainsi que sur « Soulblind » et son intro quasi-stoner. Mais le potentiel d’originalité de Blackmail est systématiquement tronqué par les vocalises limitées et monotones d’Aydo Abay. Cette voix crispante, proche d’un Molko qui aurait enfin mué, se fond d’ailleurs dans le décor sonore de notes guitaristiques mille fois usitées. C’est sûr, le rock FM insipide a encore de beaux jours devant lui.
C’est l’histoire d’une légende du rock : Larry ‘Wild Man’ Fischer, 'the Godfather of Outsider Music', étrange figure tutélaire des punks et de Daniel Johnston, maniaco-dépressif, paranoïaque et schizophréne, le seul vrai 'freak' de L.A. et du 'Summer of Love'… Si aujourd’hui peu de gens se souviennent de cet énergumène, c’est parce qu’il a disparu pour de bon de la circulation : 'He lost the pep', bref la folie l’a rongé jusqu’à l’os, et sans doute pagaie-t-il ces jours-ci en plein torrent mystique, "Derailroaded" comme l’indique le titre de ce documentaire réalisé par Josh et Jeremy Rubin… 'I’ve had been derailroaded by everybody !!!', gueule-t-il toute gorge déployée, le rictus figé dans un excès de barbituriques. Il l’aura connue, pourtant, son heure de gloire, avec l’album « An Evening With Wild Man Fischer », sorti en 68 sur Bizarre Records, le label de Frank Zappa… Mais l’entente cordiale ne durera pas longtemps entre le musicien hirsute et le forcené de la gouape a capella : trop fou, trop instable, 'bigger than life'. Après quelques séjours en hôpital psychiatrique, un concert au Rose Bowl en 69, partageant l’affiche avec Janis Joplin, The Everly Brothers, The Byrds et Joan Baez, Larry Fischer (il doit son patronyme d’‘homme sauvage' à Solomon Burke) manque de tuer le bébé de Zappa lors d’une rixe à propos de ses royalties… 'Did you know that Frank Zappa stole all of my money ?', confie-t-il aux frères Rubin lors du tournage de ce documentaire. C’est pourtant grâce à lui qu’il se sera fait un nom auprès des amateurs de bizarreries vocales, avant que le mythique label Rhino lui demande d’écrire un jingle pour leur fameux magasin de disques. « Go to Rhino Records », gravé en 1975, sera le premier 45 tours édité par le label indie. John Peel, à l’époque, le citera dans son top 50 de l’année, et Wild Man Fischer de devenir un personnage culte, admiré par des gens comme Mark Mothersbaugh (Devo) et l’internationale punk.
Après deux albums produits par Barnes & Barnes dans les eighties (« Pronounced Normal » et « Nothing Scary »), Fischer est de plus en plus la victime de ses propres démons. Persuadé qu’il est au centre d’une conspiration visant à le tuer (« Je veux rendre les gens heureux mais 'Ils' veulent ma mort !!! »), notre homme sombre peu à peu dans une folie incontrôlable (il refusera jusqu’il y a deux-trois ans à soigner sa pathologie par la médication). Les séquences filmées à cette époque (fin 90s/début 00s) dévoilent un vieil obèse complètement à l’ouest, persuadé qu’il est « le plus grand chanteur de rock de tous les temps »… Alors, Wild Man Fischer, bouffon psychotique ou génie incompris ? Les deux, assurément, et l’histoire ne nous contredira pas : ce sont les plus tarés d’entre les hommes qui enfantent souvent les plus intéressants chefs-d’œuvre. Ou qui, du moins, marquent les esprits. Il faut donc voir « Derailroaded » pour le croire, comme « Dig! », « Some Kind of Monster » et « The Devil and Daniel Johnston ». Un truc de ouf !
Nouvelle ambassadrice du folk américain, Catherine Feeny ne fait pas dans le chant citoyen. « Hurricane Glass » ne sera donc pas prétexte aux belles revendications politiques attachées aux grandes imageries folk. En substance, « Hurricane Glass » ne s’éloigne pas de son petit frère, l’éponyme « Catherine Feeny », publié chez nous en 2005. Une fois encore, les relations humaines, les liens inextricables de l’amour et la beauté d’une rencontre concentreront toutes les attentions des chansons de Catherine Feeny. Dans cette optique, « Hurricane Glass » ne dépoussière pas les cordes de sa guitare acoustique. Le grand nettoyage survient davantage au niveau de la production. Produit par Sebastian Rogers, l’album a été mixé par Dave Way (Sheryl Crow, Fiona Apple, Macy Gray, Paul Mc Cartney). Ce dernier confère une nouvelle dimension aux comptines dépouillées de Catherine Feeny. Plus orchestré, plus fouillé, ce disque célèbre la rencontre de la rusticité et de la modernité. Le son est chaud, les compositions sont enivrantes. Et on se laisse aisément emporter par ces airs familiers, aux carrefours des musiques d’Aimee Mann, Heather Nova et Suzanne Vega. « Hurricane Glass » éloigne Catherine Feeny des chaumières en bois rustiques et la rapproche des coutumes citadines. Cette fois, la voilà aux portes des radios.
Etrange, comme une pochette de disque, un titre, peuvent s’avérer trompeurs… Mais si on devait s’arrêter à ce genre de constat, bien des chefs-d’œuvre n’auraient sans doute jamais été traités comme tels, tant l’artwork, par sa laideur, ne donne parfois aucune envie de creuser davantage. Rassurons-nous également quant au nom de ce groupe : il ne s’agit pas de trance, et c’est un soulagement… Plutôt de songwriting électro-acoustique, entre Syd Matters, Troy von Balthazar et l’écurie Record Makers : en gros du beau boulot, encore marqué de l’hésitation due à la jeunesse, mais d’une évidence mélodique qui fait plaisir à entendre. Une beatbox attendrie, parfois des nappes à la John Carpenter, une guitare acoustique et cette voix caressante, à la Elliott Smith/Salim Nourallah : Loïc D., l’homme derrière H-Trance, a composé ici 10 ritournelles sans prétention, et pourtant il parvient à faire mouche. S’il s’agit de « Musique pour chien », alors on est prêt à se lécher le derrière en remuant la queue. Une belle découverte !
Les Lyonnais d’Immune nous tombent dans les bras tel un don du ciel. Un cadeau de la cigogne en quelque sorte. Certainement influencé par quelques autistes merveilleux comme Mark Hollis (le côté dépouillé), Sigur Ros (l’intensité) ou The For Carnation (la sombre fragilité), le quatuor inspire par la grâce d’une rare maîtrise, une sensation éthérée de plaisir terminal. Le groupe propose des mélopées organiques et élégiaques, une electronica minimaliste égrenée de gouttes de piano, bercée de brises de violoncelles et soutenue par une voix élégante. Leur musique dépeint des paysages inexplorés, des atmosphères allégoriques où toute certitude est balayée d’un souffle serein. L’exploration d’un monde où le cerveau de l’homme n’a jamais posé ses synapses. Un univers à perpétuellement réinventer, à défaut de pouvoir s’accrocher à quelque chose de familier. Immune suspend les notes comme on suspend le temps, entre deux bouffées d’air, deux battements de paupières et cultive au creux de nos reins comme un frisson divin, une angoisse tranquille. « Sound Inside ». Ouvrez la boîte. Une révélation !
On ne les avait pas vus partir... Mais cette fois on les voyait venir ! Depuis l’implosion surprise des désopilants Unicorns, on s’interrogeait. Pourrions-nous encore sourire en nous dandinant sur une énième pop-song ? Qui nous coupera les cheveux quand nous serons partis ? (référence absolue à l’unique album publié par les défunts Unicorns : « Who Will Cut Our Hair When We’re Gone ? ») Toutes ces questions nous minaient sérieusement le moral. Bienveillants, J’Aime Tambeur et Nick Diamonds, deux tiers du trio originel, se retrouvent sous le soleil de Islands. En duo, les Canadiens signent un syllogisme discographique : «Return To The Sea » (NDR: très cohérent lorsqu’on s’appelle Islands). Enregistré dans l’appartement de J’Aime à Montréal, l’album convie tous leurs amis : Regine Chassagne, Sarah Neufeld, Richard Parry (alias le roux fou) et tous les électrons libres d’Arcade Fire, sans oublier le rappeur national Subtitle. Le résultat est confondant d’ingéniosité. Comme si Tim DeLaughter (Polyphonic Spree) s’était accaparé les rennes d’Arcade Fire. Dès l’introductif « Swans (Life After Death) », on retrouve un sourire perdu lors de notre dernière coupe de cheveux. Pour danser jusqu’au bout de la nuit en consommant des myriades de substances psychotropes, rien de tel qu’un bon tube de la trempe de « Don’t Call Me Whitney, Bobby ». Pour délirer aux sons des violons, flûtes, orgues, clarinettes et autres sonnettes (de vélo ?), une bonne dose psychédélique de « Rough Gem » devrait convenir. La tête dans les étoiles, le bulbe rachidien sur une autre planète, on balance notre squelette au soleil sur la musique des Islands. Que l’été commence ! Il durera toute l’année...
Ce groupe américain est né en 1989. Il nous propose son deuxième opus avant d’avoir commis son troisième… en 2002 ! Non non, ne vous inquiétez pas, votre humble serviteur n’est pas devenu fou à l’idée du travail titanesque qui l’attend encore ! Cette aberration temporelle, ce vortex devrions-nous dire, s’explique bien plus facilement que vous ne le pensez. En fait, lors de la gestation de « Zenith », The Jigsaw Seen ne dénicha pas de maison de disques pour lancer son bébé sur le dur marché de la musique. Résultat des courses, le groupe fut forcé d’attendre cinq ans et de finir par publier cet album sur son propre label. Une démarche courageuse que l’on ne peut d’ailleurs qu’applaudir… Malheureusement, à l’écoute de ce « Zénith », on commence à comprendre pourquoi cette plaque ne trouva pas, à l’époque, de boîte assez courageuse pour la soutenir. Composée de titres pop-rock assez classiques et teintés d’influences early 90’s, elle peine en effet à trouver la mélodie qui marque, l’arrangement qui tue, l’étincelle destinée à mettre le feu au bûcher. Il serait bien sûr injuste d’affirmer que des titres comme « Fiddlesticks » ou encore « Letter to the editor » se résument à de sombres daubes ; mais de là à recommander l’achat de cette œuvre, il y a une marge rendue encore plus infranchissable par un morceau comme « Big Hand », insupportable à cause de la voix limitée du chanteur.
Jesus Christ Was A Motherfuckin’ Rock’n’Roll Star ! Oups, désolé les gars, je me suis laissé emporter. Parce que, oui, ‘Thou Shalt Not Take The Christ Name In Vain’ !… Et les Chevaliers de la Nouvelle Croisade (tout un programme), je n’aimerais pas les avoir au cul. A priori, on pourrait croire à une bonne blague second degré. Mais non, même pas… Certainement enregistré dans une cave d’église et produit par Dieu lui-même, ce disque de propagande chrétienne se veut être un raid contre les ‘maux’ de la planète : le porno, le divorce, l’adultère, l’homosexualité, etc. Tout y passe, même la mode. Ce qui fait doucement rire à l'écoute du son bien hype 70’s de la formation. Juste pour rire, quelques titres : « Got Some Gospel For You », « The Son Of God Goes Forth To War », « Why Do You Want To Go To Hell ? »… En concert, ça doit être quelque chose : on imagine facilement l’assistance, déguisée en fantôme à bonnet pointu, se torchant la gueule à l’eau bénite tout en grignotant du Chaussé aux Moines entre deux psaumes. En guise de décor, un beau crucifix en feu et quelques pendus colorés. Le disque satisfera indubitablement les bigots de tous bords. Mais le manque de tolérance et d’ouverture de ces crétins (un jeu de mots, ici, serait trop facile) rebutera aisément l'être humain normalement constitué. Voilà donc de quoi se réconcilier avec P.O.D.! Difficile de croire qu’un disque aussi pathétique puisse aujourd'hui se retrouver dans les bacs. Allez hop, ‘praise the lord for the garbage can’ ! Amen.
L’indietronica doit beaucoup au label allemand Morr Music (Notwist, Lali Puna, Isan, Styrofoam,…) : grâce à lui laptop rime avec pop, électro avec dodo, BPM avec R.E.M. (« Rapid Eyed Movement »), et l’on s’endort dans les bras de Morphée en cligant des yeux. Quatre ans après « No P. or D. », Micha Acher (des Notwist) et Stefanie Böhm espèrent encore hanter nos nuits de leurs mélodies bleutées, où se trament d’étranges ballets numériques. Par ailleurs, les cordes (« A Million Times ») et les guitares (« Scan The Ways », « No. One ») se fraient un chemin sinueux au milieu de la flore synthétique : le paysage ressemble malheureusement à une carte postale, tant le sentiment de déjà-vu imprègne chaque titre de ce disque remplaçable. Déjà entendu, chez les copains du label, voire chez Broadcast et The Postal Service. Là où le bât blesse encore, c’est qu’aucune mélodie ne sort vraiment du lot. La formule tourne à vide, dans un excès de mélancolie… Un joli beat, des violons et une femme qui murmure ? Ce n’est pas suffisant pour se sentir ému.
Loin des Etoiles et de ses amis de la Scène Sociale Brisée, c’est, cette fois, du côté de Nashville que musardent les cordes vocales de la Canadienne. Pour son premier effort solo, Amy Millan change donc radicalement de style pour se rattacher à un folk country imbibé de liqueurs en tous genres, comme en témoignent les titres « Pour Me Up Another One », « Come Home Loaded Roadie » et le bien nommé « He Brings Out The Whiskey In Me ». Noyé dans le fond de son verre entre deux glaçons ou à la main d’un quidam seul et déprimé, ce bon vieux whisky se fait l’accompagnateur idéal des mélancoliques « Hard Hearted (Ode To Thoreau) » ou « Baby I », berçant à la perfection quelques mauvaises fins de soirées. Tournée sur tournée, Amy Millan exhorte le piteux état de l’assistance à coups de sombres ritournelles. Mais lorsqu’elle s’échine à remonter le moral des vieux bourrés au fond du bar, la jeune femme se perd dans une country allègre et malvenue qui inciterait à la plus digne des bagarres de saloon (« Headsfull », « Wayward & Parliament », « Blue In Yr Eye »). Millan referme ensuite le bal des bouseux dans l’indifférence totale de son public comateux (« All The Miles »). Retombant sur ses santiags, la lonesome country-lady range sa guitare après avoir délicatement susurré « Pour Me Up Another One » à l’oreille du barman. On reprendrait bien un petit verre en vot’ compagnie p’tit’ dame. Mais malheureusement, l’abus d’alcool est dangereux pour la santé…
« For Fans Of : Faith No More, Fantomas, Mike Patton, Norah Jones, Massive Attack, Kool Keith, Tomahawk », peut-on lire dans la bio de presse accompagnant l’objet cartonné promotionnel. Cherchez l’erreur. Pour son nouveau projet gargantuesque (des années de labeur), Mike Patton a invité plein de gens : Odd Nosdam, Jel et Doseone du 'posse' Anticon, son vieux pote Dan the Automator (cfr. le chouette album « Lovage »), Amon Tobin, Kool Keith, Kid Koala, Dub Trio, et -plus surprenant- Massive Attack, Bebel Gilberto et Norah Jones. Ensemble ils s’amusent à donner quelques claques aux puristes de tous bords, version 'happy slapping ': ça n’a rien de méchant, tout le monde trouve ça drôle, et on se dit quand même que Mike Patton est un sacré comique. Evidemment, les fans du bonhomme ne trouveront rien à y redire, et ils continueront d’aller voir Fantomas puis leur médecin local. Et de trouver ça génial, et d’en parler comme si c’était le Messie, etc... Peu importe : qu’il dévergonde Norah Jones est déjà en soi une bonne nouvelle (l’entendre susurrer « Motherfucker » fait du bien aux oreilles). Et qu’il se prenne pour Stan Getz avec Bebel Gilberto, itou. Et puis pour une fois, il chante, sans simagrées vocales ni contorsions des amygdales. On croirait presque entendre du Faith No More, si la plupart des guitares n’étaient pas remplacées ici par des synthétiseurs. A part les deux titres faiblards commis en compagnie de Kid Koala et Amon Tobin, ce « Peeping Tom » convainc. De là à crier au génie… Que celui qui écoute le dernier Fantomas avant d’aller dormir lève la main, et tende la joue : une petite baffe et puis tout rentre dans l’ordre.
Les cinq Norvégiens de Real Ones puisent leur inspiration aussi bien dans la musique country que dans la musique africaine et le gospel, tant dans le folk qui sévissait dans le San Francisco des sixties que dans la pop psychédélique londonienne des années septante. Le résultat de ce brassage atypique se retrouve sur ce disque acoustique où harmonicas, mandolines et consorts se fraient un chemin parmi des voix qui se déclinent en chœur ou en canon. D’entrée de jeu, « Oh my », petite bombe estivale, annonce les festivités. La bonne humeur reste de mise avec « Everybody feels like laughing » et se prolonge jusqu’aux irrésistibles charmes de « Ballad of an old man », véritable hymne traditionnel qu’on ne peut s’empêcher de reprendre en chœur. Les morceaux suivants ne sont pas sans rappeler les mélodies des Kinks (« Stranger »), ponctuent une pop dynamiques de sonorités orientales (« She’s got me good ») ou encore résonnent joyeusement au son de clochettes (« The long sentence »). Au final, « Home with the girls in the morning » s’inscrit dans la tradition d’une musique populaire, au sens le plus noble du terme. Il est venu le temps de prendre la route, l’esprit libéré et une fleur dans les cheveux : l’été est là.
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