Unanimement acclamé par la critique en 2004 pour son album intitulé «Retriever », Ron Sexsmith a mis deux ans pour lui donner un petit frère. Benjamin d’une famille comptant déjà huit rejetons, « Time Being » ne devrait pas avoir de problèmes pour regarder ses aînés droits dans les yeux ! Coulé dans le même moule que ses prédécesseurs, cet album est en effet une petite merveille de pop ciselée et mélancolique ; véritable antidépresseur musical dont on aurait tort de ne pas se gaver. Guidées par la jolie voix de Mister Sexsmith, les compositions reposent aussi et surtout sur des mélodies tellement évidentes (sans être faciles) qu’elles semblent avoir toujours existé quelque part dans un petit recoin de notre cerveau. Impression confirmée notamment par un titre comme « All in Good Time » au refrain imparable. « I think We’re lost », « Reason for Our Love » ne font également que confirmer cette impression de sérénité et de calme qui semble s’emparer de l’auditeur à chaque écoute… C’est fou ce qu’on peut faire avec une batterie, une guitare sèche et une basse quand même… Du pur bonheur béat… Merci mec, ça fait vraiment du bien !
Alors qu’il fête cette année ses 40 ans de vie sur terre, Stuart A. Staples semble se poser beaucoup de questions. Les Tindersticks en suspens, il se devait de se prouver à lui-même qu’il peut se débrouiller tout seul, d’où ce deuxième disque solo, à peine un an après le ténébreux « Lucky Dog Recordings 03-04 ». Ce qu’on y entend, c’est le souffle d’un homme qui désire changer, renaître, trouver enfin sa voie. L’aurait-il perdue de vue depuis « Simple Pleasure », titre trompeur ? A cette époque les Tindersticks semblaient, de fait, coincés dans une impasse… Et même si ce disque évoque une remise en question (le titre), aucun bouleversement ne semble pour autant au programme : on retrouve ici cette mélancolie suave déjà présente sur chaque album des Tindersticks, des duos (avec Lhasa et Maria McKee), des cordes et des cuivres, et même deux Tindersticks (Neil Fraser et David Boulter) en renfort instrumental. La seule différence tient dans l’orchestration, moins ampoulée : comme une mise à nu, un besoin de naturel, sans fioritures ni distractions éventuelles. Ainsi à découvert, Stuart A. Staples exorcise ses démons : l’humilité enfin de mise, l’homme peut s’épanouir, rêver d’une existence plus simple. Une émouvante confession intime, qui le sauvera peut-être de la 'midlife crisis'. Quand il se sentira mieux, les Tindersticks ressurgiront peut-être… Ca ne dépend sans doute que de lui.
Eric Copeland (Black Dice) et Dave 'Avey Tare' Portner (Animal Collective) se sont enfermés l’été dernier dans un appart à Paris pour enregistrer ce troisième album de leurs mésaventures noisy : ça s’intitule « Dead Drunk », et c’est vrai qu’à l’écoute de ce 6-titres, le cerveau tangue et frôle le black-out sensoriel. Que les fans du folk mutant d’Animal Collective ne s’inquiètent pas de la tournure que prend d’entrée de jeu cet album frondeur : ici le drone est roi, le soundscape une profession de foi. A peine parvient-on à déceler, sous l’amas fumant des crépitements analogiques, l’empreinte des amygdales d’Avey Tare. Qui, pour le coup, semble bien seul dans ce tohu-bohu sonique : plongée dans cet acide bruitiste qui perfore le tympan, sa voix canaille résonne au loin comme un fantôme numérique, coincé dans l’Avalon. Dommage que tel partenariat n’ait pas enfanté d’un plus joli bébé : au milieu de ce terrain sonore dévasté, c’est Black Dice qui remporte ici la bagarre. On aurait préféré davantage d’allers-retours entre les univers respectifs des deux formations new-yorkaises. Ce n’est pas vraiment le cas, et c’est plutôt dommage. « Morts bourrés » ? A consommer avec modération.
Chaînon manquant entre le Souvlaki de Slowdive et le Trust de Low, la sensualité de Mazzy Star en sus, le troisième album de Trespassers William ne mérite pas de passer inaperçu. Du slowcore donc, teinté d’une délicate voix féminine (celle de Anna-Lynne Williams) et bardé d’une armada d’instruments tous plus cajoleurs les uns que les autres. Le nouveau fruit de cette collaboration avec Dave Fridmann, producteur des impeccables Soft Bulletin des Flaming Lips et Deserter’s Songs de Mercury Rev (rien de moins que ça), est à croquer. Sorte de songe éveillé, tunnel cotonneux sans fin, cette plaque émane des effluves de petit paradis, imposant à nos bêtes minois le même sourire radieux et décontracté qu’après l’acte. Et c’est bien de cela qu’il s’agit, une lente et vaporeuse descente aux confins des sens, là où rien ne compte sauf la caresse éthérée et luxurieuse d’une peau sucrée. La voix de la belle lâche « What if the sound of my voice is the sound of your lover’s voice » et l’on s’abandonne illico au fantasme, sans détour. Allez quoi, laissez-vous tenter, cueillez la pomme !
Question : quel est le pluriel d’Avril Lavigne ? Réponse : The Veronicas. Jess et Lisa Origliasso ont vingt-deux ans, un 'look qui tue' et sont jumelles. N’échappant pas aux règles de la génétique, lorsque l’une des deux commence une phrase, c’est son double qui l’achève, avant de reprendre en chœur le refrain. Résultat direct d’un tel duo, l’énergie est bien présente. Chacune des chansons (qu’elles ont par ailleurs composées) suit la structure classique que doit suivre une chanson pop ultra formatée : des couplets plutôt calmes et des refrains plus corsés. A la manière de TaTu, les Australiennes livrent ici une cargaison de tubes potentiels. : « When it all falls apart » en tête, mais aussi le single « 4ever », « Everything I’m not » ou encore, parce qu’il en fallait une, la ballade « Speechless ». N’excédant que rarement les 3 minutes 30, les morceaux parlent d’amour et d’amitié, comme d’habitude (mais peut-être moins naïvement). « The secret life of The Veronicas » est un album ultra sophistiqué qui ravira certainement les fans du genre, ceux qui, quand ils ne sont pas en train d’en parler au collège, regardent MTV jusqu’à ce que leur mère gueule et qu’ils soient obligés de répondre : 'Mais c’est bon, M’man, lâche-moi !' Bref, c’est frais, c’est jeune, c’est à la mode et c’est pénible.
Joe Bonamassa est originaire de l'Etat de New York. Un très jeune guitariste qui est monté sur les planches, à l’âge de 12 ans. Il s’est ainsi produit en première partie de BB King qui en fut, parait-il, fort impressionné. Ce dernier n’hésita alors pas à le qualifier de jeune prodige ou de ‘légende en devenir’! Joe commet son premier album en 1999 : "A new day yesterday", un opus produit par Tom Dowd. D'autres suivront, tel "Blues de Luxe", paru en 2003 (NDR : l’année du blues !) Son dernier elpee, "Had to cry today", remonte à 2004 ; mais depuis le label Provogue a décidé de rééditer toute sa discographie. Dernièrement, Bonamassa a été intronisé comme membre de la vénérable Blues Fondation.
Ce nouvel opus a été concocté sous la houlette de Kevin Shirley (Led Zeppelin, Black Crowes, Aerosmith). Pour la circonstance, Joe est soutenu par Rick Melick aux claviers, Carmine Rojas à la basse et Jason Bonham - le fils du regretté John du Led Zeppelin - aux drums, bien sûr.
"High water everywhere" ouvre la plaque sous les meilleurs auspices. Une compo écrite, il y a plus de 60 ans, par le mythique Charley Patton. Un traitement rockin' blues a été administré au chant du Delta. Une chanson qui relate la crue dévastatrice du Mississippi qui s’est produite en 1927. Joe fait ici, vous vous en doutez, une allusion à peine voilée au récent cyclone Katrina, responsable de la destruction d’une bonne partie de la Nouvelle Orléans. Son chant est grave, respectueux. Il n’en remet pas une couche. Sa guitare épouse le timbre de sa voix. Il libère progressivement de petits flots de notes, pendant que la section rythmique accentue ce ton volontairement dramatique. Il aborde son "Bridge to better days" dans son style bien à lui : du hard rockin' blues bien solide, sans pour autant s’embourber sur terrain lourd. Le chant peut rappeler celui de Paul Rodgers, un vocaliste qui militait naguère chez le Free. En outre, il bénéficie du concours d’un pote : Pat Thrall. Guitariste expert, il a longtemps côtoyé Pat Travers. Une histoire qui date quand même de plus de vingt ans. Slow blues assez sirupeux, "Asking around for you" est cuivré à la manière de BB King. Une technique que le maître adoptait régulièrement dans le passé. Mais si la démarche peut effectivement s'identifier à celle du glorieux bluesman de Memphis, elle évolue cependant dans un registre plus proche de Gary Moore que du vénérable King. Joe persévère dans le blues lent, mais sous une forme plus classique, pour interpréter le notoire "So many roads", une compo immortalisée autrefois par Otis Rush, un des fleurons du Chicago Westside. A moins que ce ne soit par l'Anglais Peter Green, qui en fit une excellente version sur l'album "Hard road" des John Mayall's BluesBreakers. D’ailleurs, en injectant une bonne dose de réverbération dans le son, il se révèle davantage disciple de Green que de Rush! En outre, sa voix libère tellement d’émotion ! "I don't believe" est un titre que j’apprécie tout particulièrement. Une plage écrite en 1956 par Don Robey et reprise par le brillant Bobby Bland. Le Bonamassa Quartet l’exécute de manière directe, primaire, sans le moindre artifice ; et c'est sans aucun doute la meilleure recette. Issu de la plume de Ry Cooder, le très sudiste "Tamp em up solid" manifeste beaucoup de sobriété et de douceur. Une plage qui se mue ensuite en hommage à Django Reinhardt. Intitulée explicitement "Django", elle est abordée à la manière d’un Jeff Beck des bons jours. Le son réverbère pas mal d’écho. Une recette adoptée déjà par Jeff, au cours des années 60, lorsqu'il enlevait sa version du Boléro de Ravel. Jason Bonham a hérité de son père le don exceptionnel de marquer le tempo. Se sentant si bien soutenu, Joe s'attaque à un chef d'œuvre de Led Zeppelin : "Tea for one" (NDR : commis sur l’elpee "Presence"). Plus de neuf minutes au cours desquelles il se complait à jouer les rôles de Jimmy Page et de Robert Plant (NDR : il se montre cependant bien plus efficace dans la peau du premier). La cover du "Your funeral and my trial" de Sonny Boy Williamson II n’est pas très conventionnelle. Melick siège derrière son orgue tandis que sort de l'ombre la frêle silhouette de LD Miller, un gamin de 12 ans, qui souffle comme un possédé dans son harmonica. Cet opus de bonne facture s’achève par "Torn down". A l’instar du début de l’album, il s’inspire du sud profond. Avant de virer au boogie collectif…
Eric Burdon est né le 1er mai 1941. Faites le compte : il vient donc de fêter ses 65 balais. Son principal titre de gloire remonte quand même à plus de quatre décennies. En 1962, très exactement ; lorsqu’il fonde les Animals. En fait, à cette époque, il cherche une réponse aux R&B bands issus de Londres : Rolling Stones, Yardbirds et autres Manfred Mann. Elle viendra donc du Nord de l'Angleterre. De Newcastle, très exactement. La formation connaîtra son heure de gloire dès 1964, lorsqu’elle commet le superbe "House of the Rising Sun". Un tube qui en appellera d’autres ; à l’instar de "It's my life" ou encore "Don't let me be misunderstood". En 1967, les Animals modifient leur patronyme. Ils deviennent les New Animals. Nous sommes alors en pleine période psychédélique. Deux ans plus tard, Eric entame une nouvelle aventure : War. Un groupe de musiciens noirs qui jouent un cocktail explosif de R&B et de funk. Depuis, Burdon mène une carrière solo, entrecoupée de reformations ponctuelle de ses Animals. Au cours des dernières années, il a concocté quelques albums de bonne facture. A l’instar de « My secret life » en 2004 ou encore du ‘live’ "Athens traffic" en 2005.
Ce nouvel opus marque son retour vers les sources de sa musique de base : le blues. Une œuvre qu'il dédie à la cité sinistrée de la Nouvelle Orléans. Le line up de base de son backing band circonstanciel réunit Johnny Lee Schell aux guitares, Mike Finnigan à l’orgue, Tony Braunagel aux drums (NDR : il assure, en outre, la production) et James Hutchinson à la basse. Une équipe renforcée épisodiquement par l’un ou l’autre invité. Et notamment le guitariste Carl Carlton, le pianiste John Cleary ; sans oublier Ivan Neville qui participe aux chœurs.
La plage d'ouverture, "Soul of a man", est superbe. La voix féminine de Melody Perry entre en scène. Elle est suivie par celle de Burdon. Il possède toujours ce timbre inimitable ; et manifestement ce timbre émouvant colle parfaitement aux chants du Delta. Les percussions font alors leur apparition ; avant que les autres instruments ne viennent alimenter le décor sonore. Une compo à la fois riche, dense et remarquable. "Kingsize Jones" est sculpté dans du pur funk. La guitare concède des motifs rythmiques nerveux. L'orgue Hammond, les percussions, les voix et quelques cuivres colorent l’ensemble. L’ombre de War n’est pas loin ; mais aussi celle des Neville Brothers! L'ouverture de "Red Cross store" répond parfaitement à nos attentes. La slide reproduit le son de Fred McDowell, avant de s'engager dans un boogie primaire. Burdon éructe ses vocaux, face à cette slide. Le piano est omniprésent. "Come se llama mama"marque un retour au funk, mais un funk exotique, latin, très dansant, dynamisé par les percussions de Lenny Castro et la section de cuivres, au sein de laquelle le saxophoniste Joe Sublett tire son épingle du jeu. Le blues hante toujours chez Eric. Et il le démontre lors de cette reprise impeccable, imprimée sur un tempo modéré, du "40 days and 40 nights" de Muddy Waters. Les ivoires sont toujours bien présents. Schell et Carlton conjuguent leurs guitares. Pour la circonstance, Rod Piazza se réserve l'harmonica dans un style très Chicago. La voix de Burdon est totalement contaminée par le blues pour interpréter "Feeling blue", une plage plus mélodique et raffinée. Son timbre puissant et rugueux lui permet d’embrasser une multitude d’horizons sonores, y compris la musique roots ; à l’instar du bien nommé "Never give up blues", un fragment qui s’ouvre par une guitare acoustique, avant de laisser pénétrer progressivement les autres instruments, et en particulier une slide fort métallique, sans oublier les choeurs solides. Particulièrement contaminé par le blues, Eric entame le "GTO" de David Munyon a capella. Un blues lent irréprochable, très fin de soirée, coloré par l'orgue Hammond. Les accords subtils du piano soutiennent avec bonheur la voix profonde de notre Anglais qui cite au passage le nom de grands bluesmen immortels. Il reprend "I don't mind" du même Munyon. Dans un même registre ‘late night bar’. Burdon ne redoute pas le Chicago blues urbain. C’est une certitude ! Il chante le "44" du géant Howlin" Wolf en dialoguant avec l'harmonica de Piazza et le piano de John Cleary. Eric raconte une histoire en intro de "Slow moving train" : il fréquentait un bar en France en compagnie de Memphis Slim, lorsqu'il apprit la mort de Robert Kennedy. Pas étonnant que cette ballade baigne dans la tristesse. Eric renoue avec le chant roots, face à un dobro métallique, tout au long de "Don't ever let nobody drag your spirit down". Signé John Rabbit Bundrick (NDR : ce claviériste a longtemps accompagné le Who sur les planches), "Devil run " campe un rockin' blues basé sur un riff. Pour notre plus grand plaisir, Eric achève l’opus par un boogie participatif : "Circuit rider". Il y partage son exercice vocal avec un harmonica libéré. Ne boudez pas votre plaisir, Eric Burdon vient de nous livrer un excellent album!
Après les petits meurtres, voici les petits cauchemars entre amis. Autant dire qu’on préfère dormir et se payer des heures de terreur en compagnie des quatre trublions d’Asyl. La dernière fois où nous avions croisé tant de détermination en France ? La réponse coule de source, elle est sombre : Noir Désir. La référence au groupe de Bertrand Cantat a été usée sans vergogne pour étiqueter de nombreux troupeaux de guignols hexagonaux. Cette fois, le rapprochement n’est pas volé. Electricité, authenticité. Asyl lance ses « Petits cauchemars entre amis » sur un « James Dean » rageur, fonceur. Les textes défilent dans une urgence, une violence trop rarement entendue dans les vignobles chiraquiens. Pour entrer dans cet univers fiévreux, le « James Dean » initial s’auto suffit. Les lignes de basse rebondissent, fonçant à travers les riffs stridents de guitares nerveuses. Produit par Andy Gill, le mythique guitariste de Gang Of Four, ce premier album réduit en miettes tous les détours du retour du rock entendus aux abords de la capitale. Si la bataille devait commencer aujourd’hui, Asyl serait le premier à sauter dans la tranchée. Guitare à la main, riffs tranchants, prêts à tuer pour percuter. Asyl ne suit aucune ligne de conduite. Pourtant, le groupe appuie quelques œillades électriques en direction du passé (« Génération » et « Zeppelin »). Mais ces clins d’œil ne trouvent pas écho dans ces chansons éjectées, postées aux portes du Gun Club, un lieu où les fantômes aiment à danser sur les brûlots des Stranglers, des Gang of Four et autres Buzzcocks. Un lieu où on chante en français. On crie, on se défoule. Ça déboule ! Après ces « Petits cauchemars entre amis », il ne nous restera plus qu’à courir. Droit à l’Asyl !
J’ai mal à la tête, y’a pas quelqu’un qui pourrait balancer la chaîne hi-fi par la fenêtre ? Durant les quelques secondes de l’intro de « Think Niles Drink », « Bongo » s’annonce comme la renaissance d’Atari Teenage Riot… pour, malheureusement, se poursuivre dans un grand n’importe nawak décevant. Entre electronica, noise, indie, punk et pop expérimentale, About prend le mélange des genres au pied de la lettre et pousse le délire un chouia trop loin, pour aboutir à un essai fourre-tout quasi inconsommable. Certes, quelques morceaux ont la bienséance d’être distrayants (« Boo(Hoo) », « Fury Dice (Dangling From The Guitar) », « Friends Applaud ») mais l’ensemble reste fort saumâtre…
Ancien rappeur hardcore au sein de N.A.P., ancien islamiste radical, Abd Al Malik a eu un parcours chaotique qui l’apparente un peu à Kéry James. Sa conversion au soufisme l’a amené à changer sa vision du monde, déjà exposée sur son premier opus solo « Le face à face des cœurs ». Ce deuxième album est une œuvre très ambitieuse qui bénéficie de collaborations multiples et prestigieuses. Renaud Létang (Jamie Lidell, Gonzales, Feist) se charge du mixing. Keren Ann et Mathieu Boogaerts posent leur voix. Bilal compose la plupart des titres en compagnie de l’arrangeur-batteur Régis Ceccarelli. Le pianiste Gérard Jouannest, ancien collaborateur de Jacques Brel, fournit trois compositions. Les castings ronflants ne font généralement pas les grands disques, mais ce « Gibraltar » a tout du futur classique. Empreint de culture hip hop, il transcende le genre car il n’en adopte pas les conventions et les clichés, ni les codes musicaux. Musicalement génial, il touille surtout dans le jazz le plus créatif (« Gibraltar », « les Autres »), les percussions africaines (« Je regarderai pour toi les étoiles »), le funk (« le grand frère »), la chanson française et les ambiances proches des plages mélancoliques de DJ Shadow (« Rentrer chez moi »). Le tout avec très peu de samples et surtout une grande palette musicale qui va des cordes au banjo. Les paroles sont évidemment très importantes mais difficiles à décrire. Avec son flow proche du slam, notre homme se concentre sur des thèmes graves (‘écrits à l’encre rouge de la douleur des blessures de mon histoire’) mais parvient à surprendre et divertir par un sens de la poésie et de la narration jusqu’ici jamais entendu dans le paysage musical français. Un must, comme dirait Bernard.
Plus de deux ans après leur étonnante aventure tropicale (« Amore del Tropico »), The Black Heart Procession reviennent avec « The spell », un album sombre et douloureux à souhait. La voix de Pall Jenkins, plus claire tout en restant profonde, est accompagnée du piano omniprésent de Thobias Nathaniel. A ce binôme initial viennent se greffer violons, guitares, basse et autres effets sonores. Moins folk qu’auparavant, moins bruts aussi, les morceaux semblent plus aboutis et gagnent en puissance. On regrettera néanmoins une légère perte de charme. Leur magie noire débute par « Tangled », un titre qui nous replonge dans l’ambiance délaissée après « Three». Vient ensuite « The spell », à n’en pas douter le 'hit' de l’album. Les chansons suivantes sont taillées dans un moule assez classique. La preuve: « The letter », qui s’inscrit dans la tradition des grands slows tels que le fameux « Night in white satin » des Moody Blues. Vers le milieu de l’album, les choses se corsent. Même fiévreux, « Return to burn » glace le sang ('I’ll find another world to burn my soul again, I am frozen'). Le troublant « The waiter #5» vient poursuivre l’énigmatique série que The Black Heart Procession entretient au fil des albums. Enfin, ils prennent plus de risques sur « GPS », « Places » et « The fix » avant de conclure, tout en émotion, sur « To bring you back ». « The spell », c’est le retour gagnant d’un groupe capable de créer une atmosphère des plus propices aux idées noires...
Une renaissance pour elle : il y a deux ans, Jane Birkin confiait la composition de « Rendez-Vous » à des artistes en vogue chez les jeunes (Mickey 3D, Miossec, Feist, Chao, Molko,…) et à quelques sexagénaires de sa trempe (Hardy, Bryan Ferry, Souchon, Paolo Conte, Veloso,…) : l’album était concept (des duos) mais pas variet’, d’où le soulagement, l’oreille attentive, « Blow Up » et « Melody Nelson ». Pour « Fictions », l’Anglaise s’occupe cette fois toute seule de l’interprétation, mais encore une fois elle est bien entourée : à l’écriture on retrouve ainsi The Divine Comedy, Tom Waits, Gonzales, Rufus Wainwright, Beth Gibbons, Dominique A, The Magic Numbers, Cali, Neil Young, Arthur H., Kate Bush, Maurice Ravel, Hervé Guibert, aux chœurs l’impeccable Jamie Lidell et aux instruments Johnny Marr, Mocky et… Gonzales. Trois covers (Waits, Young, Bush), huit chansons originales, un texte de l’écrivain Hervé Guibert sur une musique de Ravel. Si la scène pop-rock anglo-saxonne se taille cette fois la part du gâteau, c’est parce que Jane Birkin voulait ‘wremonter à la sourwce de ses owrigines british’ (admirez l’accent). Aurons-nous bientôt droit à l’intégrale de Black Sabbath en version javanaise avec Pleymo et Tool en invités vedette ? Toujours est-il que « Fictions » est une belle réussite, les compositions de chaque invité se révélant pareilles à elles-mêmes, c’est-à-dire plutôt bonnes (« Living in Limbo » de Gonzales, également à la production, et « Steal me a dream », signée The Magic Numbers).
Il y a trois ans, « Cedars », le précédent effort des Anglais de Clearlake, était quasi l’un des albums pop-rock de l’année : sans forcer le trait, ces gars-là nous offraient de bons titres bien charpentés, mais qui pourtant laissèrent tout le monde indifférent. Mmmmh… Mystère. A l’heure où Domino parie d’abord sur ses poulains (Psapp en tête) et fait son beurre avec Franz Ferdinand et les Arctic Monkeys, on imagine le sort de Clearlake un chouia moins enviable. Ne pas baisser les bras : au fond, ceux qui ont déjà écouté les chansons de Clearlake savent qu’un jour il y aura une justice. Que des titres comme « No Kind of Life » et « Finally Free » valent bien trois Elbow et deux Fireside, tant leur puissance mélodique saute aux tympans et à la gorge. Qu’il y a du BRMC, du QOTSA et du SOOL parsemés dans leur alphabet de la chose rock’n’roll. Qu’un harmonica, quand il pète à la gueule, s’avère un engin du démon (« Neon » et ses airs de « I Feel You » (DM) à la JSBX). Que la suavité n’est pas l’apanage de Jason Pierce et de Glen Johnson (« Good Clean Fun » et « You Can’t Have Me »). Que Brighton n’est pas seulement la ville de Fatboy Slim. Bref, que Clearlake est un grand groupe honteusement méconnu. Cette critique, certes, n’inversera pas la tendance. C’est alors qu’arrive le doute existentiel : et si tout ce que je vous raconte ne servait à rien ? Espérons que Clearlake connaisse un jour un vrai succès d’estime (au moins)… En attendant, on en causera à nos voisins.
![Dest1 - HaZâr2 [utopie fataliste ou résignation idéaliste]](/media/k2/items/cache/1bbaad13db4af2c2ee70cb76148e9d8a_S.jpg?t=20080615_133703)
« Faites vos jeux ! », titre le premier morceau de ce deuxième album des Chili KumQuat : faut-il miser tout de suite sur leur metal pubère ou attendre plusieurs tours de chauffe avant de lancer la bibille ? Les champions à ce jeu portent ici de drôle de pseudonymes : Therapy ? (période « Nurse »), System of a Down, Lofofora, Slipknot, la Nowhere Team, Limp Bizkit,… Tous regardent les gestes du croupier d’un œil torve, prêts à jeter leur liasse de biftons dès que le vent tournera. Les outsiders, Wallons de surcroît, préfèrent ne pas piper mot quant à leur stratégie. A les écouter, on comprend pourtant vite quel sera leur premier choix tactique : le mimétisme, pour ne pas éveiller les soupçons. Gros riffs métalliques, ruptures vocales et rythmiques, phrasé comique massacrant les syllabes : les adversaires sont conquis, on rigole, on se tape dans le dos. ‘Ah, ces petits Belges, z’ont l’air de rien mais faut faire gaffe qu’ils nous plument pas comme de pauvres sagouins !’, lance goguenard le gros bouclé de SOAD. Un des types masqués de Slipknot éructe au moment où la bille s’arrête sur le « 66 » : « Le noir gagne », déclare le croupier, sauf que ce sont les Wallons qui empochent la mise. « Les jeux sont faits », Chili KumQuat trépigne. C’est alors que s’énerve le grand chauve de Lofofora, qui les assomme d’un gros coup de boule : « Rien ne va plus », ironise-t-il le front dégoulinant de sang. Ah merde, ils étaient bien partis pour qu’on parle enfin d’eux, et même ailleurs qu’au festival de Dour… La prochaine fois les gars ?
Nederlands 
Français 
