Fence n’en a rien à foutre…

Le combo rock limbourgeois Fence sortira son nouvel album, « Nobody Gives A Fuck », le 16 octobre 2026. Un titre qui laisse peu de place à l'imagination, quoique... Propulsés par un nouveau batteur, Wim Coppers, installé derrière les fûts, les musiciens de…

Enregistré sous Ex:Re

Elena Tonra rompt le silence de son projet solo Ex:Re. La voix du combo indie-folk londonien Daughter annonce la publication de Save As, un nouvel elpee attendu pour le 30 octobre chez 4AD. Pour faire patienter l'auditoire, elle dévoile le single d'ouverture…

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L7

Joe Louis Walker

New direction

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Joe Louis est né en 1949. Le jour de la Noël. A San Francisco, dans une maison où le blues était bien présent. Agé de 14 ans, il jouait déjà de la guitare et ouvrait les concerts d’artistes aussi prestigieux que Muddy Waters, John Lee Hooker ou Lightnin' Hopkins. Fin des années 60, il partage l’appartement de Michael Bloomfield, au sein d’un quartier à la mode de Haight Ashbury. C'est à cette époque qu'il tombe sous le charme de la slide. En 1975, sa foi le pousse à rejoindre un ensemble de gospel : les Spiritual Corinthians. Il y militera une dizaine d'années. Il revient alors au blues en fondant les Bosstalkers. Son premier album, "Cold is the night", remonte à 1986. Dans la foulée, il aligne "The gift" en 88, "Blue soul" en 89 et deux volumes enregistrés en public : "Live at Slim's". En 91 et 92. La machine Walker est alors sur les rails. Reconnu à travers le monde, il ne se repose pas sur ses lauriers et continue à commettre d’excellents elpees : "Blues survivor" en 92, "Blues of the month club" en 95 et "Great guitars" en 97. En 2002, Joe Louis entamait la confection de quatre albums. Quatre opus qu’il allait enregistrer sur une période de treize mois. Un projet qui allait lui permettre de démontrer toutes les facettes de son talent. Que ce soit sous la forme électrique, acoustique ou encore à la slide, il s’en tire toujours avec le même bonheur. On aura ainsi droit successivement à "In the morning" sur Telarc, "Pasa Tiempo" sur Evidence, "Guitar brothers" (NDR : qui bénéficie de la collaboration d’Otis Grand) et "She's my money maker" (NDR : caractérisé par une slide dévastatrice) ; ces deux derniers elpees parus chez JSP.
 
Notre Joe Louis est aujourd’hui embarqué dans la distribution européenne de Provogue Records aux Pays-Bas, écurie reconnue pour ses productions rock/blues particulièrement électriques. Un défi qui n'est pour déplaire à notre artiste, car il n’a guère d’égal dans l’art de torturer ses cordes. Pour la circonstance, il a reçu le concours des musiciens qui l’épaulent habituellement : Robert Watson à la basse, Carl Carter à la batterie et Ellis Blacknell Jr aux claviers. Joe Louis signe ou co-signe toutes les plage. Il assure également la production.
 
Très rock, "Do you love me" évolue dans le créneau habituel de Provogue. Au cours de ce titre d’ouverture, la guitare hurle. Largement amplifiée, elle déborde d’intensité. Joe dispense également des riffs bien calibrés, en rerecording. Très en relief, la voix perce aisément l’écran de son. Les tonalités de la guitare s’équilibrent pour "Custom cars, Gibson guitars". La section rythmique est solide. L'orgue de Blacknell se distingue clairement. Puis la guitare décolle brusquement dans un solo impressionnant. Le chanteur injecte énormément d’âme dans la voix pour interpréter "Messed my mind up", une ballade tranquille, imprimée sur un tempo lent, au cours duquel les parties instrumentales affichent une grande sérénité. "New direction" hausse le rythme tout en maintenant une tonalité soul. Superbe, puissante, la voix rappelle un Otis Redding des meilleurs jours. "You don't love me" évolue dans un registre fort proche du blues. Une ballade mid tempo alimentée par une guitare gouailleuse qui égrène parcimonieusement de petits chapelets de notes lustrées et efficaces. Il libère largement ses cordes tout au long de "Tempting me". Parfaitement ciselés, dispensés à la manière de BB King (surtout) ou d'Albert Collins (parfois), les accords transpercent les mélodies ; sans pour autant perdre l’identité et surtout l’élégance qui caractérise le jeu de Walker. "Soldier for Jesus" embrasse un style gospel. Joe Louis se remémore ici son séjour chez les Spiritual Corinthians. Petite bombe instrumentale, "Mr G's boogie" permet à chaque partenaire de tirer son épingle du jeu. Ellis Blacknell et Joe Louis, plus que les autres. Joe chante divinement "Ain't that cold", un shuffle bien ficelé alimenté, pour la circonstance, par une slide au son particulièrement graisseux. Manifestement, Joe est un des meilleurs joueurs de slide contemporains. Et son précédent elpee, paru chez JSP, en est toujours la plus belle démonstration. D’excellente facture, l’elpee s’achève par "Lena", un instrumental délicieux dont les changements de rythme peuvent nous faire penser tantôt à l'Allman Brothers Band, tantôt à Carlos Santana, tant le niveau est élevé.

Johnny Winter

Dust Bowl blues

Écrit par
Johnny Dawson Winter III est âgé de soixante ans depuis le 23 février dernier. Un anniversaire qu’il n’a fêté que quelques mois plus tard. En commettant "I'm a bluesman", son premier opus depuis plus de six ans. Originaire de Beaumont au Texas, cet albinos avait fondé son premier groupe en 1962, Johnny and the Jammers. En compagnie de son frère cadet Edgar, préposé alors au piano. Au cours des années suivantes, il aligne toute une série de singles sur différents labels, plus obscurs les uns que les autres. En 67, il émigre à Houston ; et l’année suivante concocte "The progressive blues experiment", un elpee pour lequel il reçoit le concours de Tommy Shannon à la basse et d’Uncle John Turner aux drums. Signé par Columbia, il leur consacre cinq albums. Jusqu'en 1974. Il est alors considéré comme une véritable megastar. Il passe alors chez Blue Sky, un sous-label de CBS. A cette époque, il fréquente de plus en plus Muddy Waters, et rejoint d'ailleurs le MW Band en 1977. De cette rencontre naîtront quatre long playings. A l’issue de ce périple, il a quelque peu perdu de sa notoriété. Le label chicagolais Alligator tente alors de le remettre sur pied. Avec des résultats plus ou moins concluants…
 
Ce box set réunit quatre disques. Mais le plus intéressant est sans conteste le premier. Baptisé "Walking by myself", il immortalise un concert live enregistré en 1977, à Long Island (New York). Un set programmé dans le cadre de la tournée organisée pour assurer la promotion de l'album "Nothing but the blues". Apparemment, Johnny est accompagné par Edgar Winter au piano, Pat Ramsey à l’harmonica, Pat Rush à la guitare, I.P Sweat à la basse et Bobby Torello aux drums. Un concert exceptionnel au cours duquel Johnny est au sommet de son art. On y retrouve les superbes blues lents "Mother Earth" et "Busted in Austin", des blues rockers ("Messing with the kid", "Walking by myself") et quelques titres franchement rock qu'il avait l’habitude d’interpréter à cette époque : "Johnny be good" ainsi que les reprises d’"It's all over now" et le "Jumping Jack flash" des Rolling Stones.
 
Intitulée "A lone star kind of day", la deuxième plaque nous replonge dans la période qui précédait son avènement au rang de star. De nombreuses plages sont extraites de sessions issues des 60s, parfois des 70s. On y décèle déjà la future étincelle qui s’annonce. Sa manière furieuse de chanter, comme si sa vie en dépendait, est éloquente sur le morceau d’ouverture. Une version originale du "Louie louie". Pourtant, on le reconnaît à peine lorsqu'il chante "We go back quite a ways". Un blues qu’il interprète parfaitement face aux choeurs féminins. Difficile d’imaginer qu’"Ease my pain" soit de Johnny. Même si c’est un swamp blues de bonne facture. Que dire alors lorsqu’il chante "Fallin' in love" et "Shed by many tears", des chansons d’amour interprétées avec bien de la conviction. Pur country honky tonk, "A Jack Daniels kind of way" intègre même un violon. Cet opus recèle quelques moments intéressants. Et je pense tout particulièrement à l'instrumental "Ookie dookie stomp". Au curieux "Broke and lonely". On croirait presque entendre le Sir Douglas Quintet" d'un certain Doug Sham.
 
Intitulé "Nightrider" le troisième disque propose des prises alternatives et quelques inédits. Des enregistrements exclusivement destinés aux inconditionnels de Winter. A nouveau des témoignages d’un artiste en devenir. Evidemment, on y discerne déjà son génie musical. Qui se manifeste déjà sur le Delta blues électrique "Half a pint", un blues lent bien senti. Ou encore tout au long de "Carefool with a fool", au cours duquel la flamme est bien présente. Je retiendrai encore des versions très poignantes de "Leaving blues" et du "Kind hearted woman" de Robert Johnson. Dommage que ces bandes ne fassent l’objet d’aucun commentaire. Un travail d'archiviste aurait été bien nécessaire pour les mettre en valeur !
 
Le quatrième volet (NDR : "Blue to the bone") épingle une session studio de 1967. Soi-disant inédite elle est rehaussée par la présence de Calvin Loudmouth Johnson. Cette tranche de blues primaire n’a cependant rien d’inédit. De cette plaque seules les plages très roots "Lien on your body", "Alone in my bedroom" et "Take my choice" méritent une attention particulière. En fait ces quatre albums étaient déjà parus séparément sur le label américain Relix. En 1992. Et sous la forme du même coffret 4CD en 2000.

Subtle

A new white

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Sextet en provenance d’Oakland, Subtle pratique une musique que l’on peut vraiment qualifier d’hybride. A la croisée des chemins de l’électro, du rock et du hip-hop, les onze plages composant « A new white » (c’est le nom de l’album) mangent d’ailleurs un peu à tous les râteliers pour finir par engendrer un ensemble sonore compact et cohérent. Jalonnées de beats tour à tour lourds ou syncopés ainsi que de samples froids, les ambiances proposées ici se révèlent résolument apocalyptiques et hivernales au point de pouvoir revendiquer l’étiquette d’‘enfer industriel’ ou de ‘cauchemar peuplé de petits nains maléfiques’. L’ensemble est, de plus, bien soutenu par un MC à la voix paranoïaque qui, s’il se mettait au rock pur et dur, pourrait sérieusement penser à faire l’une ou l’autre pige du côté des Pixies si d’aventure Frank Black était victime d’une indigestion… On retiendra ainsi, au cours de ces quarante minutes de voyage polaire, des titres comme « I love L.A » et sa guitare gentillette faussement annonciatrice de moments de plénitude ainsi qu’un « Silence… » à l’ambiance de Noël nucléaire. Au final, et ce malgré une voix qui pourra agacer sur la longueur, « A new white » se révélera fort intéressant à petites doses…

Sophia

People Are Like Seasons

Pour beaucoup d'entre nous, la musique de Sophia symbolise la douleur et la tristesse, résonne à nos oreilles comme le cri déchirant d'un homme en pleine déroute sentimentale. C'est que Robin Proper-Sheppard n'a pas eu de chance avec The God Machine, son premier groupe : alors que lui et ses deux potes enregistraient leur deuxième album promis à toutes les louanges, la mort vint frapper à leur porte sans crier gare, emportant l'un d'entre eux, pour toujours. C'est le début du calvaire pour le chanteur, qui, pour oublier, panser ses plaies, se lance éperdument dans l'écriture de chansons au pessimisme malade. Le malheur des uns fait souvent le bonheur des autres : " Fixed Water ", le premier album de Sophia, aura ainsi permis à bien des mélomanes au cœur fragile d'exorciser leurs peurs et leurs rancœurs, face à cette vie qui parfois s'enlise dans le pire des marasmes émotionnels. Pour un temps, Robin Proper-Sheppard deviendra notre ami dans la déroute, et sa musique mélancolique une bouée en plein déluge. Après " The Infinite Circle " (1998), moins convaincant, et un live aux Nachten, Sheppard est de retour, encore tourmenté mais plus fougueux, parce qu'après les nuages noirs vient l'orage, et que coups du sort et coups de sang, ça va plutôt bien ensemble. " Oh My Love " donne le ton : encore une fois ça parle de rupture, sauf qu'ici la guitare se fait plus électrique, et la batterie plus coriace. En un mot : ça pète, mais sans que la mélodie en pâtisse. Du grand art. D'autant que Sheppard ne tombe jamais dans le larmoyant : c'est triste mais pas patraque… La souffrance est palpable mais le chant évite toute complaisance. L'honneur est sauf, la tête est haute. " Swept back to all the grief and the worries ", entonne-t-il d'ailleurs sur le titre suivant (" Swept Back "), comme quoi le plus dur est passé… Sur " Desert Son No 2 ", l'ambiance pourtant retombe : c'est la chute de tension… Avant un final bruitiste digne du meilleur Mogwai, qui donne envie de taper des poings sur les murs. La violence engendre la violence : " Darkness " et " If a Change Is Gonna Come " crachent leur venin rock jusqu'à l'épuisement, signe d'un retour au calme salvateur (" Swore to Myself "). Après tel déchaînement, une pause s'impose (" Swore to Myself "), avant l'exercice pop (" Holidays Are Nice " : son " California Dreaming " à lui ?) et deux complaintes finales belles à pleurer - du Sophia pur jus, aux blessures de cœur à peine cicatrisées (" I Left You " et " Another Trauma " : la joie). Une chose est sûre : même si Sheppard a durci le son, ce n'est pas encore la fête dans sa tête… Les célibataires forcés ont en tout cas de quoi se réjouir : grâce à Sophia, leur Saint-Valentin ne se fera pas en solitaire. Comme on dit : dans la déprime, mieux vaut se serrer les coudes.

Soldout

Stop Talking

Il va sans dire que Soldout a tout pour plaire chez les fashion victim : hymnes rétro (elektroklash ?), design léché (la pochette), paroles sexy, refrains m’as-tu-vu, références excitantes (Miss Kittin, Garbage, Le Tigre, Peaches, Felix Da Housecat, etc.). En plus Soldout est un produit du terroir : Charlotte Maison et David Baboulis sont wallons, et leur label est hutois. Et leur premier single, l’imparable « I Don’t Want To Have Sex With You », s’avère déjà un tube… de ce côté-ci de la frontière linguistique. Stop ! Reprenons : Soldout a tout pour plaire à tout le monde : ses chansons valent bien celles de Vive La Fête, c’est plein de beats pouet pouet et de guitares Red Bull, c’est parfait pour danser tout l’été et draguer les minettes, c’est facile à chanter. Soldout n’a rien du duo carriériste : de toute façon sa musique (électro-pop) reflète l’instant présent, cette époque chic et choc. Il faut en profiter maintenant, sinon il sera trop tard. Soldout on aime, sans aucun opportunisme. « Stop Talking » shit, and dance to the beat !

Pinback

Summer In Abaddon

Ne pas croire qu’on en saura davantage sur Pinback : ces gars-là ne lâcheront pas le morceau, même après une nuit de défonce (cfr interview). Leur musique se suffit à elle-même : la belle affaire, certes ; mais dans leur cas elle devrait largement nous suffire. Qu’on ne comprenne que pouic à leurs " métaphores de métaphores " n’enlève rien à la beauté sourde qui suinte de leurs opus. Et celui-ci vaut bien les deux premiers, car pour une fois Rob Crow et Zach Smith s’épanouissent et touchent à l’essentiel : on les croirait presque heureux, c’est dire… " Summer In Abaddon " est donc l’album le plus abouti de Pinback, le plus jusqu’au-boutiste aussi. Leur style, inimitable, n’a jamais si bien sonné : encore une fois l’on se perd dans les méandres rythmiques de ces complaintes douces-amères, mais ce qui change est qu’ils osent enfin la ligne claire, l’audace presque pop (" Fortress "), voire rock (" AFK "). Certes, on parle ici de décalage : Pinback ne sera jamais le groupe de pop ultime, à chantonner sous la douche. Il est bien plus subtil. Donc infiniment plus touchant. Qu’on se rassure : Pinback reste ce groupe atypique, qu’on chérit en secret. Mais pour la circonstance, on aimerait le partager, parce qu’il est temps de le reconnaître : ces types sont, dans leur genre (unique), de vrais petits génies.

Modest Mouse

Good News For People Who Love Bad News

Après avoir commis cet opus, Modest Mouse devrait enfin rencontrer le succès, du moins celui d’estime. Jusqu’ici, Isaac Brock et ses sbires n’étaient jamais vraiment parvenus à se faire remarquer. Le changement ? Il y a un tube, déjà (« Float On »). Et puis tout le reste : « Bury Me With It » et son rock branque à la Père Ubu, l’exercice country « Bukowski », le bucolique « The Good Times Are Killing Me », auquel Flaming Lips ont participé,… Modest Mouse pourrait bien remplacer Pavement dans le cœur de tous les fans déçus d’indie : grâce à ses mélodies déroutantes, ses chansons en colimaçon, cette folie douce irriguant chaque note de cet album au poil, Modest Mouse a de quoi, pour une fois, se vanter. La modestie ici est un vilain défaut : quand on pond pareil disque, y a de quoi être fier, et le crier fort à qui veut l’entendre. Pour la circonstance, on devrait être nombreux à répondre à l’appel.

Syd Matters

A whisper and a sigh

Écrit par
En choisissant pour pseudonyme Syd Matters, Jonathan Morali ne pouvait que vouer une grande admiration à Roger Barrett. Et refléter cette passion à travers sa musique. Seule différence, il ne se contente pas de gratter sa six cordes, mais caresse régulièrement vers le clavier, tire parti d’une boîte à rythme et surtout, a recours à la technologie moderne. Hormis « Black and white eyes », fragment pour lequel il s’est entouré d’un véritable backing band, Morali fait pratiquement cavalier seul tout au long de cet opus. Son premier ! Un disque dont les chansons empreintes de mélancolie brumeuse sont soulignées par son timbre vocal éraillé, tellement proche de Mark Olivier Everett. A un tel point que parfois il lui arrive d’emprunter le sens mélodique d’Eels. L’ombre de Syd Barrett est donc bien présente, mais aussi de Gorky’s Zygotic Mynci. En particulier sur les plages les plus minimalistes. Mercury Rev et Flaming Lips aussi. Dès que les arrangements et les orchestrations épousent une forme plus complexe. A l’instar du remarquable « Dead machine ». Ce périple à travers le psychédélisme nous propulse même, nonobstant son clin d’œil à Grandaddy, dans l’univers floydien de « More », sur un étonnant « Bones ». Et les oscillations du clavier n’y sont pas pour rien ! Des oscillations que le lugubre et ‘cathédralesque’ « Morpheus » conjugue sur un mode Eyeless in Gaza. Une composition dont la mélodie refait surface lors du morceau caché. Un seul titre s’écarte de l’ensemble : « Stone man ». Low tech, contagieux, il me fait même pense à Taxi Girl. Un chouette album habillé d’un superbe digipack.

Liars

They Were Wrong, So We Drowned

Qui a eu tort ? La plupart d’entre nous, qui pensions que les Liars allaient sauver la face du punk funk revival avec leur premier album sorti il y a deux ans, un mix décadent de guitares incendiaires, de basses addictives et de groove mutant. Parce que les Liars sont (déjà) de retour, et ça n’a plus rien à voir : finies les mélodies, les refrains, les poses de rock stars,… « They Were Wrong, So We Drowned » est taillé dans le bruit le plus tribal, sur les ruines indus d’un rock exposé aux pires radiations, comme Sonic Youth en son temps. Pour faire ce disque, Angus Andrew et Aaron Hemphill se sont enfermés dans une baraque au fond des bois. Ce qui explique la présence de fantômes qu’on entend aux détours de chaque titre. « Fly, fly, the devil in your eye, shoot shoot ! », chante Andrew sur « We Fence Other Gardens With The Bones of Our Own » (sic) : peut-être qu’il a vu un truc bizarre en pleine nuit, et qu’il exhorte son pote à sortir son flingue. On n’est jamais trop prudent ! Ou peut-être que c’est dans l’œil de son pote qu’il a vu le diable, et qu’il panique comme en plein « Evil Dead ». Ce disque pourrait d’ailleurs servir de bande-son parfaite au « Blair Witch Project », d’autant qu’il parle beaucoup de sorcières, même si on n’y comprend que pouic. Ca fout les boules, cet amas de dissonances et de batterie martelante, de bleeps crissants et de riffs à la (massacre à la) tronçonneuse. Les Liars se sont perdus en pleine nature, et doivent combattre les démons qui n’ont qu’une seule envie : défoncer leur porte. Et leur crâne. Et le nôtre. Au loin, des tam-tam : peut-être des cannibales. Il fait noir. Qui est là ? C’est quoi, ces cris ! ? Pourquoi tu te promènes avec cette perceuse ? ! ? Mais, qui… Aaaaahh ! ! ! ! (Long silence, il fait jour, les oiseaux chantent, des traces de sang sur les murs, un disque traîne par terre, entre deux corps… Seule pièce à conviction de ce carnage affreux. « Mais que s’est-il passé ? », se demande l’enquêteur en insérant le CD dans son autoradio… To be continued).

Hollywood P$$$ Stars

Year of the Tiger

Les voilà signés chez Naïve, signe que le rock juvénile des Liégeois d’Hollywood Porn Stars pourrait s’exporter au-delà de nos frontières. Une bonne nouvelle, après le succès public et critique rencontré par les Girls et Ghinzu en France et même ailleurs… Le rock wallon, donc, se porte bien, même si ce n’est que le début. Après « All on the Six » (EP sorti l’année dernière – cfr rubrique « Interviews »), Anthony Sinatra, Redboy et leurs deux potes de l’ombre se fendent enfin d’un premier album en bonne et due forme. Ici la forme est encore et toujours de l’Emo et de la pop, bref du bon rock mélodieux et fougueux, teinté parfois d’électronique (vous suivez ?). Il y a même des solos et des titres plus calmes, mais l’essentiel réside dans ces guitares incisives qui se cherchent des noises. Surprise : Redboy abandonne presque le chant, laissant à Sinatra une latitude vocale jusqu’alors en pleine mue… « Year of the Tiger » montre ainsi les Liégeois plus sûrs d’eux-mêmes, l’année (live) 2004 leur ayant permis de gommer toute erreur de jeunesse. Aujourd’hui, Hollywood Porn Stars est un groupe soudé, musicalement sans reproches, qui frappe à nos oreilles. Désormais nos pavillons leur sont grands ouverts : ils peuvent même y rester toute l’année 2005.
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