La première ébauche de Beguiling Junior

Le mystérieux duo Beguiling Junior, formé par Kaya Wilkins (Okay Kaya) et Oli Burslem (YAK), s'apprête à dévoiler son tout premier elpee intitulé « First Cut ». Attendu pour le 2 octobre 2026, ce disque marque la naissance officielle d'une collaboration aussi…

Tommigun fait de vieux os…

Les vétérans belges de l'indie pop signent un retour marquant. Dix ans après la parution de Wooden Son, Tommigun rompt un long silence et dévoile « Heavy Bones ». Ce morceau inaugure un nouvel elpee éponyme, dont la sortie se profile pour le 20 novembre 2026…

Trouver des articles

Suivez-nous !

Facebook Instagram Myspace Myspace

Fil de navigation

Nos partenaires

Nos partenaires

Dernier concert - festival

L7
The Cure

The Libertines

The Libertines

Il est là, on ne l’attendait plus : après deux ans de bourlingue destroy pendant lesquelles Carl Barât et surtout Pete Doherty auront davantage alimenté les colonnes ‘faits divers’ que celles des chroniques musicales, le voilà, ce deuxième album tant attendu. Et c’est un chef-d’œuvre, sans doute le ‘meilleur deuxième album’ de tout ce revival garage qui commence à sentir la vieille chaussette. « The Libertines », tout simplement, parce que rien ne sert d’en rajouter : Pete Doherty s’en est suffisamment pris sur la gueule, et puis c’est un titre qui résume bien le propos de ce disque de feu et de larmes, de colère et d’amour. Un disque autobiographique pour ces deux faux frères que même la drogue, les coups, les cambriolages, la prison, ne sépareront jamais : « How we’d love to keep it together », chante Barât sur la chanson d’ouverture, « Can’t Stand Me Now », un classique instantané, de ceux qu’on n’oublie pas de si tôt. Doherty table sur la chance, parce que parfois elle peut sauver (« … hope our luck is never ending »). Du naufrage. Du mauvais disque. Et Dieu sait si ce disque est bon, du début à la fin : en même pas 40 minutes, il déclasse même son prédécesseur au rang des tueries rock’n’roll de ces cinq dernières années. Il y a tout sur cet album : de la joie, de la tristesse, de la déconnade, de la mélancolie, du bruit, de l’allégresse, bref de la vie, brûlée par les deux bouts mais tellement belle qu’on en veut toujours plus. Quatorze titres, autant de tubes : des brûlots punk « Arbeit Macht Frei » et « The Saga » aux ballades magnifiques « The Man Who Would Be King » (la suite de « Tell The King » ?) et « Road To Ruin ». Et puis il y a ces sing-along façon sixties (le « shoop shoop, shoop doo lang a lang » du frétillant « What Katie Did »), qui donnent envie d’embrasser les filles dans la rue et de sourire de toutes ses dents, même en pleine tourmente. A la fin, les Libertines se demandent ce que leurs rêves sont devenus (« What Became Of The Likely Lads ») : on espère qu’il leur en reste, parce que ce serait dommage que cet album soit leur dernier. Pour l’instant, Pete Doherty ne donne plus signe de vie… Jusqu’à nouvel ordre. Et qui sait ce qui va se passer ! C’est l’histoire d’un groupe qui ‘voulait être roi’. Leur trône les attend, parce qu’une chose est certaine : ce disque est digne des plus grands (The Clash, The Smiths ?). Que tous ceux qui aiment le rock’n’roll se lèvent, car nous parlons bien ici… d’un authentique classique.

Lesser

Suppressive Acts I-X

Si cet album débute dans les larsens les plus apocalyptiques – on croirait presque du black metal, ce qui nous rappelle que J Döerck a joué dans beaucoup de groupes de punk comme A Minor Forest – il vire ensuite dans de l’electronica revêche et bruitiste, assez proche des travaux les plus hermétiques d’Aphex Twin et de Kid 606. Difficile donc de cerner l’Américain, d’autant qu’aucune vraie mélodie ne ressort de ce capharnaüm peuplé de craquements industriels et de bleeps granuleux… Sans parler de ces tentatives crissantes de faire du hip hop (« Act V ») ou de l’ambient (« Act VI », et « Act VIII ») ! A l’instar d’un Cex ou d’un Blevin Blechtum (parmi les invités, outre Drew Daniel de Matmos), J Döerck joue avec les clichés de l’électro laptop pour en conclure qu’à part le silence ou le bruit blanc, tout a déjà été dit… Ne serait-ce pas ça, la vraie punk attitude ?

Les Generals Jack

Small talk

Écrit par
Trio belge, Les Générals Jack a signé chez Naked Productions, un nouveau label créé par l'ami Fabrice Hermans. Le groupe est né à Leuven. Du côté du port, où Bart Ieven vivait sur un bateau baptisé "The Jack". Il est constitué de Marc Bodart au chant et aux guitares, Bart Leven (probablement le frère de Ian, bassiste d'El Fish) à la guitare et au chant, ainsi que Toon Derison aux drums. Ces trois généraux sont même affublés d'un surnom. Alias Derison General Shoelace était le premier batteur d'El Fish. Guitariste chez Buttnaked, General Rock'n'roll Froggy (Bodart) a sévi au sein de Dr Brown et Chico & the Mojo en compagnie de l'ami Pierre Degeneffe. Quant au Général Impatients (Leven), il a transité par Temple Bellona et Harvey Lee. Au départ, la formation voulait franchement concocter du blues susceptible de véhiculer l'étiquette ‘A chacun son blues’. A l’arrivée, la musique produite appartient au roots rock ; mais dans un style largement coloré de blues et de funk.
 
Une sirène introduit "Burn baby burn", une plage funky rock song qui augure une musique aux ressources diverses, puisées notamment dans le meilleur des années 70. La voix assez haut perchée de Bart rappelle celle de Filip Casteels circa El Fish première époque. "Hairs in a tangle" s’ouvre dans un registre franchement country blues, épinglant un riff de guitare que n'aurait pas dédaigné John Lee Hooker. Les liens étroits entretenus par la section rythmique permettent de libérer les soli bien électriques dispensés par les deux guitares de Bart et de Marc. Sur "Seven four", ces mêmes guitares dissertent librement et construisent à nouveau de bien belles phrases électriques qui se fondent dans la mélodie. "Packed up my things" ébauche une ballade lente et majestueuse avant que le rythme ne passe au reggae, tout en impliquant une guitare acoustique subtile, légèrement hispanisante. Le retour de la six cordes électrique s’opère avec finesse, clarté, sans jamais perturber le sens mélodique. Toni Derison imprime un tempo galopant sur ses fûts pour soutenir "Long way home", une épopée très far-west balayée de guitares réverbérées et traversée par un piano sautillant qui assure sa part de rythme. "Mean old mambo" épouse une structure country blues syncopée et bien balancée. Epaulées par le travail de Toon, les guitares insatiables restent toujours aussi claires et précieuses. Les voix de Marc et Bart qui se conjuguent à l’unisson s'associent facilement aux choeurs. "Honest man" consomme un funk léger, tout en empruntant certains accents au Jimi Hendrix de l’époque Band of Gypsies. Les effets apportés permettent une cavalcade échevelée de cordes. Elles prennent même une allure de jam comme nous pouvions en goûter voici plus de trente ans. "Dry eyes" démarre comme une ballade aux accents graves. La richesse technique est ici indéniable. Les guitares qui s'entrecroisent constamment recèlent une inventivité permanente. Elles nous remettent en mémoire les meilleures formations des 70s qui réunissaient deux solistes. Un bottleneck, métallique, primaire, mène la danse au coeur du Delta sur "Tiger". Les Jacks n'abandonnent que rarement leurs racines blues. Le ballet des guitares se poursuit dans une ronde vertigineuse peuplée de sons étranges, mystérieux et aventureux. Le travail incroyable du percussionniste permet des changements de rythmes complexes. Ce climat persiste tout au long de "Hole in my soul". Le son des guitares est très dense et toujours aussi bluesy. Pas toujours facile à assimiler, la musique de Les Generals Jack multiplie les clins d'oeil au passé, aussi bien dans le domaine instrumental que vocal. Ce surprenant album s’achève dans le funk sur l'instrumental un tantinet nerveux "Rising sun". A découvrir absolument, même si cet opus mérite une écoute attentive avant d’être apprécié à sa juste valeur…

Lemon Jelly

64-95

‘Un paradis tropical’… : à les entendre inventer des slogans pour vendre leur camelote baba cool, Nick Franglen et Fred Deakin auraient tout capté à l’industrie du disque. Depuis leurs trois Eps compilés il y a cinq ans, ces deux esthètes du son policé n’ont jamais failli à leur réputation d’affairistes post-hippies (le revers du baby boom et de Mai 68 ?). Ainsi leurs disques se veulent des « œuvres totales » : pas seulement musicales, mais aussi graphiques et visuelles, et pour la circonstance nos deux amis ont mis les bouchées doubles. En plus des dix titres sonores, l’auditeur lambda peut donc se délecter d’un supplément en images, mix 5.1 et tout le bazar. Objectif (subliminal ?) du produit : accaparer l’acheteur en exauçant tous ses vœux sensitifs, pour qu’au prochain cd (etc.) du duo les mots « Lemon Jelly » provoquent chez lui un réflexe d’attirance pavlovien. Côté musique, on retrouve ce mélange d’électro et de rock extatiques, teintés de soul, de funk, d’ambient et de gospel (les samples). Côté filmique, ça part aussi dans tous les sens (au rayon des influences : Saul Bass, H5, John Maeda, Lewis Trondheim, M/M, la japanimation,…), sans qu’on n’y trouve quoi que ce soit à redire. C’est ici que se situe le problème : Lemon Jelly serait-il un ‘concept’ trop beau pour être honnête ? Subsiste en tout cas cette sensation tenace d’être un peu trop mené par le bout du nez… En voilà une idée : pour son prochain plan de carrière, Lemon Jelly devrait aussi penser à investir notre champ olfactif.

Alvin Lee

In Tennessee

Écrit par
Alvin Lee est loin d’être un illustre inconnu. Il est même considéré comme un des tous premiers ‘guitar heroes’ du british blues boom. Ses premières apparitions au sein du légendaire Ten Years After remontent à 1967. Une formation qui rencontra alors un succès assez rapide. A cause du jeu de guitare très speed d’Alvin, qui se nourrissait au rock'n'roll, au blues et au jazz. En août 1969, il participe au festival de Woodstock. A l’issue de cette prestation immortalisée par le film du même nom, Alvin devient une véritable superstar. Il commet alors album sur album. Jusqu'en 1975, année au cours de laquelle il éprouve le besoin de se remette en question. Ce qui n’a pas empêché le T.Y.A. de se reformer épisodiquement. En compagnie des musiciens d'origine. Ce 16 décembre, Alvin a fêté ses 60 ans. Alors que ses ex-acolytes ont engagé un jeune guitariste qui répond au nom de Johnn Gooch pour faire revivre le Ten Years After, Alvin a préféré se rendre dans le Tennessee pour enregistrer en compagnie du guitariste légendaire d'Elvis Presley, Scotty Moore et du drummer DJ Fontana. Il réalise en quelque sorte un rêve d'enfant.
 
L’opus s’ouvre de manière idéale : par du pur rock'n'roll. Un "Let's boogie" chargé de swing qu’alimente le piano sautillant de Willie Rainsford et la basse acoustique de Pete Pritchard (NDR : un des cofondateurs du label Alligator). Alvin est bien présent, mais il demeure quelque peu en retrait. Comme son titre l’indique "Rock & roll girls" persévère dans le rock n’ roll, une plage très proche du style pratiqué par Chuck Berry. Franchement plus blues, "Take my time" ralentit le rythme. La voix adopte un timbre de circonstance. "Let's get it on" évolue dans le même univers sonore. Un excellent blues légèrement teinté de country qui bénéficie de la présence majestueuse de Scotty. "I'm gonna make it" nous replonge dans le rock'n'roll. Celui des Studios Sun de l’époque Elvis. Pendant que le vieux DJ Fontana martèle ses peaux devant la basse acoustique, le père Alvin est à son affaire. La section rythmique est d'une solidité à toute épreuve. Le piano sautille. Des rampes de lancement idéales pour permettre aux cordes de s’éclater. Plus de six minutes de bonheur ! Très laidback, "Something's gonna get you" s'étire sur un rythme légèrement funky que balaie l'orgue de Tim Hinkley (NDR : un Britannique !). Le style vif, rapide et saccadé d'Alvin Lee refait surface sur l'entraînant "Why did you it". Les ivoires de Willie adoptent un profil boogie woogie. Scotty reprend des couleurs et se réserve l’un ou l’autre bref solo. "Getting nowhere fast" (NDR : il a osé l'écrire !) renoue avec une certaine quiétude. Les instruments acoustiques évoluent au sein d’une ambiance fort country. "How do you do it" et "Tell me why" trempent dans le plus pur style rock Lee. Il s’y sent comme un poisson dans l'eau. Alvin prend son pied et ne résiste pas à en profiter. Pas étonnant qu’il achève cet opus en reprenant une fois de plus son hymne personnel : "I'm going home". Un elpee sans prétention, simple comme le bon vieux rock'n'roll!

Ernest Lane

The blues is back!

Écrit par
Ernest Lane est né en 1931. A Clarksdale, dans le Mississippi. Son père jouait du ‘barrelhouse piano’ et fréquentait un certain Pinetop Perkins. Ike Turner était un de ses amis de jeunesse. A 17 ans, il rencontre le mythique Robert Nighthawk et le suit à Chicago. Ce qui lui permet d’entrer aux studios de Chess Records. Il enregistre ensuite en compagnie du chanteur/guitariste Houston Stackhouse, avant de commettre deux titres pour Modern Records, sous son patronyme. Il fonde alors son groupe qui se fixe à Little Rock, en Arkansas, avant d'émigrer vers Los Angeles où il vit toujours aujourd'hui. Au début des années 60, son vieil ami Ike Turner le recrute pour faire partie du Ike and Tina Turner Revue. Mais lorsqu'il quitte l’ensemble, il emmène avec lui la plupart des autres musiciens. Ils deviennent alors les Goodtimers qui assurent régulièrement le backing du groupe pop, les Monkees. Il participe aussi, à l'époque, à la confection de trois albums de Canned Heat : "Hallelujah" en 68, "Future blues" en 70 et "Historical figures and Ancient heads" en 72. Mais le monde de la musique ne lui botte plus trop ; et il préfère prendre du recul ne jouant alors plus que pour le plaisir. Il embrasse alors la profession de vendeur de voitures, puis de transporteur routier. Christian Rannenberg (NDR : un pianiste allemand talentueux) retrouve sa trace et le convainc d’enregistrer ce premier opus. Un disque qu'il produit également.
 
L'album s’ouvre par "Blue and lonesome", un excellent downhome blues écrit par Memphis Slim. Ernest siège derrière le piano. Il joue sereinement et en toute décontraction, tout en chantant de son timbre bien prononcé. Une excellente entrée en matière ! Le rythme s'accélère dès "I'll be watching you". Les cuivres annoncent un R&B entraînant. La guitare s'évade timidement. Le piano règne en maître sur cette plage imprimée sur un rythme boogie woogie. L'album alterne les tempos. Le titre maître trempe dans un slow blues chaleureux. Autre boogie woogie vigoureux, "What's wrong, baby" met en exergue le sax ténor de Leo Dombecki. Ce duo ne manque pas d’allure et remet le couvert sur un nouveau blues lent intitulé "What I saw". Boogie instrumental, "Lane shuffle" démontre la technique et le feeling du musicien! "What kind of love" est une plage funky soutenue par une bonne section rythmique : Rick Jones à la basse et James Gadson aux drums. Big Jay McNeely y dispense un excellent solo de sax ténor. Il interprète alors un blues fin de soirée, qu'il a écrit en compagnie de Percy Mayfield. Il y chante d'une voix forte, proche de celle de Memphis Slim. Ernest brille de mille feux quand il s'attaque au swing blues. Et en particulier tout au long de la reprise de "Just like a woman". Un fragment qui bénéficie du concours des cordes de Steve Gannon ainsi que des cuivres de Mack Johnson et Derrick Edmonson. Autre blues lent, "Feelin' kind of lonely" permet à son guitariste Wali Ali de tirer son épingle du jeu. Un exercice de style qu’il accomplit avec beaucoup de subtilité tout en manifestant une approche jazzy. Cet excellent album s’achève par "Boogie in' at Leon's Place", un dernier boogie woogie instrumental...

Lanterna

Highways

Écrit par
Lanterna est le projet du guitariste Henry Frayne. Né à New York, il vit aujourd’hui à Champaign dans l’Illinois. Avant de se lancer dans cette aventure en solitaire, il a sévi chez Moon Seven Times et Area. « Highways » constitue son quatrième opus. Un disque pour lequel il a quand même reçu le concours d’Eric Gebow, aux drums ; et puis de Mike Bosco à la co-production et aux effets spéciaux. Pas de bassiste. Ni de vocaliste. Juste une musique instrumentale destinée aux rêves les plus atmosphériques, mais aussi fantasmagoriques. Henry avait d’ailleurs participé à la confection de la bande sonore du film de Steven Spielberg, « Catch me if you can ». Dans un style qui fait penser à Durutti Column. Ou à Vini Reilly, si vous préférez. Tour à tour épilées, grattées, plaquées, soniques, éthérées, en cascade ou reverb, les cordes de guitare trament des mélodies enchanteresses propices à la relaxation ou à l’évasion dans le temps. Fermez les yeux et imaginez vous au dessus des montagnes, des océans. Vous êtes à la recherche de paysages où tout n’est qu’esthétisme et quiétude. Pourtant, vous devez traverser des espaces vides. Qui oscillent constamment de la lumière aux ténèbres. Peut-être est-ce votre vision du futur ? Mais finalement, vous parvenez à faire le vide dans votre esprit et finissez par atteindre la sérénité. Et vous pouvez entamer ce songe de pop pure, matérialisé par le titre maître (NDR : 17’ !), un fragment qui se fond dans une ‘ambient’ que n’aurait pas renié un certain Brian Eno…

Lansbury

That creepy hope on love

Écrit par
Cette formation espagnole, de Gijon pour être plus précis, pratique une forme de slowcore dans la lignée de Low voire de Codéine. La plupart des compositions de ce premier opus adoptent, en tout cas, un profil aussi tourmenté. Avec plus ou moins d’activité électrique, qu’alimente régulièrement des claviers fluides, tourbillonnants, parfois même ‘floydiens’ (« Animals » ?). Vous ne serez donc pas surpris que certains fragments atteignent six, sept voire huit minutes. Les deux morceaux sculptés dans une lo fi proche de Lambchop (« Singsong for the goodtimes » et « Your starlette lingerie ») constituant les exceptions qui confirment la règle. Si toutes les chansons baignent dans la mélancolie douce, elles ne parviennent que trop rarement à atteindre l’intensité émotionnelle d’un Red House Painters. A cause de la trame mélodique beaucoup trop linéaire. Pourtant le groupe possède un potentiel indéniable ; et il le démontre tout au long du morceau final, « The birthday boy », une plage psychotique au cours de laquelle les guitares finissent par se lâcher. Et puis de l’hypnotique « A luscious moment », un morceau fouetté littéralement par des cordes de guitare incisives, vivifiantes. En outre, Lansbury peut compter sur la présence d’un excellent vocaliste : Javier Otero, dont le baryton est très proche de Stuart Staples (Tindersticks). Pour enregistrer cet elpee, la formation a également reçu le concours de Nacho Alvarez (Manta Ray), ainsi que de la chanteuse Conchi. Cette dernière sur un seul track : « Dragon ». Et il faut reconnaître que ses inflexions sinusoïdales (Kristin Hersh ?) apportent du relief à la chanson. Dommage d’ailleurs qu’elle n’échange pas davantage de duo avec Javier.

Mark Lanegan

Here comes that weird chill

Écrit par
Cet Ep prélude la sortie du nouvel album de Mark Lanegan. Plusieurs compositions de « Here comes that weird chill » devraient d’ailleurs s’y retrouver ; mais plus que probablement sous une forme différente. Découpé en 9 fragments, dont un titre caché, cet Ep a reçu le concours de quelques invités de marque. Pour la toute première fois, pas de trace de Mike Johnson ; mais bien de Josh Homme (NDR : il y joue un tas d’instruments, et notamment la guitare) et Nick Oliveri (NDR : deux membres de Queen Of The Stone Age), de Chris Goss (NDR : Chris et Nick ont sévi au sein du légendaire mais sous-estimé Masters of Reality), de Greg Dulli (Ex Afghan Whigs, Twilight Singers) et de quelques autres. Depuis que Mark a embrassé une carrière solo, ses disques sont toujours hantés par le folk et le blues. Des compositions malsaines, douloureuses, qu’il interprète de sa voix graveleuse, trempée dans le whiskey, un peu comme Tom Waits. Et je pense tout particulièrement à « Lexington slow down », un fragment empreint de mystère, balayée par un piano sonore, caressé de chœurs gospel intimistes, que Mark interprète dans un style chanté/parlé. Pourtant, les chansons de ce morceau de plastique offrent un visage beaucoup plus électrique. Davantage post industriel aussi. Et je pense tout d’abord à l’inédit (NDR : le single également) « Methamphetamine blues ». Une plage qui parvient à agréger sonorités mécaniques et harmonies luxuriantes. Autre inédit, « Skeletal history » semble avoir été conçu dans l’esprit roots d’un John Renbourn, d’un Bert Jansch voire d’un Roy Harper, puis intensifié avec emphase, comme chez Tea Party. Le disque recèle également une reprise du « Clear spot » de Captain Beefheart, une version sinueuse, psychédélique, finalement plus proche d’un Wire que de Don Van Vliet. Et puis un titre hypnotique, complexe, noisy, fruit d’une rencontre improbable entre le Velvet et Suicide : « Wish you well ». Reste le swamp rock menaçant « Message to mine » et deux tracks qui font la part belle à l’électricité. Tout d’abord « On the steps of the cathedral », déchiqueté par le feedback ; ensuite le post rock « Sleep with me » et ses paysages atmosphériques ténébreux, sinistres (NDR : ce dernier morceau fait également l’objet, d’un remix en dub). Certains nostalgiques racontent que c’est sans doute le style de musique que Nirvana aurait pratiqué si Kurt Cobain n’avait pas mis fin à ses jours…

Lambchop

Aw Cmon – No You Cmon

Après l’étincelant « Nixon » et l’apaisé « Is A Woman », Kurt Wagner et toute sa clique (combien sont-ils ? Au moins une bonne dizaine…) remettent déjà les couverts, avec rien moins qu’un double album (même si au départ Wagner voulait qu’ils soient vendus séparément). Quoi qu’il en soit, les correspondances entre les deux disques sont nombreuses, ne serait-ce que par leur ambiance : dépouillée, impressionniste, malgré les quelques sautes d’humeur de « No You Cmon », le plus varié des deux. La grande nouveauté chez Lambchop, c’est l’absence du divin falsetto de Wagner sur certains titres : sept instrumentaux en tout, qui révèlent un nouveau talent chez ces dignitaires de Nashville ; celui de subtils arrangeurs d’un film imaginaire qu’on imagine contemplatif et serein… Alors que sur « Is A Woman » la voix de Wagner était mise en avant, ici elle se fait plus timide, quitte donc à tout à fait disparaître. Pour le reste c’est du pur Lambchop, bref c’est toujours aussi splendide, malgré le fait qu’un seul album aurait peut-être suffit… Mais ne boudons pas notre plaisir : deux Lambchop pour le prix d’un, ça fait quand même toujours plaisir. Que reste-t-il aux autres ?
Page 912 sur 1356