Il était une fois un personnage étrange qui répondait au nom d'Adrian Bouldt. Un troubadour très actif au cours des sixties et des seventies. Enfin davantage pour ses aventures adultérines que pour l'immortalisation d'une quelconque chanson. Décédé en 1979, sa seule et unique réussite ( ?!?!) procédait de sa progéniture illégitime. Parmi laquelle figure Jojo, David, Delphine, Mitch, Fran et Roux. Des enfants qui ne connurent jamais leur père et qui décidèrent, une fois réunis, de reprendre pour nom d'artiste, le nom de famille de leur géniteur. En voilà une belle comptine des temps modernes. C'est en tout cas ce que nous raconte la biographie consacrée au groupe. Personnellement, je pense qu'elle est aussi crédible que l'histoire des frères Ramones…
Maintenant, revenons un peu à la réalité. Adrian Bouldt est un sextuor, probablement issu de la région de Liège, qui vient de commettre son premier album. Double de surcroît ! La deuxième plaque recèle une vidéo de " Sweet babe ", ainsi que six fragments dont trois remixes. S'il fallait uniquement se baser sur ce second morceau de plastique, la notion de trip hop serait omniprésente. Celle de Beth Gibbons, de Hooverphonic et de Dream City Film Club (NDR : pour ceux qui l'ignoreraient, il s'agit de l'ancien groupe de Michael J Sheehy ), en particulier. De toute beauté, le remix de " Sunday morning " y est même supérieur à la version originale. Et celui de " Sweet babe " nettement plus torride et sensuel que sous son format conventionnel. Faut dire que le morceau originel trahit certaines affinités avec Mazzy Star. Même la voix de Delphine s'y montre aussi fantomatique. La voix de Delphine ! Un élément important dans l'expression sonore d'Adrian Bouldt. Tantôt claire, tantôt vibrante, souvent overdubbée, elle laisse régulièrement transparaître des inflexions proches de Tanya Donnelly. Throwing Muses, c'est d'ailleurs un groupe auquel on pense, après avoir écouté les premiers morceaux de " Presents ". A l'instar de " The wet grass ", de " Sunday morning " et surtout du complexe " Bethléem ". Mais avec des guitares moins envahissantes. Un début d'album susceptible, suivant les sensibilités, de rappeler tantôt Pollen, les Sugarcubes ou encore les Cranes. Enigmatique, incantatoire, " Playboy " évoluant plutôt sur un mode 'Pjharveyesque'. L'elpee recèle quelques moments moins intenses (NDR : plus faibles, pour les mauvaises langues). Et je pense plus particulièrement aux fragments instrumentaux. Faut dire que lorsqu'un groupe possède une vocaliste de la trempe de Delphine… Mais aussi des chansons plus romantiques, alimentées tantôt par un piano sonore (parfois électrique), des claviers fluides, un violon volatil, une guitare reverb, une basse cold, des drums souples ou des cuivres ténébreux (Morphine ?) Une excellente surprise !
Adamo, c'est un peu le crooner préféré de nos grands-parents, un homme qu'on connaît pour sa gentillesse et sa modestie, l'idole de nos parents quand ils avaient 20 ans… La Reine Paola est une de ses premières fans. Même Arno a repris ses " Filles du bord de mer ". Dans les années 60, il vendait autant de disques que les Beatles. Les Japonaises en sont folles. Burgalat aurait aimé produire son dernier disque. Cette double compile retrace, en 40 titres, 40 ans de carrière au service de la variété italo-belge. A 60 ans, Adamo ne fait certes plus battre le cœur des midinettes, mais son talent de chanteur un peu guimauve parvient encore à nous séduire. Sans blagues. Ecouter " La Nuit " en regardant tomber la neige, " N'est-ce pas merveilleux " ? Tu cries son nom : " Sans toi, ma mie ", et les violons pleurent, " A vot' bon cœur "… " Elle… ", " F… comme femme ", l'amour lui ressemble. Mais voilà, la fille s'est barrée. " Elle était belle pourtant "… Et comment. " Une mèche de cheveux " brillant sous un néon, un roman de Verlaine, une " Valse d'été "… Viens là, ma brune, laisse tes mains sur mes hanches. Ne pars pas. Au bord de la mer, nous nous baladerons sous la pluie. Sèche tes larmes, regarde les nuages : demain, la lune. C'est déjà ça, le bonheur. Oui, c'est vrai, " la mer a bercé tant d'amour dans le creux de ses vagues ". Rappelle-toi " Notre roman ", tous ces rêves dans nos bagages, le ruisseau partagé de notre adolescence. J'ai beau crier ton nom, mais l'amour est perdu… Tu permets, Adamo ? Sans elle, ma tête explose. J'ai oublié que les roses sont roses. Si jamais… Je crie son nom. " La nuit/Je deviens fou ". C'est sa vie. La nôtre aussi, en quelque sorte.
A l'origine (NDR: c'est à dire en 1999), Absynthe Minded était le projet du seul chanteur/compositeur/multi-instumentiste, Bert Ostijn. Un projet fatalement lo-fi puisqu'il était partagé entre un huit pistes et l'artiste, dans son appartement à Gand, qu'il avait aménagé en studio. Au bout de quelques démos, Bert se décide à s'entourer de quelques collaborateurs. Quatre musiciens en compagnie desquels il concocte une nouvelle démo (" Sweet oblivion ") avant de partir en tournée. Nous sommes alors en 2002. " History make science fiction " constitue son premier EP. Six titres qui oscillent du jazz au folk en passant par le blues et la pop. Faut dire que la formule instrumentale (guitare acoustique, contrebasse, piano, chant et violon) se prête bien à ce style qui évoque tour à tour à Zita Swoon, Tom Waits ou à Hawkley Workman. Avec même un zeste de Howlin' Wolf sur le blues " John Lee Hooker ", de Dutronc tout au long du cool " Pretty horny flow " et d'Ozark Henry pour le final " From nowhere to return ". Excellente surprise, au sein du line up, figure Renaud Ghilbert, l'excellent violoniste qui épaule régulièrement Sioen. Renaud est un grand admirateur de Django Reinhardt, et ses excellentes interventions au violon, tout au long de ce six titres, communiquent une fameuse dose de swing aux compositions. On devrait y voir plus clair lors de la sortie de l'album. Mais à première vue, les choses se présentent plutôt bien.
La présence de Maynard Keenan, chanteur de Tool et de James Iha, ex Smashing Pumpkins pourrait à elle seule justifier l'achat de ce second opus. Dérangeant pour ceux qui voyaient dans le groupe une alternative plus pop à la musique heavy-intello de Tool ! Les privilégiés qui ont eu la chance de les découvrir live en première partie de Deftones à Louvain auront vite fait la part des choses; A Perfect Circle fait dans le metal moderne, mais joue davantage sur les atmosphères sonores que sur la puissance des riffs de guitare. Sans s'éloigner de manière radicale de ce qui a fait le succès de son premier album, le combo ose prendre des risques en flirtant avec les huit minutes dès le titre d'intro. Si la musique est plus sombre que par le passé, si l'album semble plus difficile à digérer, les douze titres de "Thirteenth Step" ne s'éloignent finalement pas tellement de la construction complexe de "Lateralus", chef-d’œuvre incontestable du metal contemporain. Destiné à un public large d'esprit et amateur de substances psychotropes, ce deuxième essai est une invitation à la rêverie et au voyage dans les méandres d'une musique mélancolique et torturée.
" Olen " n'est pas un nouvel elpee de 16 Horsepower, mais un recueil partagé en trois volets que séparent deux interviews totalement inutiles. La première (NDR : le rôle de la religion dans l'œuvre de David Eugene Edwards) aurait pu être intéressante, mais elle cesse au bout de 20 secondes. La seconde ne nous apprend rien d'autre que nous ne sachions déjà. Mais venons-en au contenu de l'œuvre. Les deux premiers tiers de l'opus réunissent dix démos (dont deux versions d' « American wheeze ») enregistrées entre 1993 et 1994 à Denver, démos qui serviront ensuite à la confection de l'EP éponyme (NDR : aujourd'hui quasi introuvable !) ainsi qu'aux albums " Sackcloth 'n' ashes " et " Low estate ". Le plus souvent très différentes du produit fini, elles surprennent par leur climat intimiste. Ce qui accentue l'intensité dramatique des chansons. Un inédit : " Train serenade ", un morceau écrit et chanté par le bassiste originel, Kevin Soll. Les six derniers titres datent d'octobre 1994. Il s'agit des meilleures prises immortalisées 'live' au Mercury Café de Denver. Et elles reflètent parfaitement le climat au sein duquel baigne leur musique unique, ténébreuse, fruit d'un mélange hantant, spirituel, de country, de blues, de punk et de swamp. On y trouve une rareté : " Slow guilt trot ". Apparemment la flip side d'un single paru exclusivement en vinyle.
Le cas Autechre est un cas à part dans l'univers de la musique électronique. Depuis leur début il y a plus de dix ans, Sean Booth et Rob Brown n'ont cessé d'emprunter les chemins les plus escarpés, les virages les plus dangereux, les tunnels les plus obscurs. A chaque album, le duo se renouvèle, risque sa peau, tente de nouvelles acrobaties bruitistes, se dérobe à la moindre tentative extérieure de classification. Leurs modulations crépitantes, leurs cliquetis postindustriels, leurs déflagrations arythmiques n'ont pas d'égal en musique populaire : au mieux pourrions-nous comparer leurs travaux les plus récents aux œuvres expérimentales des " metteurs en sons " savants des années 1950 et 1960, de Stockhausen à Xenakis. L'électronica d'Autechre, puisqu'il faut bien lui donner un nom, se rapprocherait donc avant tout des musiques sérielles et concrètes, ces terrains minés où la recherche sonore primait sur le sens et l'émotion. Parce qu'il ne sert à rien de trouver une signification aux circonvolutions terrifiantes du duo britannique. La musique d'Autechre se suffit à elle-même, point barre. Sans équivalent dans la scène électro actuelle, et ce depuis le milieu des années 90, Autechre navigue seul, se fichant comme d'une guigne du quand-dira-t-on et des pisse-vinaigre qui taxent leurs compositions d'hermétisme janséniste. La preuve : avec ce nouvel album, Sean Booth et Rob Brown délaissent un peu leurs laptops (trop présents sur leur précédent " Confield ") pour revenir à leurs vieux séquenceurs et leurs boîtes à rythmes. Et de rythme, ce " Draft 7.30 " n'en manque pas : chaque morceau est ainsi construit selon une structure complexe de beats qui s'entrechoquent et de fragmentations qui se renvoient la balle. Sur " V-PROC " par exemple, des breakbeats atomisés jouent au ping-pong avec des loops anarchiques, créant une sorte de funk squelettique sur lequel on oserait presque danser. De ces constructions en spirales, à la tridimensionnalité effarante, on ressort exténué mais ravi. Une fois encore, Autechre nous aura pris au dépourvu : on pensait ne plus trop connaître cette sensation de perpétuelle découverte, persuadé que la musique électronique était déjà dans l'impasse. Raté : ce " Draft 7.30 " en est l'impressionnante contradiction. En un mot : essentiel.
Reneé possède un registre vocal qui s'étale sur près de cinq octaves. Ce qui est pour le moins inhabituel dans le chef d'une vocaliste. Elle est née à San Diego, mais a passé toute sa jeunesse au Texas. Elle a grandi au sein d'une famille musicale et a très tôt chanté à l'église. Ses héroïnes ont pour nom Aretha Franklin, Tina Turner, Janis Joplin, Etta James, Gladys Knight ; mais aussi Marcia Ball, Lou Ann Barton et Angela Strehli. En puisant dans le R&B, la soul, le rock et la pop, elle est parvenue à créer son propre style.
Depuis 1986, elle s'est établie à Minneapolis où elle fait depuis partie de la scène locale. Elle a commis son premier elpee en 1997 : "Dancing with Mr Blue". Chez Rainbow. Elle y apparaît déjà comme une chanteuse hors de l'ordinaire. Son deuxième album a été enregistré à Nashville, dans le Tennessee.
La belle voix sauvage de Reneé est introduite par l'harmonica de Joe T. Cook, un des meilleurs souffleurs du Minnesota. "Pretend we never met" est une excellente chanson composée par Bruce McCabe. Elle l'interprète dans un style rockin' R&B qu'affectionne tout particulièrement Mick Jagger et Rod Stewart. Elle partage ici un savoureux duo avec le Texan Delbert McClinton. Les deux voix complices se complètent à merveille devant les riffs de Kevin Bowe et l'orgue de Jeff Victor. Le répertoire privilégie les plages R&B imprimées sur un rythme funky. A l'instar de "Pour the sugar slowly". Ou très rock. Découpé dans une bonne slide, "Bitter water" en est la plus belle démonstration. "When something is wrong" est une ballade soul. Les musiciens sont essentiellement issus du Jonny Lang Band : les guitaristes Kevin Bowe et Paul Diethelm, le pianiste Bruce McCabe et le drummer Billy Thomnes. Rock endiablé, "Bottom of a heart" est guidé par cette voix si aisément modulable et le piano boogie de McCabe. "Fool moon" évolue dans un registre cabaret. Nous pouvons y humer les effluves de tabac et d'alcool qui s'emmêlent. Renee peut étaler toutes les capacités de son organe. "Bury the hatchet" débute d'une manière très roots avant d'éclater en boogie speedé duquel se détachent les ivoires de Bruce. McCabe est un des meilleurs pianistes contemporains (NDR : attention, il ne faut pas le confondre avec Matt McCabe, qui a longtemps milité chez Roomful of Blues). Originaire de l'Iowa, Bruce est depuis longtemps un des fers de lance de la scène blues de Minneapolis. Au cours des 60's, il a sévi successivement chez les Aces, Straights and Shuffles (NDR : en compagnie de Kim Wilson, un an avant qu'il n'émigre à Austin pour former les Fabulous Thunderbirds, Bob Bingham et Luther Tucker), ensuite les Lamont Cranston Band et les Hoopsnakes. Aujourd'hui, il bosse aux côtés de Jonni Lang. "Unraveling" est une ballade inoffensive caressée par la trompette de Dave Jensen. La fin d'album est de très bonne facture. "Ain't nobody", tout d'abord. Qu'elle chante devant un piano solitaire. "Black pearl", ensuite. S'ouvrant par les accents du Delta, il est sobrement accompagné par la slide d'Andy Dee. Probablement un des meilleurs moments de cet opus. Car si ce disque reste agréable à écouter, je trouve que Renee Austin manque encore de présence et surtout de charisme. Elle possède une belle voix, mais il existe tellement tant de concurrence dans le domaine. A suivre, donc…
Comment ne pas avoir salivé, mais surtout frôler le fou rire, en prenant connaissance de la formation d'Audioslave ? Et comment aujourd'hui regretter d'avoir eu à la vivre ? Pour la première question, la réponse est tellement simple : Audioslave, c'est Chris Cornell, chanteur de feu Soundgarden, groupe remarqué et parfois remarquable, découvert pour la plupart d'entre nous lors de l'explosion du grunge. Toujours au micro, il est ici épaulé par les ¾ de cet autre phénomène que fut Rage Against The Machine, à pareille époque. La carrière des uns a sombré dans le grand univers de l'anecdotique, alors que celle des autres était encore d'actualité, jusqu'il y a peu, notamment en matière de diffusion de la bonne parole. Une bonne parole empreinte de dénonciation et d'activisme politique, balancée sur fond d'incandescence sonore. Sans Zach De La Rocha, RATM est en quelque sorte décapité de sa figure de proue, de son porte parole. Quant à le remplacer par Cornell… Franchement, je n'aurais jamais imaginé qu'ils puissent être copains. M'enfin, pourquoi pas. La réponse à la deuxième question maintenant : je l'avoue humblement, j'ai toujours plutôt eu un faible pour RATM. Morello rassemble de sa gratte de sons incroyables, Tim Bob libère des grooves imparables de sa basse et Brad Wilk fracasse toujours ses fûts avec la même détermination. Puissant. Comme d'habitude, me rétorquera-t-on. Mais il existe des habitudes à ne pas perdre. Le problème, finalement, ne vient pas de Cornell. Non, sa voix collait à merveille à l'univers sonore de Soundgarden. Or, dès l'intro de " Cochise ", on imagine que le temps ne s'est pas arrêté. Que De La Rocha va nous balancer une de ces phrases assassines en pleine tronche. Et bien non. Cornell n'arrive que très rarement à s'envoler ; même si sa bonne volonté transparaît à de (très) rares (mais bonnes) occasions. Bouh… Il faudra s'y résoudre. En ces temps où l'on nous sert continuellement cette soupe fadasse estampillée rock, néo truc ou néo truc rock, le consensus fait les yeux doux à son plus farouche ennemi. Resist.
Il paraît que Simon Franks et Tom Dinsdale, les deux teigneux qui se cachent derrière Audio Bullys, n'aiment pas qu'on décrive leur musique comme de la " house pour hooligans ". Quitte à se prendre des claques, nous on trouve qu'" Ego War " réunit pourtant tous les éléments basiques de cette purée " lad " qui fait la joie des supporters de David Beckham : gros big beat viril, argot des banlieues, refrains crétins, poumtchak qui mousse,… Ne manque plus que l'odeur des vestiaires ! N'empêche, pour foutre le feu aux " kop ", y a pas mieux qu'un petit " We Don't Care ", tube bâtard mais à l'addiction dangereuse… De ses grands frères baggy (Happy Mondays, Lo-Fidelity Allstars, voire EMF et KLF), Audio Bullys n'a gardé que le pire : du gros son qui tâche mais qui fait danser, surtout après dix à-fond. Parfois, ça se calme du côté de la buvette (" The Things "), mais jamais pour longtemps : il reste la deuxième mi-temps. En face, un noyau dur (Stereo MC's, Basement Jaxx, The Streets) semble difficile à battre. Carton rouge ! Le tournoi vient de commencer, et les voilà déjà sur le banc de touche ! Faites gaffe, les gars : en deuxième division, on rigole moins avec les branleurs.
Ca commence plutôt bien avec deux morceaux rappelant avec joie combien Roni Size, et surtout Massive Attack, ont été des précurseurs de la chose trip hop. Après, ça se gâte un peu, quand un type genre Seal claironne des trucs ineptes sur un fond nu-jazz downtempo qui lorgne méchamment du côté obscur de la lounge… Heureusement, après ces quelques minutes de déroute, Stian Jacobsen sort de sa léthargie et rétablit le cap, en osant l'instrumental façon Compost et (feu) Nuphonic. Avec " Analogue Acoustics ", il se prend pour Red Snapper à lui tout seul (la contrebasse et la trompette), tout en lorgnant gentiment vers une drum'n'bass sympathique, quoiqu'un peu paresseuse. C'est en fait là que le bât blesse : Jacobsen manque de suite dans les idées, ce qui l'oblige à rallonger ses morceaux de longues improvisations sans fin pour feindre d'être un gars inspiré et mélomane. Le titre suivant le confirme : d'abord agréable à l'écoute, le morceau s'enlise ensuite dans une purée indigeste à base de synthés aigrelets du plus mauvais goût. Pour finir, Jacobsen essaie une dernière fois d'accrocher notre oreille, avec du dub et de la house downtempo pépères, mais sans aucun orgueil. Ce type n'aurait-il pas la mononucléose ?
Mélodies débonnaires, chansons en escaliers (ou à tiroirs), délires savamment dosés : les quatre Anglais d'Athlete pourraient bien devenir les nouveaux Eels, à condition de lâcher du lest, que cette pop-rock juteuse enfin se libère et vraiment se défoule. Attention : " Vehicles & Animals " n'est pas un coup dans l'eau, bien au contraire. Sauf que ces Athlete doivent encore faire un peu d'altères, pour que leurs chansons gonflent, prennent de l'ampleur, du charisme. Ces gars-là sont encore jeunes : ils ont tout leur temps pour cultiver leurs biceps (plus de peps, d'énergie, moins d'hésitations), de quoi passer le cap du deuxième album avec les honneurs et les médailles qui vont avec. Le signe de cette prochaine " révélation " ? Les singles (" El Salvador ", " You Got The Style ", plus " New Project " et la chanson-titre), plutôt ravageurs, comme quoi Athlete se révèle doué pour le 100 mètres, mais moins pour le 10.000. A leurs côtés, sur les starting-blocks, on retrouve Pavement, The Beta Band, Guided by Voices, Super Furry Animals, Gomez. Une chose est sûre : lors de la prochaine course, on pariera sur ces quatre gamins. Pour eux, le podium n'est plus très loin.
Minco Eggersman et Axel Kabboord nous viennent de Hollande, pays d'Anouk et de Brainpower, mais surtout de Spinvis, dont ils sont d'ailleurs un peu les cousins germains : même amour pour le tout-acoustique, mêmes ambiances intimistes, mêmes idées de textes (amour et désillusions). Un point, pourtant, les sépare : At The Close of Every Day ne chante pas en flamand (sauf sur la chanson-titre), ce qui nous évite d'effroyables maux de tête (d'autant que l'accent hollandais est d'une laideur incomparable). Dommage pour Spinvis dont la qualité des compositions sont pourtant irréprochables ; et tant mieux pour nos deux amis fans d'Arid (" At The Close of Every Day " sont les premiers mots de la première chanson du premier album des Gantois)… Arid ? A l'écoute des superbes " Hallways " et " Rain or Shine ", on pencherait plutôt pour Pinback, voire Songs : Ohia (ce côté un peu monolithique) ou à la tribu de Will Oldham. Jasper, certes un copain, n'est pas ici (et heureusement) le modèle à suivre : le coup des gargarises et des cours de chant avec une Armande flamande, c'est pas trop la ‘kopje koffie’ de Minco et Axel. C'est que les chansons de ces deux lascars ne respirent pas la joie de vivre : romances déchues marmonnées sur un ton parfois monocorde (" The Drive-way "), batterie qui traîne et guitares qui trébuchent, ce premier disque semble avoir été composé le lendemain de la veille, dans le brouillard (la pochette) et sans l'électricité. Pas drôle, mais d'une gravité prenante.
Cet Ep 4 titres constitue la suite logique de « Zalig zijn de armen van geest ». Paru l’an dernier, cet opus avait d’ailleurs reçu une excellente critique de Musiczine. Evoquant tantôt Pinback, voire Songs : Ohia (ce côté un peu monolithique) ou encore la tribu de Will Oldham, on y ressentait leur amour pour le tout acoustique ; mais surtout on y retrouvait les mêmes ambiances intimistes, les mêmes idées de textes reposant sur l’amour et les désillusions. Bref des chansons qui ne respirent pas la joie de vivre : romances déchues marmonnées sur un ton parfois monocorde, batterie qui traîne et guitares qui trébuchent. Axel Kabboord et Minco Eggersman ont donc repris la même recette pour concocter les quatre plages de cet « If you spoke to me ». En y ajoutant un zeste d’orchestrations symphoniques. Serait-ce une indication de leur nouvelle orientation musicale ?
Pour apprécier Asian Dub Foundation à sa juste valeur, il faut les voir en live : c'est en effet sur scène que la musique métissée du collectif londonien prend toute sa saveur et exprime au mieux sa force de frappe. Mélange épicé de samples vindicatifs, de breakbeats sauvages, de percussions indiennes et de rap féroce, la fusion bouillonnante d'ADF s'appréhende davantage en prise avec le réel et dans l'urgence, bref en concert, que sur CD. Ce n'est pas avachi dans son fauteuil qu'on écoute au mieux les discours d'ADF, politisés à l'extrême, mais dans la fournaise d'une salle de concert, le poing serré en l'air et les tympans violentés par la puissance sonore. A cet égard, " Keep Bangin' On The Walls " pourrait bien être le meilleur album d'ADF, puisqu'il restitue avec intensité le véritable impact des beats et des paroles, souvent muselés sur disques par la précision du travail en studio. Si les titres du dernier album sont ici privilégiés (" Fortress Europe ", " La Haine ", " Rise to the Challenge ", " 2 Face ",…), on retrouve avec plaisir ces " Charge ", " Riddim I Like " et " Rebel Warrior " qui ont fait la réputation scénique du groupe. Sans conteste un des meilleurs en live… même que c'est marqué sur le sticker publicitaire qui orne la pochette. Pour une fois, on n'osera pas dire le contraire.
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