Suite à son remarquable opus, commis en 2001, nous attendions Miss Ball au tournant. D'autant plus que ce "Presumed innocent" lui avait valu un WC Handy Award. Quel chemin parcouru pour cette fille longiligne, née quelque part à la frontière, sise entre la Louisiane et le Texas, et établie à Austin depuis maintenant 30 ans ! Et dont le premier album, "Circuit queen", date déjà de 1978.
Un chapelet de cuivres ouvre l'album en force et rythme. Egrené par les Los Angeles Horns, il implique deux saxes, une trompette et un trombone. Tout au long de ce "Foreclose on the house of love", Marcia n'oublie pas ses origines louisianaises. Son piano pétille alors que la trompette de Lee Thornburg finit par se dégager de ses comparses. Signé Danny Thimms, "Dance with me" est un excellent R&B. Une compo bien structurée au cours de laquelle de solides chœurs répondent au chant de Marcia. Son piano est secondé par l'orgue Hammond de Red Young. Ballade écrite par Marcia, "Baby, why not" sent bon le parfum des bayous qui entourent la Nouvelle Orléans. Son piano roule à ravir, pendant que la trompette de Young occupe l'avant-plan ! Direction ouest, vers Lafayette et Thibodaux, pour introduire l'accordéon de Wayne Toups. Son entrée plonge "Honeypie" dans l'ambiance zydeco. Un moment de délice ! "Give me a chance" est une ballade sentimentale, lente, mélancolique même, comme les affectionne Lady Ball. Secondée par des voix remarquables, parmi lesquelles se détachent celles de Malford Millican et de Randy Jacobs, elle y injecte ce qu'il faut de tristesse. Autre ballade, mais plus musclée, "Didn't you know" bénéficie de la présence de Pat Boyack. Il concède ici un solo de guitare tout en finesse. Le paresseux "Give it up" sonne le retour du bon blues. Très swamp, il ondoie sur la basse ronflante de Don Bennett, pendant que le piano et la guitare de Stephen Bruton se conjuguent en harmonie, et que l'invité Johnny Nicholas vient souffler dans son harmonica. Excellent ! L'album continue ainsi à défiler dans la bonne humeur, accomplissant une fusion de tous ces styles populaires du sud des States : R&B, swamp, pop, blues, gospel, zydeco,… Une musique toujours intéressante et vivante. "So many rivers to cross" est gagné par un rythme infectieux. Ballades mélancoliques, "The storm" et "If it's really got to be this way" se teintent de lignes mélodiques imparables. "The lowdown" est bercé par le swing et le jazz de la New Orleans. Blues dépouillé, assez acoustique, "Three hundreds pounds of hongry" évolue quelque peu dans le style d'un jug band. La mandoline de Stephen et le piano de Marcia sont en interaction, pendant que Pat Boyack apporte la touche de modernité de ses cordes électriques. L'opus s'achève par "If it ain't one thing". C'est à dire dans l'ambiance qui est la sienne ; dans ce style appelé le Gulf Coast R&B. Produit par Stephen Bruton et enregistré à Austin, ce dixième album est une nouvelle réussite. Un disque remarquable que la machine de marketing d'Alligator ne va certainement pas snober. Mais surtout une œuvre qui risque de donner de nouvelles couleurs à la carrière de Marcia. D'autant plus, qu'elle a encore été nominée cette année, meilleure artiste féminine de blues et meilleure pianiste. Qui dit mieux ?
Harmoniciste de couleur noire, Bill Hill est inspiré depuis bien longtemps par Little Walter. Il a enregistré cet elpee à Calgary (NDR : dans l'Alberta au Canada), entouré de Jimmy Payne à la batterie, Kevin Christensen à la basse et Russel Foreman à la guitare. " Ought to be a law " réunit douze compositions personnelles, inspirées largement par le Chicago sound de naguère. Bill et le véritable patron de son blues band. Il en est d'ailleurs pratiquement le seul soliste, son guitariste ne s'autorisant que de très rares billets de sortie. Bill possède une voix étonnante, difficilement comparable ; encore que parfois elle me fait penser à Charlie Musselwhite.
Dès l'ouverture, une plage légèrement funky intitulée "Keep on runnin", son jeu d'harmonica transperce l'horizon sonore. "Ought to be a law" élève sensiblement le tempo. Sa voix typée, plus veloutée et un rien plus grave que celle de Charlie, mène la danse. Très prometteur, son jeu à l'harmo est proche des géants : Little Walter, Sonny Boy Williamson,… Clair et concis, le phrasé franc, à peine appuyé, il laisse transparaître une évidente réserve de puissance. Caractérisé par un swing subtil, "Call my job" en est une belle illustration. "I'll play the blues" constitue son seul blues lent. Bill s'y complait dans une certaine torpeur. Il chante ce blues bien gentil à la manière d'un Elvis des débuts, la chaleur contagieuse dans la voix. Russel le guitariste met cependant, et pour la toute première fois, le nez à la fenêtre. Bill Hill élève le tempo et se réserve alors quelques sorties très convaincantes ; et notamment tout au long de "White on rice" et de "Sunshine's every day". S'appuyant sur le rythme de "Help me", "Cherry Red Ford" est une bonne composition. Il n'est guère surprenant d'entendre Bill y souffler à la Sonny Boy ; mais il est néanmoins capable de garder son style en appuyant son jeu de son souffle puissant. Sur le rapide "Hollywood", il me rappelle encore l'ami Charlie Musselwhite. Son jeu à l'harmo bonifie encore. Soudainement, l'ensemble se met à swinguer et l'harmo s'emballe. Excellent ! De plus en plus étonnant, le swing persiste chez "Nothing gives you le blues like a woman" (NDR : il n'a rien inventé dans les thèmes !), sans pour autant que le morceau ne perde de son intérêt. Une impression qui réapparaît lors de la finale, "Icing on the cake". "Can't take it with you" est un Chicago shuffle irrésistible. Sur orbite, rien ne peut désormais arrêter l'envolée de Bill. L'album s'achève par une interprétation en duo acoustique de "Just to be your loving man". Responsable d'un opus de bonne facture, cette formation vous est probablement inconnue. N'ayez crainte, je ne me rappelle même plus l'endroit où je l'avais repérée...
Originaire de Portland, dans le Maine, Nick Curran constitue une des dernières révélations de la scène blues rockabilly moderne. Et pourtant, il est à peine âgé de 20 ans. Musicien professionnel, son père lui fait découvrir Duke Robillard et les Fabulous Thunderbirds. A 15 ans, il joue dans le groupe de son paternel, avant de rejoindre Ronnie Dawson, une légende du rockabilly. Il se lie ensuite avec la reine du rockabilly texan : Kim Lenz flanquée de ses Jaguars. Cette dernière la pousse à rejoindre Dallas, où il se produit d'abord régulièrement aux côtés de Hash Brown. Nick entame ensuite une carrière personnelle ; et en 99, il enregistre son premier album, "Fixin' your head". En 2000, il monte ses Nitelifes ; et l'année suivante, il commet son second elpee, "Nitelife boogie". La même année, il émigre à Austin où il est remarqué par Jimmie Vaughan qui le prend sous son aile protectrice. Curran adore le vieux R&B et le jump des années 40 et 50. Ses idoles répondent aux noms d'Amos Milburn, Wynonie Harris, Roy Brown et Jimmy Liggins. Il est souvent comparé à un hybride entre T-Bone Walker, Little Richard et Johnny Guitar Watson.
Ses Nitelifes se résument à une section rythmique composée d'Eric Przygocki à la basse, et de Damien Llanes aux drums. Enregistré 'live' au sein des studios de Fort Horton à Austin, cet album a bénéficié du concours de quelques invités.
L'album s'ouvre par la plage titulaire. Nous sommes immédiatement plongés dans cette ambiance de la fin des 40s. Rev Murph Moticka et Joe Morales se réservent les saxes. De solides chœurs masculins appuient le chant rocailleux de Nick. La guitare et le piano de Matt Farrell sortent de leur tanière. Signé Freddie King, "Lonesome whistle blues" nous entraîne dans l'univers du Chicago blues. Celui de Magic Sam, du West Side. De puissants chœurs doowop soutiennent les parties vocales. La guitare distille un blues bien vécu. Le p'tit a tout compris ! Surtout qu'il est ensuite relayé par un maître du genre : Mr Jimmie Vaughan en personne. C'est le bonheur ici bas! Nick possède une voix assez ravagée, taillée au couteau. Elle peut aussi se révéler une solide rampe de lancement pour un chant plus rockabilly. A la manière de Little Richard, si vous préférez. Damien ne sent plus ses bras. Le piano de Matt frétille et sautille. Curran y va de son solo, très inspiré par le frère Jimmie. J'adore le style de "Drivin' me crazy. Un peu mambo, proche d'Otis Rush, mené à la manière des Paladins de Dave Gonzalez ; mais avec ce petit plus procuré par l'harmonica bien huileux de Gary Primich. "Don't be angry" reste planté dans le début des 50s. Un prétexte pour sortir à nouveau un nouveau solo à haut niveau ; mais secondé par le sax ténor, il évolue dans un registre plus jazzy. Ballade bluesy, "Please don't leave me" semble sortir tout droit des juke boxes nés au cours des fifties. Nick y dispense une intervention lumineuse. Le blues est rythmé. La guitare de Nick épouse une sensibilité très West Coast jump sur "Midnite hour". Une composition parfaitement ciselée, signée Clarence Gatemouth Brown, qui permet un dialogue entre Nick et Jimmie Vaughan. Une joute à très haut niveau ! "One more time", la fête continue tout au long de la rencontre entre le piano honky tonk de Farrell et la guitare très nerveuse, presque métallique, de Curran. Primich revient souffler sur le rapide "Can't stop loving you". Le langoureux "She's gone" est un moment chaleureux à partager avec votre partenaire. Toujours aussi diverdifiée, la palette conserve son intérêt en fin de parcours. A l'instar du swing "Beautiful girl", de l'amusante cover country de Hank Williams, "Cold cold heart", et du final explosif "Stompin' at the Fort". Instrumental, ce roadhouse boogie est caractérisé par une savoureuse succession d'accords de piano et de cordes. Un superbe album!
Chris Duarte a commis son premier elpee en 1987 flanqué de ses Bad Boys. Un disque qui n'est sorti qu'en édition limitée. Mais il faudra attendre 1994 pour voir paraître le suivant, "Texas sugar/Strat Magik", puis 1997 pour qu'il embraie par "Tailspin headwhack". Deux opus édités chez Silvertone. Dennis Herring assure la production de ce " Romp ". Une mise en forme qu'il a réalisée au sein de son Sweet Tea studio à Oxford, dans le Mississippi. Réfléchissez un peu, et puis pensez au "Sweet Tea" de Buddy Guy…
Chris Duarte est texan. D'Austin, pour être plus précis. Il évolue aujourd'hui au sein d'un trio impliquant Ed Miles aux drums et John Jordan à la basse. Chris a composé huit des dix plages de l'opus.
Il ouvre les hostilités par "Do the romp", un titre issu de la plume de Junior Kimbrough, un personnage qui se rendit fort célèbre pour son travail sur le label Fat Possum. Duarte a conservé l'aspect abrupt de l'original ; mais sous la formule du trio, les percussions claquent sèchement à l'avant-plan, pendant que la guitare, plutôt 'Hendrixienne', manœuvre en riffs, avant de se libérer à travers des sons recherchés, trafiqués, déchirés. Instrumental, "101" est imprimé sur un tempo assez rapide. La six cordes est toujours hantée par le spectre du grand Jimi. Un exercice de style, au cours duquel la maîtrise des sons 'larsénés' est essentielle. Mais Chris parvient à contrôler le tout avec autorité. Le CD Group nous fait voyager dans un passé où tout se libérait. "Fire's gone out" est, avouons-le, plus R&B. La rythmique est dansante. Mais après quelques couplets, les cordes s'envolent et le style débridé refait surface. Les nombreuses notes, toutes largement amplifiées, sont projetées dans l'atmosphère ; mais toujours rattrapées au vol, elles permettent de créer de nouvelles phrases. Le rythme s'accélère encore. "Like Eric" est propulsé comme un boogie instrumental (NDR : inspiré dit-il par John Coltrane). Tous les instruments tapissent le décor sonore. Chris libère un maximum de notes. Il étale sa virtuosité tout en conservant constamment les idées claires. "My, my" nous plonge dans un monde étrange, surréaliste. Un délire psychédélique qui nous ramène à l'album "Tailspin headwack". L'atmosphère est oppressante, périlleuse ; un peu comme si un funambule marchait sur un fil, au-dessus du vide. Signé Bob Dylan, "One more cup of coffee" nous berce dans la douceur. Chris chante avec beaucoup de sensibilité et de délicatesse. Devenue minimaliste, la guitare épouse la voix. Le solo progresse ainsi très lentement, puis monte en puissance, mais ne dégénère jamais. Un sommet de l'album ! "Bb blues" constitue le premier véritable blues de l'album. Le fragment s'engage sur un bon rythme cher à BB King. Un instrumental au cours duquel Duarte peut développer et manifester l'étendue de son talent. "Last night (I saw the devil)" déambule au cœur d'une atmosphère bien sombre. Les bruits étranges sont produits par les cordes. Ils marchent sur les traces du chant quasi parlé, avant que n'explosent des riffs cinglants. A l'instar d'un "Wild thing", mais en plus complexe. Le solo qui s'ensuit entre dans le domaine de l'expérimentation sonore. Chris en est même étonné ; mais exténué, il reprend avec beaucoup de bonheur le riff torturé. Un rêve éveillé de plus de 9' ! Agé de 40 ans, ce musicien possède une personnalité musicale étrange. De l'ombre légendaire d'Hendrix, il en vampirise la quintessence pour tisser une toile où se mêlent blues, rock, jazz et même musique classique. Et le résultat peut être d'une grande beauté ! J'adore "Mr Neighbor", même s'il est partiellement déjanté. Lente, très intimiste, la plage finale ("Take it to the Lord") se pose en blues du 21ème siècle. Le dépouillement à l'extrême. La beauté dans sa nudité ! Chris Duarte est incontestablement un grand guitariste. Mais son style risque fort de ne pas plaire à tout le bon peuple du blues. Sa forte personnalité y est sans doute pour quelque chose. Et pourtant, je n'ai pas cité une seule fois le nom de Stevie Ray Vaughan dans la chronique.
Pour célébrer la troisième année de bonne entente entre les membres actuels du groupe, les pères de la boogie music nous reviennent en Europe avec un nouvel album. Autour du père Fito de la Parra, gravitent Stanley Behrens au chant, à l'harmonica, au sax et à la flûte, John Paulus aux guitares, Dallas Hodges au chant et à la guitare, ainsi que Greg Kage au chant et à la basse. Soit quatre chanteurs pour cinq musiciens. Ce qui aurait dû être suffisant pour ficeler un album de boogie. Mais non, ils nous ont fait l'heureuse surprise d'attirer quelques amis dans leur boîte.
Hormis "Little wheel", toutes les plages ont été enregistrées en studio au cours des deux dernières années. Une composition signée John Lee Hooker à laquelle il participe, puisque cette prise date de 1989 ; c'est à dire des sessions réalisées pour l'album "The healer". L'album s'ouvre par "Same old games". Les accents de la guitare accordés par Paulus sont légers et la voix d'Alan Wilson, cette voix inoubliable qui sévissait tout au long d'"On the road again", chargée d'émotion. Manifestement, Fito de la Parra tient à sauvegarder ce timbre si familier à tout fan du Heat. Dès les premières mesures de "Bad trouble", on se rend compte que la machine de guerre est parfaitement huilée. La voix rocailleuse de Dallas Hodge mène la bande de L.A, tambour battant. Dès que la voix de Hodge s'efface, une slide bien nerveuse se libère. Un brillant exercice de style opéré par un des élèves les plus doués de l'école : Mr Roy Rogers. Il est vrai que ce vétéran relevait du Coast to Coast Blues Band de Mr Hooker. Puis Dallas prend le relais en empruntant une sonorité que n'aurait pas renié Vestine. Dallas n'est autre que le frère de Catfish Hodge. Encore un musicien intéressant, mais surtout connu des initiés. De sa voix majestueuse, il chante ensuite "Black coffee", un blues lent classique que Stanley colore discrètement de courtes phrases de sax. Un riff puissant introduit "Getaway". Une plage rockin' blues que chante Corey Stevens devant l'harmo de Behrens. L'impact est immédiat. Cette plage était le titre maître du 3ème album de Stevens, paru en 2000. Le léger "It don't matter" marque un changement de style. Stanley chante d'une voix frêle, en s'accompagnant de son harmo chromatique. La nouvelle version du "Let's work together" de Wilbert Harrison est un vrai bonheur. La voix puissante et graveleuse de Dallas Hodge fait bien revivre l'inoubliable Bear. John Paulus est transcendé à la slide, car il bénéficie d'une puissance rythmique exceptionnelle. En fait Harvey Mandel est venu épauler Fito et … Larry "The Mole" Taylor!! Superbe blues lancinant, "1, 2, 3 Here we go again" a été écrit par Dallas. Il chante toujours avec la même autorité et se réserve ici le solo de guitare, pendant que Stanley souffle paresseusement dans son saxophone. Greg Kage a composé "That fat cat", une plage très cool, au subtil parfum de jazz, que chante Greg, d'une voix très musicale. Caractérisée par la flûte de Behrens et les percussions de Fito, ce fragment baigne dans une ambiance latino-américaine. "Home to you" est un blues légèrement rythmé. Une rythmique assez lourde introduit un ancien guitariste du Heat : Walter Trout ; un musicien qui depuis, a fait fortune en embrassant une carrière individuelle. Walter ne veut pas en remettre exagérément. Son solo demeure (presque) retenu. Il ne cherche absolument pas à égrener le maximum de notes à la seconde. C'est ainsi qu'on t'apprécie Walter ! Le brillant Taj Mahal est venu chanter le "Never get out of these blues alive" de John Lee Hooker. J'ai un gros pincement au cœur, en entendant sa voix. La guitare de John Paulus respecte la marque du vieux maître disparu. Taj chante ce blues dépouillé avec passion et feeling. L'émotion est intense. Un climat renforcé par l'harmonica de Stanley et la (vraie) voix de John Lee. Elle revient aussitôt, bien vivante, pour interpréter le fameux "Little wheel". John épaulé par Henry Vestine et Larry Taylor : c'est du bonheur pour les fans de boogie ! Un tel album ne pouvait se terminer sans rappel. C'est prévu ! Suffit de patienter une bonne minute pour laisser la place aux accents dramatiques de "Let's work together". Harvey Mandel et Larry Taylor sont toujours au poste ; mais pour la circonstance, les vocaux et la slide sont assurés par l'extraordinaire Robert Lucas. Enfin, "Getaway" revient dans le parcours. En fait, il s'agit du titre dont le potentiel commercial est le plus flagrant. Cette version a été éditée pour la route ; celle des radios américaines FM. Au beau milieu des trois guitares en rythmique, Corey Stevens y révèle toute sa compétence au chant, Mike Finnigan à l'orgue et Behrens à l'harmonica. Si cet opus recèle pas mal de bonnes choses, sachez que Walter Dr Boogie a prévu de sortir, fin de cette année, le deuxième volume des Boogie House Tapes. Don't forget to boogie!
Si mes calculs sont exacts, The Durutti Column doit compter une vingtaine d'albums à son actif Etonnant pour cet artiste mancunien qui végète dans la zone crépusculaire de l'underground depuis plus de 20 ans. Artiste, car Durutti Column est le projet de Vini Reily. De groupe, il n'en a eu seulement été question qu'en 1978. C'est à dire lors de l'enregistrement de l'EP " A factory sampler " ; même si Martin Hannett, Peter Crooks et Toby avaient collaboré à la confection de l'indispensable " The return of… ", en 1980. Sur pratiquement tous les elpees de D.C., on reconnaît la signature de Reily à la sonorité minimaliste, chargée de reverb, de sa six cordes. Sa voix monocorde n'a jamais été exceptionnelle ; mais peu ou pas utilisée, elle a toujours bien collé à sa musique mélancolique, introspective, propice aux paysages sonores les plus intimistes. A une certaine époque, l'aspect technologique avait cependant pris le dessus dans sa composition ; Vini avait même osé échantillonner les voix dOtis Redding, de Tracy Chapman et d'Annie Lennox sur un elpee éponyme, paru en 1989. Par la suite, il a tenté de multiples expérimentations. Notamment dans le domaine du funk. Sans grand résultat. Et ce ne sont pas les trop rares collaborations, menées notamment en compagnie de Blaine L. Reininger et de Morrissey, qui lui ont permis de revenir sur le devant de la scène. J'ai donc été très agréablement surpris en écoutant ce " Someone else's party ". Le thème n'est pas à la joie, puisque cet opus est sensé rendre un dernier hommage à sa mère décédée, suite à une maladie. Mais cet immense chagrin a véritablement transcendé Reily. Auteur pour la circonstance de véritables petites perles. Et je pense tout particulièrement à " Love is a friend ". Déchirée entre samples fuyants, brisures de rythmes et cette fameuse guitare reverb, cette plage aurait pu naître de la rencontre entre Cocteau Twins et Happy Mondays. Au funky " Somewhere ", sorte de Kitchens of Distinction light et estival, Vini ayant pris le soin d'overdubber ses lignes de guitare. A la prière " Requiem for my mother ", combinaison de percussions clairsemées et de cordes de guitare chatoyantes, fleuries, hispaniques. Beau à pleurer ! A " Vigil " également ; un fragment tapissé par une chorale en boucle, dynamisé par un rythme de danse pulsant et irradié par des cordes acoustiques divines. Et des compos telles que " Spanish lament ", dont le sample du chant est issu de " Mullholland drive " de David Lynch, " Somebody's party ", éclairé par une passion morbide, le floydien (NDR : circa " Dark side of the moon " !) " Blue ", nonobstant ses accents hispaniques, " No more hurt ", qui croustille au tempo de la house mancunienne, et la finale " Goodbye ", ponctuée d'une réponse téléphonique imaginaire donnée par sa mère depuis l'Eden, sont loin de déparer l'ensemble. L'opus recèle, bien sûr quelques morceaux plus expérimentaux. L'hypnotique " Woman ", qui me rappelle à la fois Captain Sensible et Moby, constitue certainement la plus intéressante. Un seul reproche, les titres ont parfois tendance à tirer en longueur. Mais plongé au sein de cette beauté fragile, intemporelle, on ne peut résister à l'addiction…
La vague du british blues s'était essoufflée au tout début des 70s. Le mouvement punk et son cortège d'énergie allaient ramener à l'avant-plan les formations blues et rock qui écumaient les pubs. Dr Feelgood, bien entendu, mais aussi Nine Below Zero ou encore les Count Bishops. Des blues bands plus orthodoxes allaient rapidement leur emboîter le pas. Et en particulier le Blues Band de Paul Jones et de Dave Kelly ainsi que le DeLuxe Blues Band. Fondé en 1980, cet ensemble réunissait trois vétérans de la scène blues anglaise : le drummer Mickey Waller, le talentueux pianiste de blues et de boogie Bob Hall, et enfin Bob Brunning, préposé à la basse au sein du Fleetwood Mac originel, en 1967. Le line up était complété par un excellent guitariste issu de Cincinnati, l'ex Roogalator Danny Adler. Le quatuor va commettre quelques albums intéressants au cours des 80's : "Live at Half Moon Putney", "A street car named De Luxe", "Urban De Luxe" et "Motorvating". La formation va ensuite disparaître avant de renaître sous la houlette de Brunning. Et si Waller est toujours au poste, de nouveaux musiciens, dont le légendaire Dick Heckstall-Smith aux saxophones, font alors leur apparition. La formule de ce groupe sera immortalisée par un elpee intitulé "The DeLuxe Blues Band".
1997 marque de nouveaux changements importants chez DeLuxe, au sein duquel on ne compte plus qu'un seul membre survivant : Bob Brunning. Avec à la clef, un nouvel opus, baptisé de manière très originale "The DeLuxe Blues Band". Le label américain Blues Leaf a décidé de ressortir la quintessence de ces deux derniers albums, sous la forme d'un double Cd. Baptisé "The early years" le premier disque implique Brunning et Waller, le chanteur Phil Taylor, les guitaristes Allan Vincent ainsi que Dave Beaumont. Mais au fil des plages, des invités prestigieux interviennent. Quatre en tout ! Et tout d'abord, Paul Lamb. Le n°1 de l'harmonica du blues anglais participe à trois titres, dont l'instrumental "Lambpoon", sur lequel il s'exerce au whoopin cher à Sonny Terry, et une bonne cover du "Peach tree" de Sonny Boy Williamson, malgré le chant assez faible de Phil Taylor. Otis Grand est également de la partie. Il donne un bon coup de guitare sur le notoire "All your love" d'Otis Rush, et l'instrumental "Elevator's blues". Le saxophoniste Dick Heckstall-Smith participe à quatre plages assez intéressantes, notamment à cause du jeu échangé par les deux guitaristes de base. "Neighbour nieghbour" en est la plus belle démonstration. Enfin, une longue version de "Hoochie Coochie man" (près de 8') bénéficie du concours de l'harmoniciste noir, Johnny Mars. Ce Californien n'a pas changé. Toujours aussi excessif et très amplifié, il est demeuré le Jimi Hendrix de l'harmo.
Le deuxième disque s'intitule "The later years". Brunning est ici flanqué de Russell Baillie au chant, un vocaliste plus puissant, assez agressif, de Reg Patten aux drums, de Bill Smith à l'harmonica, ainsi que de son fils Daniel et de Dennis McGrath aux guitares. Imprimé sur un rythme à la Slim Harpo, "Really love my baby" est emmené à la manière des R&B bands anglais du début des 60s. Ce DeLuxe me paraît bien plus intéressant, plus énergique, plus dynamique. Et les performances de l'harmoniciste Bill Smith et du guitariste Daniel Smith n'y sont pas étrangères. Parcouru par l'harmo et la slide de Dennis McGrath , l'excellent "A fool of me" dispense une énergie roots. Le point fort de ce line up procède de sa capacité à composer et à ne pas toujours ressasser les mêmes canons du blues. Blues lent dépouillé à l'extrême, "I know" est bien ciselé par la guitare. Heckstall-Smith pigmente ce fragment de son saxophone mélodique, pendant que Russell chante avec discernement. Dick collabore également à trois autres titres : le funky "Riding two trains", "Heatwave" et "Just a little bit". Entre les deux morceaux de plastique, il n'y a pas photo. Le premier souffre d'un manque de prouesses instrumentales et de passion vocale. Le second est beaucoup plus intéressant. Plus intense et vivifiant aussi.
Issue de Los Angeles, cette chanteuse/guitariste a dépassé le cap du demi-siècle, l'année dernière. Elle a fait ses armes au sein du groupe d'Albert Collins. Le père Albert lui aura tout appris, et même présenté son batteur d'alors, un certain Coco Montoya. Qui deviendra célèbre plus tard, en troquant ses deux baguettes contre une six cordes. Chez les Bluesbreakers de John Mayall. L'idée n'était donc pas banale de sous-titrer son nouvel opus, "A celebration of the Music of John Mayall". D'ailleurs, tout émoustillé, le vieux John est venu rédiger quelques notes sur la pochette. Il est vrai que Miss Debbie a débuté sa carrière en 86. Au sein de la formation féminine de Maggie Mayall et les Cadillacs!! A cette époque, John lui demande de participer à l'enregistrement de son elpee "A sense of place", un disque qui paraîtra en 1990. Sa présence est créditée sur "Without her".
Elle a entamé son aventure en solo, il y a plus de dix ans. Et commis pas moins de trois albums pour Blind Pig et trois autres pour Shanachie. Sans compter "Grand Union" en 98, pour Blueside. En compagnie d'Otis Grand et Anson Funderburgh. Et "Homesick for the road" en 99, pour Telarc. En compagnie de Kenny Neal et de Tab Benoit. Elle est ici épaulée par sa section rythmique : Don Castagno (un ancien de Popa Chubby) à la batterie, et Alan J Hager à la basse. Et puis, pour célébrer le vieux loup, visez l'entrée des artistes.
L'album s'ouvre par "Light the fuse", une plage peu connue issue de "Wake up call", un disque paru en 93. La plage démarre sur un tempo élevé. Bruce Katz, le claviériste, est le premier à tirer son épingle du jeu. L'ancien musicien des Broadcasters de Ronnie Earl se réserve successivement un solo de piano boogie et d'orgue Hammond. Une bonne entrée en matière. "Chicago line" avait été enregistré par Mayall dès son tout premier elpee. Intitulé "John Mayall plays John Mayall", il était sorti en 65. John avait écrit ce titre en pensant à l'un de ses harmonicistes favoris : James Cotton. Et c'est bien ce dernier qui est revenu pour souffler sur un rythme du chemin de fer. En outre, Le vieux Jimmy est à son top ! Debbie réalise là une superbe version de ce titre qui salue le beat de Bo Diddley. "Hard road" est la chanson générique de l'album du même nom. Sorti en 67, il avait bénéficié du concours de Peter Green à la guitare. Un superbe blues écrit par Mayall. Le guitariste au sens mélodique appuyé, capable de faire chanter paresseusement ses cordes dans un registre assez unique, ne pouvait être que Mick Taylor. Il baigne dans son élément, l'ami Mick! "Room to move" constitue, sans doute, la composition la plus célèbre de John. Sa première mouture était d'abord apparue sur l'album "Turning point". En 69. Proche de l'originale et traversée par l'harmo de luxe de James Cotton, cette nouvelle version est tout à fait réussie ! "Takin' it all to Vegas" est issu de la plume de Debbie. Un blues au tempo enlevé, caractérisé par le piano roulant et la guitare largement inspirée par Albert Collins. "Dream about the blues" est un blues typique, signé John Mayall. Debbie le chante avec passion, comme elle le respire. Les deux guitares sont bien présentes. Celle de Debbie, bien sûr, et puis de Paul Opalach, à la slide. Manifestement, le style Mick Taylor est mis ici en exergue. Ce sens de la mélodie et cette sensibilité exacerbée sont toujours d'actualité sur un autre fragment peu connu : le très doux "I should know better". Debbie y joue superbement de la guitare acoustique, très hispanisante, nonobstant une délicieuse finale électrique. Dynamique et nerveuse, la plage titulaire relève bien entendu du fameux album "Bluesbreakers". Paru en 1966, il impliquait Eric Clapton à la guitare. "I'm a sucker for love" est en effet, un blues rocker très Mayall. Le piano boogie de Katz se paie un nouveau super solo. La guitare est nerveuse comme pouvait l'être celle de Clapton, à ses débuts. Elle soutient aussitôt la comparaison, tout au long d'un autre titre emprunté à "Bluesbreakers" : le fabuleux instrumental signé L.C Frazier : "Steppin' out". Miss Davies reproduit la prouesse de Clapton avec une facilité déconcertante. Un ban pour Debbie! "Nature's disappearing" constitue une nouvelle page d'émotion. Debbie avoue avoir tiré ce morceau de "Wake up call" ; mais cette compo figurait déjà sur "USA Union", en 70. Tout au long de cette plage un peu funky, Peter Green souffle dans l'harmo. Il libère les soli de guitare. Nonobstant sa réserve, Peter demeure toujours aussi inspiré et intéressant! Debbie referme son album par "I just came to play" : 'je suis juste venue jouer, ne sois pas si modeste!' Elle joue ici à la manière d'Albert King avec toujours autant de facilité. Tiens, l'aviez-vous remarqué ? Elle a enfin dévissé son éternel béret du sommet de son crâne. Et ma foi, malgré ses 50 balais, elle est encore bien mignonne. Excellent !
Originaire de Dallas, Memo est un grand amateur de soul et de R&B. Avant d'opter pour l'harmonica, ce Texan était préposé à la basse chez les Weebads. Le chromatique, il l'a appris en écoutant James Cotton et Charlie Musselwhite. Au cours de leur existence, les Weebads ont vu défiler quelques musiciens dont la réputation n'est plus à faire aujourd'hui. Et notamment Johnny Moeller, Hash Brown et Paul Size. Memo est finalement repéré par Eddie Stout, producteur à Austin. Il l'invite à enregistrer pour son label Pee Wee ; et en particulier des sessions pour les "Texas Harmonica Rumble" parties. Des exercices de style qui vont lui permettre de décrocher des billets de sortie pour l'Europe et ses nombreux circuits. En 1993, il participe au Blues Festival d'Utrecht. Il y rencontre le guitariste Kai Strauss, le bassiste turc Erkan Ozdemir et le drummer Klaus Schnirring. En l'occurrence, ceux qui deviendront son backing group actuel. Memo Gonzales et les Bluescasters tournent pour la première fois en 1995. Ils enregistrent deux albums pour Stumble : "Let's all get drunk and get tattooed" en 1996 et "10,000 Miles" en 1999.
En février dernier, tout ce beau monde se retrouve au Texas pour mettre en boîte ce nouvel album. Le répertoire est essentiellement issu de la plume de Memo et de son compère gratteur Strauss. Il recèle cependant quelques reprises, souvent inhabituelles. L'opus s'ouvre par "Must be love". Un fragment qui trahit quelques affinités avec le rhythm'n blues et la soul. "The look of a creator" est une superbe composition. Tout est à bien mis en place. L'inspiration est puisée dans le Chicago Westside. La guitare tisse des lignes très créatives pendant que l'harmonica se fait très personnel. Kai Strauss chante son "What you're doin' to me" sur un rythme très rock'n'roll. Le refrain léger, tonifiant, autorise de belles envolées de guitares. La rythmique est en effervescence, pendant que Klaus Schnirring martèle comme un fou sur les peaux. La pression rythmique de Strauss est imparable. Tout au long du shuffle "It's been awhile", Memo souffle dans les aigus, sans faille, comme un Jimmy Reed en grande forme. Sur le blues lent et brûlant "Wages of my sins", Kai dispense des phrases aux tonalités torrides, empruntées à un Otis Rush des meilleurs jours. Très R&B dans sa démarche, "One and one (don't make three)" autorise des échanges et des sorties de guitares à très haut niveau. Pourtant, nul ne sort vainqueur de cette joute entre Strauss et Johnny Moeller. Ce qui n'empêche pas cette plage de briller. Plus surprenant, les Bluescasters s'attaquent au célèbre et délicat "His latest flame". Un titre signé Doc Pomus et révélé au grand public par un certain Elvis Presley. Un léger frisson me parcourt l'échine. Anson Funderbuirgh, l'ami de Dallas, est venu rendre visite au groupe dans les studios de Palmer. Il intervient sur deux plages : le très rock'n'roll "You got me rollin" et "The door of happiness". Les musiciens conservent ce tempo rapide pour soutenir le chant de Kai sur "Two headed woman", un titre obscur de Junior Wells. Le gratteur peut y montrer toute l'étendue de son talent en y développant des tonalités très diverses. Impressionnant ! Pour "Angels in high heels", les Teutons texans puisent leur inspiration dans la West Coast. Un de ces moments choisis au cours duquel Memo étale sa virtuosité d'instrumentiste devant la guitare jump de Straus. Kai chante encore un autre rocker : "Give it to me", un titre qu'aurait sans aucun doute aimé Jimmy Vaughan (NDR : armé d'une Strato blanche, Kai affiche d'ailleurs un look très proche de Vaughan). Mais ici, Mike Morgan, un autre pote de Dallas, vient donner le coup de pouce. Ce superbe album s'achève par un brillant exercice de style sur les cordes accordé par Kai Strauss : "Icy blue" ; un instrumental signé Albert Collins.
Né à Paris, Frank est aujourd'hui âgé de 43 ans. Il a fait ses armes chez Marcel Dadi ; mais son inspiration originelle pour le blues procède de Hound Dog Taylor. Cependant, il s'est établi de l'autre côté de l'Atlantique sur les conseils de Sonny Rhodes. A San Francisco, très exactement. Troyce Key le repère rapidement. Il le rebaptise du sobriquet "Paris Slim" et lui permet de jouer dans son club à Oakland : le Eli's Mile High Club. Il y accompagne notamment Elvin Bishop et Charlie Musselwhite. Il tourne également en compagnie Jimmy McCracklin. Pendant trois ans. Dans les années 80 il sort deux albums sous le patronyme de Paris Slim : "Blues for Esther" (1989) sur Blue Sting, et "Bleedin' heart" (1996) chez Globe. Ce dernier coproduit par Joe Louis Walker. En 1999, il se fixe à Santa Barbara, près de L.A, et collabore aux productions du label Fedora. Il a également partagé la mise en forme du dernier album de RJ Mischo : "Meet me on the coast". Un disque paru chez Crosscut. " Bluju " a été enregistré fin 2001. Il est le fruit de différentes sessions accordées en Californie.
"Homesick blues" s'ouvre sur les accents rythmiques du Delta. Les percussions de Lorenzo Martinez occupent l'avant-plan sonore. L'accordéon de Jim Calire suit à la trace les percussions. Elles confèrent à l'expression sonore une épaisseur sonore particulièrement éloquente. Frank se libère sur le bottleneck de manière très percussive. Blues façon BB King, "Back door key" enchaîne avec beaucoup de douceur. Pourtant, la guitare est acerbe, largement amplifiée. Elle opère un jeu de questions et réponses avec la voix de notre Parisien. L'échange est brillant. Red Young accompagne cette guitare très classe de son orgue Hammond. L'ambiance est à la fête pour introduire "Petit à petit (l'oiseau fait son nid)", une plage chantée en français, réminiscente de la Nouvelle-Orléans, au cours de laquelle les percussions envahissent l'espace sonore. Le redoutable Alex Schultz intervient sur sept plages à la guitare et sur deux autres à la basse. Son rôle demeure cependant discret. Hormis lors de l'instrumental générique, il s'intègre de manière permanente à la section rythmique. Si les deux guitaristes s'affrontent dans des registres fort différents, leurs talents se conjuguent, tant ils se montrent complices. "I'm a love you" de Jimmy Reed est sculpté dans un boogie au swing dépouillé. Les sonorités sont manifestement empruntées à John Lee Hooker. Frank double avec caractère à l'harmonica devant les voix de Cynthia et Jessica. Le rôle des percussions est davantage accentué sur "Don't take away my love". Elles s'enchevêtrent dans les sonorités de la guitare acoustique, qui prend ici des accents de raga indienne. Frank découpe cette plage saturée d'émotion contenue à la slide. Une atmosphère plutôt reggae pop émerge du pétillant "I can't stand it". La ligne mélodique est claire. Martinez, Red Young et John Hanes aux percussions ainsi que Souhail Kaspar aux tablas égyptiens s'amusent comme des fous. Ils portent littéralement Frank dans son solo latino. Excellent ! "Well well Josephine" est taillé dan le funk exotique. Ce titre évoque le développement rythmique pratiqué par Howlin' Wolf. La richesse sonore est à son paroxysme. Traité de manière contemporaine, ce blues demi-séculaire évolue dans un décor lugubre et oppressant. "Melba's bomp" manifeste d'incontestables affinités avec le Westside de Chicago. La six cordes semble empruntée à Otis Rush. La partie de guitare rythmique basse est irrésistible. Signé Melvin London, "The twelve year old boy" est un blues plus classique. Largement cuivré par les saxophones du très doué Dave "Woody" Woodrow, il me rappelle l'Electric Flag de Mike Bloomfield. Et c'est un compliment ! Instrumental, "Playing in the park" fait mouche. Une composition de Philip Walker qui ressemble fort à un tournoi qui oppose Walker et Goldwasser ; et arbitré par le piano de J.J Malone et le sax de Jim Calire. Frank retrace son séjour aux Etats-Unis depuis son arrivée sur le slow blues autobiographique "Three sisters" ; un morceau sur lequel JJ Malone est resté derrière le piano. Plage fortement cuivrée, "Feels like home" achève cet opus. Un album exceptionnel ! Et encore bravo à toute l'équipe de Crosscut !
Agé de 60 balais, John Hammond est un des plus anciens bluesmen blancs sur la route. Il est né à New York City en 1942. A 20 ans, il vivait à Greenwich Village. Il avait d'ailleurs participé au Folk Revival de l'époque et bien entendu à la renaissance du blues. Celle qui date des années 60.
Cet elpee s'ouvre par "Slick crown", une composition de John. Un fait à souligner, car il compose très peu. Ce qui est regrettable, car inspiré sans surprise par le regretté John Lee Hooker, ce léger boogie est vraiment croustillant. Tout est bien en place. Les deux guitares : celles de John et de Frank Carillo. Augie Meyers siège derrière le piano électrique. David Hidalgo (chanteur/guitariste/accordéoniste chez Lobos) a composé deux titres pour l'ami John : "No chance" et "I brought the rain". "No chance" est un blues délicatement rythmé à l'instrumentation très riche. Les guitares de Carillo et d'Hidalgo lui donnent de l'épaisseur. John se réserve l'harmonica. En bon texan du sud, Augie Meyers a sorti son accordéon. L'ambiance générale est très relax, laidback même, jusque dans la voix nonchalante. Pour "I brought the rain", les percussions de Hodges sont à l'avant-plan. L'orgue de Meyers intervient timidement dans le décor sonore. Très roots, très 'americana', "Easy loving" est particulièrement accrocheur. Une composition signée Freddie Hart, qui met en évidence l'accordéon et le violon de Soozie Tyrell. "Gin soaked boy" met un soupçon de rock dans le blues. En outre, les trois guitares sont en verve. Composée par Tom Waits (NDR : et cela s'entend !), cette chanson sied comme un gant à l'ami Hammond. Souvenez-vous de "Wicked grin", le dernier album de John ; il était presque exclusivement consacré aux chansons de Waits. Qui avait, sans surprise, assumé la production. John interprète aussi "Low side of the road", partie intégrante de l'univers glauque de Waits. Le jeu est minimaliste. La mise en scène chère à Hidalgo. Il ne faut pas oublier qu'il est aussi impliqué chez les Latin Playboys ! "Spider and the fly" est une des plus belles réussites de cet elpee. Composée dans les années 60 par Mick Jagger et Keith Richard, cette plage figurait autrefois au répertoire des Rolling Stones. Un très bon blues, paresseux, sans doute inspiré par Jimmy Reed. L'harmo flotte dans les aigus. Les guitares et le piano impriment une rythmique soutenue. "Can't remember to forget" constitue un de mes moments favoris. Un morceau écrit par Jerry Portnoy, un des rares musiciens blancs à avoir sévi au sein du Muddy Waters Band. Ce fragment s'inspire des marais de la Louisiane et emprunte au style de Guitar Slim. Hanté par le violon de Soozie, "Color of the blues" n'a strictement rien à voir avec le blues. Nonobstant son titre, cette cover de George Jones relève de la musique country pure. L'interprétation du "Same thing" de Willie Dixon est très dépouillée. Le climat lugubre, volontiers dramatique. La guitare (NDR : celle de John?), colle parfaitement à ce contexte. Une légère touche exotique teinte l'univers sonore de "Comes love", que John interprète de manière si personnelle. Il se fait enfin plaisir lors de la reprise du "Money honey" de Jessie Stone, une cover qui date de 1958 ; c'est à dire des années glorieuses du rock'n'roll. Lorsque John est sur la route, il prend le soin de s'entourer de musiciens talentueux. Ceux du Wicked Grin Band ne dérogent pas à la règle. En l'occurrence Meyers, Carillo et la section rythmique qui réunit Stephen Hodges aux drums et Marty Ballou à la basse. Si mes calculs sont exacts, " Ready for love " constitue le 29ème opus de John. Un disque qui s'achève par une partie de bluegrass. Intitulée "Just one more", elle met en exergue mandoline et violon. Par souci d'originalité, chaque album de Hammond bénéficie du concours de producteurs très différents, entraînant ainsi une relecture permanente de sa musique. A cet égard, le choix de JJ Cale pour "Trouble no more" (93), Duke Robillard pour "Found true love" (98), Tom Waits hier et David Hidalgo aujourd'hui, en sont des exemples particulièrement éloquents.
Les Hoodoomen sont issus de la Normandie. De la région de Caen, très exactement. Fondé en 1996, le line up impliquait à l'époque Pascal Fouquet à la guitare, Thierry Hau à l'harmonica, et pour section rythmique, une histoire de famille partagée entre Bernard et Francis Marie, respectivement bassiste et drummer. Il y a trois ans, Thierry a cependant été remplacé par le chanteur/harmoniciste Philippe Brière. En 2002, la formation a remporté le Tremplin Blues-sur-Seine, un concours qui cerne bien les valeurs du blues français. Son premier elpee, "Blues", est paru en 2000. Le second , "Keep on dreamin'", deux ans plus tard. Février dernier, les Hoodoomen ont enregistré leur set au House of Live de Paris. Un événement immortalisé sur ce nouvel elpee sous-titré "House of Live presents from the West Coast the Hoodoomen on stage". Il faut dire que la formation a forgé sa réputation sur les planches, et il est intelligent de leur part de ne pas avoir attendu plus longtemps pour commettre ce disque 'live'. Pour la circonstance, ils ont reçu le concours de Fabien Saussaye, au piano.
La formation appose immédiatement sa signature sur "Hoodoomen theme", en présentant les solistes. Instantanément, cette ouverture sent bon la West Coast et met en exergue, tour à tour l'harmonica, l'orgue et la guitare. Maintenant, je comprends mieux pourquoi ce band alimente le haut du panier hexagonal. Sa musicalité n'est jamais prise en défaut, et puis la cette section rythmique libère un de ces grooves! Le swing et le jump s'entremêlent tout au long de "Shake it", une plage signée par l'harmoniciste californien Johnny Dyer. Le jeu aux six cordes de Pascal Fouquet semble camper un compromis entre l'école de la West Coast et celle du Texas (Albert Collins, T-Bone). Pour interpréter le "Yeah, yeah, yeah" de Joe Liggins, l'ensemble prend la direction de la Nouvelle Orléans. Nous sommes plongés dans le zydeco. L'invité Philippe Sauret est au frottoir. Fabien joue du piano qui roule. Francis impressionne aux percussions. Tout semble si facile! Balayé par le cri du coyote de Philippe, leur "Like a coyote" est un solide shuffle comme on peut les produire à Austin ou Dallas. Pascal y joue au feeling comme un Anson Funderburgh des bons jours. Philippe n'est pas en reste. Il souffle comme un possédé. Il a parfaitement assimilé le jeu des grands. Les Hoodoomen enfilent avec talent plusieurs classiques. Tout d'abord le blues lent de T-Bone Walker, "Stormy Monday". L'accompagnement de Fabien au piano est brillant. La partie de guitare exacerbe tous nos sens. "Further on up the road", ensuite. Une compo très jump, soutenue brillamment par un harmo à la Piazza. "Just your fool" de Little Walter, également. "You don't have to go" de Jimmy Reed, encore. L'inspiration made in Chicago est omniprésente. Et même "My girl Josephine" de Fats Domino, qui transpire cette bonne humeur débordante de la Nouvelle Orléans. "Little bitty pretty one" est un exercice de style pour le talentueux Philippe Brière à l'harmonica. "But nothin' else" nous emmène en Louisiane, du côté des swamps, adressant au passage un clin d'œil à Guitar Slim. Tout au long du solide boogie "Quarantine", Pascal passe en revue ses goûts en matière de cordes, un instrumental au cours duquel Fabien se trémousse aux ivoires. Cet excellent album 'live' brille par la qualité de ses compositions, et démontre que cette formation possède un registre particulièrement ample.
Originaire de l'est de Los Angeles, la sulfureuse Candye est devenue chanteuse et même compositrice, contre vents et marées. Il est vrai que le récit de sa vie est une source intarissable d'anecdotes croustillantes. Autrefois paumée, strip-teaseuse et actrice porno dans ses mauvais jours, activiste féminine, provocatrice le reste du temps, cette fille est parvenue à se forger une place dans le giron du blues contemporain. A force de travail. Mais aussi de talent et de persuasion. Selon la légende, cette mère célibataire continue à vendre des produits Tupperware. Notre diva est particulièrement populaire à San Diego. Pourtant, ses trois premiers albums ont été enregistrés chez les Texans d'Antone's. "Home cookin" en 94, "Knock out" en 95 et "Diva la Grande" en 96. Il faudra cependant attendre 99 pour voir sortir "Swango". Sur Sire. En 2000, elle signe chez Rounder pour y commettre "The toughest girl alive". Elle s'est souvent produite chez nous. Chaque fois (ou presque !) en compagnie d'un nouveau backing band. Et je dois avouer qu'elle a rarement déçu. Impossible d'échapper à la magnifique photo qui illustre la pochette de cet elpee. Candye y apparaît plus voluptueuse et séductrice que jamais. Pour la confection de cet opus, Thomas Ruf lui a permis de s'entourer d'une sacrée brochette de musiciens.
Elle entame ce nouveau CD, les cordes vocales en transe. Elle aime les mettre en exergue, et ça se sent! "Something's got a hold on me" est mené tambour battant. Le chant est assez gospel. La première intervention de cordes est très réussie. Faut dire que pour la circonstance, elle est secondée par Jeff Ross et Kyle Jester. Son adaptation du "Wrap around joy" de Carole King bénéficie d'un excellent arrangement. Un morceau de soul R&B très funky enrichi par l'orgue Hammond et les cuivres. Signé Wild Child Butler, "Put it all in there" est un shuffle comme on les adore. Tous les musiciens sont bien soudés. La section rythmique assure, pendant que R.J Mischo se démène, comme un beau diable, à l'harmonica. Issu de la plume de Billy Valentine, "Fit, fat and fine" nous ramène dans l'ambiance de la fin des années 40. Ce fragment libère beaucoup de swing, de rythme. Le chant est caractérisé par un échange entre Candye et Kyle Jester. Au cours de ce duo, Brandon Fields prend un solide solo de sax et Kyle se réserve une superbe sortie dans le style West Coast jump. Assez rocker, "A lion in my house" est un blues très rythmé. Le chant de Candye est furieux. Mais il me semble reconnaître l'ami Charlie Musselwhite qui pointe le bout du nez. La cover du "What's that I smell?" de Big Bill Broonzy constitue le moment le plus roots de l'opus. Elle met en exergue un duo vocal échangé avec ce bon vieux Charlie qui tient aussi la guitare acoustique. Candye s'attaque alors au canon de Willie Dixon, "Whole lotta love". Elle emprunte cependant les arrangements du Led Zeppelin. Ce qui n'est guère étonnant, car elle jouait ce titre live depuis pas mal de temps. Elle accomplit ici le rôle de Robert Plant. Ce qui n'est pas davantage surprenant lorsqu'on connaît son registre vocal. Et la guitare est aussi d'un bon niveau. Ce qui ne gâter rien. Des violons sirupeux introduisent "When the hangover strikes", une ballade enivrante très fin de soirée, qu'elle interprète à la manière d'une crooneuse. Pourtant, je la préfère lorsqu'elle déménage. C'est une certitude. A cause du volume de son registre vocal et de sa prestance. Alors, nous ne sommes jamais déçus. Sa puissance, sa hargne sont inégalables. A l'instar du rock'n'roll furieux "I'm just a sucker who believes in love". Un morceau qu'elle a composé. C'est bien dans ce registre qu'elle est la meilleure. Elle remet le couvert pour "27 times", au rythme plus relaxant. Mené à la manière de Jimmy Reed, cette compo se termine en swing. Mais est-ce donc Larry Taylor qui se réserve la basse acoustique et R.J Mischo l'harmonica? Cet excellent album se termine dans une atmosphère très barrelhouse, honky tonk. Le duo échangé avec le piano (NDR : est-ce celui du Reverend Billy C. Wirtz ?) est tout à fait excellent. Dommage que les notes de pochette soient si avares d'informations. Un album très excitant pour la très excitante Candye!
Originaire d'un patelin proche de Chicago, Nick Moss se met à gratter la basse de son frère aîné Joe, dès son plus jeune âge. Il vient alors de contracter le virus du blues. Il fréquente alors tous les clubs mythiques de la Cité des Vents. Et est repéré par Jimmy Dawkins qui l'intègre dans son band. Il passe ensuite 4 années en compagnie de Willie "Big Eyes" Smith ; puis trois années avec Jimmy Rodgers. Et fonde enfin ses Flip Tops avec lesquels il enregistre successivement "First offense" et "Got a new plan".
Au sein du line up de cette formation, on retrouve son épouse Kate Hodinott. Préposée à la seconde guitare sur ce nouvel album. Mais aussi Andy Lester à la basse et Greg Campbell aux drums. "Count your blessings" est officiellement découpé en treize plages, dont les dix premières sont signées par Nick. Mais l'opus épingle cinq bonus tracks. Et toutes des reprises. Quel festin!
L'album s'ouvre par "Heavy on my mind". Evoluant sur un mid tempo, il est imprégné des sons du Chicago blues mythique. Les Flip Tops inspirent immédiatement le respect. Nick se réserve un premier solo déjà déterminant. Deux invités de marque y font déjà leur apparition : Mr Curtis Salgado ( jadis membre de Roomful of Blues) à l'harmonica, et Barrelhouse Chuck à l'orgue. Chuck passe au piano, Bob Stroger à la basse et Willie "Big Eyes" Smith à la batterie, pour aborder le titre maître. Curtis se met à souffler comme Jr Wells ou Jimmy Cotton. On a l'impression d'être en présence d'un super groupe local. Du bonheur à l'état pur ! Les plages suivantes confirment les premières impressions. Dans la démarche, elles me font penser à Mississippi Heat. En écoutant Salgado souffler dans les aigus sur "Gold digger", on en conclut qu'elles sont propices à la rencontre de générations différentes. Et on n'est pas au bout de nos surprises, car quatre fragments, dont deux bonus tracks, ont été enregistrés à Dallas en compagnie d'Anson Funderburgh. Les deux guitaristes s'en donnent à cœur joie. L'orgue Farfisa de Barrelhouse Chuck sonne très Booker T & the MGs. Epaulé par Chuck, Stroger et Smith, Nick recrée l'une des ambiances chères à Chess sur "Porchlight". Celle d'Elmore James en particulier. Enrichi par l'harmonica de Richard Duran, alias Lynwood Slim, "So tired" est le slow blues Chess par excellence. Slim partage d'ailleurs la production de cet elpee avec Moss. Et Chuck joue son Otis Spann!! En opérant la synthèse de ce qui se fait le mieux à Chicago, Nick Moss, le guitariste, nous illumine de son talent sur "Panic Attack". On distingue clairement l'emprunte laissée par Jimmy Rodgers sur le jeune Nick, tout au long du sobre "Breal bad". Que c'est bon! Et ce n'est pas tout ! Il se fait même Jimmy Reed sur "W.A.S.T.E.D". Faut dire qu'il possède une bonne voix le Moss. Pas un baryton, mais un timbre proche de nombreux bluesmen du Chicago d'époque. A partir de cet instant, il met ses Flip Tops (et lui-même) à la disposition de ses invités. Barrelhouse Chuck chante "Barrelhouse woman" de Leroy Carr, avec Funderburgh aux cordes, puis le lent et sublime "Ain't times hard" de Floyd Jones, au cours duquel Moss et Salgado accordent des soli émouvants. Venons-en enfin aux bonus tracks. Deux plages sont chantées par le vieux Sam Myers. "Hey hey", tout d'abord. Il libère un de ces sons pourris et met en exergue une intervention impérissable de Moss. "She brought life back to the dead" de Sonny Boy, ensuite. Qui sent bon le Texas. De son timbre graveleux, très proche d'un certain Magic Slim Curtis, Salgado interprète "This little voice, alors que Lynwood Slim se réserve "I chose to sing the blues", soutenu par Chuck au curieux orgue Vox Jaguar. Hommage appuyé à James Cotton, le bouquet final offre un beau duel échangé par les harmonicistes Salgado et Lynwood Slim. Je conseille vivement l'opus de ce jeune artiste, aux amateurs du blues de Chicago.
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