" Blue steel " constitue le volume 60 des fameuses Chicago Blues Sessions du label autrichien Wolf. Il est sous-titré "A tribute to Elmore James". Une indication qui devrait vous mettre instantanément au parfum. Elmore James incarne, pour moi, le Dieu de la slide. Le créateur de ce riff répété à l'infini et tellement familier aux oreilles de tous les fanatiques du blues. De Chicago. A coloration Chess, bien entendu! Il était lui aussi, comme tant d'autres, originaire du Delta du Mississippi où il était né en 1918. Dans sa jeunesse, il fut largement inspiré par le style du Delta blues créé par Robert Johnson. Ce merveilleux bluesman nous a quittés voici 40 ans. En 1963. Il n'avait alors que 45 ans.
John Primer est lui aussi originaire du Delta. Il a émigré à Chicago à l'âge de 18 ans. En 1963. C'est à dire l'année de la disparition d'Elmore. John a rejoint le backing band de Muddy Waters, sur recommandation de l'harmoniciste Mojo Buford. Il y restera de 1979 à 83. C'est à dire jusqu'à la mort du créateur de " Rollin' Stone ". Il a ensuite sévi, pendant treize ans, au sein des Teardrops de Magic Slim. John Primer a toujours été réputé pour sa technique de la slide guitare. Je ne suis donc pas trop surpris de le voir participer à un tel hommage, à travers ce qui représente déjà son sixième opus pour Wolf. Il est entouré ici du Real Deal Blues Band : Bo Trisko à la guitare rythmique, Steve Bell, un des fils à Carey, à l'harmo, sans oublier Detroit Junior, l'ancien pianiste de Howlin' Wolf ainsi que Little Bobby Neely, autrefois saxophoniste pour Otis Rush et Buddy Guy.
Nous ne pouvions rêver d'une meilleure ouverture que le célèbre "Shake your moneymaker" ; probablement la composition la plus nerveuse de James. La sonorité est un tantinet réverbérée, éloignant quelque peu la voix de l'avant-plan. Une formule qui démontre son souci de rester le plus proche des versions originales. "It hurts me too" est un canon du blues. La slide est minimaliste et ravageuse. Le piano insolent. Le célèbre riff de slide, à la Elmore, fait son entrée chez "Sunnyland train". Primer a choisi de ne pas reprendre "Dust my blues", qui n'était en fait que le "Dust my broom" de Robert Johnson. James jouait tellement bien le blues lent qu'il est judicieux d'en retrouver sur cet elpee. A l'instar de "Too much". Mais si l'harmo de Steve Bell s'y réserve quelques petites phrases en solitaire, c'est surtout Detroit Junior qui crève l'écran. Les percussions de Mark Diffenderffer émettent un son métallique. Les différents intervenants prennent leur pied! La fête continue tout au long d'"I'm in love". Le sax de Little Bobby est clairement planté dans le décor, avant de produire son solo. Detroit Junior n'en peut plus derrière le piano. La slide se fait gouailleuse, insatiable, sur "I can't stop loving". Dès les 1ères notes d'"I'm a bluesman", il n'y a pas photo : nous sommes projetés dans un autre monde sonore. Celui des Teardrops. Mais de l'époque à laquelle John y était. L'enregistrement date en effet de 1987, et implique Magic Slim, Johnny B Gayden et James Harrington. Dans un registre assez différent, "1839" date de 1992. Magic Slim est toujours au poste, en compagnie de son frère Nick Holt, à la basse. A l'instar d'"I had a dream last night", "I'm worried" constitute un de ces nombreux remakes de "Dust my blues". Une adaptation superbement menée, au cours de laquelle Steve Bell se montre très en verve. Que ce soit sur un tempo rapide ("Fine little mama") ou lent ("I held my baby"), la slide d'acier en remet quelques couches en fin d'album. En finale, "Stranger blues" me rappelle quelque part le "Got my mojo working" de Muddy Waters. Cet album a été présenté officiellement le 9 février dernier. A Chicago, bien entendu. Au Buddy Guy's Legend, un autre haut lieu pour celui qui débuta au Theresa. Je suis venu au blues à cause de ce type de répertoire. C'est une confession. Alors je n'ai pas à rougir de vous avouer que l'écoute de cet album me fait un pincement au cœur…
Ana est bien décidée à se faire un nom au sein des milieux blues et blues/rock de ce début du 21ème siècle. Cette tigresse slave a découvert le blues en 91, après avoir écouté un disque d'Elmore James. Un elpee issu de la collection de son paternel, il faut le préciser. Ceux de Roy Rogers, John Mooney, Johnny Winter, Sonny Landreth et de quelques autres lui donnent alors l'envie d'apprendre à jouer de la slide… En 1995, elle fonde son propre groupe : Hush. A Belgrade. Quatre ans plus tard, la formation commet "Hometown", un album dont l'édition restera limitée. En 2000, elle s'installe aux Pays-Bas. Bernard Allison la découvre et la présente à Thomas Ruf. Ce dernier l'emmène à Memphis pour enregistrer un nouvel opus : "Hush". Sous la houlette de Jim Gaines. Armée de sa slide, elle ne manque pas d'atouts. Avouons-le, surtout extérieurs. Féline et légère, elle est pourtant capable de mordre. En décrochant le WC Handy Award de nouvelle artiste, elle a déjà réussi la création d'un axe Belgrade Memphis. Elle n'a encore que 27 ans et peut donc voir venir.
En février 2003, elle revient à Memphis pour mettre en boîte cinq plages. Jim Gaines y signe la production. Deux mois plus tard, elle enregistre six autres titres. David Z (Buddy Guy, Jonni Lang) se charge alors de la mise en forme. Elle a bénéficié de la collaboration de ses musiciens. En l'occurrence Steve Potts aux drums, Dave Smith à la basse et Jack Holder à la guitare rythmique. Ces deux sessions sont sensiblement assez différentes.
Celle qui relève de Gaines débute de manière très électrique par "Don't bear down on me". S'appuyant sur l'efficacité de Jack Holder, l'assise rythmique est solide. Essentiellement rock, la base de cette plage concède de légers accents jazzy. "Love me again" persévère dans le même registre. Un périple dans le rock dont la structure emprunte beaucoup au blues. Contagieuse, cette plage affiche un énorme potentiel. Ana a sorti la slide. Al Gamble est à l'orgue et Jack dessine des arabesques boogie. La reprise du "Sitting on top of the world" de Howlin' Wolf n'est pas très respectueuse de l'original. C'est une certitude ! Mais imprimée sur un tempo assez élevé, elle transpire des effluves blues. La slide disserte allègrement et multiplie les effets sonores. Très propre, trop propre sans doute, exempt du moindre défaut, "Navajo moon" est un instrumental… plutôt insipide. Personnellement, j'estime que "Fool proof" est la meilleure plage de l'opus. Un blues rock assez agressif. La guitare est bien travaillée. Des chœurs féminins et l'harmonica de Lyn Jones renforcent la puissance de l'ensemble. Le titre maître relève de la première session concédée à David Z. Clairement funky, il contamine "Change my mind". L'accent est ici davantage appuyé sur la section rythmique. Bien mise en avant, elle est épaulée par l'orgue de Reese Wynans. Ana joue beaucoup sur les sonorités. Elle a volontiers recours à des artifices et avoue un goût très prononcé pour certaines tonalités jazz. Légèrement funk, "Night by night" est issu de la plume de Steely Dan. Une très belle composition qu'Anna est parvenue à retranscrire à sa manière. Elle use et abuse quelque peu de ses pédales, sans toutefois forcer la dose. Dadid Z aime remplir l'univers sonore. Chaque instrument apporte un élément au décor. "Need the help I can get" en est la plus belle démonstration. Composition bien cool à la balance instrumentale parfaite, "Recall the days" repose sur l'orgue Hammond de Wynans, pendant qu'Ana flirte sur les arpèges jazzy. L'elpee s'achève par "Jaco". Une note atmosphérique, très éthérée, caractérisée par des guitares acoustiques. Un exercice de style qui contraste avec l'ensemble de l'opus, mais qui apporte un petit air de fraîcheur à l'ensemble. Si vous souhaitez vous imprégner de la Popovic music, je vous invite à écouter ce disque à plusieurs reprises. Vous pourrez alors l'apprécier à sa juste valeur…
Ce n'est pas notre genre de parler de la Star Ac', surtout en bien. A vrai dire, on se fout un peu de ces pauvres gamins transformés en bêtes de foire du show business FM : n'avaient qu'à pas s'inscrire à tout ce cirque en croyant naïvement devenir de vrais artistes. La plupart, c'est une certitude, ne sont pas bien malins. Leurs disques, heureusement, sont vite oubliés par le public lambda, une fois la saison finie et de nouveaux cobayes enfermés dans le château. Olivia, par exemple. Qui se souvient encore d'elle ? Une petite brune mignonne, qui sortait avec le pseudo-cultureux de la bande, Fabrice (si, si, souvenez-vous), le type avec ses cheveux savamment coiffés en pétard et qui aujourd'hui, faute de savoir chanter, se retrouve figurant dans ‘Sous le soleil’… Olivia, donc. Eh bien ! Olivia, Ruiz de son nom (parce que ces gens ont des vrais noms), pourrait bien mettre à sac tous nos préjugés de mélomanes avertis avec cet EP, euh, hum,… fort bien fait. La Star Ac' ne serait donc pas qu'une infâme machine à fric suçant le sang de jeunes fans de karaoké prêts à tout pour passer chez Arthur. Elle cachait bien son jeu, la garce. Olivia. Peut-être qu'après tout, elle n'était pas si bête. Parce qu'il faut bien dire que ces 5 chansons plaisent, même si derrière tout ça se cache sans doute un marketing hyper balèze, réfléchi des mois durant par une armada de consultants d'Universal, payés des milliards pour faire de cette gentille fille la ‘parfaite antithèse de Jennifer : rock, saltimbanque, au parfum suranné à la Piaf, bref un truc chiadé pour redorer le blason de la téléréalité, parce que jusqu'ici on s'en est trop pris plein la gueule’. Ouaip, Olivia : une gentille fille, au look et au répertoire singulier par rapport à ses potes (‘Mais pas trop non plus, faudrait pas choquer le bourgeois’). Une survivante. Epaulée ici par Weepers Circus, Juliette (Victoires de la Musique 97), Chet et le tandem Iso/Mitch, metteurs en son du dernier Rita Mitsouko. Justement, ces 5 titres sonnent un peu comme du Rita, en plus lisse, en plus vulgarisé. De l'accordéon, du tuba, de la clarinette, voire du theremin : dès " Qui sommes-nous ? ", le cadre est installé - ça se veut jazzy, cabaret, années 30/40… ‘Il faut faire voyager la ménagère de 60 ans, lui rappeler sa jeunesse ! Et puis regarde, la Bruni, elle a bien vendu 800.000 albums avec trois fois rien, mais c'est son univers, mon vieux, son univers, qui plaît à l'acheteur de disques ! Voilà les clés du succès : un son original, bien huilé mais pas trop ; un son que le fan de Nolwenn n'a pas l'habitude d'entendre !’. D'où la fanfare à l'ancienne (" Le Tango du Qui "), l'atmosphère à la Dietrich et tout le toutim. De toute façon, Olivia se fout bien du quand dira-t-on, elle est ‘sortie grandie de ce conte’, elle ‘a sauvé son âme’, elle ‘s'est enfuie de la fable’ (" Petite Fable "). C'est vrai ma chérie, et comme tu le chantes si bien sur ‘Le Tango du Qui’ : ‘Quel beau métier, la vie d'artiste’…
Spécialisé dans le black rock'n'roll et le black R&B, les Seatsniffers figurent parmi les meilleures formations belges. Fondée début 1995, autour de Walter Broes (guitare et chant), Roel Jacobs (saxophones), Luc Houben (basse) et Piet De Houwer (drums), elle compte déjà plusieurs albums et singles à son actif.
Live, leur nouvel opus inaugure leur nouveau contrat signé chez le label hollandais Sonic RendezVous. Et c'est bien sur une scène que nos quatre lascars s'expriment le mieux. Leur savoureux cocktail de rockabilly, de blues, de R&B, de country & western et de surf, libère une énergie permanente, tout en véhiculant une attitude quasi punk.
Le concert s'ouvre par les accents d'une rythmique boogie, bien huilée par le tandem De Houwer/Houben. La guitare de Walter épouse un profil rockabilly à la limite de la country. Les percussions sont denses et la machine à rythme s'emballe. Mais paradoxalement, cette agitation reflète une forme de solitude. Que brise le sax hurleur de Roel au bout d'une bonne minute. Il se défoule comme un beau diable sur ce "Shake it", devenu un titre de référence par excellence. Le public est déjà à point. Il répond aux invitations à se manifester. La tonalité surf de la guitare réverbère tout au long de ce "She's a fox" complice. Sous l'impulsion de Piet De Houwer derrière sa caisse, les Sniffers accélèrent encore le tempo et embraient par un 'Shakedown", au cours duquel Roel laisse éclater une joie d'une grande limpidité. "This must be the bottom" est sculpté dans du rockabilly pur et dur. Walter laisse glisser ses cordes huileuses tout en les secouant au service du rythme. "Taggin' along" est un blues lent sans complication, mais très efficace. Walter et Roel y chantent en duo. Insatiables, les Sniffers reviennent au boogie hypnotique pour "Don't gimme that". La guitare rythmique emprunte le riff cher à John Lee Hooker. Le son est sale, primaire. Il va droit au but recherché : celui de faire bouger. Proche d'une composition de Leiber et Stoller, "Get it" ouvre une parenthèse de calme. Et inévitablement le tempo ralentit la cadence tout au long de ce morceau né d'un savant dosage de blues et de rock ; un titre qu'aurait apprécié Little Charlie Baty ou encore les Paladins de Dave Gonzales. Cette plage est également la plus longue de l'album. Elle permet à Walter Broes de s'exprimer en développant un superbe solo. Pour aborder "Make my dream come true", le guitariste est complètement libéré. Il entretient sa furie dans une saveur tex-mex, avant de nous plonger au sein d'une ambiance futuriste (NDR : bruitages à la clé) chez l'éclatant "UFO". Pris de court, le public n'a pas le temps de reprendre son souffle que le rythme repart de plus belle, contaminant tour à tour le rocker "Assembly line", un "Since my baby left me" caractérisé par son riff découpé au couteau et l'instrumental gloussant "Run chicken run", parcouru par une guitare qui rocke et rolle. Le concert s'achève par une plage cool, baptisée "Sleep". Un tout bon album !
Savoy Brown est une véritable institution dans l'histoire du british blues et du boogie. Il est né au beau milieu des années 60, juste à temps pour goûter au succès du blues boom. Sous la houlette du guitariste Kim Simmonds, le groupe a traversé les âges. Ce Gallois d'origine s'est même fixé, depuis belle lurette, dans l'Etat de New York. Lui et le chanteur/bassiste noir Nathaniel Peterson avaient mis fin à la dernière formule du combo en 1999.
Le nouveau line up implique donc aujourd'hui, Simmonds, Dennis Cotton aux drums (NDR : il a joué en compagnie de Duke Robillard et chez Commander Cody and his Lost Planet Airmen), David Malachowski à la guitare (NDR : également un ex Lost Planet Airman), et Gerry Sorrentino à la batterie (NDR : il a aussi joué pour Robillard). Nouveaux musiciens : nouveau style ! Enfin, pas tout à fait, puisque l'expression sonore n'est jamais très éloignée du blues. Simplement, elle opère plutôt un retour au style qui avait fait leur succès commercial au milieu des 70s. Pensez aux elpees "Street corner talking" (72) et "Hellbound train" (73), lorsque Dave Walker se réservait le chant. Première constatation, Nathaniel parti, les vocaux sont désormais assurés par Kim Simmonds. Une situation qui s'était rarement produite dans le passé. Encore que ce soit lui qui donne de la voix sur ses deux albums solo, "Solitaire" et "Blues like midnight", parus chez Blue Wave. Kim n'est pas un chanteur né. Et il est à souhaiter que dans un futur proche, il trouve un remplaçant.
"When it rains" entame ce "rêve étrange". La section rythmique marque le coup. Kim chante. Mark Nanni a été invité pour participer aux sessions d'enregistrement. Il est bien calé derrière son orgue pour donner du corps au rythme. La première étincelle se produit dès l'envol initial des cordes. Des cordes allumées par Kim ! Une flamme entretenue lors de la subtile fusion entre le blues et le rock exotique, réminiscent de Carlos Santana. L'étiquette rock blues accessible peut être collée sur cette plage. En fait, Savoy Brown semble avoir opéré un retour de trente années dans le passé. A une époque considérée comme la mieux exploitée, d'un point de vue commercial. "Can't take it with you" évolue sur le même tempo. Une composition agréable, au cours de laquelle les soli de Kim conservent une trame bien mélodique. L'orgue de Nanni se fond dans le décor, à l'instar de celui de Paul Raymond, naguère. Kim passe à la slide pour la reprise du "Meat shaking woman" de Blind Boy Fuller. Le bottleneck glisse avec douceur le long de la Gibson. Pour la circonstance la voix se fond bien dans l'ensemble et la slide ressort bien de son environnement rythmique. Une plage récréative qui me plait beaucoup. Le morceau maître possède un impact commercial indéniable. Les interventions de la guitare glissent toujours harmonieusement au creux de nos oreilles. J'ignore si ce morceau deviendra leur "Tell Mama" des années 2000, mais il passe la rampe sans difficulté. "Keep on rollin" sent bon le british blues. La guitare répond au chant. Des échanges qui me rappellent de glorieuses années passées ; et en particulier, le "It hurts me too" paru sur l'album live "Blue Matter", en 68. "Shake it all night" est un boogie pas trop furieux, que Savoy Brown a parfois dispensé dans le passé ; mais un boogie bien dans la ligne de conduite observée par le présent opus. "Pain of love" et "(Hard time) believing in you" marquent un retour au style des premières plages, un style teinté par des sonorités de guitare qui me plaisent beaucoup. Invitation à se tortiller les orteils, "Memphis last night" est une plage assez longue, un peu répétitive. Les percussions s'activent pendant que Kim peut jouer son côté Santana. Savoy Brown achève son album par "Can't you let go", une composition dont les accents dépouillés et dramatiques baignent au sein d'un climat traditionnel. Kim m'y fait un peu penser à l'un de ses anciens potes, Stan Webb, leader de Chicken Shack.
" Tomorrow today " constitue le tout premier album de cette nouvelle formation germanique. "Meet me in the sky" ouvre le feu. Composée de Jürgen Bock à la basse et de Marcus Wickel à batterie, la section rythmique est solide. La guitare de Frank Pecher est largement amplifiée et son travail sur les pédales impressionne. Hugo W. Scholz chante d'une voix puissante rappelant un peu celle du leader de Steppenwolf, John Kay. Le rythme s'accélère sur "Nobody else but you". La démarche n'est ici pas étrangère au fameux groupe anglais Spooky Tooth. Souvenez-vous de leur hit "Sunshine help me", lorsque Mike Harrison était encore au chant. Mais Hugo tire parti de son harmonica. Avant d'empoigner son saxophone, Hugo chante avec autorité "Down to it", devant les chœurs du Quartet Momaghito. Il se dégage un solide parfum des ambiances d'autrefois, tout au long de cette ballade blues/rock nonchalante aux accents dramatiques. Mais la finale monte en puissance pour laisser éclater la guitare relativement hard de Frank. Plus roots, "Last goobye" est un autre titre indolent. Le chant est alangui. Frank joue d'une slide amplifiée, mais très laidback. Les dernières mesures de cette plage sont réservées à l'éclat de la trompette, du sax tenir et du sax baryton des Great Horns of Fire. L'introduction à l'harmonica de "What kinda land is this" est imprimée sur un tempo rapide, proche du style West Coast. Mais soudain, un cri assez complexe, jazzifiant et combien efficace, déchire l'univers sonore. Celui d'un saxophone soprano que l'initié reconnaît sans peine. Il appartient à Dick Heckstall-Smith qui fait ici une première apparition. Ce sexagénaire anglais a tout connu des aventures du british blues et du british jazz. Son intervention donne un coup de fouet à l'ami Scholz qui nous gratifie d'un brillant solo à l'harmonica. Nonobstant son timbre éraillé, la voix de Hugo est remarquable. Elle démontre toute l'étendue de son registre tout au long d'"I thought it was you", une plage qui s'ébroue avec pas ou peu de rythme, mais qui monte en puissance dès l'arrivée de l'orgue d'Udo Krüger. "Darling miss nowhere" est une ballade flegmatique dont la jolie ligne mélodique est tissée par le piano d'Andreas Vireck. Introduit par l'harmo à Scholz, "Your mama is your mama" est un nouveau blues, mais à la trame funky. Au beau milieu de ce titre, Dick Heckstall-Smith revient guerroyer avec l'harmonica. Un très intéressant échange entre les deux instruments s'installe, avant que le sax de Dick ne se mette à aboyer d'allégresse. Marqué par la voix brûlante du vocaliste qui ponctue son chant de courtes phrases à l'harmonica chromatique, "Somebody's got to go" est un blues relativement calme. "Tomorrow today" démarre sur un rythme bien enlevé. Les instruments sont bien en place. La guitare de Pecher dessine des arabesques dans le décor. Hugo calque à nouveau son chant sur celui de Mike Harrison. La guitare s'autorise des exercices de style que n’aurait pas reniés le Richie Blackmore des débuts de Deep Purple. La ballade lente est une spécialité de Steppin' Out. Elle se prête idéalement aux qualités vocales de son leader. Il en fait la parfaite démonstration tout au long d'"It's alright", un fragment dont l'atmosphère 'Stax' est entretenue par les Great Horns of Fire et l'orgue d'Udo Krüger. "Steppin' out shoes" porte enfin les accents du Delta. Passé l'intro à la slide électrique, tous les instruments font front derrière le chanteur. Et lorsque la slide s'échappe, puis que l'harmonica décide de sortir à son tour, le morceau se mue et s'achève en boogie du meilleur cru. Tout bon! "My friend", la dernière plage, est une chanson intimiste. Vous l'aurez deviné, " Tomorrow today " n'est pas un album de blues contemporain. Reposant sur une rythmique assez lourde et soutenu par des guitares qui appartiennent à la génération rock, son approche me rappelle certains groupes anglais de la grande époque. Et personnellement, j'apprécie le style.
Après 25 ans de guindaille musicale, Geoff Travis aurait pu se réveiller avec une grosse gueule de bois. Toutes ces années de galère, pendant lesquelles son label prenait l'eau, n'ont pourtant pas eu raison de notre homme. Si Rough Trade, dans les années 80, était un label d'importance (The Smiths, Young Marble Giants, The Feelies, Aztec Camera,…), il passera en effet péniblement le cap des années grunge et techno, avant de sombrer dans une léthargie qu'on pensait fatale. Mais depuis deux/trois ans, Geoff Travis s'est réveillé, et signe à tout va de bons petits groupes : on peut clairement parler d'une renaissance. Sans doute que les Strokes y sont pour quelque chose. Et aujourd'hui, c'est Belle and Sebastian qui rapplique. Entre les deux, Geoff Travis n'aura pas lésiné : grâce à lui, on aura découvert l'antifolk (Adam Green, Jeffrey Lewis), sympathisé avec une chorale gay (The Hidden Cameras), pogoté sur The Detroit Cobras et voyagé au pays des cow-boys (Eastern Lane, Royal City), mais aussi des ménestrels (Alasdair Roberts). Evidemment, tout ce beau monde se retrouve sur cette compile anniversaire, sorte de trait d'union entre plusieurs générations pop-rock. En clair, les jeunes reprennent les vieux, comme lors d'un marathon où on se passe le témoin tout en continuant à courir. Parce que Rough Trade, malgré ce genre d'hommage, ne s'intéresse qu'à l'avenir (son nom : The Fiery Furnaces, The Veils, Oneida). Il faut néanmoins écouter ces versions personnelles de standards de Galaxie 500 et de Robert Wyatt, même si certains n'y vont pas de main morte avec leurs idoles (les synthés de Belle and Sebastian sur le " Final Day " des Young Marble Giants, les Television Personalities - forcément - saccagés par un Jeffrey Lewis en pleine forme dissonante, le " Ride It On " de Mazzy Star transformé en comptine eighties par les Delays,…). Qu'ils en profitent : dans 25 ans, ce sera à leur tour d'être ainsi malmenés… Jeffrey Lewis aura étudié le solfège. Julian Casablancas des Strokes se sera suicidé en sautant d'un immeuble, dégoûté du music business et de ces journalistes qui ne parlent toujours que de " Is This It ? ", malgré les 8 albums qui ont suivi. Stuart Murdoch aura abandonné la musique pour se lancer dans la pisciculture. Quant à Musiczine, il sera devenu une institution internationale, un cas d'école étudié dans les universités (‘Comment faire carrière et devenir riche dans l'e-journalisme’), décliné également en version papier (glacé) et régi par une caste de rock critics gouvernant le monde musical tels des Césars levant ou baissant le pouce, splendides " opinion leaders " sur qui, chaque semaine, se tourneront tous les regards, même celui du Tout Puissant, ce qui est peu dire… Justement, c'est dit, donc soyez vigilants : notre heure, votre heure, approche.
Joe Louis Walker est né à San Francisco, le jour de Noël 1949. Etabli aujourd'hui sur la West Coast des Etats-Unis, il est considéré comme un des grands noms du blues contemporain. Mais avant d'obtenir ce statut, il a connu un parcours particulièrement chaotique. Au cours des années 60, il partage un appartement avec Mike Bloomfield dans le quartier branché de Haight - Ashbury. C'est Mike qui met une slide dans les mains de Walker. Quelle heureuse idée a-t-il pu avoir ! Après avoir mené une existence assez perturbée, Joe Louis rejoint un groupe de gospel. Il ne reviendra au blues qu'en 1985, lorsqu'il fonde ses Bosstalkers.
Il commet son premier elpee, "Cold is the night", l'année suivante. Depuis, en alignant régulièrement ses albums, il est devenu une des valeurs sûres du blues. En 92, il signe sur le label major Verve, sur lequel se succèdent "Blues survivor", "Silvertone blues", "Blues of the month club", "Great guitars", "How blue can you get" et "Preacher and the President". Ce dernier en 98. Et puis, il disparaît de la circulation. Jusqu'en 2000, où on ne voit plus que lui. Il enregistre alors "Guitar brothers", en compagnie d'Otis Grand. Paru chez JSP, en mai 2002. JLW embraie ensuite par "Pasa tiempo", un disque sorti en octobre dernier sur Evidence, puis se mue en funky Joe pour "In the morning", édité en juillet 2002 chez Telarc. Il nous revient déjà avec ce nouvel elpee. Mis en boîte à Richmond (Californie) en novembre dernier et autoproduit, cet opus est sous-titré "The Slide guitar album". Le titre de l'album adresse sans aucun doute un clin d'œil à Elmore James, le roi de la slide des 50s qui avait composé "Shake your money maker".
Joe démarre par un "Slow down GTO" qui ne laisse aucune trace de ralentissement, vu l'ardeur au rythme. Encrassée et fort métallique, la slide est bien présente. Elle se met directement à rugir, à hurler. Mais est-ce de plaisir ou de douleur ? Robert Watson à la basse, Willy Jordan aux drums et le bouillant Geno Blacknell Jr aux claviers, complètent le line up. "Poor man blues" est un blues rocker au tempo sage. Joe Louis a calmé sa voix. Geno est passé à l'orgue. Dès que la slide se libère, elle ébauche de petites phrases, bavarde, avant de prendre de l'épaisseur et de l'ampleur. Le bottleneck frétille d'aise. "Borrowed time" est tramé dans le même moule ; mais après moins de 50", la slide ne peut plus se contenir et se met immédiatement en orbite. "Ghetto life" est abordé sur un thème funky ; ce qui n'empêche pas la slide de pétiller. L'homme ne joue certes pas de manière conventionnelle. Il dispense des sons extraterrestres ou reproduit des cris d'animaux qui n'existent pas ici bas. "No easy kind of loving" est un slow blues bien plus proche du Chicago blues. Celui d'Elmore James, en particulier. Mais la slide reste dévorante et bien personnelle. Une nouvelle leçon pour ceux qui voudraient se montrer les meilleurs élèves du style. Nouveau coup d'accélérateur sur "Slide her up and down", une compo dont la démarche et le rythme me rappellent le classique "Shake your moneymaker". Mais le plus étonnant procède de l'aisance avec laquelle Walker libère ses notes. Déconcertant ! Le très connu "Born in Chicago" constitue la seule reprise de l'album. Signée Gravenites, elle rend ici très certainement un hommage à son ami de jeunesse Mike Bloomfield. Un message de classe qu'il transmet à son protecteur de jadis. Dirigé vers le Delta, "My judgement day" est un travail plus roots. Si la slide reste électrique, Joe joue du bottleneck d'une manière plus traditionnelle. Il respecte ainsi le travail des anciens comme Fred McDowell. Il reste plus appliqué et modeste pour rendre un hommage à deux de ses maîtres, John Lee Hooker, mais aussi l'innovateur de son époque, Earl Hooker, tout au long de l'instrumental "Hooker's blues". Une démonstration ! En finale "Eight years of lovin" fait une entorse au programme. Un duo échangé entre le piano boogie de Geno Blacknell et Joe Louis Walker qui a abandonné sa slide au profit d'un harmonica. Il souffle dans les aigus à la manière de Jimmy Reed. Tout au long de cet opus, la voix de Walker est puissante, profonde, chargée d'émotion et de feeling. Excellent!
Au début des années 70, le label Chess avait immortalisé une série d'enregistrements de ses artistes les plus prestigieux. A Londres. Pour y mêler le son original et authentique du blues à celui de la nouvelle génération. Celle qui avait tant fait pour le populariser, en ramenant à l'échelle universelle la connaissance de ses créateurs d'outre-Atlantique. Après le "BB King in London", paru chez Probe en 1971, Chess empruntait même chemin avec Chuck Berry, Bo Diddley, Muddy Waters et Howlin' Wolf. Epaulé par Eric Clapton, Steve Winwood, Bill Wyman, Charlie Watts, Ian Stewart et de son fidèle guitariste Hubert Sumlin, le vieux Chester Burnett concoctait donc cet album. Un elpee découpé en treize fragments et habillé d’une très belle pochette. En 2002, Chess a décidé de ressortir ces ‘London Sessions’ sous la forme d'un double CD. Richement illustré, ce box réunit ici 28 titres, au lieu des treize initiaux.
Le premier disque épingle l’intégralité de l’elpee original et trois bonus tracks issus des mêmes sessions d’enregistrement. Trois fragments qui figuraient sur "London revisited", édité en 76. Le second collige douze prises alternatives issues des sessions originales qui s’étaient déroulées entre le 2 et le 7 mai 1970. Mieux connu pour avoir réalisé le double "Fathers and sons" de Muddy Waters, en compagnie de Paul Butterfield et de Mike Bloomfield, Norman Dayron signe ici la production. A l’instar du long playing originel, la première plaque s’ouvre par "Rockin' daddy". Personnellement, ma plage préférée demeure "I ain't superstitious". Pas parce que la section rythmique est composée de Klaus Voorman et de Ringo Starr, mais à cause de la participation du groupe américain 43rd Street Snipers. Réputée pour ses cuivres, bien sûr, mais surtout pour le talent de l'harmoniciste Jeffrey Carp qui participait à toutes les sessions. Soutenu par un bon Clapton aux cordes, cet excellent instrumentiste tire son épingle du jeu sur "Sittin' on top of the world". Carp devait malheureusement décéder peu après, en se noyant dans la mer des Caraïbes. Accompagné par Lafayette Leake au piano, Wolf souffle sur "Worried about my baby". La voix particulière du Wolf est omniprésente. Face aux cuivres, elle se fait tranchante sur "Built for Comfort". Arc-bouté sur la section rythmique des Rolling Stones et l'orgue de Steve Winwood, "Who's been talking?" est peuplé de rythmes syncopés. L’interprétation y est excellente. Mais l’émotion atteint son paroxysme sur "The Red Rooster". Les musiciens anglais qui venaient de persuader Wolf de prendre son bottleneck, provoquent un faux départ. L'attaque abrupte opérée sur "Do the do" rend cette plage très contemporaine. Le "Highway 49" de Joe Williams est interprété de manière classique, moins primaire que la version de Hound Dog Taylor. Parmi les bonus tracks, "Goin' down slow" et "I want to have a word with you" ont été réalisés le premier jour des sessions. Ringo Starr est aux drums, mais il ne s’y montre guère brillant. Par contre, "Killing floor" est beaucoup plus saignant. Faut dire que Charlie Watts et Bill Wyman y sont très efficaces.
La deuxième plaque débute par une prise tout à fait intéressante et dépouillée de "Worried about my baby". Wolf est au chant et à l’harmonica. Clapton et Wyman l’accompagnent. Plusieurs plages ont été remixées, histoire de leur conférer un son plus actuel. C’est incontestable sur "What a woman", une plage bien plus longue que l'originale. Elle libère pas mal de groove et épingle un joli travail sur l'harmonica. "Who's been talking" est ici profilé sur un monologue de Wolf qui précise ce qu'il attend des divers intervenants, notamment dans la reproduction du rythme de la rumba. Un morceau fort intéressant. Clapton se réserve un solo sur la prise suivante. Il y est excellent, comme sur un autre titre très proche : le "All your love" d'Otis Rush. Pour restituer un son contemporain à "Worried about my baby", un travail minutieux a été opéré sur la nouvelle prise. Une réussite ! Surtout dans le chef de l'harmonica qui met en évidence le talent de Karp, alors qu’il passait inaperçu sur l’opus original. Faut dire qu’à l’époque, l’accent n’avait certainement pas été mis sur les évasions instrumentales. Et c’est encore le cas pour les nouvelles prises de "I ain't superstitious", "Highway 49" et de "Do the do", au cours desquelles le jeu de Clapton est très distinct. Les quatre dernières plages sont des versions alternatives des sessions originales, mais non remixées. Epaulée par une forte section de cuivres, "I ain't superstitious" constitue une excellente surprise. Il s’agit probablement de la meilleure version réalisée à ce jour. Répétitif, "What a woman" a subi un remodelage. Sous cette forme, il fait même penser à des productions bien actuelles. Chess a manifestement soigné cette édition dite Deluxe. Elle allie à la fois qualité et originalité, notamment à cause du second morceau de plastique, dont les fragments affichent une différence marquante.
Kim Wilson est incontestablement un des plus brillants et des plus populaires bluesmen contemporains. Jadis, il impressionna le légendaire Muddy Waters pour son extraordinaire talent à l'harmonica, alors qu'il débutait dans son groupe déjà mythique, les Fabulous Thunderbirds. Il est né en 1951. A Detroit, dans le Michigan. Il a grandi en Californie et a tout naturellement émigré au Texas, dans les années 70. A Austin, très exactement. Kim mène aussi aujourd'hui une carrière individuelle ; mais il prend toujours soin de s'entourer d'excellents musiciens, en compagnie desquels il a notamment commis "Tigerman", "That's life" et "My blues". Il a signé chez MC au début de ce nouveau siècle. Pour lequel il a enregistré le 'live' "Smokin' joint", "Memphis barbecue sessions" en compagnie de Big Jack Johnson, l'an dernier, et enfin, " Lookin' for trouble', son premier album studio en six ans.
La première plage laisse augurer une suite fort intéressante. Véritable brûlot, "Looking for trouble", nous plonge dans une ambiance boogie rock'n'roll. Un son pourri se dégage des cordes. Le piano de Mark Stevens (aujourd'hui impliqué au sein de Roomful of Blues) frétille. "Tortured" est un R&B cuivré, ficelé à la manière des shouters de Kansas City. La voix de Kim est autoritaire. Proche du style de Luther Tucker, la guitare de Troy Gonea réussit un parcours sur le fil du rasoir. L'harmonica est ici manifestement influencé par la West Coast. L'instrument chromatique évolue sur l'axe Chicago Los Angeles, à l'instar d'un George Smith des meilleurs jours. Swing et jump investissent "Hurt on me". Constitué de Jon Ross à la basse et du professeur Richard Innes à la batterie, la section rythmique étonne par sa légèreté. La section de cuivres est très efficace. Pas étonnant lorsqu'on sait qu'on y retrouve de fameux clients tels que "Sax" Gordon Beadle au sax ténor, Doug James au sax baryton et Scott Aruda à la trompette ; une armada que complète sans faille le jeu du maître à l'harmonica! Le solo dispensé à l'harmo est d'une classe indiscutable. Avec Kim, tout semble si facile! Direction Chicago et le South Side pour "Money marble and chalk" dont l'introduction sonne tellement proche du Muddy Waters Band. Il est vrai que ce fragment est issu de la plume de Jimmy Rogers. Le jeune Troy Gonea a parfaitement assimilé le jeu des vieux maîtres. Le son de l'harmo est particulièrement bien rendu. L'émotion et l'intensité qui se déversent peuvent nous rappeler le meilleur Big Walter Horton voire Junior Wells… entre autres. Toujours confiné dans la cité des vents, il reprend "Love my baby" de Willie Dixon, dans un style pur jump. Toute la machine est bien huilée. Le piano de Mark Stevens se fond dans la section rythmique. Gonea étale toute sa virtuosité devant les petits riffs de cuivres. Shuffle bien marqué, "Love attack" opère un changement de rythme. La section rythmique est d'acier, l'harmonica n'a plus qu'à s'envoler, et Monsieur Wilson ne se fait pas prier. Sur cet axe Chicago Austin, il manifeste sa parfaite intégration du meilleur Little Walter. Il embraie immédiatement par "F Fat", un instrumental à couper le souffle. Kim poursuit son voyage vers la Nouvelle Orleans. Sa palette est très diversifiée. Ses musiciens n'ont pas froid aux yeux. Ils s'attaquent au répertoire de Dave Bartholomew avec aisance, à l'instar de "Hook line and sinker". Gordon Beadle y est intenable sur son sax ténor. Cosigné par Wilson et Danny Kortchmar, "Hand to mouth" date sans doute de leur collaboration accordée, voici quelques années, aux Fabulous Thunderbirds. Cette longue épopée hypnotique est imprimée sur un rythme cher à Howlin' Wolf. Le climat de l'album continue à voler très haut tout au long de "Sometimes. Inspirée par le BB King des débuts ou encore par un Otis Rush au sommet de son art, la guitare de Gonea est très saignante. Ce blues très rythmé et nerveux fait très forte impression. Nous demeurons dans le Chicago de la grande époque pour le "Tried to ruin me" de Snooky Pryor. Le rythme force l'admiration. Mark Stevens pianote comme un des ténors des ivoires. Et je pense tout particulièrement à Sunnyland Slim. Heureux comme un gosse, Kim reprend la plage titulaire de l'album ; mais pour la circonstance comme un shuffle texan. Nous sommes ici très proche des T-Birds des débuts. Un véritable régal ! Kim souffle comme un dieu, avec puissance, profondeur, passion et plaisir. Le swing n'est pas abandonné. Il est omniprésent sur "Down with it" de L.C McKinley. Gonea y est impérial. Autre titre victorieux, le boogie "Highline" affiche un maximum de vigueur dans le jeu d'harmonica, pendant que les cuivres et le piano le suivent à la trace. Ce superbe album s'achève par un instrumental à la tonalité jazz. Stevens y va de son Jimmy Smith à l'orgue et Troy s'emballe une dernière fois dans le swing. Ce " Lokin' for trouble " figurera sûrement parmi les meilleurs albums de l'année 2003.
Empruntant le sillage des Rolling Stones, les Yardbirds sont nés en 1963. Au sud de Londres. A l'origine, le line up impliquait Jim McCarthy à la batterie, Chris Dreja à la guitare rythmique, Paul Samwell-Smith à la basse, Keith Relf au chant et à l'harmonica, ainsi que Top Topham à la six cordes électrique. A la fin de cette même année, Topham est remplacé par un certain Eric Clapton, et le groupe devient un des meilleurs bands de R&B. Lorsque la formation décide de virer au rock pop, Clapton rejoint les Blues Breakers de John Mayall. Il est alors remplacé par Jeff Beck, qui imprime un nouveau son au combo. C'est à partir de cette époque que les Yardbirds vont cumuler les succès commerciaux. En 66, Samwell Smith se tire à son tour. Il cède alors sa place à Jimmy Page. Pendant plusieurs mois, le groupe va mettre sur le devant de la scène une paire de formidables solistes : Beck et Page ! Beck se barre à son tour, laissant Page prendre le leadership. Et en septembre 68, le combo est rebaptisé les New Yardbirds. Quelques semaines plus tard, ils s'autoproclament Led Zeppelin ! La succession de ses trois formidables guitaristes (Clapton, Beck et Page ) a valu aux Yardbirds de devenir un groupe de légende. Depuis, on ne peut pas dire que la formation se soit particulièrement mise en évidence. Il y a bien eu l'une ou l'autre timide tentative de reformation pour honorer l'une ou l'autre prestation 'live'. Et sous la houlette de leur batteur d'origine, McCarthy et de Chris Dreja ; mais sans grand lendemain.
Mais à notre plus grande surprise, le combo vient de se forger un nouveau line up : McCarthy et Dreja sont évidemment de la partie. Ils ont recruté Alan Glen (ex-Nine Below Zero) à l'harmonica, Gypie Mayo (ex-Dr Feelgood) à la guitare et l'Américain John Idan au chant et à la basse. Véritable réincarnation physique de Keith Relf, ce dernier possède un timbre vocal fort proche du mythe défunt. Et dans la foulée, le groupe a décidé d'enregistrer un nouvel opus. Oui, oui, en 2003 ! Les Yardbirds ont cependant choisi de reprendre huit de leurs succès rock/pop du passé, en y impliquant chaque fois des invités de prestige. Reste sept nouvelles compositions interprétées par le nouveau line up.
Au chapitre des reprises, l'album s'ouvre par le très puissant "I'm not talking". Une compo signée Mose Allison, abordée dans l'esprit des débuts R&B du groupe. Sans le moindre renfort, le combo s'acquitte très bien de cette introduction. "The nazz are blue" est sculpté dans un rock mâtiné de Chicago blues. A l'origine, Beck en avait réalisé les arrangements. Ex Dobbie Brothers et leader de Steely Dan, Jeff "Skunk" Baxter se réserve les parties de guitare. "For your love" fut la première chanson des Yarbirds à atteindre le numéro un dans les charts. La nouvelle version implique Rzeznik au chant. "Train kept a rollin'" épousait un profil assez hard. Le virtuose Joe Satriani est ici préposé aux cordes ; alors que Steve Vai s'en charge pour "Shapes of things", Slash (Gun 'N Roses) pour "Over under sideways down", Brian May de Queen pour "Mr you're a better man than I", et Steve Lukhater de Toto pour "Happening ten years time ago". La majorité de ces invités sont des disciples du hard rock propre et mélodique. Il reste cependant quelques nouvelles compositions originales écrites dans un même moule pop digne d'autrefois. Certaines sont néanmoins plus travaillées. D'autres sont plus accessibles. Quelques fragments sortent quand même du lot. Et je pense tout particulièrement à : l'excellent "Crying out for love". L'aspect mélodique est aussi soigné que dans le passé. La voix d'Idan épouse les inflexions de Relf. Les chœurs sont repris dans l'esprit de leur "Still I'm sad". La guitare de Mayo est excellente. Le son réverbéré me rappelle même celui des Shadows. Mais oui! Sans oublier le solo mélodique parfaitement ciselé. Agité par les percussions de McCarthy et traversé par l'harmonica d'Alan Glen, le très tonique "Please don't tell me 'but the news" est imprimé sur un rythme réminiscent de Slim Harpo. "Mr Saboteur" évolue dans un univers sonore fort proche de formations pub telles que Nine Below Zero et Dr Feelgood. Chris Dreja a écrit le bluesy "My blind life". Chanté à la manière de Howlin' Wolf, il est illuminé par la guitare du prestigieux Jeff Beck. Un ex Yardbird, s'il était nécessaire de vous le rappeler. Ecrit par McCarthy sur un poème d'Edgar Allen Poe, "Dream within a dream" flirte avec la pop. Mayo y est au sommet de son art. Cet album risque fort de ne pas faire l'unanimité, mais il ne manque pas de charme. Un disque qui s'achève par "An original man". Hommage au chanteur disparu Keith Relf, cette plage navigue sur une ligne mélodique orientalisée.
R.J est un des harmonicistes les plus doués de sa génération. S'il a établi aujourd'hui ses pénates à San Francisco, il a entamé sa carrière à Minneapolis. Il y déjà plus de vingt ans. Il y a signé tous ses premiers albums ; et en particulier son elpee initial, "Ready to go!". En 92. Un disque pour lequel il avait reçu le concours du Kid (Teddy) Morgan Blues Band et de Percy Strother. Il y commet encore "Gonna rock tonight". En 94. Il fonde ensuite son Red Hot Blues Band. Tous ses derniers albums sont sortis sur le label allemand Crosscut : "Rough 'n' tough" en 96, "Cool disposition" en 97, et "West wind blowin" en 99.
" Meet me on the coast " est issu de différentes sessions. Six plages ont été commises au studio Wally Sound de Berkeley, en Californie. Puis mixées dans notre plat pays, à Houthaelen très exactement, sous la houlette de Marc T. On y retrouve les musiciens qui côtoient habituellement R.J : son ami Jeremy Johnson à la guitare, Marc Carino à la basse, Robi Bean aux drums, Bob Welsh au piano et notre Marc T à la guitare. Les autres plages ont été enregistrées au studio Goldmine, à Ventura. R.J. et Frank 'Paris Slim' Goldwasser en assurent la production. Frank y prend même une part active dans l'instrumentation. Et pour quatre plages, Junior Watson se réserve les guitares, John Juke Logan l'orgue, Ronnie James la basse, et Eddie 'le cheyenne' Clark la batterie.
R.J chante un curieux "Put you down", les intonations de Marc T dans la voix. Le climat funky repose sur un riff pas vraiment éloigné de Magic Sam et son West Side sound. La paire Mischo et T s'attaque au "Take it easy" de Sonny Boy Williamson II. La guitare est nerveuse. Elle déverse des flots de notes avec parcimonie. Le solo est très bien construit. R.J qui a très bien compris le message, reste sur la défensive. Un excellent exercice de style très respectueux du titre original. L'adaptation du "Passing by blues" de Howlin' Wolf Blues est un autre blues classique. Mischo a écrit "Funky room" dans l'esprit le plus radical du Chicago blues des fifties. Tout est parfaitement mis en place. La section rythmique est solide, mais discrète. Le piano de Bob Welsh efficace. La guitare de Marc bien amplifiée, réverbérée. L'envol à l'harmonica sublime. Digne de Sonny Boy. Du blues comme on aimerait en entendre au quotidien. Susceptible de vous débarrasser du stress ! "You can lie to me" prend un faux départ. Ce titre me fait un peu penser à "Good morning little schoolgirl" de Sonny Boy I. Mais, c'est ici qu'on se rend compte que Marc T à la main mise sur la mise en forme. Et le confirme tout au long "Don't cross me". Si la ligne de basse est intéressante, c'est Fillmore Slim qui lacère les cordes de guitare. Du vécu ! Les sessions de Ventura se distinguent par un son plus propre. La finition est volontairement plus léchée. Ce qui n'empêche pas les deux formules d'atteindre des résultats plus que convaincants. En soufflant dans l'instrument chromatique sur "Old nightcat", R.J. prouve que sa fixation californienne n'est pas usurpée. "You think I'm lying?" marque un changement le style. La production communique de la puissance au son. James et Clark échafaudent une section rythmique de plomb. Juke Logan est à l'orgue. R.J chante avec autorité. La puissance sonore se communique au jeu de l'harmonica. L'homme semble disposer de quatre poumons. Et si Junior Watson est bien présent, il se limite à la rythmique, accentuant ainsi l'intensité dramatique de l'ensemble. Impressionnant! "My baby she's got it" de Slim Harpo campe un rock'n'roll foudroyant. Dommage que cette plage victorieuse soit si courte (1'36"), parce que déménager plus que ça, tu meurs!!! Le funky et exotique "One good woman" est une autre plage qui s'impose par sa force rythmique. Mischo chante divinement de sa voix un peu poussée. La plage titulaire est un slow blues. Le jeu de R.J est ici inspiré par Little Walter et toute la cohorte des grands harmonicistes blancs de la West Coast. Watson vient confectionner un court solo dans son style inimitable. R.J fait étalage de tout son savoir-faire, de toute sa technique, sur l'instrumental saignant "Bobsledding". Un fragment qui se fond dans "My muddy story". Les cordes de Paris Slim impriment un rythme très enlevé à cette chanson qui relate la première rencontre entre R.J et Muddy Waters. "Lucky that's me" est une composition très funky. Dans le passé, elle aurait pu être enregistrée par le Paul Butterfield Blues Band. "I'm your sideman" est taillé dans du Chicago blues soutenu. Le chant colle à ce style de manière indélébile.Les guitares de Junior Watson et de Paris Slim s'autorisent, à leur tour, un billet de sortie. Ronnie James prend son pied sur sa basse au son lourd. La fin de l'album nous réserve un titre acoustique : "I'll take the whole thing" ; une plage illuminée par l'harmo lumineux de Mischo, sur laquelle on retrouve Paris Slim, Ronnie James et Eddie Clark. Excellent!
Il y a un peu plus d'un an, on avait écrit à propos d'Aereogramme qu'‘entre popsongs gentillettes et finals métalleux gargantuesques, le groupe avait du mal à choisir son camp’. Avec ce deuxième album, le constat reste le même, sauf que les quatre Anglais ont mis de l'eau dans leur vin et affiné leur plume. Résultat : " Sleep and Release " sonne toujours comme du Sigur Ros et du Sonic Youth, du Radiohead et du Deftones, mais les transitions entre les genres se font davantage en nuance. Finies l'impatience et l'incontinence ! A cet égard, le diptyque " A Simple Process of Elimination "/" Older " fait figure de véritable révélation : alors que tout commence dans la douceur, entre électronique raffinée et lyrisme à fleur de peau, de brèves interférences annoncent un virement doux mais marqué vers l'explosion imminente, sans que l'on ne sursaute plus de sa chaise, comme lors de l'écoute de ce premier album de triste mémoire. Leur style unique, fait de sursauts spontanés et d'accalmies bienvenues, se traduit d'ailleurs à merveille dans le titre : " Sleep and Release ", le calme puis la tempête, et ainsi de suite. En évitant de trancher entre leur désir de faire du bruit et celui de nous bercer, les quatre d'Aereogramme n'ont donc toujours pas choisi " de quel côté de la force ils se pencheront "... A la différence qu'ici, on est sans cesse surpris, dans le bon sens du terme… N'avions-nous pas dit, il y a un an, qu'il fallait juste leur laisser le temps d'un peu mûrir et de peaufiner leur démarche ? C'est chose faite, et ça en valait largement la peine.
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