Pour cette longue soirée, l'ordre de passage avait été modifié, suite à des problèmes de transport rencontrés par la formation danoise Under Byen. Au lieu d'entamer les festivités, celle-ci allait donc les clôturer.
Drivé par Miles Kurosky, chanteur dont le vocal campe, nonobstant un timbre plus clair, des inflexions fort proches de Stephen Malkmus, Beulah compte déjà la bagatelle de 4 albums à son actif ; le dernier, « Yoko », étant paru au début de cette année. Un sextuor californien qui pratique une pop plutôt allègre, contagieuse, mais parfois un peu trop dissipée. Pourtant, la moitié des musiciens sont multi instrumentistes et possèdent suffisamment de talent pour faire décoller un set. Et en particulier le trompettiste, dont les interventions cuivrées, parfois rythm'n blues, donnent une coloration plus chaleureuse aux chansons. Et puis les harmonies vocales sont impeccables, rappelant même parfois tantôt les Beach Boys, tantôt ELO. Mais les moments de pure intensité ne sont pas suffisamment développés pour ne pas perdre le fil du sujet. En fin de parcours, le groupe invite deux spectatrices à monter sur scène pour essayer de reprendre une chanson des Beach Boys. Une catastrophe ! Et les gesticulations des deux filles agitant des maracas ou un tambourin, lors du final, faisaient franchement tarte. N'importe quoi !
Les concerts accordés par Sophia, dans le cadre de leur dernière tournée n'ont pas trop eu l'air de plaire à la presse spécialisée. Même Lina, qui avait assisté à leur concert lors de leur passage au Bota, n'est pas repartie emballée par leur prestation. C'est donc avec beaucoup de prudence que je suis allé voir ce qu'il en était réellement. Première constatation, le groupe semble détendu. Il s'agit du dernier concert de ce périple destiné à promotionner leur album, « People are like seasons ». Et en montant sur les planches, Robin Proper Sheppard se rend compte qu'un nombre important de Belges a fait le déplacement. Et leur demande de lever la main. Il a raison… Le set s'ouvre sur un ton semi acoustique, countryfiant (bottleneck oblige !) ; puis le climat s'électrifie progressivement épinglant une version particulièrement réussie d'« Every day » et une de « The see », découpée dans les guitares bringuebalantes. Tout est bien mis en place, mais c'est la prestation du drummer qui, au fil du set, va impressionner. Son style chatoyant, chaloupé, mais bigrement efficace, canalise la prestation du groupe. Et sous le flux d'électricité maintient parfaitement le navire à flots. Après un bref retour acoustique en rappel, Sophia va achever sa prestation par un rock'n roll particulièrement enlevé et un « River song » au cours duquel cette électricité se mue en intensité blanche. Et pour cause, Robin et le claviériste ont alors respectivement troqué leur sèche et leur clavier pour une gratte bien électrifiée. De quoi se délecter d'une bonne dose de décibels, comme à l'époque d'un certain God Machine…
Il était très tard lorsqu’Under Byen s'est mis à jouer. Et pour cause, il devait d'abord régler les balances. Et lorsqu'un line up se compose de huit musiciens, il y a du boulot. En l'occurrence deux drummers (dont une percussionniste), un claviériste/pianiste, une pianiste, une bassiste, un violoniste, une violoncelliste et une chanteuse. Dont la voix me rappelle Björk, sans les inflexions énervées et furieuses. Une formation qui mélange allègrement pop, folk, jazz, classique et électronique, dans un univers trip hop brumeux, empreint de mystère, qui aurait pu naître d'une rencontre hypothétique entre Sigur Ros et Portishead. Les problèmes de mixage rencontrés au cours de ce set n'ont pas empêché d'entrevoir l'émergence d'un groupe fort intéressant. Mais je dois avouer que j'étais beaucoup trop fatigué pour pouvoir réellement apprécier leur musique. Ainsi, après une bonne demi-heure, je me suis éclipsé. A revoir dans d'autres circonstances : mais à suivre de très près…
Pour cette longue soirée, l'ordre de passage avait été modifié, suite à des problèmes de transport rencontrés par la formation danoise Under Byen. Au lieu d'entamer les festivités, celle-ci allait donc les clôturer.
Drivé par Miles Kurosky, chanteur dont le vocal campe, nonobstant un timbre plus clair, des inflexions fort proches de Stephen Malkmus, Beulah compte déjà la bagatelle de 4 albums à son actif ; le dernier, « Yoko », étant paru au début de cette année. Un sextuor californien qui pratique une pop plutôt allègre, contagieuse, mais parfois un peu trop dissipée. Pourtant, la moitié des musiciens sont multi instrumentistes et possèdent suffisamment de talent pour faire décoller un set. Et en particulier le trompettiste, dont les interventions cuivrées, parfois rythm'n blues, donnent une coloration plus chaleureuse aux chansons. Et puis les harmonies vocales sont impeccables, rappelant même parfois tantôt les Beach Boys, tantôt ELO. Mais les moments de pure intensité ne sont pas suffisamment développés pour ne pas perdre le fil du sujet. En fin de parcours, le groupe invite deux spectatrices à monter sur scène pour essayer de reprendre une chanson des Beach Boys. Une catastrophe ! Et les gesticulations des deux filles agitant des maracas ou un tambourin, lors du final, faisaient franchement tarte. N'importe quoi !
Les concerts accordés par Sophia, dans le cadre de leur dernière tournée n'ont pas trop eu l'air de plaire à la presse spécialisée. Même Lina, qui avait assisté à leur concert lors de leur passage au Bota, n'est pas repartie emballée par leur prestation. C'est donc avec beaucoup de prudence que je suis allé voir ce qu'il en était réellement. Première constatation, le groupe semble détendu. Il s'agit du dernier concert de ce périple destiné à promotionner leur album, « People are like seasons ». Et en montant sur les planches, Robin Proper Sheppard se rend compte qu'un nombre important de Belges a fait le déplacement. Et leur demande de lever la main. Il a raison… Le set s'ouvre sur un ton semi acoustique, countryfiant (bottleneck oblige !) ; puis le climat s'électrifie progressivement épinglant une version particulièrement réussie d'« Every day » et une de « The see », découpée dans les guitares bringuebalantes. Tout est bien mis en place, mais c'est la prestation du drummer qui, au fil du set, va impressionner. Son style chatoyant, chaloupé, mais bigrement efficace, canalise la prestation du groupe. Et sous le flux d'électricité maintient parfaitement le navire à flots. Après un bref retour acoustique en rappel, Sophia va achever sa prestation par un rock'n roll particulièrement enlevé et un « River song » au cours duquel cette électricité se mue en intensité blanche. Et pour cause, Robin et le claviériste ont alors respectivement troqué leur sèche et leur clavier pour une gratte bien électrifiée. De quoi se délecter d'une bonne dose de décibels, comme à l'époque d'un certain God Machine…
Il était très tard lorsqu’Under Byen s'est mis à jouer. Et pour cause, il devait d'abord régler les balances. Et lorsqu'un line up se compose de huit musiciens, il y a du boulot. En l'occurrence deux drummers (dont une percussionniste), un claviériste/pianiste, une pianiste, une bassiste, un violoniste, une violoncelliste et une chanteuse. Dont la voix me rappelle Björk, sans les inflexions énervées et furieuses. Une formation qui mélange allègrement pop, folk, jazz, classique et électronique, dans un univers trip hop brumeux, empreint de mystère, qui aurait pu naître d'une rencontre hypothétique entre Sigur Ros et Portishead. Les problèmes de mixage rencontrés au cours de ce set n'ont pas empêché d'entrevoir l'émergence d'un groupe fort intéressant. Mais je dois avouer que j'étais beaucoup trop fatigué pour pouvoir réellement apprécier leur musique. Ainsi, après une bonne demi-heure, je me suis éclipsé. A revoir dans d'autres circonstances : mais à suivre de très près…
Avant de fonder sa propre formation, Adem Ilhan a joué au sein du groupe post rock anglais Fridge aux côtés de Kieran Hebden et de Sam Jeffers. Auteur d'un excellent premier elpee (NDR : voir chronique), Adem est venu se produire en duo ; son partenaire se consacrant le plus souvent au xylophone et aux percussions minimalistes qu'à la guitare sèche. Minimalisme : le mot est lâché, pour définir la musique d'Adem. Mais un minimalisme chatoyant, enrichi par une panoplie d'instruments acoustiques particulièrement ample utilisés par Adem. Conventionnels ( six cordes acoustique, banjo) ; mais aussi insolites dont une mini harpe à laquelle il va recourir en toute fin de set. Et toutes ces sonorités chatoyantes, délicates, pastorales, chaleureuses servent d'écrin à de petites perles mélodiques, berceuses hymniques que chantent nos deux compères avec un ensemble bouleversant. Même lors des deux nouvelles compositions. Point d'orgue ; le single « Everybody needs some help sometimes », que le public avait encore en tête à l'issue de leur prestation…
Il y a plus de dix ans qu'on attendait le passage de Red House Painters en Belgique. Et R.H.P. n'est toujours pas revenu. En fait Kozelek a fondé un nouveau projet : Sun Kil Moon. Responsable d'un elpee remarquable, au début de cette année (NDR : voir chronique), S.K.M. figurait, au départ, à l'affiche des Nuits du Botanique. Mais lorsqu'il a décliné l'invitation, on s'est dit qu'il allait encore nous faire faux bond. Bref, je dois avouer, que la veille même du concert, je n'étais pas vraiment sûr qu'il soit présent. Avant que la formation ne monte sur les planches, on se rend compte qu'il n'y aura pas de batteur. Et que les musiciens seront assis sur des tabourets de bar. Cinq en tout. Pour deux violonistes et trois guitaristes dont Kozelek qui change, pratiquement à chaque morceau, de gratte. Acoustique, électrique ou à douze cordes. Un Kozelek qui s'est coupé les cheveux. Mais dont le timbre vocal falsetto, légèrement reverb, touche toujours au sublime. Autour de lui, son backing band tisse la trame sonore. Tantôt en picking, tantôt en plaquant les accords, les deux guitaristes rivalisent de virtuosité. Et que dire des deux violonistes ? Un couple asiatique dont les interventions vous flanquent des frissons partout. Tout au long du concert, on semble submergé par un océan de mélancolie douce. Parfois aussi consumé par l'intensité et la luxuriance des instruments, un peu comme sur le 3ème album du Led Zeppelin. Ou alors bercé par des mélodies ensoleillées, presque méditerranéennes. Pas de covers. Pas de titres issus du répertoire de Red House Painters. Mais uniquement des chansons de Sun Kil Moon. En rappel, seuls les trois guitaristes reviennent sur scène, l'un d'entre eux se consacrant à la slide. Puis Marc termine en solo armé de sa 12 cordes. Pour trois titres. Enfin presque, puisque en fin du dernier, il se rend compte qu'il fait fausse route, plante sa guitare et se taille. Un final à l'image du personnage…
"Mclusky do Dallas" constitue le deuxième opus de ce trio gallois responsable d'une musique féroce, sauvage, furieuse et terriblement excitante. Une musique directement inspirée par les Pixies. Et en particulier par l'album " Surfer Rosa ". Coïncidence, mais les deux elpees ont été mixés et produits par Steve Albini. En outre, les titres dépassent rarement les 2'30. Et les lyrics sont aussi humoristiques et malicieux. Seule différence, les vocaux. Si les Pixies pouvaient compter sur l'équilibre entre la voix de Black Francis et celle de Kim Deal, chez Mclusky, nonobstant certaines inflexions empruntées à John Lydon, le timbre d'Andy Falkous manque cruellement d'amplitude ; ce qui muscle encore davantage les compositions. Dommage, car ce Mclusky a vraiment la pêche !…
Comme le clament The Stands au début de leur concert, ils sont de Liverpool. Ca se voit… et ça s'entend. Leur single 'Here she comes again' ne reflète que partiellement les influences et le style du groupe. Pour en savoir davantage, il est donc préférable d'écouter le premier opus. Croisement parfait entre les La's et Love, leur musique est teintée de psychédélisme 60's. Leurs morceaux sont parsemés de longs solos de guitare. Ce soir, ils achevaient leur tournée en première partie de Jet. Ils se sont surpassés en essayant de nous replonger jusqu'aux racines du rock. En apothéose, ils ont dispensé pour dernière chanson de leur set : « The way she does ». Ils reviennent au Bota le 5 avril, en supporting act des Shins.
Jusque dimanche, Jet se résumait à 'Are you gonna be my girl', un single qui nous a réchauffés tout cet hiver. J'avais écouté le cd d'une oreille distraite. Et j'étais passée à côté d'un vrai groupe rock, dans le sens le plus noble du terme. Ces Australiens sont incroyablement énergiques sur scène. Ils sautent, hurlent, incitent le public à se déhancher. Le groupe enchaîne les titres plus rageurs les uns que les autres… Tiens, on dirait ACDC sur 'Roll over DJ', tandis que pour 'Move on' le groupe affiche davantage de douceur. Et même dans ces moments là, le concert reste intense. Ce qui frappe le plus en les découvrant, outre leurs mélodies électriques? Leur jeunesse. Ils semblent ne pas avoir franchi le cap de l'adolescence. Leur rage aussi. Et puis leur façon de transformer la moindre note en un véritable choc électrique. Pour eux également, ce soir constituait la dernière date de leur tournée. Pour célébrer l'événement, le batteur chantera le premier rappel en solo. Une performance fabuleuse. A l'image du reste de la soirée d'ailleurs…
Voir Sophia une veille de la Saint-Valentin. Se faire bercer par leurs douces mélodies, si tendres… Un rêve, n'est ce pas ? En première partie, Gamine, une chanteuse des pays de l'Est, interprète au premier degré, des titres tels que 'It is so beautiful to be married'. Influencée par les romans Harlequin, elle nous remet directement les pieds sur terre…
En effet, même si les critiques (des magazines commerciaux) sont dithyrambiques, je n'aime pas vraiment le nouvel album de Sophia. Il ne possède ni le désespoir de son premier opus, ni la plénitude du second, mais reprend plutôt tous les ingrédients pour en faire un panachage. Résultat des courses, le soufflet retombe rapidement à plat. Bref, Sophia avait fort à faire sur scène, vendredi dernier, pour me convaincre. Et il faut avouer que sa mission n'a été qu'à moitié remplie. Robin est en effet un vrai showman, qui interagit avec son public, après nous avoir fait croire que les membres du groupe se promènent nus dans les couloirs des hôtels. Il nous propose même de les louer pour n'importe quel Bar Mitzvah, d'ici 10 ans (NDR : et là, je ne peux qu'applaudir sa lucidité). Pourtant, il y eut de réels moments de grâce ; et en particulier au début de son répertoire : « So slow », « Are you happy now », « River song » (d' « Infinite circle ») ; mais aussi de longs moments d'ennui. Et en particulier après le single « Oh my love », lorsqu'il s'est mis à interpréter trois chansons du nouvel album. Robin nous explique au cours du concert qu'il s'agissait du premier concert de leur tournée et que la formation rodait la set list. Peut-être seront ils parfaits le 3 juillet a Werchter ? Et oui, la nouvelle vient de tomber…
Le jeune label anglais Honest Jon's a pris la salutaire initiative de rééditer sur un cd, trois elpees enregistrés dans le milieu des années septante par Cedric Im Brooks et son groupe The Light of Saba. Trois disques depuis longtemps introuvables. Saxophoniste jamaïcain atypique, passionné par le jazz et Sun Ra en particulier, Brooks avait fondé à la fin des années soixante les Mystic Revelation of Rastafari, en compagnie du percussionniste Count Ossi. Un projet responsable d'un mélange innovateur de percussions jamaïcaines traditionnelles et de jazz acoustique, le tout baigné dans la foi rastafari qui connaissait à cette époque son apogée. Ossie ayant perdu la vie dans un accident de la route, Brooks reprit le concept et l'élargit au sein de the Light of Saba, y ajoutant l'élément électrique et plus de reggae. Cette excellente réédition recèle du pur reggae roots gorgé de percussions, mais aussi de la rumba, du mento, du jazz (l'excellente reprise du " Song for my father " d'Horace Silver) et de la soul. Les instrumentaux polarisent la majorité du disque, mais quelques plages réservent une place au chant. Et avec beaucoup de bonheur. A l'instar du magnifique " Words of Wisdom ". Les années septante furent une période particulièrement fertile pour la musique en Jamaïque. Aussi, si vous êtes passionnés de cette époque, cette réédition constituera, à vos yeux (oreilles ?), un 'must' !
Fondé en 1994 par le chanteur guitariste Hans Klerken, le BBM est né dans la cité batave de Wageningen. Si cet ex Hip Shakin' Mama est inspiré par les grands de Chicago (Muddy Waters, Willie Dixon et Sonny Boy Williamson, entre autres), il est surtout influencé par des maîtres électriques tels que Walter Trout, Coco Montoya, Smokin' Joe Kubek et j'en passe... Mark Spronk (claviers), Chris Janssen (basse) et Harry Steverink (drums) complètent le line up de la formation.
" Blue tattoo " constitue leur troisième album. Il fait suite à "Hatched!", paru en 97, et "Buckle-up!", en 2000. Comme les musiciens se partagent toutes les compositions, on soupçonne fort que leur démarche soit originale.
"Who's fooling" ouvre l'opus. Invité, Ben Bouman se réserve l'harmonica tout au long de ce shuffle échafaudé sur un riff solide. Il s'acquitte d'un bon solo avant de laisser Klerken s'éclater sur sa Stratocaster. Le rythme s'élève pour "To tame a wild horse". Section de cuivres du label Cool Buzz, les Hectic Horns font leur entrée. Ils libèrent beaucoup d'énergie et de puissance pour appuyer la voix de fausset bien contrôlée de Klerken. L'harmo de Bouman se manifeste sur "Just take care". Pour ce shuffle à la texane, la guitare accélère, bavarde, mais dans un style bien personnel. Tout au long de la plage funky "I can't quit you baby", l'orgue exhale un parfum très fin des 60s. Des percussions réminiscentes de Santana introduisent "John's barn beer". Une ode à la bière, au cours de laquelle Klaus van Boekel (NDR : un autre invité) accorde une superbe intervention au djembe. Basé sur un riff de guitare qui aurait pu naître des doigts de Mike Morgan en personne, "Don't look back" est un rockin' blues texan. Sans aucun douté inspiré du "Red House" de Jimi Hendrix, "Change your ways" est un long slow blues. Blues rythmé, mené à la manière de B.B King, "Simple life" bénéficie du concours des Hectic Horns. Hans Klerken s'évade dans un long solo d'excellente facture, toujours concocté dans l'esprit de BB! Boogie classique, "Boogieman" met en exergue l'orgue de Spronk et l'harmo jazzy de Bouman. Plage assez longue, très atmosphérique dans la démarche, "Laid back" s'ébroue de manière assez dépouillée. Le climat tout à fait laidback permet un dialogue entre le djembe de van Boekel, le piano, et la guitare métallique très Delta. Et puis, progressivement, la guitare se fait aventureuse. Elle ponctue ainsi des micro climats très attrayants, mais qui relèvent davantage de la musique rock. La sonorité du piano électrique me rappelle ainsi, quelque part, Ray Manzarek. D'ailleurs ce type d'écriture correspond plutôt à celle des Doors, époque "L.A woman" ; même dans la façon de déclamer empruntée par Klerken. Très réussi ! Une rythmique funky, exacerbée par la slappin' basse de Chris Janssen, balise "Born with the blues". Fluidifié par l'orgue, ce R&B me rappelle furieusement le Steppenwolf des 60s, époque "Sookie sookie". Quoiqu’ancrée dans le monde du passé, cette façon de jouer me paraît toujours aussi intéressante. Je ne suis donc pas surpris par la nature de "Pay it back", une longue finale hantée par des vocaux proches de John Kay, et qui s'égrène dans le même esprit. Evoluant largement en dehors des sentiers battus, et en particulier ceux qui sont tracés aujourd'hui, cet album curieux, étonnant, mérite le détour.
Il y a cinq ans qu'on n'avait plus eu de nouvelles de l'Orléanais, et pour cause : il s'est réfugié au Québec après avoir rencontré un des rescapés de Laanka, un îlot de glace situé près du Pôle Nord qui a depuis disparu, suite au réchauffement de notre atmosphère… C'est à Montréal, dans un couloir mystérieux d'une galerie commerciale, qu'il fit connaissance avec ce type en question, un certain Herri Kopter. Très vite, celui-ci lui refila quelques cassettes de musique de Laanka, une mixture étrange de cliquetis électroniques, de dub glaciaire et de bruits d'icebergs qui se fendent. Minière, impressionné par ces " élucubrations sonores " d'une fraîcheur étonnante, propose au Robinson d'enregistrer un album, pour qu'il reste une trace de cette île déjà rayée de la carte. Evidemment, toute cette histoire est du pipeau, mais elle confirme l'imagination débridée de Jérôme Minière, qu'on avait donc perdu de vue (ou plutôt d'écoute) depuis " La Nuit Eclaire le Jour qui Suit ", double album paru chez Lithium en 1998. Entretemps, notre bonhomme n'aura pourtant pas chômé : en plus de cet album-concept 100% électronique, Minière sort un recueil de 14 chansons pop (" Petit Cosmonaute "), et s'active aussi du côté de la vidéo et de la mise en son de spectacles (e.a. le festival MUTEK à Montréal, l'équivalent du Sonar de Barcelone). Cette BO imaginaire d'un pays de rêves, Minière l'a composée il y a trois ans, mais c'est seulement aujourd'hui qu'elle franchit l'Atlantique. Au programme, donc : de l'électronica paysagiste (tendance Boards of Canada), du dub minimaliste (tendance ~ Scape), plein de craquelures et de beats cotonneux. Montréal est la nouvelle terre d'accueil des musiciens aux idées larges : de Constellation à Intr_Version (le label de Mitchell Akiyama de Désormais), on y recense pas mal d'empêcheurs de tourner en rond. Minière, c'est sûr, en fait partie. Et son album, même s'il est un peu long, recèle de beaux trésors. Il nous faudrait davantage d'aventuriers de ce genre… De (Koh-)Laanka ?
Entre " Ha-Ha Sound " et " The Noise Made By People ", le premier album du trio de Birmingham, trois ans se seront écoulés. Mais Broadcast n'a rien perdu de son talent et de son originalité, puisque ce nouvel album est encore meilleur que le précédent. Depuis 2000, le rétro-futurisme a la cote. Ses synthés d'un autre âge, ses ambiances de films SF de série B, ses bleeps rêveurs et ses relents d'enfance : la musique électro-pop de Broadcast s'est bâtie, au fil des ans et en secret, une réputation de bande-son bizarre d'un monde un peu figé, dans lequel Barbarella et Robby le Robot batifoleraient gaiement dans un décor d'apocalypse lunaire. Musicalement, Broadcast n'a donc guère d'équivalent (Stereolab, Ladytron, Saint Etienne ?), et cet atypisme est renforcé par l'étrange tonalité de la voix de Trish Keenan, à la fois neutre et mutine, frigide et suggestive ; bref mi-femme mi-enfant, séductrice et asexuée. Sur " Valerie ", on croirait presque entendre des enfants de chœur réciter leur prière de Noël dans une cathédrale de verre, où résonneraient le moindre écho cristallin, Jan Garbarek (ECM) et Joseph Byrd (United States of America) se disputant les touches d'un orgue vétuste. " Man is not a Bird " surprend lui par sa rythmique pointilleuse et ses bruits aquatiques, comme si le couple Barron (la Bo de " Forbidden Planet ") ressuscitait le temps d'une dernière valse, avec Holger Czukay pour chef d'orchestre… Aux yeux (oreilles) de certains, Broadcast pourrait passer pour un groupe de techniciens dissimulés derrière leurs machines, coincés dans un univers qu'ils se sont eux-mêmes forgés… Mais ce serait oublier leur sens aigu de la mélodie (" Before We Begin ", " Lunch Hour Pops ") : il s'agit bien de pop, et du plus bel effet, en prise avec son temps sans être une vulgaire histoire de mode. Refuser leur invitation au voyage (intersidéral ?) serait donc une grossière erreur.
Madlib est un des producteurs de hip hop les plus inventifs de ces dernières années. Que ce soit derrière la console pour les albums de Wildchild et de Dudley Perkins ou comme MC au sein des excellents Lootpack (lui, Wildchild et DJ Romes), Otis Jackson Jr. transforme tout ce qu'il touche en or massif, et pas celui qui orne les dents et le torse des gangsters de pacotille à la 50 Cent. Après avoir rendu hommage à Stevie Wonder et au reggae signé Trojan (" Blunted in the Bomb Shelter "), voilà qu'il s'attaque au catalogue du légendaire label de jazz Blue Note. Rien ici d'opportuniste : il ne s'agit pas d'une énième compile acid jazz ou d'un hommage mercantile à la Saint-Germain. Madlib s'approprie les vieux standards de Donald Byrd et de Wayne Shorter (entre autres) avec finesse et intelligence, sans tomber dans l'hommage timide et trop fidèle qui plombe souvent ce genre d'exercice périlleux. Armé de son sampler SP-1200 et les beats plein les poches, il ose avec panache sculpter dans cette matière sonore bien malléable (du jazz), mais quand même figée par des années de mise en bière académique et d'honneurs journalistiques. Aujourd'hui sujet de thèses universitaires et mentionné dans les livres d'histoire, le jazz n'est donc pas lettre morte, en témoigne cette relecture surprenante via le rap, finalement sa suite logique. Sur " Please Set Me At Ease " de Bobbi Humphrey, Madlib invite Medaphor, un MC, à venir poser son flow, pour un résultat groovy qui n'enlève rien à l'essence du titre original. Ailleurs, c'est tantôt des scratches (" Slim's Return ", rien à voir avec Eminem…), tantôt des instruments live qui viennent éclairer ces grandes partitions sous un jour nouveau. Sur " Song For My Father " d'Horace Silver, Madlib se rappelle aussi son père, chanteur de soul dans les années 70, aujourd'hui relégué, comme tous les musiciens de la Note Bleue, au rang de vieux souvenirs. Des souvenirs apparemment bien vivaces, et toujours aussi fertiles (l'inédit " Funky Blue Note ", signé Madlib himself), à en juger par ce projet d'une rigueur et d'une ampleur inédites. Excellent !
Depuis la sortie de son premier album, Cali est devenu notre meilleur ami, notre confident, notre défouloir et notre psy. Ses chansons d'amour écrites sans détours ni mensonges accompagnent nos humeurs changeantes et nos doutes quotidiens : dans ses mots qui cinglent nos certitudes on se love jusqu'au dégoût… Cet album, c'est la vie, et ça fait un bien fou. Rencontre avec un amoureux de l'existence, dont la sincérité nous aide à progresser et jouir, vaille que vaille.
Ton album débute par la chanson " C'est quand le bonheur ? " : est-ce qu'aujourd'hui tu te sens heureux ? Ou bien, malgré la reconnaissance, le succès, les rencontres, l'amour du public, tout reste relatif ?
Tu sais, c'est une question très conne, mais je l'assume… Pour moi le bonheur c'est ni le passé ni le futur, mais ces moments où l'on réalise ce qu'on vit sur l'instant. Des fois je me surprends à avoir des bouffées d'extase : ça dure 10-20 secondes, au volant de ma voiture par exemple et je ne sais pas d'où ça vient, mais je suis hyper heureux pendant 10 secondes. Puis ça s'arrête parce qu'on repense à des images du passé ou du futur, et c'est moins le bonheur… Ce que je trouve fort chez " C'est quand le bonheur ? ", c'est que je l'ai écrite en deux ans : les couplets deux ans avant le refrain. Mais dès qu'il est arrivé, le reste a coulé tout de suite : ce titre a été un tremplin idéal pour le reste de l'album.
Le bonheur… Penses-tu que les gens heureux en amour peuvent apprécier ton disque à sa juste valeur ? Comme s'il fallait avoir vécu ce que tu chantes pour vraiment te comprendre…
J'essaie de me persuader que tout le monde peut y trouver son bout de gras à grignoter ! Si tu l'as vécu ou si t'es malheureux, ça peut t'aider à te dire que t'es pas le seul… Un peu comme le journal de 20h, quand tu vois toutes les merdes qui se passent dans le monde, et que tu te dis qu'il y a pire que toi… Et puis les autres peuvent se dire : " Moi je ne vis pas ça, tant mieux ! ". Les deux sentiments peuvent donc être appréhendés, et je trouve ça bien.
C'est quand même bizarre de voir à tes concerts des gens qui chantent en chœur tes sombres textes, en souriant de toutes leurs dents… Ce n'est pourtant pas le Grand Jojo !
C'est le but ! J'aime par exemple l'idée que " C'est quand le bonheur ? " puisse être jouée lors d'un mariage, où tout le monde serait heureux et ferait une farandole… Alors que le texte en lui-même pourrait être lu lors d'un enterrement. J'aime bien cette dualité… " Je chante " de Trenet, par exemple : quand tu lis le texte, c'est terrifiant ! Mais quand tu l'écoutes comme ça en voiture, sans penser au texte, avec le vent dans tes cheveux, t'es heureux, quoi ! J'aime bien ces mariages un peu douteux. C'est comme avec ma violoniste, qui est très classique, alors que mon guitariste, lui, est fan de punk ! J'aime bien ce genre de conflit. C'est ce qui me fait avancer.
Voilà ce qui est intéressant : cette dichotomie entre tes textes, durs et déprimants, et ta musique, gaie et pleine d'allant.
Je crois que c'est plus fort quand tu plombes réellement le texte et que tu l'habilles de musique guillerette. Je me suis souvent essayé à écrire des textes très noirs en les accompagnant de musique très sombre, mais à la fin il ne te reste plus que la corde pour te pendre… C'est pas le but du jeu non plus, quoi !
La redondance n'aurait pas donné à ton disque cette violence… qui en fin de compte se veut salutaire.
Je crois de toute façon que la vie est comme ça. Quand tu discutes avec des amis tu te remontes le moral, tu rigoles, tu bois des coups, mais chacun traîne son boulet derrière lui… C'est ça l'idée, ouais.
Alina Reyes (NDR : grand écrivain qui s'est suicidée) a écrit un jour : " Où est l'amour sinon dans le mal brûlant du désir, de la jalousie, de la séparation ? "… Tu es d'accord ?
C'est peut-être sa vision de l'amour parfait. Pour moi il faut qu'il y ait de la violence. Pas physique, mais dans les pleurs. Ca peut aller très loin : le mal au ventre, les crises de nerfs, on se dit des choses qui vont trop loin et puis juste après il y a le calme plat, on essaie de se rattraper, de se pardonner, puis arrive le câlin, puis la mer se déchaîne à nouveau… L'idée c'est que le couple supporte ça tout le temps. Mais il arrive à un moment donné où la violence des mots, des situations ou même des silences… Quand il ne reste rien. Pour moi, l'amour parfait c'est ça : des très hauts et des très bas.
Un couple doit-il se déchirer pour mieux se retrouver ?
Je ne sais pas s'il doit le faire, mais il doit être capable de le faire.
Et quand on dit que les gens heureux n'ont pas d'histoires à raconter (le fameux " Happy people have no stories ") ?
Je crois que les gens les plus heureux sont ceux qui ne réalisent rien du tout. Quand on a la chance, ou le malheur, de réfléchir un petit peu, c'est là qu'on peut plonger dans le malheur total, oui…
Et quand tu dis que " Mourir d'amour n'est plus de ton âge ", ça veut dire quoi ? A chaque rupture on 'meurt', non ?
C'est une phrase d'un instant : j'ai dû l'écrire quand j'avais 72 ans. Ou 84. Mais quand j'ai à nouveau eu 35 ans ou 19, c'est revenu d'actualité, " mourir d'amour " ! (rires)
Tes textes sont écrits au masculin, avec la femme qui passe pour la méchante de service, et l'homme pour un couard qui n'a rien vu venir, et qui soit implore " quelques miettes de tendresse ", soit fait le gros dur… ou passe d'un état à l'autre en quelques secondes. La vie, quoi…
Je me suis souvent surpris à conjuguer des adjectifs au féminin quand j'écris mes textes, donc je crois que mes chansons peuvent être tournées dans les deux sens. Il suffirait de changer quelques mots pour que mon album puisse être chanté par une fille ! Mais comme je suis un garçon, la méchante de service c'est la fille. Si j'avais été une fille, c'eût été le contraire…
M'enfin c'est bizarre que…
Le panache est important. J'adore ça. C'est-à-dire : une chanson, tu sais qu'elle va être lue ou écoutée, donc tu frimes. Moi je suis un frimeur. Je frime en me faisant soit largué, soit en acceptant de partir… Mais avec le panache. Même si dès que la lumière s'éteint, je me retrouve seul avec mon malheur et ma tristesse, complètement désintégré. J'aime bien cette idée-là aussi : quand la lumière est allumée, on sourit, et puis… J'aime bien cette idée des scènes de théâtre, où des gens vivent des malheurs absolus et sont obligés de jouer. Ca me correspond bien.
Le pire, c'est quand tu crois connaître ton/ta partenaire, et que tu te rends compte que d'une minute à l'autre tout peut basculer : en l'espace d'un instant, elle/il devient une personne totalement étrangère… C'est un sentiment vraiment horrible.
C'est horrible. Horrible. Mais si tu te retournes sur ta vie, il y en a qui disent qu'ils ont perdu du temps, moi je suis plutôt du genre à me dire que j'étais tellement pur et vrai avec elle que j'ai plutôt gagné du temps sur ma vie… Mais c'est terrible, c'est clair. Mais quelque part il faut être honnête et quitter l'autre au moment où tu le veux. Il y a des personnes qui restent ensemble et puis t'arrives à tes vieux jours et tu te dis que t'as gâché ta vie ou celle de l'autre, parce que tu sais qu'elle voulait te quitter depuis toujours mais qu'elle ne l'a pas fait, ou vice versa. Il n'y a rien de plus terrible.
Tu racontes les maux du cœur avec crudité, sans pudeur ni politesse. Est-ce pour toi la manière la plus sincère pour parler de ce genre de choses ?
C'est la plus sincère pour moi. Ce sont les mots que j'emploie tous les jours. J'aime bien cette idée de ne plus mentir. Tu vois, j'ai 35 ans, j'ai vécu au sein d'autres groupes pour lesquels j'écrivais des textes beaucoup plus mystiques, beaucoup plus difficiles à comprendre : le sens était caché derrière les images, était très difficile à discerner. Là aujourd'hui j'éprouve de la jouissance absolue à me retrouver devant des gens et à leur dire tout crûment ce que je pense. Ca me fait vraiment du bien, quoi ! Tu vois les yeux des gens et tu leur dis " je, je, je " avec des phrases très crues… Mon petit challenge c'est de rester dans le format chanson et poésie, avec mes mots. C'est ça qui m'intéresse.
Es-tu fier en un sens de " toutes les ignominies que ta bouche peut déverser " ?
Si tu veux, oui. Mais si tu me vois à 6h du matin complètement saoul ou à 6h du soir complètement clean, je te parlerai pareil. On pourra avoir la même discussion au sujet de l'amour. C'est quelque chose de fort : ne plus mentir, ne plus être un imposteur… Parce que souvent on va à son travail et on est obligé de se cacher derrière son costard. Moi non : mon travail ma permet d'être moi-même 24h/24.
Se dire tout, ne rien se cacher, est-ce selon toi une condition essentielle à l'harmonie dans un couple ?
C'est clair ! Moi par exemple ma copine, je ne la vois pas beaucoup, mais quelque part elle se raccroche au fait qu'elle sait que je suis vrai, et que je sais qu'elle est vraie. Je ne vois pas pourquoi je ferai n'importe quoi en son absence… Tu sais, chaque mensonge est un boulet qu'on traîne derrière soi…
Concernant l'écriture de tes textes : on te sent proche d'une certaine démarche littéraire à l'américaine, basée sur l'oralité.
(surpris et ravi) Tu tapes dans le mille ! Ecoute, moi je suis très fan de Brautigan, de John Fante, de Bukowski, de Salinger… J'ai tout lu, même leurs romans pas traduits. Ce sont des gens qui me touchent vraiment.
" Il y a une question " contient une référence à " L'Attrape cœurs ", non (" NDR : Où vont les canards quand ils ont trop froid ") ?
A fond ! Et " mon chien stupide ", c'est Fante ! Ce sont des petits clins d'œil à mes héros…
Est-ce que le format de la chanson pop te semble la meilleure manière pour mettre en musique tes histoires ?
J'ai la chance que ma maison de disque me laisse faire ce que je veux : si sur l'album la plupart des chansons sont formatées, j'en ai plein en réserve qui ne le sont pas. La chanson pop pour moi, c'est faire monter un couplet jusqu'au refrain, pour le faire exploser. Pour moi le maître en la matière, c'est Arno : il arrive à faire des chansons pop ou punk absolues, et juste après il va te sortir une complainte interminable piano-voix ! Il n'a pas de limites : sa seule limite, c'est son imagination… Et puis il ne perd jamais son identité, parce que sa voix est toujours là. C'est l'exemple que j'essaie de suivre.
Dans ta musique aussi tu passes d'un genre à l'autre : on y entend une fanfare, des arrangements de cordes, des guitares rock… En fin de compte ça résume bien tous les états de la rupture : la colère, la tristesse, la désinvolture,…
Et la beauté. Ca peut être très beau, une rupture. C'est une horreur, certes… Mais une horreur qui peut être très belle. Il y a une descente aux enfers irrémédiable mais ça peut aller chercher en toi des choses insoupçonnables. Tu grattes le fond de toi-même… Donc la rupture, si c'est pas mortel, c'est majestueux.
Et c'est universel ! A cet égard quel rôle doit selon toi jouer l'artiste face à son public ? Comment te positionnes-tu par rapport à tes fans ?
Je me sens très profiteur. Quelque part, je me sers d'eux, de leurs sourires, de leurs yeux qui brillent… J'en profite, c'est pour moi, quoi ! Je suis heureux que ça leur fasse du bien, mais c'est à moi que ça fait du bien - de les voir comme ça ! Les gens c'est mon psy, ouais…
Ca fait parfois du bien de penser d'abord à soi, surtout quand tout va mal…
C'est clair. Moi j'ai une TV et je l'allume plus du tout. Et puis quand ça ne va pas bien je regarde le journal de 20h et, c'est hyper affreux ce que je vais dire, mais je me rassure en me disant que ma petite vie, finalement, n'est pas si mal. Le tremblement de terre il est dans mon cœur, mais je ne suis pas sous les décombres.
L'amour parfait, deuxième ?
C'est quand tu te réveilles et que tu vois ta chérie qui dort à côté de toi, et tu te dis : " C'est avec elle que je veux vivre toute ma vie ". Et quand tu sais que tu ne te mens pas à ce moment-là, c'est encore un moment de gagné sur la vie. C'est du bonheur, ça dure un court instant, mais tu recules le temps de la fin, quoi… C'est ça, pour moi, l'amour parfait.
Ces deux dernières années, Erlend Oye semble s'être plutôt bien habitué à l'électro, lui qui pourtant s'était fait connaître avec Kings of Convenience (un duo) et son " Quiet is the new loud ", manifeste acoustique à l'origine du regain pour les guitares en bois et les harmonies à la Simon et Garfunkel. Il faut dire qu'Eirik Glambek Boe, disons Garfunkel, n'était pas trop taillé pour le succès. Aussi devant tant de résignation, Erlend décida de partir à l'aventure tout seul, plutôt que de finir ses jours à pêcher du hareng dans les fjords de Norvège. C'est ainsi qu'il put enfin assouvir sa passion pour la musique. Toutes les musiques : folk, rock, électro, hip hop… Surtout celle eighties. Après un bref séjour chez Royksopp, d'autres Norvégiens ne jouant pas du black metal, Erlend partit pour de bon à la conquête du monde, tel Niels Holgersson à dos d'oie sauvage. New York, Paris, Berlin,… Le Scandinave aux grosses lunettes et à la fine moustache pouvait enfin côtoyer les producteurs de renom et donner forme à ses idées les plus farfelues, genre ‘Michael Jackson meets Kings of Convenience meets Royksopp meets Cybotron’. Pas qu'Erlend soit un novice en la matière : avec Eirik, il avait déjà soumis leurs titres à la chirurgie électronique de Ladytron, Four Tet et Andy Votel (l'album de remixes, " Versus "). Mais cette fois-ci, Erlend est seul à la barre… Résultat des courses, " Unrest " est un album carte postale. Un témoignage des rencontres qu'il a effectuées lors des voyages accomplis au cours de ces deux dernières années à travers le monde : des artistes, des fans, des remixeurs, prêts à lui prêter main forte pour concrétiser ses rêves. Au finish, cela donne surtout des morceaux à résonance eighties, aux beats millésimés bien qu'un peu datés (" Prego Amore " et son rap old school mou du genou - Erlend n'est pas Grandmaster Flash -, " Ghost Trains " et ses nappes à la Moroder). Aux commandes de cette mise en sons : Morgan Geist (de Metro Area), Jolly Music, Prefuse 73, Schneider TM, etc. Bref, la crème de la scène électro planétaire, pour un melting-pot techno-folk-rap le plus souvent réussi (" The Athlete " et ses paroles en français, " Every Party… ", " A While Ago and Recently "). Quoi qu'on puisse penser de ce concept album, sorte de " Guide du Routard " au pays de la pop, une chose reste indiscutable : Erlend Oye, lui, n'y est pas un touriste...
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