A l'image d'un 4AD dans la musique alternative, le label anglais Peaceville demeure très sélectif dans le choix de ses poulains. Il attache une grande importance à l'esthétisme, à l'innovation musicale, et propose en règle générale des produits haut de gamme. Anathema, My Dying Bride, Katatonia et Opeth sont de ceux-là. Nouveaux venus sur la scène dark metal, Asgaroth nous livre un " Red Shift " surprenant d'audace et de maîtrise. Peaceville ne s'est pas trompé, une nouvelle fois. Combinant les envolées psychédéliques d'Hawkwind à l'énergie d'un Dimmu Borgir, cette formation catalane signe une œuvre déconcertante, où plusieurs tendances se retrouvent canalisées. Si le groupe ne se complaît pas dans la facilité, chaque titre demande une écoute approfondie pour en décrypter toutes les finesses. Expérimental, le heavy torturé d'Asgaroth l'est assurément. Les tempos à géométrie variable oscillent entre divagations et psychédélisme noir. L'efficacité des mélodies n'a d'égale que la grande diversité des ambiances froides qui se dégagent de la plaque à la fois cosmique et brutale. Les surprises fusent à chaque instant, contribuant à faire de ce disque un véritable travail d'architecte de la musique heavy du futur. Eblouissant et d'une beauté désarmante, Red Shift ne connaîtra probablement pas le succès qu'il mérite, mais deviendra à coup sûr un album culte.
On connaissait les A.S. Dragon comme backing band de Bertrand Burgalat et de Michel Houellebecq ; pas encore comme groupe à part entière. Et pourtant, quel groupe : le batteur Hervé Bouétard fait des étincelles, et son copain bassiste, Fred Jimenez (depuis remplacé par David Forgione), n'est pas non plus ce qu'on appelle un manche. Rarement avons-nous entendu une telle symbiose rythmique, du moins dans l'Hexagone… Quant aux deux autres (Michaël Garçon et ses claviers seventies pétaradants, Stéphane Salvi et ses riffs wah-wah dévastateurs), ils savent aussi donner un sens au mot " groove ". Mais pourquoi tenter l'aventure sans leur boss de label ? La réponse est simple : pour les beaux yeux d'une blonde, Natacha Le Jeune, qui leur prête ici sa voix féline et ses poses lascives, entre Bardot et Faithfull. Dès les premières notes (" Dog Love Dog ", " Dirty "), la coquine se déchaîne, emportée dans ce tourbillon psyché-pop d'une puissance inouïe. Qu'elle chante en français ou en anglais, Natacha nous charme sans efforts : sur " Mais pas chez moi " et " Your Fame ", elle pique même la vedette aux quatre garçons, devenus presque timides, et on n'entend plus qu'elle. La suite, pleine de claviers sautillants (" Sorcière ") et de refrains emballants (" Are We Talking Enough ? "), fait la part belle aux ambiances soul de l'ère Motown (Ike et Tina Turner sur " Dedicated to the press ", une reprise de Betty Davis), voire aux trips funky de Clinton et co. (" Nightime "). Rajoutez des références à Baudelaire (" Un Hémisphère dans une Chevelure ") et un gros son bien huilé, et vous obtenez un disque chaud comme la braise, épargné par les modes et les frontières linguistiques. Une belle réussite !
Enfin de la lounge qui ne verse pas dans la soupe, et de chez nous SVP bien ! Après les cartons de Buscemi et de Sven Van Hees, voici Arsenal ; en fait, un duo composé de deux producteurs au goût certain : Hendrik Willemyns et John Roan. Déjà croisé sur les compiles Café del Mar, Arsenal sort enfin son premier album, " Oyebo Soul ", une petite perle d'électro-world (" Graceland " version synthétique ?) qui vous emmène aux quatre coins du monde, des plages portugaises aux gratte-ciel de New York. Première escale, l'" Angola ". A bord de sacrés musiciens et de charmantes choristes : le ciel est bleu, l'ambiance est au chill-out. Déjà, on a largué les amarres, " pour le soleil ", comme on dit en vacances… Au Congo, il fait aussi très chaud (" Amelaka Motinga ") : heureusement, Zeus et Zacharias (du groupe Bayuda) nous obligent à bouger, pour pas qu'on somnole. Torride ! Une brise rafraîchissante vient alors caresser nos fronts en sueur : " Mr. Doorman ", tube de l'été indien avec du rap et de la capoeira, d'une moiteur excitante. Encore plus zen, " Far I Have Come " nous donnerait presque envie de faire du yoga : à écouter avant de s'endormir sous la moustiquaire, pour faire de beaux rêves. Et se réveiller détendu, tandis que retentissent les notes de " Walk on the wild side " et qu'une voix câline nous chuchote à l'oreille que le café est prêt (" Dinah "). Midi : bronzette avec " A Volta " dans les écouteurs, mix boombastic de rythmes brésiliens et de flûte envoûtante, puis plongeon dans la piscine, et crawl rythmé par la guitare de " Longee "… Fatigantes ces vacances ! Un petit " Tigerwoods " le temps de souffler, mais le soleil tape, et il ne reste plus qu'une chanson sur notre k7 : " How Come ? ", d'une langueur éblouissante. Fermons les yeux, laissons-nous aller, ne pensons plus à rien, il fait chaud! , les oiseaux chantent, appuyons sur " Reverse ", c'est le bonheur, c'est les vacances, et demain ils annoncent 35°, il n'y a rien à faire, pas de boss à l'horizon, et " Oyebo Soul " d'Arsenal dans le walkman : tout est parfait.
Un démarrage énergique annonce la couleur : Arena se veut plus métal. Glissement d'ailleurs amorcé sur le précédent opus du groupe. Que les amateurs de claviers et de belles mélodies ne s'effraient toutefois pas : Clive Nolan est omniprésent, décochant ici et là de jolies envolées de synthé, et encadrant quasiment l'intégrale de l'œuvre. Mais il laisse plus d'espace à la guitare de John Mitchell, dans diverses déclinaisons, du très gras (rythmique), au fort lyrique (solos), avec en prime quelques sonorités mal dégrossies. Sans jamais être envahissant, le couple basse/percussions est au diapason, conférant à l'ensemble une belle puissance. Toute mièvrerie tend donc à disparaître. Mais comme certains groupes 'métal' empruntent le chemin inverse, se tournant vers des créations plus mélodiques, la frontière qui les sépare désormais de 'néo-progs' comme Arena devient bien ténue. A moins qu'elle ne soit le fruit d'une appréhension subjective. Rob Sowden, le vocaliste, est ici parfait. A l'image du band, d'ailleurs. A mon sens, il est le meilleur chanteur qu'ait eu Arena. L'elpee est un concept qui raconte la quête de rédemption d'un homme responsable de la contamination virale de ses semblables. Relativement courts, les 16 morceaux, s'enchaînent naturellement. Pas de long développement, donc. A contrario de l'excellent (et pourtant fort décrié) prédécesseur 'Immortal ?'. Ce qui n'empêche pas 'Contagion' de se révéler un fort bel opus. Un disque inspiré, varié, équilibré, à la dramatisation réussie et au souffle épique intact. De plus en plus en plus séduisant au fil des écoutes, il mérite vraiment qu'on s'y attarde.
‘Don't be scared. Be cool !’, éructent les Weapons dès l'ouverture ; de quoi nous prévenir de ce qui nous attend pendant (à peine) plus d'une demi-heure : de l'elektroclash-rock'n'roll, hybride plutôt drôle de Suicide et des Sex Pistols. Des premiers, ces New-Yorkais ont en effet retenu les BPMs cradingues et minimalistes. Des seconds les riffs abrasifs et nihilistes. Des deux, l'attitude punk/DIY et les paroles revanchardes, crachées à la face du monde. A.R.E. Weapons bénéficie, en plus, d'une hype incroyable : de New York à Paris, on célèbre déjà leur morgue spectaculaire et leurs refrains bruitistes. Pourtant, leur musique ne paie pas toujours de mine : au pire, on les comparerait à des Misfits électro (la pochette), voire à des Ramones ou des Atari Teenage Riot plus balourds. De fait, et malgré l'aura médiatique qui les entoure, ce duo de gogo-punkers ne fait pas vraiment dans la dentelle. Il profite juste du regain populaire pour les beats eighties et les guitares binaires. En fin de compte, la musique de A.R.E. Weapons semble plus taillée pour les pubs et les stades que pour les bars branchés de la Grosse Pomme ; en témoigne le dernier morceau (avant celui caché…), " Hey World ", sorte de parodie hooligan des hymnes humanitaires à la Bob Geldof. Beaucoup moins troubles et inventifs qu'ils n'y paraissent, ces New-Yorkais espèrent donc juste se taper une grosse part du gâteau ‘électro-rock’ revival. Frimeur et dans l'air du temps, sans doute. Anecdotique, sûrement. Qui a dit ‘The Great Elektroklash Swindle’ ?
Le dernier album des Ecossais d'Arab Strap, " Monday at the Hug and Pint ", étonnait déjà par son apparente délicatesse, ses enluminures de cordes dignes d'un Divine Comedy lo-fi, cette lumière auparavant occultée par le vol incessant de papillons noirs. Sur ce nouvel EP, Malcolm Middleton et Aidan Moffat confirment que les rancœurs du passé sont (plus ou moins) finies les fenêtres sont grandes ouvertes dans leur studio et leur musique, laissant enfin s'échapper cette odeur de naphtaline qui collait trop à leur rock souffreteux d'alcooliques dépressifs. Des violons, des cuivres, du piano : si ce n'étaient cette boîte à rythmes un peu branque et cette voix toujours aussi traînante, on croirait presque qu'il s'agit ici d'un autre groupe, plus fleur bleue que fleur(s) du mal. C'est beau, parfois drôle (cette reprise déjantée du " You Shook Me All Night Long " d'AC/DC), même si derrière ces bons sentiments se cachent toujours deux fieffés filous un peu gras du bide, pas totalement sereins, mais qui pour une fois laissent au placard leur antipathie de mauvais coucheurs… Et nous soulagent ainsi de leurs vieilles rengaines d'habitude accouchées sous Xanax.
Apocalyptica est un cas unique au sein de la sphère du heavy metal ! Quatre violoncellistes, tous diplômés du conservatoire, décident de délaisser quelque peu Debussy, Beethoven et Corelli, pour se lancer dans une aventure peu ordinaire : jouer du hard rock et remplacer les bonnes veilles guitares par des violoncelles. Juste pour prendre du bon temps ; mais aussi par admiration pour le groupe Metallica. A premier abord, il faut reconnaître que l'idée pouvait sembler tordue ! Pourtant, " Reflections ", le nouvel album de ces virtuoses finlandais est bien plus heavy que les dernières productions de certains groupes actuels ; d'autant plus que les musiciens ont reçu la collaboration de Dave Lombardo (Slayer) qui assure toutes les parties de batterie sur cette livraison d'un genre nouveau. Si la formation s'était amusée à revisiter certains grands classiques du metal (Sepultura, Faith No More, Metallica) sur ses précédents albums, elle a désormais franchi un cap supplémentaire, en ne proposant sur ce " Reflections " que des titres personnels. Forte d'une production digne des plus grands, l'œuvre constitue, à plus d'un moment, une sorte d'illusion auditive. Comment déceler si un riff sorti tout droit d'une Gibson Les Paul est véritablement joué au violoncelle? Les ambiances oscillent du plus trash au plus mélancolique, histoire de ne pas trahir ses origines. L'album est entièrement instrumental ; mais le chant est remplacé par un instrument à cordes dont les sonorités évoquent des voix humaines. Bien mise en avant, cette technique est absolument crédible et efficace. Compromis entre la musique classique et metal, " Reflections " nécessite néanmoins plusieurs écoutes avant d'en percevoir toutes les subtilités. Rien à voir avec Therion ou d'autres combos qui allient lyrisme et grosses guitares. Apocalyptica a créé un style propre, unique, déconcertant et passionnant à la fois. Un des évènements de l'année !
A peine un an après " Aftershock ", son deuxième album, Aphrodite nous revient avec un mix drum'n'bass solide quoique prévisible. Au programme : des nouvelles compos sans doute rodées en clubs (" Slice Of Pie ", " Crater ", Rip Up ",…), quelques remixes r'n'b pur jus (Beverley Knight, Frou Frou et… Holly Valance) et d'autres classiques du breakbeat (Peshay, Dj Phantasy et… Moby, avec ce bon vieux " Go " décidément repris à toutes les sauces). Aphrodite dans la collection " Urban Junglist ", on n'y trouve rien à redire… Mais tant qu'à faire, autant voir le bonhomme en direc'live from the dance-floor, tout le monde les bras levés comme sur la pochette arrière. A consommer donc d'abord en club, pas en chambre. Vous avez déjà vu des fans de jungle en pantoufles, vous ?
L'influence de Michael Gira (Swans) sur la musique actuelle est abyssale. Ou tout au moins sur la scène des States, et en particulier new-yorkaise. Retracer le parcours de ce personnage charismatique, qui hante moult cités obscures, relève du travail d'archiviste. Visuellement codifiées, les sorties du label du membre fondateur des Swans rassemblent le tout New-York underground, parfois même pour un seul pet de trompette. Cette interconnexion artistique propage insidieusement l'aura et les idées de Gira aux confins de la planète musicale. Si ce n'était que dans ce domaine. A titre d'exemple, sans essayer d'appesantir un disque léger, cette quatrième plaque d'Angels of light s'articule essentiellement autour de Thor Harris aux percus (vu du côté de chez Germano de Dead Can Dance), Larry Mullins aux drums (chez Mark Eitzel et récemment Iggy Pop) et de Dana Schechter la basse (Bee and flowers sur Neurot records, donc Neurosis). Voilà pour le noyau dur. Une multitude d'artistes, flanqués d'instruments plus improbables les uns que les autres, sont venus participer aux sessions d'enregistrement. Dont le violoniste Eszter Balint. Bénéficiant d'une telle distribution, l'évidence saute aux yeux : d'une manière ou d'une autre, travailler avec Gira implique non seulement l'idée d'avoir déjà été actif ailleurs, mais aussi, l'espoir d'en retirer quelque chose. A titre d'exemple et en exagérant à peine, aujourd'hui, un groupe comme Godspeed You ! Black Emperor n'existerait pas sous la forme qu'on lui connaît sans Gira. Alors, que dire d'Angels of light ? Simplement qu'il navigue au sein d'une forme de folk dark-ambient rock. Usant de sa voix tel un baryton, Gira couvre surtout dans le registre des basses ; mais un registre hypnotique, répétitif ou incantatoire, pas très varié dans le côté " down ", peut-être neurasthénique, qui colle parfaitement à la musique. Et même si le tempo s'accélère à de rares occasions, l'ensemble traîne la patte. Côté originalité, la présence d'une chorale d'enfants renforce le sentiment de candeur et d'innocence. Mais qu'est-ce que les enfants peuvent parfois se montrer cruels et méchants...
Avec plus de 30 ans de carrière, Ange est un des plus vieux groupes Prog encore en activité. Peu médiatisé, mais soutenu par un fan club très actif ('Un pied dans la marge'), ce phénomène unique dans l'Hexagone fait figure d'institution. Hormis Christian Descamps, bien sûr, aucun des musiciens actuels n'a participé à la confection du premier album Mais chez Ange on a l'esprit de famille. Après Francis, le frère du patron, impliqué au sein du line up originel, le groupe a hérité aujourd'hui du fiston, Tristan. Cet opus démarre sur les chapeaux de roue par une longue plage atypique à l'ambiance sombre et à la tension dramatique. On pense à la fois à Bashung et à King Crimson. Superbe! La suite se révèle, ma foi, beaucoup plus classique, oscillant de la ritournelle médiévale (« Adrénaline ») à la chanson intimiste (« Intérieur nuit »), en passant par les pistes plus contrastées (« Culinaire lingus »), jusqu'à la dernière plage, un long instrumental fort agréable bénéficiant du concours d'une foule d'invités. Le tout est fort bien interprété et produit. Tristan chante le morceau et le groupe s'est adjoint une chanteuse qui fait mieux que de la figuration. Et alors que le père Christian évoque parfois la survie d'Ange à son propre départ, nous sommes rassurés quant à la viabilité du groupe L'équipe actuelle est solide. Si les paroles tournent un peu en rond, privilégiant les thèmes de la jouissance en général, et du sexe en particulier, elles sont toujours brillantes et poétiques, truffées de jeux de mots et de doubles sens. Un disque éclectique et moderne, intéressant à plus d'un titre, tout en restant fidèle à la ligne de conduite du groupe.
Le micro-label NPKPC (NePasKonPreC) fondé par Olivier Andu et celle qu'il aime, nous fait découvrir l'univers de ce poète belgo-béninois. Je vous avoue que la première écoute de ce 3ème album est assez déroutante : on oscille entre l'envie d'arrêter dès le premier morceau et celle de ne pas décrocher l'oreille (si! si!). Enregistré sur un 4-pistes analogique, voix, guitare sèche et kazoo, le son plus qu'épuré (mauvais?) de ces neufs chansons en est presque agressif. Mais Olivier nous parle d'amour, de société, de réflexions quotidiennes, et devient envoûtant. Ce copain de Carla Bruni (une chanteuse à l'oreille connue et reconnue), ex-leader de Vincent Van Gogh, chante avec une douceur proche du chuchotement dans des graves caressants. Cet album donne l'impression d'être au début du processus de création : dans un salon, quelqu'un écrit, compose, essaie. Le résultat : intimité, espoir ou l'impression qu'un amoureux vous a envoyé une cassette rien que pour vous. On aime ou pas, après 3 écoutes, je le laisserai bien en mode 'repeat'. Son site olivierandu.net offre la possibilité d'être dans la peau d'Olivier Andu et de savoir comment reconnaître un escargot mort, mais je n'en dis pas plus.
Au Texas, il n'y a pas que des cow-boys gueulards et de la racaille présidentielle : si l'air y est lourd comme le plomb, on peut y trouver des oasis de fraîcheur et même s'y faire des copains, avec qui échanger des disques. The American Analog Set par exemple : des chics types, rencontrés aux détours d'un album formidable, le bien nommé " Promise of Love ". C'est qu'on l'aime, cet album : en huit morceaux, il parvient à distiller une mélancolie bienfaitrice, sans remords ni déprime. Cette torpeur relaxante a le même goût que certains morceaux de Mogwai, voire de Cure : on s'y love avec bonheur, en attente de jours meilleurs. L'instrumentation (une batterie hypnotique, des synthés bourdonnants, des guitares légères, un piano bienveillant) et les voix (vaporeuses, voilées, jamais insistantes) donnent l'impression d'avoir été sculptées dans la masse nuageuse, en tout cas quelque part où le temps n'aurait pas de prise. Ces mélodies, comme en lévitation, nous rassurent. Sur ce disque, tout est beau.
Ca fait maintenant un bail (1997) que le premier album d'Alpha est rangé dans notre discothèque. Depuis, c'est vrai, on ne l'a plus trop écouté : le trip-hop, cette chose un peu molle et chiante, a fait son temps. Melankolic, le label de Massive Attack sur lequel Alpha avait signé, s'est d'ailleurs sabordé en plein vol… Quant à 3D et ses amis, pas la peine d'en rajouter : " 100th Window " est une belle arnaque, un disque linéaire et frigide, insupportable. Le trip hop est mort, mais Alpha est toujours là. Son troisième album creuse toujours le même sillon : ambiances de fin de films (mélos pour bien faire), beats cotonneux, avalanches de cordes, voix vaporeuses (quatre en tout, deux filles/deux garçons), … La nouveauté, c'est que Martin Barnard et Corin Dingley ont recentré leur propos, donné un coup de fouet à leur musique : finies les digressions fumeuses, les émotions stagnantes, les développements ronflants… Moins de détours plus de vigueur : voilà ce qu'Alpha aurait dû faire depuis ses débuts bristoliens. N'empêche que sur ces 14 titres, il en reste toujours qui veulent prendre la tangente emmerdante du trip hop le plus somnifère (les 7 derniers, en fait). Un conseil, donc : évitez la fin du disque, vous pourriez vous endormir.
Issue de Flandre et apparemment de Bruges, cette formation est née en 1990. Elle avait commis son premier elpee, "Not invited", voici deux ans. " Feet & teeth " consitue donc son second opus. Un disque qui a bénéficié du concours Pieter Van Bogaert à la production. 7 plages ont été immortalisées 'live' au Noodle de Beernem, le 25 janvier 2003. Les quatre dernières ont été concoctées en studio.
En ouverture, "Never say die" semble vouloir nous emmener dans le pays des swamps. La guitare de Serge Geloen est réverbérée. Jan Van Acker souffle timidement dans son harmonica avant de conduire les parties vocales. Guitare et harmonica alternent les soli. La tonalité réverb de la guitare fait penser à Hank Marvin des Shadows. Le tempo demeure vif sur le R&B assez rockant "Not invited". La manière de chanter de Jan et la trame rythmique évoquent quelque peu certains titres de Golden Earring. Amusant ! Philippe Lefief à la basse et Laurenz Vandercoilden à la batterie imposent une rythmique très rock'n'roll sur "Don't know why". Ces Flamands ont vraiment l'art de chauffer une salle. Ils me font cette fois sérieusement penser à nos amis zélandais des Juke Joints (NDR : Where are you Pete ?). La reprise du "Where were you?" de Jim Suhler est coulée dans une rockin' blues d'acier. Et pour tracer un parallèle avec les Destroyers de George Thorogood, ils invitent Geert Van Steenkiste, sur les planches. Son sax furieux y rivalise avec l'harmo de Van Acker. "Money down" persiste dans le rockin' blues. Une ambiance enrichie par l'orgue Hammond du producteur Pieter Van Bogaert. Pieter est le mari de l'excellent chanteuse Ann de Bruijn et la sœur du guitariste Jan de Bruijn. Ils se côtoient chez les Blue Angels. Ils avaient déjà sévi au sein de l'excellente formation the Crew. De 1985 à 1990. Et puis chez Double Brown. En 95. Les Gators maîtrisent parfaitement le boogie. Ils le démontrent lors de la reprise du "Two time boogie" de Studebaker John. Le son est naturellement meilleur sur les plages studio. Des compositions maison parmi lesquelles "Walk the streets for money" se détache. Le tempo est modéré. Le son acéré de la guitare assez lugubre. Cette sonorité réverbérée est également entretenue par l'harmonica. "Treat me right" nous replonge dans une époque, née après le British blues boom. C'est à dire ce blues qui allait devenir la première vague du hard rock. Les compositions passent pourtant bien la rampe. L'harmonica se détache de la ligne dressée par l'orgue Hammond. Enfin, le son de ce chromatique libère une intensité dramatique pour introduire un "Strong man" à la une tonalité déjantée…
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