" Emerge " constitue le plus gros tube de la génération elektroklash : sexy, sauvage, jouissif. De la dynamite. Le genre d'hymne transgressif que l'on fredonne sans cesse, même après 10.000 écoutes. Alors que le genre, déjà en pleine baisse de régime, ne devrait plus faire long feu, on ressort le premier et unique album de Fischerspooner, alias Warren Fischer et Casey Spooner. Sans doute parce qu'" Emerge " est encore sur toutes les lèvres : " Sounds Good… Looks Good… Feels Good Too " serait en passe de devenir le slogan des adeptes de l'hystérie collective et du Carpe Diem, des clubs aux salles de concert rock. Parce que les deux compères, au départ, ne comptaient pas faire de la musique. Plutôt des expos et des performances vidéos dans les galeries d'art, à semer leur bonne parole à la Andy Warhol et tenter de récolter leurs " 15 minutes de gloire ". C'est ainsi que, de fil en aiguille, Fischer et Spooner sont devenus des stars de l'électro glam-trash, érigés symboles déviants d'une jeunesse électro qui voulait le retour des strasses et du show, de tout ce cirque qu'on croyait réserver à Kiss et Marilyn Manson. Fischerspooner représente la plus bestiale mais aussi la plus sensuelle des incarnations de notre société déliquescente. Comme à l'époque de la Factory, tout est ici basé sur l'apparence, le commerce, le marketing, comme nouvelles règles d'un art qui se veut destiné aux masses. Que personne ne s'y trompe : Fischerspooner n'est qu'une splendide arnaque manigancée par deux génies de la pub avides d'exposition médiatique. Bien sûr, c'est grotesque. Et génial à la fois. Parce que cela prouve une fois de plus que ces 15 minutes de gloire sont à la portée de n'importe quel bon manipulateur. Fischer et Spooner l'ont bien compris, puisqu'ils ressortent leur album une troisième fois (après International DeeJays Gigolo et Ministry of Sound), agrémenté cette fois d'un DVD d'1 heure. Au menu : docs, clips, interviews,… Un complément essentiel au disque, puisque l'image s'avère essentielle chez ces deux pirates de l'information, qui sont parvenus avec talent et malice à détourner le medium musical à leur avantage, encore et toujours (et ça fait presque trois ans que ça dure !). Côté musique ? " Emerge ", énorme. Et une reprise de Wire (" The 15th "), genre slow élektro-glam étonnant de profil bas. Puis d'autres tubes, certes mineurs par rapport à " Emerge ", qui empruntent leur minimalisme à Kraftwerk, D.A.F. (" Turn On ") voire Plastikman (" Horizon ") et Orbital (" Ersatz "). L'expérience, aussi bien musicale que visuelle et promotionnelle, vaut en tout cas le détour. Jusqu'à leur prochain coup d'état médiatique.
C'est déjà le sixième album des Suédois de Fireside, et toujours cette volonté de ruer dans les brancards du rock, de la pop (noisy) et du folk, de mélanger le tout et d'en faire une belle omelette, succulente et jamais indigeste. Dans les années 90, Fireside était considéré comme un groupe de hardcore, parce qu'il jouait vite et fort. Depuis " Elite " en 2000, les quatre Scandinaves ont grugé leurs fans et les critiques, en osant un instrumental de 10 minutes (" Elite "), un morceau presque country (" Elevator Action "), sans parler de ces synthés et ces trompettes qui foutaient le bourdon à ceux qui attendaient là des guitares bordéliques et des meuglements hystériques. 2003, l'affaire est entendue : il est bien fini le temps des excès de colère, place aux mélodies pop qui accrochent, aux refrains certes enlevés mais plus si excités. " All You Had " résume bien ce changement de cap : une ambiance pop à la Dandy Warhols, des guitares cristallines à la Soundtrack of Our Lives ( des amis ). Kalle Gustafsson des Soundtrack a d'ailleurs produit cet album, et ça s'entend : le son est léché, net, précis. " Follow Follow " monte vers le psychédélisme, jusqu'à l'explosion de " Betrayer ", comme si les deux morceaux formaient un diptyque. Entre ligne claire (ces guitares acoustiques) et fil rouge tendu à mort (ces riffs qui déménagent), Fireside garde l'équilibre, sans jamais se casser la gueule. A la fois mélodieux et nerveux, " Get Shot " devrait plaire autant aux fans de rock couillu qu'aux amateurs de joliesses pop. De toutes manières, Fireside a pensé à tout : en milieu de course, " I'm Coming Home " ralentit la cadence et déroule le tapis country, comme si Kristofer Astrom, le chanteur, s'exerçait en solitaire (cfr ses albums solos en compagnie des Hidden Truck)… De quoi reprendre ses esprits pour ensuite repartir de plus belle… ou au contraire abandonner la partie. Dommage pour ceux qui se défilent : ils n'ont pas le goût du risque. C'est vrai qu'à la fin, Fireside redouble de violence. Mais cela reste limpide, malgré la saturation, malgré la tension. Voilà un album qui s'écoute autant pour sa vivacité garage que pour ses harmonies pop un peu sixties : autant dire qu'on y retourne souvent.
Après la séparation de Sunny Day Real Estate, en 2000, Jérémy Enigk pensait d'abord enregistrer un album solo. Puis, il s'est ravisé et a remonté un autre groupe : The Fire Theft. Faut avouer qu'il n'a pas dû beaucoup se creuser les méninges pour parvenir à ses fins, puisque hormis le guitariste Dan Hoerner, remplacé par Billy Dolan, il a reconduit les même musiciens qui sévissait chez le S.D.R.E. , en y réintégrant le bassiste originel Nate Mendael. J'ai toujours beaucoup apprécié S.D.R.E. ; mais je dois avouer que le premier elpee de Fire Theft m'a laissé sur ma faim. En fait, sur les douze fragments de cet opus, une bonne moitié semble calquée sur le même moule. Et ce moule a beau se révéler d'excellente facture, ses clones vaporeux, cinématiques, finissent par lasser. On a même parfois l'impression de retrouver le Floyd, lorsqu'il était au bout du rouleau. Et le falsetto douloureux, fragile, bouleversant de Jérémy entretient cette lassitude. A contrario, sur les compos les plus inventives, son timbre s'élève dans un registre céleste avant de redescendre avec encore plus de passion. Et je pense tout particulièrement à " Uncle Mountain ", dont la trame déchirée entre lyrisme halluciné et symphonisme, nous replonge dans l'univers de Love. A " Summertime ", qui tout en réverbérant le psychédélisme beatlenesque d'un " Magical Mystery Tour ", marche allègrement sur les traces de Neutral Milk Hotel. De la berceuse brianwilsoneque " Houses ", enrichie d'un quatuor à cordes. Et enfin de l'hymnique " Sinatra ", dont les réminiscences du Who remontent à " Tommy ". Ils nous doivent une revanche !
Flanqué de son camarade dj José Padilla, le guitariste Paco Fernández est le créateur des compilations " Café del Mar ", cet endroit enchanté d'Ibiza qui fait face au soleil couchant. Depuis 1994, les 6 volumes du café de la mer ont récolté d'énormes succès commerciaux (6 millions d'exemplaires vendus) et ont accessoirement lancé la mode de la musique ‘chill-out’, déclinée par la suite dans d'autres compilations telles que " Hôtel Costes " ou encore " Buddha Bar ". L'ami Paco nous revient cette année avec un album solo. Enregistré en famille, ce disque a la ferme intention de nous démontrer que le " chill-out " n'est pas mort. Tout en rendant un hommage à Ibiza, Paco étale sa dextérité guitaristique sur une douzaine de morceaux. Dans un style flamenco hérité en ligne droite ligne des compiles qui ont fait sa gloire : tempos moelleux, instruments ethniques (tablas, djembes), électronique discrète, voix féminines sensuelles et des mélodies ensoleillées qui ont l'étrange capacité de ne pénétrer que dans les couches superficielles du cerveau. Si vous êtes de ceux qui n'ont jamais compris à quoi pouvait bien rimer cette musique diluée à l'extrême, appelée " lounge ", passez votre chemin, car ce disque risque bien de vous être fatal. Si vous êtes à l'opposé de cette école de pensée, cet elpee pourrait peut-être vous plaire.
‘I'm in the middle of a nervous breakdown / I'm a timebomb / How do ya like me know ?…’ Les trois forcenés de Federation X n'ont que faire des habituelles formules de politesse : il faut parer au plus vite à la médiocrité ambiante et rentrer directement dans le lard, seules manières selon eux de réveiller la conscience du peuple, atrophiée par le climat de peur qu'ont instauré Bush et ses sbires. " X Patriot "… tout est déjà dit : ces trois rockeurs (guittare-basse-batterie) ne se réclament d'aucun parti, d'aucune fédération, d'aucune patrie, si ce n'est celle du gros son qui tache, genre rock'n'roll burné et rôti en enfer. Voilà le secret des plus rebelles : tenter de changer les mentalités en restant vierge de tout engagement politique, en misant seulement sur quelques chansons fortes et une attitude irrécupérable. Federation X ne risque pas de faire un jour la une des magazines rock : leur " X Patriot " n'est pas assez limé aux entournures pour plaire au plus grand nombre. C'est violent, carré, sale, sans concessions, barré d'un " X " comme le sont les films interdits aux mineurs et, par là, bannis de la société. Même la production d'Albini ne pourrait rien y faire : ce rock âpre et malade (pensez à Vandal X, Big Black, Murder City Devils) n'est pas taillé pour l'écoute en famille. On préférera se le mettre en boucle pendant nos crises de doute et de colère, à l'abri des regards et des questions indiscrètes.
Fin seventies, début eighties, une pléthore de groupes, au succès souvent éphémère (qui se souvient des Radio Stars ?), défendaient une musique d'esprit résolument rock sous un format pop. Depuis quelque temps, plusieurs jeunes formations réactualisent ce genre. C'est le cas de Mud Flow et Yel en Belgique. Favez s'inscrit parfaitement dans cette lignée. Son rock rageur et enlevé, souvent chanté dans l'urgence, aux riffs bétonnés et aux refrains souvent imparables, délivre au fil de 11 plages courtes l'énergie combinée d'un Red Hot Chili Peppers et d'un Manic Street Preachers. Une seule accalmie, d'ailleurs peu passionnante, dans cette déferlante clôturée en coup de poing. On a donc un peu de mal à apprécier sans se lasser, vu la relative stéréotypie dans laquelle on s'enlise. Rien à dire côté technique et production. Et quelques plages sont vraiment attachantes ('Emmanuel Hall' et 'It's a Hit', par exemple). L'ensemble est donc sympa. Manque juste un peu de variété pour sortir du lot. Ceci dit, si le power rock musclé ou les groupes précités font votre bonheur, accordez une oreille bienveillante à Favez.
Chris Farlowe est un vétéran de la scène blues et R&B britannique. Il est aujourd'hui âgé de 63 ans et a toujours bon pied bon œil. Il était déjà sur la brèche au début des années 60 en compagnie des Thunderbirds : Albert Lee à la guitare, Dave Greenslade aux claviers et Carl Palmer aux drums. Il connaîtra son heure de gloire en 1966, en commettant le hit "Out of time", une chanson signée Mick Jagger/Keith Richards. On le retrouve, quelque temps plus tard, chez Colosseum puis Atomic Rooster, avant qu'il ne reprenne une carrière plus personnelle. Aujourd'hui sur la route et sur disque, il est flanqué du Norman Beaker Band, un combo drivé par le guitariste de Manchester, Mr Beaker. Le 21 juin dernier, il était à l'affiche de la fête de la Musique à Marcq En Baroeul ; et je dois confesser que sa prestation fut de loin la meilleure de la soirée. J'ai beaucoup apprécié les accents très Colosseum rendus par sa formation : au sax, Lenni pouvait rappeler Dick Heckstall-Smith, et aux claviers, Dave Baldwin évoluait dans un registre fort proche de Dave Greenslade. Il est vraiment dommage que sur ce nouvel album, cette sensation ne se reproduise pas. Chris est donc bien entouré de Beaker et ses musiciens : John Price à la basse et Paul Burgess aux drums. Même si Farlowe compose peu, son répertoire est très Farlowe. Il est même unique en son genre.
Il débute par "Trouble", une plage assez rythmée et électrique. Chris chante toujours avec la même puissance dans la voix. Ballade lente signée Frankie Miller, "Sending me angels" libère un maximum de douceur. Pour la circonstance, il a reçu le renfort vocal des Chanter Sisters, et du saxophone de Damian Hand. Le tempo reprend des couleurs pour l'excellent "A matter of time" de Bobby Mack. Les sœurs Irene et Doreen donnent toujours la réplique et Miller Anderson joue de l'harmonica. L'album défile ainsi dans le monde de Farlowe. Alignant régulièrement les ballades aux mélodies impeccables, cet opus parvient trop rarement à faire flasher les amateurs de blues. Exception qui confirme la règle : "Ain't no big deal". Une compo issue du répertoire de Little Milton exécutée dans la lignée de ses Thunderbirds de naguère. Du pur R&B, avec orgue et saxophones, sur un rythme inspiré par John Lee Hooker. La version du "Lonesome whistle" de Hank Williams épingle une nouvelle intervention intéressante d'Anderson à l'harmo. Miller Anderson était apparu à la fin des années 60, au cœur du british blues boom, comme chanteur/guitariste du Keef Hartley Band (ex-Bluesbreaker de Mayall). Plus tard, il a transité par le Savoy Brown (Boogie Brothers), puis le Chicken Shack, aux côtés de Stan Webb. Pour la circonstance, il a aussi amené sa guitare et se réserve le solo sur "As long as I can see the light" de John Fogerty et "Living it down" un rocker signé Delbert Mc Clinton. Chris et Van Morrison chantent en duo "Sitting on top of the world", une chanson issue de la plume de l'ex leader de Them. Le "Borderline" de Ry Cooder est un des meilleurs moments de l'opus. Un fragment chanté avec pour seul accompagnement la guitare de Miller Anderson. Cet album me laisse sur ma faim. Je lui préférais "Lonesome road". Un elpee live, paru en 1995. En outre, je n'ai jamais eu l'opportunité d'entendre son précédent opus, "Glory bound". Paru en l'an 2000, chez le même label Delicious, il bénéficiait notamment du concours de Mick Moody, Mick Green et de Paul Jones.
Suite au succès de " Danse Macabre ", The Faint ressort un vieil EP (25 minutes) d'avant la consécration. Au programme, déjà ces synthés éculés façon EBM, ces refrains entre Suicide et Front 242, ces poses de rockeurs ayant délaissé les guitares au profit d'une boîte à rythmes aux beats ultra-kitsch. C'est entraînant, parfois surprenant (" Cars Pass In Cold Blood " et ses explosions de riffs et de BPMs), mais on déplore un manque certain de maturité et de perfectionnisme, acquis deux ans plus tard avec ce " Danse Macabre " fier-à-bras mais totalement jouissif. Autant se jeter donc directement sur leur dernier opus, même si cette entreprise de réédition s'avère intéressante dans le cas où on souhaiterait creuser davantage le sillon de ces Américains au look (et au son) rétro-futuriste.
Alex Tepper et Phil Dockerty n'en sont pas à leurs premiers faits d'armes en matière de boum boum extatique : fondateurs du label Urban Heroes, DJ's et remixeurs hors pair, ils sont plongés depuis plusieurs années déjà dans le bain techno. D'où cet album, suite logique de tout leur travail d'électroniciens défoncés au poumtchak. Et ils aiment ça, le gros beat qui tue : sur les trois-quarts de ce disque, ça tape dur, de manière assez couillonne mais efficace. Parfois, on croirait entendre du Leftfield ou du Green Velvet (le single " Pride's Paranoia ", avec Slug du posse rap Atmosphere), mais en moins subtil, voire de l'hooligan house à la Audio Bullys (" Birdcage "). Rien de bien neuf en somme, mais en même temps, qu'est-ce que ça peut bien faire ? Cette tech-house est parfaite pour s'éclater sur le dance-floor, même si parfois ça frise le ridicule (les affreux " On My Mind " et " Satellite "). La techno de Futureshock n'a en tout cas rien de futuriste, et le choc qu'elle procure se limite à celui, carré, des gros BPMs martelés avec violence (" Sparc ", " Wide Open "). A n'écouter que dans une ambiance festive (un club, une soirée), sinon sans grand intérêt.
Nouvel album pour un des meilleurs guitaristes texans de la toute dernière génération. Entouré de ses Rockets, Anson arbore fièrement la bannière étoilée des Etats-Unis. Il nous demande innocemment où se trouve le Texas ? Première surprise, la mention ‘featuring Sam Myers’ n’apparaît pas sur les notes de la pochette. Pourtant, ce bon vieux Sam est bien présent, élégamment vêtu de son costume d’un blanc immaculé qui tranche bien avec la couleur ébène de sa peau. Au piano, on retrouve Gentleman John Street, alors que depuis la sortie du dernier album ("Change my pocket", en 1999), la section rythmique a été renouvelée. Elle implique aujourd’hui Wes Starr (ex Howlers) à la batterie et Johnny Bradley (ex-Crawl) à la basse. Une basse qu’il partage avec Eric Matthew Przygocki. Le line up est renforcé par les cuivres des Texas Horns, épinglant au premier rang, Mark Kazanoff.
Alliant toujours cette dose de dextérité, de sobriété et de modestie, "Can we get together" ouvre le feu de manière classique. Un blues bien rythmé, cuivré et parfaitement exécuté. Le son Funderburgh est imparable. Nouvelle surprise, "One woman I need" semble sortir tout droit d’un juke box de la fin des 50s. Anson le chante ; un phénomène assez rare pour le souligner ! La reprise du "Tryin’ to get back on my feet" de Sonny Boy Williamson trempe dans le Chicago blues classique. Sam Myers souffle bien dans son harmo pendant que John Street l’épaule au piano. La voix de Sam n’est jamais aussi bonne que sur une plage bien rythmée. A l’instar du "Rambling woman" de Johnny Walker. Anson joue impeccablement de la slide ; mais face à cette slide qui ronronne, Street brille au piano. Myers demeure remarquable dans le domaine du Chicago blues bien relax. Et tout particulièrement sur "Some sunny day", un fragment composé par Anson et sa compagne Renée. Memphis R&B instrumental, "Going my way?" opère un changement de registre. John Street a bien assimilé ce style derrière son orgue Hammond B3, alors qu’Anson est irréprochable dans le rôle de Steve Cropper. Le blues indolent de la Louisiane n’a pas été oublié. Façon Guitar Slim, pour être plus précis. C’est dans cet esprit qu’Anson a composé "The last time". Sam chante de sa voix la plus grave. Anson irradie de mille feux. John Street a joué en Floride pour le Rock Bottom and the Cutaways. Il y a sévi quelques années. Il demeure cependant toujours une révélation, même s’il a participé à la confection des deux précédents opus. Un musicien talentueux capable de rivaliser avec son leader. Et il le démontre tout au long du rythmé "Don’t turn this child away from heaven". Le piano y roule avec tellement de facilité. Cette sorte de rock’n’roll au ralenti est un des meilleurs moments de l’elpee. Et le piano continue à rouler pour passer à une séquence inspirée par la musique de la Nouvelle Orléans : "Hoodoo party" (de Tabby Thomas, l'homme de Baton Rouge). Sam y joue de l’harmo avec un engagement pas possible. Anson chante impeccablement le shuffle texan "Toss and turn". Signé BB King, "Jungle" est un blues lent exécuté à la perfection. Secondé par les cuivres et l’orgue Hammond, Sam chante comme il respire, pendant qu’Anson y concède un solo divin. Enfin, "Need to know" nous réserve un petit voyage dans le Delta. Ce brillant elpee s’achève en beauté, dans le rythme, autorisant une dernière et grandiose sortie de John Street.
Pour ceux qui ne le connaîtraient pas, Barry Goldberg est un musicien blanc. Originaire de Chicago, ce vétéran a trempé très tôt dans le blues. A l'aube des 60's, il a sévi au sein du backing group de Bob Dylan, tout comme son ami, le guitariste Mike Bloomfield. Il a ensuite fondé le Goldberg Miller Bues Band en compagnie du guitariste Steve Miller, avant de vivre l'aventure de l'Electric Flag avec Bloomfield et Nick Gravenites, puis du Barry Goldberg Reunion, avec un autre guitariste réputé, Harvey Mandel. Il a aussi commis trois albums solo, "Barry Goldberg", "Blowin' my mind" et "Two jews blues". A chaque fois, il a bénéficié du concours de l'harmoniciste Charlie Musselwhite. Par la suite, Goldberg s'est beaucoup moins montré en public ; se concentrant davantage sur la composition et surtout la production.. Il a ainsi produit des grands noms du blues comme Muddy Waters, Howlin' Wolf et John Lee Hooker ; mais également, Bob Dylan, Neil Young, Chuck Berry et Jimi Hendrix, parmi bien d'autres.
Bien que n'ayant jamais cessé de jouer au fin fond de la Californie, j'ai été assez surpris d'apprendre qu'il avait enregistré cet elpee. Un disque constitué de reprises des Rolling Stones, qui est paru sur le label texan Antone's. Mais dont les versions sont exclusivement instrumentales. Un choix judicieux, car je ne vois pas l'intérêt de se farcir les canons stoniens repris par une voix qui n'est pas celle de Mick Jagger. L'album a été produit par Carla Olson, une charmante chanteuse de country rock. Il est ici secondé par Denny Freeman aux guitares, Gregg Sutton à la basse et Don Heffington aux drums.
L'album s'ouvre par "Stoned", un très ancien thème instrumental développé par les Stones. Goldberg est au piano. Invités, John "Juke" Logan (à l'harmonica) et Ernie Watts (au saxophone) mettent le nez à la fenêtre. Une aventure qui se poursuit pour les solistes Juke Logan (toujours sur l'instrument chromatique) et Carla Olson à la guitare, tout au au long de la version originale de "Tumbling dice". Goldberg passe derrière son orgue Hammond B3 pour entamer "Jumpin' Jack Flash". Une version à peine reconnaissable ! Par contre, on distingue nettement la richesse du jeu rythmique de Freeman. Chez "Ventilator blues" la présence de Mick Taylor est facilement détectable. Sous sa forme instrumentale qu'entretiennent l'orgue Hammond et le sax de Tom Junior Morgan , "Heart of stone" se mue en slow crapuleux. Denny Freeman réalise de l'excellent travail aux cordes sur "Parachute woman", un blues extrait du célèbre "Beggar's banquet", bien sûr! Barry retourne au piano pour jouer "Let it bleed", un boogie woogie imparable caractérisé par la présence de Carla Olson aux cordes. L'ambiance de l'album est très cool, car les musiciens sont parvenus à éviter le piège des reprises trop conventionnelles. Ou si vous préférez, de reproduire les mélodies originelles à la lettre. Le style oscille régulièrement entre blues et jazz. Très blues, "Think I'm going mad" met en exergue Mick Taylor et Ernie Watts; "Good times, bad times", l'harmoniciste Juke Logan. Trempé dans le jazz, "Melody" vibre au son de l'improvisation du sax tenor d'Ernie Watts. Brillant comme toujours ! "As tears go by" est, bien entendu, empreint de douceur. Le jazz rencontre le rock sur "Some girls", scellant un duel entre le piano et le sax de Morgan. L'album s'achève par 30" d'"I can't get no satisfaction". Une adaptation difficile à identifier, je le concède. Mais ce n'est pas grave, car le piano semble sortir d'un honky tonk. Personnellement j'apprécie cette nouvelle approche du répertoire des Stones. A vous de juger ! Barry Goldberg dédicace cet album en souvenir de Brian Jones et du fameux pianiste des Stones, Nicky Hopkins.
"The friends of Rachel" célébrait, voici deux ans, la reformation des Go Betweens. Ou si vous préférez la réunion du poète pictural Robert Forster et du visionnaire romantique Grant Mc Lennan. Un come-back qui faisait suite à une longue séparation de douze années. Un période au cours de laquelle les deux artistes ont mené des expériences individuelles pas tellement concluantes, il faut le reconnaître. " Brigt yellow bright orange " constitue donc le 8ème album du groupe australien. Dont le line up est ici complété par Glenn Thompson aux drums et d'Adele Pickvance, collaboratrice de longue date, à la guitare. Sans oublier la participation d'une violoniste, d'une violoncelliste et d'un arrangeur de cordes. En l'occurrence David Chesworth, sur le fragile et élégant " In her diary ". Fragilité et élégance sont d'ailleurs les termes qui correspondent le mieux à la nature de cet opus. Une œuvre dont les compositions semi-acoustiques, pour la plupart 'up tempo', glissent comme des esquisses délicates sur la mélancolie d'une pop à la fois vibrante, paisible et ésotérique. Des compositions dont les lyrics spirituels, soignés, traduisent les réflexions des deux compères sur le comportement humain, le bonheur fugace et la solitude. Un bien bel album qui s'achève par le mélancolique et élégiaque, " Unfinished business ", une ballade tramée sur les accords d'un piano sonore.
Issue du New Brunswick, sur la façade atlantique, cette formation canadienne est née en 1994. Elle vient cependant de signer un contrat chez NothernBlues, le label si dynamique du pays des Grands Lacs. Ce quintette comptait déjà trois albums à son actif : "Glamour Puss Blues Band" (1997), "Blues du Jour" (1999) et "Electric & alive" (2001). Particularité : les cinq membres du groupe chantent. La majorité des compositions est signée par le claviériste Roger Cormier et le guitariste Travis Furlong.
Introduit par le saxophone de Don Rodgers et la guitare de Travis, "Kitty kitty" suinte le pur R&B funkysant. Roger Cormier chante d'une voix grave. Dès leur première sortie, les cordes de Travis démontrent déjà une valeur certaine, mais aussi l'élégance du jeu. Roger a également écrit "I don't know how to win your love" dans un même style dansant. Les cordes sont gouailleuses. Le sax de Don souligne bien le rythme. Travis se fait plus rocker sur un shuffle issu de sa plume : "Hollow man". Il chante lui aussi d'une voix assurée, puissante et un rien graveleuse. Constituée de Ron Dupuis aux drums et de Paul Boudreau à la basse, la section rythmique est parfaitement soudée. L'orgue Hammond de Roger Cormier s'autorise un solo. L'impulsion se fait plus rock encore pour "Don't you worry". Furlong semble hanté par le Cream. A cause du chant aux intonations empruntées à Jack Bruce, et des petites phrases de guitare que n'aurait pas boudées le Clapton de l'époque. Cette impression passéiste est accentuée par le jeu d'orgue de Cormier, pas éloigné d'un Jon Lord. "You're reach & I'm poor" marque un changement important et prend la direction du Sud, de la Louisiane pour être plus précis. Ici, c'est le zydeco qui s'installe. Le rythme est syncopé. Roger est passé au piano. Le saxophone se libère totalement au cœur de cette ambiance frénétique, pendant que Travis assure, de manière convaincante, sur un dobro acoustique. Les Glamour Puss se sentent bien chez eux dans les bayous. Roger a empoigné l'accordéon. Le violon et les guitares acoustiques se mêlent à la fête. "Wire & wood" est une superbe complainte acoustique très roots. Les échanges de guitares opérés entre les invités, Michael Jerome Browne et Charlie A'Court, sont réellement enthousiasmants et éclatants. Mais ces deux musiciens canadiens ne sont pas nés de la dernière pluie. Charlie n'a que 25 ans. Issu de Halifax, il jouit d'une solide réputation. Particulièrement prisé dans les milieux folk roots, Michael Jerome est un brillant multi-instrumentiste. Roger chante son "If you miss me". Un très beau blues lent, mélodique, souligné par les lignes pures de la guitare dont les notes sont dispensées avec tellement de parcimonie. Un très beau moment qui me rappelle le "I need your love so bad" de Ray Charles. La seule reprise de l'album est le "Boom boom" de John Lee Hooker. La version est bien nerveuse mais pas indispensable. On s'y attendait : "Dangereuse" est un bon blues rythmé, un blues des marais chanté en français. Le sax sort de sa coquille. La guitare travaille en réverbération contrôlée avant d'éclater dans un solo cinglant. Excellent ! "Six feet down" est un excellent boogie R&B, partagé entre sax, piano et guitares. "Million-air" est un autre blues lent, plus classique, proche d'un bon BB King. L'opus recèle deux plages instrumentales : le swing "Swingin' cin" et "Blues for Sheila", un fragment empreint d'émotion décontractée. En finale, le cajun "Mama connaît pas le zydeco" nous plonge dans la bonne humeur. Un morceau enrichi par le violon de Browne. Produit par Michael Jerome Browne, ce fort bon album ne démarre réellement qu'après les 4 premières plages. Il faut avouer que ce ne sont pas les plus excitantes.
Deux titres sur le nouveau single de Girls in Hawaii, dont le premier opus devrait sortir sous peu. Imaginez un peu Papas Fritas soumis aux accès de fièvre d'un Blonde Redhead ; c'est un peu l'impression que nous laisse la musique de cette formation dont les mélodies bien ficelées nous donnent, au bout de deux ou trois écoutes, l'envie de fredonner. Des mélodies pop ensoleillées par un zeste de flamenco, de surf, de rythmes latino, d'acoustique, d'électricité, de groove, et d'un je ne sais quoi qui les rend si attachants. Et " Short for a short mind ", le second fragment, est de la même veine. On attend l'album avec impatience.
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