En alignant des productions dignes d'intérêt depuis plus d'une année on peut affirmer que le label canadien Northern Blues Music nous gâte ; mais également nous permet de découvrir des artistes tels qu’Harry Manx ou Otis Taylor. La Cité de Toronto a, paraît-il, toujours été riche de voix chaleureuses. Au sein des églises baptistes. Des voix destinées à louer les grâces du Seigneur. En moins d'une minute, la très courte plage d'ouverture nous fait découvrir le timbre chaud et impérial de Hiram Joseph. Mais attention, cet opus n'est pas exclusivement consacré aux chants gospels tapissé sur fond musical uniforme.
"Still standing tall" s'ouvre par les accents d'une guitare électrique bien amplifiée (NDR : celle de Bob Yemons), avant d'introduire une voix d'envergure (NDR : celle de Danny Brooks, un bluesman canadien notoire). Soutenu par des chœurs puissants ainsi que l'orgue Hammond et le piano de Michael Fonfara, Hiram Joseph revient chanter la bien jolie ballade "A place called hope". La délicieuse Amoy Levy chante "24/7/365". Inspirée, paraît-il, par le "Jesus on the mainline" de Ry Cooder, cette plage bien rythmée aurait pu, tout simplement, relever du répertoire des Stones ou de Rod Stewart. "The promise" est un chant qui semble sortir tout droit du temple. Danny Brooks chante avec force et vigueur "Righteous highway". Un blues très Delta balayé par la guitare et l'harmo. La version du "People get ready" de Curtis Mayfield est majestueuse. Hiram la chante au beau milieu de chœurs profonds. Impressionnant, c'est le moins qu'on puisse dire ! John Finley était le leader de Jon & Lee and the Checkmates. Il est lui aussi doté d'un organe bien posé. Il chante seul "A change is gonna come" de Sam Cooke, face à l'orgue et le piano de Fonfara. Le titre maître est une composition rythmée cosignée par Bob Dylan et Tim Drummond. Tim y participe ici à la basse. Très agréable, cet opus s'achève par une reprise de "Down by the riverside" et du célébrissime "We shall overcome" de Bob Seeger. Toutes les voix sont alors réunies.
Pas facile de rendre justice à ce premier effort. Marqueté sur la réputation de Kid Dynamite, band reconnu vers les 2000 dans la région de Philadelphie, None More Black ne peut concrètement se targuer de précipiter les foules en nos contrées. A moins qu'une tournée organisée par le posse Fat Wreck ne se charge de créer cet engouement. Produit par une autre sommité "locale" (Nick Rotundo de Railhead et Walleye sur Jade Tree), "File under black" risque de sombrer dans un certain anonymat et, au contraire de Frenzal Rhomb, ne propose rien de bien original dans ce goulot qu'est le punk rock. Epinglons quand même l'un ou l'autre fragment, qui relève soit du plagiat soit de la volonté d'avoir le vent en poupe (un brin Hives). En l'occurrence "Bizzaro Me", "Ice Cream With the Enemy" et "Zero Tolerance Drum Policy". Pour les 11 autres morceaux, laissez tomber, vous les possédez déjà ailleurs.
La division hip hop de Warp nous propose un retour au deuxième âge d'or du rap (NDR : le début des années 90) par l'intermédiaire de la première plaque des Non-Prophets. Le Mc Sage Francis, grand gaillard végétalien et écolo au look de bûcheron s'est illustré début 2003 par son " Personal Journals ", sombre opus solo sorti chez Anticon, le label branché chez les rockeurs à la page. Le propos est ici plus léger, puisque le bûcheron au grand cœur s'est acoquiné avec le dj Joe Beats pour un retour au hip hop qu'ils ont aimé dans leur jeune temps. Les efficaces compos de Joe rappellent les beats mélodieux entendus dans le passé chez De La Soul, Cypress Hill, A Tribe Called Quest ou encore Dj Shadow, un peu plus tard dans la décennie des nineties. Ce disque est d'ailleurs à l'opposé de ce qui se fait aujourd'hui dans le rap mainstream. Ce dernier semble d'ailleurs remonter plus loin encore, en puisant son inspiration directement au début des années 80, quand le mouvement naissant était fortement teinté d'électro. Bien que peu original, " Hope " n'en est pas moins un agréable album qui se laisse écouter sans peine. Ce qui s'explique essentiellement par la qualité musicale des morceaux. Par contre, le flow énergique de Sage Francis se révèle lassant sur la longueur et les lyrics qui louangent le rap d'antan le font souvent apparaître comme un grincheux passéiste.
Constitué de 4 titres, cet EP a été envoyé en éclaireur à la sortie imminente de "The war of errorism". "Regaining uncousciousness" se contente d'aligner 3 compos qui se retrouveront sur l'album précédemment cité et un tout petit inédit au titre pertinent, "Hardcore 84". L'influence exercée par NOFX, sur la scène punk rock actuelle et passée, est indéniable. Avoir été formé en 1983 n'y est sûrement pas étranger. Le groupe se hisse donc aujourd'hui tout doucement au rang de dinosaure, à la limite fossilisé (jusqu'au line up, inchangé depuis 1991). La tête pensante du band et du label, Fat Mike, poursuit donc son chemin. A l'heure actuelle, pour qui veut rentrer dans la galaxie punk-rock, NOFX demeure une valeur sûre, mais son capital sympathie commence à diminuer et à s'essouffler pour les fans de la première heure. Qu'importe, le renouvellement de la "base" permettra toujours au groupe de subsister. Qu'annonce cet EP ? Rien musicalement. Et pas davantage au niveau de l'engagement politique. Passé le coup d'œil sur les visuels et son humour bon enfant, quelques jeux de mots qui font sourire ("Medio-core"), la plaque est rangée (quel laid mot). En attendant qu'un paléontologue le retrouve par hasard ?
Les champs verdoyants du fin fond de l'Amérique profonde. Des oiseaux chantent. La biche broute l'herbe soyeuse. Sur une colline surplombant les terres en jachère de l'Indiana, un homme, ex-fermier, chante et joue de la guitare. Ses amis l'appellent Noahjohn. Pour l'aider dans sa quête du son clair comme de l'eau de roche, quatre amis, eux aussi élevés au lait battu et au travail agricole. A cinq, ils tentent de mettre en musique l'étendue sauvage qui s'étend devant eux, à perte de vue. Comme Songs : Ohia, Dirty Three, Neutral Milk Hotel et Radar Brothers, ils excellent dans la complainte paysagiste, à peine illuminée par quelques éclairs de chaleur. De l'Americana pour cow-boys solitaires, du slowcore pour paysans grabataires. Carl Johns, le type qui chante, n'a cure des styles à la mode qu'il entend sur sa vieille radio portable. Seul avec la nature, il fait corps avec elle. La scie de son atelier lui sert même comme instrument de musique (" Saw Right "). Du violon s'en mêle aussi, parfois, pour rajouter du pathos (" Rabbit is Asleep ", " Two Members "). Sans doute que notre garçon n'a pas toujours eu la vie facile, sinon comment expliquer cette lenteur automnale qui frappe cet album, jusqu'à scléroser toute tentative d'espoir ? Sur " On East Whistlin' ", Johns siffle, mais pour conjurer le mauvais sort ou se faire croire qu'il n'est pas tout seul. Ses " hymnes aquatiques " cachent un fond trouble et dangereux. Sous la vase, la vie est à l'arrêt. C'est le noir complet. N'y perce que le silence.
Au sein de ce quintet mancunien militent trois guitaristes. Ce qui devrait vous donner une petite idée de l'intensité électrique dispensée par leur musique. Et tout au long de cet " Effloresce ", leur premier opus, ils ne se privent pas de la prodiguer. Au sein d'un espace sonore tour à tour atmosphérique, tempétueux, noisy, menaçant, énigmatique, psychédélique, hantant, majestueux, complexe (NDR : et la liste n'est pas exhaustive !) qui rappelle tantôt King Crimson, My Bloody Valentine ou Sigùr Rós. En outre, la formation peut compter sur une section rythmique particulièrement solide et un chanteur (Mike Vennart) dont le timbre affiche une grande versatilité. Ce qui permet d'accentuer encore davantage les fluctuations des mélodies. Peu ou même pas de temps mort sur ce disque, mis en forme par Chris Sheldaw (Foo Fighters, Into Paradise), qui dépasse allègrement les 75 minutes, chaque composition évoluant au gré de son humeur, mais au cœur d'une entité métaphysique. Un peu comme si nous étions en présence d'un concept album, si vous préférez. L'elpee recèle, en outre, trois instrumentaux, l'étrange " Unravel ", un fragment impressionniste impliquant un sample de " Gaspard de la Nuit " de Ravel, un final élégiaque à la mélancolie balayée de cordes, et puis deux plages (" Massive bereavement " et " You wish "), dont les flambées de métal sont aussi meurtrières que chez Fugazi. Une fleur venimeuse et exotique vient d'éclore. Mais il vous faudra beaucoup de patience avant que vous ne parveniez à l'apprivoiser…
Le dernier album de Beth Orton, " Daybreaker ", réconciliait pour de bon folk et électro, deux genres a priori trop différents pour s'entendre et partager les mêmes envies. En commettant cette compile de remixes, de live et d'inédits, l'Anglaise enfonce le clou et scelle une fois pour toutes l'union soi-disant contre nature. Les relectures de Four Tet, à cet égard, sont éloquentes : spécialiste dans les mariages des sonorités acoustiques et des bleeps asthmatiques, Kieran Hebden transforme " Daybreaker " et " Carmella " en longues incantations magiques, libérées de tous les carcans qui les rattachaient encore trop à la terre ferme. La voix d'Orton elle aussi en apesanteur, c'est avec des étoiles dans les oreilles qu'on sifflote ces jolies mélodies, en espérant que les deux tourtereaux ne s'arrêtent pas à cet exercice de remix et passe en troisième. Justement, " Beautiful World ", l'un des inédits de cette compile, s'avère produit, mixé et enregistré par… Kieran Hebden ! Ces deux-là étaient bel et bien faits pour s'entendre. Les deux autres inédits, " Ali's Waltz " et " Bobby Gentry ", valent aussi leur pesant d'écoutes émerveillées : la douceur du premier (en gros : une voix, une guitare) et l'enrobage du deuxième (des cordes juteuses) laissent présager un nouvel album de bien belle tenue. Le reste (des chouettes remixes du rappeur Roots Manuva et de Two Lone Swordsmen, un live acoustique et une version dépouillée de " Ooh Child ") s'avère du même tonneau. Chez Beth Orton, les fonds de tiroir ne sentent pas la naphtaline.
Chanteur/guitariste, Rob Orlemans drive le Half Past Midnight, un trio de blues/rock traditionnel. Tout au long de cet opus, immortalisé 'live' dans un studio ( !?!?) de Chicago (NDR : la Cité du Blues !), la guitare occupe le devant de la scène.
Malmenée dès l'attaque du "Going down" de Don Nix, elle ne fait pas dans la dentelle. Les pédales trafiquent le son. Piet Tromp à la basse et Yuri Yeryomin aux drums suivent leur leader à la trace. Orlemans chante d'une voix assez féroce. Il emprunte quelque peu les inflexions de son compatriote Peter Kemp (NDR : le leader du meilleur blues band zélandais : les Juke Joints). Il défie "Love me", mais laisse rapidement ses cordes disserter. Une six cordes qui se fait volontiers aventureuse, un peu comme lorsque le british blues s'était progressivement mué en hard rock. Boogie, "Give that thang to me" est assailli sans ménagement. Echafaudé par un excellent riff corrosif, "Indian machine" me fait furieusement penser à ACDC. Hormis la forme vocale qui ne possède aucune affinité avec le métal hurlant. Au cours de son solo, le guitariste se démène sur ses pédales. Suivant une technique qui me rappelle, à nouveau, le début des 70's. Pour varier le répertoire, Rob a invité sur scène le guitariste noir Jake Dawson (de Willie Kent & his Gents). Un musicien du coin qui en profite, au passage, pour chanter "Got my mojo working". Jake joue une guitare aux accents acerbes, mais dans un registre incontestablement plus blues que celui de notre valeureux Batave. Il saisit l'occasion pour négocier quelques joutes bien amicales. Dawson est toujours au poste, mais cède le micro au chanteur noir, Tommy McCracken, pour un interpréter le long blues lent et largement électrique "How blue can you get". Sur ce titre, la partie de guitare libère une intensité certaine. Les deux solistes assurent à tour de rôle le rôle de la rythmique. Orlemans revient à la formule trio pour dispenser son répertoire. Shuffle plutôt bien accompli, "The devil told me" se révèle largement supérieur à la première partie de l'album! Le riff de Bo Diddley s'impose sur "Strange things". Désormais, la machine de guerre est parfaitement huilée. Rob emprunte un solo hispanisant mais divertissant. Notre trio verse dans un boogie furieux, proche de Rory Gallagher, pour aborder "Buzzin' King bee", une compo inspirée par le célèbre titre de Slim Harpo. Un bon boogie, je ne le cache pas. La fin d'album bénéficie du concours de quelques invités. Michael Beck au chant sur "The Harley song". John Kattke à l'orgue hammond B3 chez "Mean green", un blues lent empreint d'une énorme intensité dramatique. Et pour conclure, Jake Dawson revient avec sa guitare pour se tailler le riff archi connu de "Hoochie Coochie man". "Live in Chicago" est un bon album de rockin' blues ; dommage qu'il débute de manière aussi tiède.
Avec sa naturelle évolution mélodico-progressive, Opeth constitue dorénavant la référence absolue en matière de death metal soigné. Les fans attendaient beaucoup de ce nouvel album. Avec "Deliverance", leurs espérances sont dépassées. Impossible de saisir toutes les subtilités de cette plaque après une simple écoute. Ici, tout est en finesse, en harmonie, en souplesse, à l'image d'une oeuvre de Porcupine Tree, dont le leader Steven Wilson, fan et ami du groupe, signe la production avec dextérité. De mémoire de chroniqueur, il s'agit là d'un cas unique en termes de fusion metal extrême et rock prog. Magique, diront certains, miraculeux affirmeront d'autres ! Opeth ne se contente pas de trouver un bon riff et de le répéter incessamment ; non, sept à huit thèmes différents peuvent se retrouver sur une même chanson. Les voix, claires ou death, la subtilité des percussions, les lignes de basse fluides, les parties acoustiques donnent à l'ensemble de l'œuvre à la fois une impression d'agressivité intense et d'une très grande sensibilité musicale, presque classique sur certaines compositions. La mélancolie demeure la marque de fabrique d'Opeth, mais sa grande inventivité permet d'établir un lien avec la démarche d'un King Crimson ou d'un Led Zeppelin période "Physical Graffiti". A l'instar de ces derniers, Opeth marquera plusieurs générations de fans de heavy et de rock. Une valeur sûre qui sera vraisemblablement reconnue par le grand public quand les mots death et black s'immisceront insidieusement, à l'image du grunge et du gothique, dans le vocabulaire des pontes de l'industrie musicale. Le plus tard possible, je l'espère !
Attention: OVNI habité! Hyperactif claustrophobe du monde Prog, Steve Wilson s'est trouvé des complices pour assouvir sa soif d'exploration. Choix à priori insolite, il a décidé de produire un groupe suédois adepte des chants caverneux et gutturaux, baston et autres guitares infernales chères au Death-Métal. Un univers bien éloigné de Porcupine Tree. Avec cet opus, toutefois, c'est bien de Prog qu'il s'agit. Et du meilleur crû, mon bon monsieur! La première plage déroutera complètement les fans du groupe: boucles entêtées de guitare électrique pour une courte intro façon 'Canterbury', guitare sèche en rythmique et couple basse/batterie discret mais solide et travailleur. La très belle voix de Mikael Akerfeldt et un mellotron (Si ! Si !) complètent rapidement une séquence d'inspiration, ma foi, très 'camélienne'. Quant à la seconde plage, elle nous ballade sur les traces du Floyd et à l'ombre des Moody Blues. Simplement magnifique ! Après un troisième morceau dominé par la guitare sèche et la voix, 'Closure' opère un développement orientalisant très réussi mais 'accore'. La plage suivante est du Porcupine Tree tout craché. Tout comme 'Is rid the Disease', aux discrets relents de Procol Harum. Après un (superbe) instrumental bien trop court, 'Weakness' clôture les festivités tout en retenue mélancolique et dépouillée. Les compositions séduisent par leur subtilité et leur limpidité. La voix de Mikael Akerfeldt est sensuelle et son jeu de guitare fort sensible doit beaucoup à Andrew Latimer. Wilson accomplit un travail remarquable à la production, restituant notamment cette beauté frissonnante typiquement scandinave. On ne peut enfin qu'admirer Opeth pour ce CD brillant et cohérent, à mille lieues de son registre habituel (NDR : sauf pour le pessimisme du propos). Une des réussites les plus inattendues de l'année!
La power-pop bubblegum semble un peu à la traîne depuis la mort prématurée des New Radicals et la disparition inquiétante des Fountains of Wayne. Heureusement, il reste encore d'irréductibles joyeux lurons pour mettre un peu de sucre et de soleil dans notre paysage musical, aujourd'hui sous la coupe (iroquoise) des punks de tous bords. Du nu-métal au nu-garage, en passant par l'elektroklash (nu-wave ?). Pas de guitares vitupératrices ni de moue de sales gosses chez les Chicagolais d'OK Go : juste des sourires Tonigencil et des mélodies sans frime, pas bégueules pour un sou. Damian Kulash fait partie de ces types qui se la coulent douce sous les parasols de la pop la plus estivale, des Cars aux Papas Fritas. Confortablement installés dans les transats d'à côté, ses potes Tim, Dan et Andy sirotent tranquillement leur cocktail, à base de beats mimis, de basse sexy (" There's a fire ", proche du " Breaking The Girl " des RHCP) et de synthés hippies. Parfois, OK Go troque ses chemises à fleur contre un costume trois pièces, le temps d'un slow de surboum avec chœurs et solo à la Eagles (" Shortly before the end "). Mais c'est surtout quand nos quatre zozos s'amusent à jouer les juke-boxes de bar-pool qu'on en redemande, à l'instar de ces " Get Over It ", " What To Do " et " 1000 Miles Per Hour " insatiables, parfaits condensés de nos plus belles vacances. OK Go, c'est comme l'été indien. Mais plutôt Beach Boys que Joe Dassin.
Il paraît que le psychédélisme est mort. Enfin, c'est ce que déclarent certains musiciens. Donc, of Montreal n'existe pas et n'a pas commis une dizaine d'albums. Ni participé à la confection d'une volée de projets compilateurs. Et bien non, le psychédélisme est toujours bien vivant. Parfois sous une forme hybride, parfois revivaliste, parfois encore électronique ; mais en général, il végète au sein de l'univers underground. of Montreal, c'est avant tout le chanteur/guitariste/compositeur Kevin Barnes. Et son groupe, un projet à géométrie variable dont les multiples changements de line up ont été accélérés, lorsque Kevin a décidé de déménager à Athens, en Georgie. " If he is protecting our nation … .who is protecting big oil, our children " n'est pas un nouvel elpee, mais un recueil de covers (dont le " Friends of mine " des Zombies), de flip sides, de raretés, d'inédits et de fragments qui, jusqu'à présent, n'avaient été gravés que sur des compilations consacrées à différents groupes ou artistes. Fruit de multiples influences (sixties, prog, folk, électriques et électroniques), le psychédélisme d'of Montreal se révèle particulièrement surprenant. Parfois on pense à Syd Barrett, aux Beatles circa " Magical Mystery Tour ", à Gorky's Zygotic Mynci, à Super Furry Animals ou encore aux Beach Boys millésimés " Pet Sounds ". D'autant plus que les mélodies sinusoïdales, vertigineuses, reposent sur des harmonies vocales aussi limpides que sucrées. Mais le tout est éclaboussé de vaudeville, de prog (Gentle Giant ? Le Genesis sous l'emprise de l'Archange Gabriel ?), de rock indie, d'humour sombre et de lyrics politiques. Sur cette compile, of Montreal nous réserve également quelques moments d'égarements contrôlés. A l'instar du cabaret " Head pops up like a periscope ", d'un pastiche d'"Always Look on the Bright Side of Life " des Monty Python épinglé à travers " There is nothing wrong with hating rock critics ", d'une chanson consacrée à Chan Marshall, la chanteuse de Cat Power (" Inside a room full of treasures a black pygmy horse's "), et d'un ragtime intitulé " Mapple licorice ". Etonnant !
Malgré ce nom de scène qui sonne de manière nonchalante, Emily Soler (basse), Eric Cihigoyenetche (chant, guitare) et Laurent Mounier (batterie) n'ont rien de ces musiciens qui se la coulent douce en attendant qu'on leur tresse une couronne : sans doute qu'ils jouent depuis longtemps déjà, vu la dextérité à laquelle ils s'emploient pour trousser de belles mélodies qui trottent dans la tête. C'est groovy, emballant, comme un bon vieux Talking Heads ou du Morphine sans les cuivres. Honneur à madame, qui tripote sa basse avec délicatesse, comme une caresse. Rien à voir donc avec ces groupes de bal musette qui reprennent " Smoke on the Water " pour faire plaisir aux quinquagénaires… N'empêche que les kermesses, ça a du bon : on mange du boudin à l'œil, avec de la bière de chez Colruyt. Parfois, deux-trois couples pas trop bourrés tentent d'applaudir : ça donne du cœur à l'ouvrage, et l'on se dit qu'on y est presque, que bientôt cette odeur de cochon imprégnée au costume ne sera plus qu'un mauvais souvenir, comme ces galères pour trouver une sono potable dans ces trous perdus du Nord de la France, où putain on se les gèle, surtout dans un van pourri sans radio, qui cale toutes les 50 bornes et pue le kérosène. Tout ça pour dire que les People On Holiday y sont presque : ne leur manque plus qu'un label, et un concepteur graphique (la pochette, pas terrible). Un coiffeur aussi, peut-être. Enfin bon, c'est juste un conseil ! Les goûts et les couleurs, savez-vous…
Sur la pochette, Peaches porte une barbe postiche. Queer. Ce qui plaît chez la Canadienne, c'est la transgression : dans ses textes (elle nous parle de cul), dans sa musique (ni du rock, ni de l'électro). Peaches est une artiste bâtarde qui se fout bien du " politically correct ", rejoignant là les Riot Grrrls, les performers-bruitistes SM et tous ces malades de l'underground qui envisagent l'art comme un défouloir dégueulasse à toutes leurs obsessions inavouables. Peaches, donc, s'en fout. C'est ce qu'elle crie sur le titre d'ouverture, en samplant bêtement " Bad Reputation " de Joan Jett. Elle porte une barbe, montre sa culotte et déclare " aimer les garçons et les filles " (" I U She "). Le sexe, donc. Toute une histoire. Un coup de queue par-ci, un coup de loche par-là (" Shake Your Dix "). Même Iggy Pop, invité sur " Kick It ", a l'air d'être impressionné par cette femme au tempérament, euh, affirmé. Sur son dernier album, il lui rend la pareille en reprenant " Rock Show ". Mais Peaches s'en fout : des types comme lui, elle en mange 5 au petit déjeuner. Puis au dîner, elle se tape quelques meufs, et puis qui sait si elles ont de gros zizis ou vice-versa. Paraît qu'on étudie Peaches à l'université de Toronto, dans la grille des programmes sur les tendances Queer : à l'entendre crier trois mots par chanson, on se dit que le cours doit être bouclé en une demi-heure. " Fuck, shit, fuck, shit " : avant Peaches, il y avait d'ailleurs un groupe no-wave, The Shit. Tout se tient. C'est vrai que Peaches marque son époque. Déjà son premier album, " The Teaches of Peaches " (et elle nous en apprend, des choses !), marquait un peu le début de l'électro eighties revival, avant Le Tigre, avant Chicks on Speed, avant Miss Kittin, avant tous ces Gigolos du label de DJ Hell. La musique : des riffs de guitare hard rock samplés, des beats minimalistes (sa bécane : le Roland Groovebox MC505), des drums squelettiques. Parfois, un piano (les notes martelées de " Back It Up, Boys "). Pas grand chose d'autre. Voilà tout l'art de la suggestion. A l'instar de sa musique, dépouillée (mais pas vierge), Peaches se dénude volontiers, parce qu'elle n'a rien à cacher. Et on l'écoute bouche bée, sans jamais vraiment comprendre, mais avec la certitude qu'elle est loin d'être conne. On y revient toujours, à ces histoires de con(s)… Le sexe, mes amis, est le ferment de notre monde décadent. Et Peaches son ambassadrice la plus téméraire. Qu'elle aille donc se faire foutre, puisque tel est son désir. Nous, on est prêt à lui rendre ce petit service. En attendant, on écoutera son disque. Fuck, Shit, Fuck, Shit, Fuck, Shit, Fuck, Shit.
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