Installé depuis peu à Bruxelles (pour nos lecteurs américains, la capitale belge), Torpid devrait assurément écumer les salles, dans un futur proche, tant nous voyons mal comment résister à leur poprock. Régulier dans leur production (troisième album depuis 1999), ce trio originellement basé au Luxembourg (pour nos lecteurs américains, heu....) traîne une multitude d’influences derrière lui. N’ayant pas eu le loisir d’écouter (NDR : ni d’entendre) leurs précédentes galettes, et après avoir pris le soin de consulter quelques reviews à droite et à gauche, il apparaît que le son du groupe s’oriente dorénavant vers un mélange rock/électro à défaut d’explosion noise plus marquée que par le passé. Intéressant dans le principe, le procédé s’avère hélas ennuyeux sur la longueur. Le décrochage auditif survenant sans crier gare. Comme si les morceaux étaient artificiellement gonflés. Dommage ! Du reste, les parties purement rock mêlent efficacement tension et mélodies, alchimie souvent réussie en son temps par Pavement. L’aspect plus expérimental et la variété des styles me font par contre penser à ce génialissime groupe sous estimé et inconnu de tous, les Thinking Fellers Union Local 282. Mais là, je ne vous apprends rien.
Ce Canadien est né à Toronto. En 1954, très exactement. Inspiré, dans sa jeunesse, par Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jeff Beck et Jimmy Page, il roule sa bosse sur les pistes du hard rockin' blues, depuis bien longtemps. A l'âge de 20 ans, il se fixe à Londres. Il y enregistre un premier elpee. Eponyme, il ne sort qu'en 1976. Il embraie par "Makin' magic" en 77, puis par "Putting it straight", avant de retraverser l'Atlantique devant la vague punk qui envahit l'Angleterre. Il fonde un nouveau band en compagnie d'un second guitariste : Pat Thrall. Sous cette formule, il aligne quelques albums, dont plusieurs live : "Go for what you know" en 79 (son premier !), "Boom Boom Live at the Diamond Club" en 90, et "BBC Live in Concert" en 92. En 1993, il signe chez Blues Bureau. Un label américain pour lequel, il va multiplier les opus dans son style rockin' blues bien dur. Paru la même année, "Blues tracks" ouvrira la voie à sept autres albums, dont "Don't feed the alligators", en 2000.
Il nous revient flanqué d'une solide section rythmique : Gunter Nezhoda à la basse et le vieil Aynsley Dunbar (NDR : cet ex Bluesbreaker à sévi chez John Mayall, il y a fort longtemps), à la batterie. Pour votre information, sachez qu'en tourné, le line up du groupe est totalement différent, puisqu'il implique Rick Navarro à la basse et Eric Frates aux drums. "PT. Power Trio" est, en fait, consacré à des titres popularisés par d'autres musiciens au cours des années 60 et 70. Dix plages en tout. Si certaines méritent le détour, d'autres sont à verser dans le chapitre du hard rock.
Le disque débute plutôt difficilement pour les oreilles bluesy. Et pour cause la version de " Tramp " manifeste une forte propension pour le hard rock. Mais elle n'est cependant pas signée Lowell Fulsom, mais par le trio anglais du début des 70s : Stray Dog. Pat s'attaque alors à "White room" : un des meilleurs titres du Cream de la grande époque. Curieusement, il y chante comme Jack Bruce et joue de la guitare à la manière de Clapton. Curieux disais-je! Il concède alors quelques reprises sans grand intérêt ; à l'instar du "Day of the eagle" de Robin Trower (NDR : cet ersatz de Jimi Hendrix fut, à une certaine époque, membre de Procol Harum), d'"Inside looking out" des Animals, mais dans la version du Grand Funk Railroad, "Free man" de Pointblank et "Nasty dogs and funky kings" de ZZ Top. Heureusement, il nous réserve également quelques covers réussies. Et je pense tout d'abord à "Dreams of milk and honey" de Mountain. Surtout pour son aptitude à recréer la manière de chanter et à reproduire le jeu de guitare. Au "Fire and water" de Free. Excellent, je l'avoue! Au "Young man blues" de Mose Allison, dans la version des Who circa "Live at Leeds" et au "Highway 61 revisited" de Dylan, version Johnny Winter. Exclusivement pour les fans de rockin' blues façon 70's.
Au voleur ! On a piqué les guitares électriques de Travis. J'exagère, mais c'est le sentiment que l'écoute de ce " 12 memories " m'a laissé. En fait, hormis pour le chatoyant " The beautiful occupation ", fragment qui aurait pu célébrer une hypothétique rencontre entre les Nits et les Beatles (NDR : écoutez ces voix et ces contre voix !) et le cinglant, vivifiant " Hapy to hang around ", l'électricité a été reléguée au second plan. Résultat des courses, nonobstant un sens de la mélodie absolument intact, on est rapidement envahi par une sensation d'indolence. A la limite de la somnolence. Pourtant, chez " Quicksand ", " Re offender ", " Mid-life Krysis ", voire " Love will come through ", qui semble être tombé des sessions de " The Invisible Band ", la magie émotionnelle opère encore ses charmes. Mais c'est nettement insuffisant pour un groupe de la valeur de Travis. Et si à leur décharge, cet album a été concocté dans des circonstances un peu particulières (NDR : victime d'un stupide accident en plongeant dans une piscine, le drummer en a profité pour effectuer sa rééducation lors des sessions d'enregistrement), il faut reconnaître que Travis nous doit une revanche…
Sous-titré " The Insect Project ", ce double CD a de quoi donner le bourdon : imaginez plus d'une heure de musique expérimentale construite à partir de samples de bruits d'insectes. A moins d'être un fan d'apiculture ou de Bernard Werber, difficile de supporter pendant plus d'une heure ces attaques vrombissantes de sauterelles et de mouches. Le salon transformé en terrain de combat pour insectes géants dignes de films de série B, l'auditeur n'aura plus qu'à se réfugier sous son divan, de peur d'être mangé tout cru par une horde de monstres à mandibules… 'These sound pieces are designed to align the listener with insect consciousness'. Beuark ! A noter que les deux CD's peuvent être joués simultanément et/ou à différentes vitesses, de quoi se faire des soirées de démente entre amis à jouer aux entomologistes. " The only limits are the limits of your imagination and effort " : merci les Neurosis pour cette belle leçon de biologie. Et faites la mouche, pas la guêpe !
Originaire du New Jersey, Walter Trout est âgé de 52 ans ; et il faut reconnaître qu'il possède déjà un beau pedigree. Fin des 70's il sévissait au sein du backing band de John Lee Hooker. Il est alors remarqué par les membres de Canned Heat qui l'invitent après le décès de Bob ‘The Bear’ Hite. Il passe ensuite quelques années chez les Blues Breakers de John Mayall. Il y cohabite alors en compagnie de Coco Montoya. Depuis la fin des années 80, il mène une carrière personnelle. Avec un certain succès, il faut le reconnaître. Pourtant, la vie de Walter n'a pas été un long fleuve tranquille. Accro aux drogues dures pendant les années septante, il a traîné une réputation d'alcoolo dans les 80s. Mais depuis quinze bonnes années, suite aux conseils prodigués par Carlos Santana, il ne touche plus ni à la drogue ni à l'alcool. Walter signe ici son quatrième album européen pour le label Ruf. Un elpee un peu particulier, puisque les 14 nouvelles chansons qu'il a écrites ont été immortalisées 'live', le 14 mai dernier au célèbre Paradiso d'Amsterdam. Le style de cet artiste prolifique est sculpté dans le hard rockin' blues. Un registre qui lui permet d'étaler ses prouesses sur les cordes.
Il ouvre l'opus par "I'm tired". Le rythme est modéré. Tous les ingrédients sont bien en place. La section rythmique est taillée dans le rock : Jimmy Trapp à la basse, Joey Parfumi (NDR : il milite au sein du backing group depuis avril 2002) à la batterie, et Sammy Avila à l'orgue Hammond. Il aborde "The life I chose" sur le même tempo. Il y raconte sa vie de tous les jours, les rencontres qu'il a effectuées au détour du chemin, à l'hôtel, sur la route, dans les clubs. La vie qu'il a choisie, quoi! Introduite à la guitare acoustique, "Jericho road" est une ballade lente. Même son solo est unplugged. Sa voix colle parfaitement à ce type de plages, mais ce n'est pas du blues. La douceur persiste sur deux autres plages : "Cry if you want to" et "Lonely tonight". "Talk to ya" hausse enfin le tempo. Les vibrations sont bonnes. L'orgue d'Avila sort de sa réserve. Ce musicien apporte des couleurs au guitariste. A l'instar de "Helpin' hand", caractérisé par son seul riff, de "Collingswood" et de l'unique véritable blues lent empreint d'une l'intensité dramatique, "My heart is true". Parfois, il a une pensée émue pour Jimi Hendrix et s'en inspire. A l'instar de "Chatroom girl". En fin de parcours, toute l'équipe est chauffée et à blanc et s'aventure, tout au long de "The best you got" et "Mercy", dans de longs breaks instrumentaux. Un album destiné à un public rock attiré par les accents du blues.
Cd bourré jusqu'à la gueule que voici... Pour les curieux exhaustifs, http://www.geocities.com/cdmunter/truman/trumansdisco.html#ourscars et vous voilà face à la discographie complète de Trumans Water. Et là, prenez la peine de consacrer une heure pour tout passer en revue. Un rapide calcul, et ce n'est pas moins de 25 références d'albums, de 7", d'eps et je ne compte pas les titres perdus ça et là sur d'obscures compiles. Autrement dit, Trumans Water ne chôme pas depuis 1992.... Hé oui, tout ça en un peu plus de 10 ans. C'est pas le rythme d'un Polnareff, hein !… Pour ceux qui ne connaîtraient pas le groupe, petit historique : formé en 1991 à San Diego (de La Véga...), Trumans Water aurait pu devenir un égal de Pavement si leur musique avait été un brin plus poppy. Mais voilà, en présence de 2 guitares, le son et les mélodies tombent dans une noise métallique et syncopée, collant plus particulièrement à l'underground qu'aux spotlights des tropiques. Le train "grungy" du début des années 90' les cantonne à l'estime des fanzines et autres mélomanes des réseaux alternatifs. Enchaînant tournées sur tournées, aux côtés de Jesus Lizard, Beck, Babes In Toyland, Polvo ou Guided By Voices, le groupe délivre à chaque fois sur scène une énergie et une intensité incomparables. Ca saute à en toucher le plafond, ça bouge dans tous les sens. Un set visuellement ininterrompu, musicalement épuisant. La grande lessive. Aujourd'hui, le groupe a quasiment disparu de l'actualité et voici venu le temps des rires et des... non, des compiles rétrospectives. Force est de constater que le groupe ne ‘sonne’ plus du tout dans l'air du temps. Et alors ?
En 2001, ce duo issu de Bolton commettait " The optimist ", un premier album dont la critique avait été excellente. Et dont le style avait été crédité de néo-acoustique. En choisissant Tony Hoffer (Beck, Air, Supergrass) pour produire " Ether song ", Turin Brakes a voulu se débarrasser de cette étiquette. Enfin, pas totalement, car la trame de la plupart des chansons est identique à celle du précédent opus. Mais, énorme changement, ces chansons ont été délicatement enrobées de multiples arrangements, d'ondoiements digitaux, de cordes, de claviers, de grosses guitares et même de slide. On a même droit à du mellotron sur " Falling down " et du piano électrique jazzyfiant tout au long de la berceuse " Full of stars ", une composition douce, cool, presque nightclubbienne. Pourtant, les fragments les plus électriques (NDR : et aussi les plus décapantes) n'apparaissent qu'en fin d'elpee. Abordés dans l'esprit de Radiohead, l'intense " Little brother " est cependant écorché par une slide ; alors que les 7'48 du morceau caché observent une structure en crescendo, un peu comme chez Mogwai. Olly Knights emprunte aussi parfois le timbre de Thom Yorke. Surtout sons falsetto. Mais il est beaucoup plus versatile et se conjugue régulièrement avec le backing vocal de Gale Paridjanian. En outre, ses inflexions sont beaucoup plus amples. Parfois réminiscentes de Marc Bolan. C'est une certitude sur le glam " Self help ". L'opus recèle bien sûr les deux singles : " Long distance " et " Pain killer (summer rain) ", un track contagieux qui a même mis un doigt dans la prog.
Lorsque l’histoire d’Afghan Whigs prend fin, Greg Dulli (NDR : frontman et unique tête pensante du groupe), met en place une nouvelle entité baptisée The Twilight Singers. Après avoir commis un premier album en 2000, la formation remet le couvert en nous servant 11 titres estampillés “rock adult”. Autrement dit, le sieur commence à avoir l’âge de ses artères. Ce qui ne l’empêche pas, le cas échéant, d’électrifier ses parties de guitare. Faut pas charrier quand même ! Alors qu’Afghan Whigs était parvenu à s’imposer en mariant le rock alternatif (NDR : faut pas oublier qu’AW a été l’un des fleurons du label Sub Pop) la soul et le R n’B, formule qui avait engendré des résultats absolument brillants (NDR : paru en 1993, leur chef d’œuvre « Gentlemen » n’a toujours pas pris une ride), cet opus risque d’enfoncer The Twilight Singers dans un relatif oubli. Pas que tous les titres soient absolument nuls, mais aucun n’est absolument brillant. L’ensemble s’écoule paisiblement sans l’ombre d’un bras couvert de chaire de poule ; et même après une vingtaine d’écoutes, la seule envie qui m’envahit est de plutôt m’enfiler l’intégrale d’Afghan Whigs. Si ce n’est pas malheureux d’être nostalgique à ce point....
Les deux types en question sont Cameron et Ryan Jones, deux frères qui vivent à Portland et dont la musique rappelle un peu celle de Pinback, des Minutemen et de Shellac. Cameron, guitariste et chanteur, a d'ailleurs joué chez Pinback. Ce qui frappe pourtant à l'écoute de ce " Recorded ", c'est sa singularité : rarement aura-t-on pu entendre telle manière de jouer de la guitare et de la batterie, en synchronisme mais toujours en déséquilibre, comme si les deux instruments livraient bataille sans qu'il n'y ait jamais de vainqueur. Ces ruptures de rythmes (" Beach House Hangover ", " Fantasies "), ces mélodies qui partent en couilles, ce canevas millimétré : la musique (post-core ? Jazzcore ?) de Two Guys n'a pas son pareil pour tourner en bourrique nos habitudes d'amateur de rock simplet (batterie-basse-guitare). La preuve : la guitare de Cameron est " barytone ", allez savoir… Il paraît qu'il s'agit d'une guitare et d'une basse, en même temps. C'est bien là que se situe le problème chez ces " Deux Types " : à force de condenser toutes leurs notes en même temps (deux musiciens, deux instruments), la structure couplet-refrain n'a plus de place pour respirer, et nous avec. Ca fourmille d'idées, mais c'est corseté : dommage qu'ils ne soient que deux dans la famille… A trois, ils auraient pu nous décoincer tout ça.
Dès les premiers arpèges cristallins du magnifique " A Loner ", on se dit qu'il doit quand même être agréable de vivre en Californie, à l'ombre des palmiers, sous un ciel sans nuages. Si les frères Rademaker (Darren et Brent, ce dernier déjà croisé chez Beachwood Sparks) apparaissent comme de prodigieux descendants de tous ces groupes pop West Coast de la fin des sixties, ils n'en sont pas pour autant de paresseux moines copistes. Leur pop-rock élégiaque se nourrit également aux mamelles des Smiths, de Lloyd Cole, des Go-Betweens et de Felt, tous ces groupes anglais au talent mélodique indéniable et à la sensibilité ravageuse qui ont marqué de leur empreinte indélébile la musique la plus délicate des années 80… Rien de neuf sous le soleil ? Certes, mais quel soleil : extatique, charmeur, radieux. Avec ce " Twice ", The Tyde vient de réussir un disque d'une beauté qui réchauffe le cœur et fait se pâmer toutes les filles. On y trouve à la fois des tubes pop (" Henry VIII ", " Shortbread City " et son côté boogie à la T-Rex), des ballades (" Best Intentions ", " Breaking Up The Band ") et du rock échaudé (" Go Ask Yer Dada " et ses riffs graciles mais pas grassouillets). " Twice " : les frères Rademaker n'auraient pu choisir meilleur titre. Parce qu'à force d'y goûter, on ne peut plus s'en passer… " Plutôt deux fois qu'une ", comme dit le dicton. Et " Jamais deux sans trois " : c'est tout ce qu'on leur souhaite après pareil coup de maître.
De son véritable nom Gaynor Hopkins, Bonnie Tylor est surtout célèbre pour avoir commis deux énormes tubes : " It's a heartache " en 1978 et " Total eclipse of the heart " en 1983. Depuis, elle a tenté de revenir à l'avant plan de la scène musicale. Des tentatives qui n'ont cependant plus jamais rencontré de succès comparable. Et ce n'est pas cet " Heart strings " qui risque de renverser la vapeur. Un disque constitué exclusivement de reprises, pour lequel elle a reçu la collaboration de nombreux musiciens de studio, mais surtout d'un orchestre symphonique constitué de 76 personnes. Elle possède toujours ce timbre rauque qui fait immédiatement penser à Rod Stewart ou à Kim Carnes ; mais la plupart des adaptations qui composent l'opus (parmi lesquelles figurent " Human touch " de Springsteen, " Everybody hurts " de REM, " In my life des Beatles " et " I still haven't found what I'm looking found " de U2) manquent singulièrement de punch. La grandiloquence des orchestrations symphoniques y est sans doute pour quelque chose. Mais aussi ce sentimentalisme qui prend trop souvent le pas sur la mélancolie. Il y a bien " Need your love so bad ", un slow crapuleux signé Little Willie John qui vous donne envie de draguer (NDR : j'ai dit draguer, hein !). Et puis la cover du " Learning to fly " d'ELO. Une plage qui consomme quand même un peu d'énergie. Mais en général, ces titres s'adressent au public de Radio 2 sur la BBC…
T-Love n'est pas de ces ‘bitches’ qui roucoulent en remuant du popotin : poétesse activiste dans le milieu du hip hop, la jeune femme se pose en digne héritière de Nina Simone et de Billie Holiday, à qui elle dédie d'ailleurs son premier album. Comme son titre l'indique, " Long Way Back " rend hommage à ce ‘peuple du blues’ dont elle est la descendante, à tous ses ancêtres qui se sont battus au nom du respect et de la dignité. ‘Baby… When you're older/You will comprehend/the pain of black men’, rappe-t-elle en début d'album : chroniqueuse hors pair de la condition de ses pairs, T-Love prône avec sagesse et douceur le devoir de mémoire. L'exploit, c'est que la rappeuse ne s'arrête pas là : au lieu de nous contenter d'un album où la musique ne serait plus que le support pâlot d'un engagement textuel suffisamment riche, la Californienne nous offre aussi une leçon de soul, de jazz et de hip hop. Nina Simone décrivait son œuvre comme de la (musique classique noire’ : ici aussi, le rap se mélange à la chanson, le piano aux scratches, les cuivres aux samples, pour atteindre finalement l'universel. Produit par Jay Dee et The Herbaliser, " Long Way Back " marie ainsi tous les courants de la musique black, en nous épargnant ses clichés (écouter l'hilarant " Wanna-Beez ", avec Chali 2Na de Jurassic 5 en invité). T-Love est une femme intelligente et sensible, dont le talent d'écriture impressionne à chaque écoute : " Long Way Back " se termine ainsi par une longue comptine en quatre chapitres, à l'orchestration dynamique et raffinée. Reste à espérer, vu les greluches qui squattent le haut de la tribune, que son message reçoive l'accueil et l'attention qu'il mérite.
Avec " Puzzle " (trois ans déjà), les Français de Tahiti 80 avaient cassé la baraque au Japon : 120000 exemplaires vendus au Pays du Soleil Levant, et un n°1 au hit-parade : le single " Heartbeat ". Mieux que Deep Purple en son temps ! En France et chez nous, l'album passa davantage inaperçu : n'est pas qui veut prophète en son pays, dit le dicton… Ce " Wallpaper For The Soul " devrait réparer cette injustice, pour autant qu'on aime la pop sucrée et parfois lisse de ces quatre garçons dans le vent, qui connaissent par cœur le répertoire des Beach Boys, des Kinks et des Byrds. Avec un budget de 200000 euros, rien que ça, Tahiti 80 s'est donc lancé dans l'exercice délicat du second album : mieux produit et plus luxuriant que " Puzzle ", " Wallpaper For The Soul " nous donne ainsi à entendre quelques mélodies bien troussées, aidées en cela par une artillerie lourde (cuivres et flûtes chipés chez Love, pluie diluvienne de cordes à la David Whitaker, chœurs rappelant le Bohemian Rhapsody de Queen, etc.). De la soul millésimée (" 1000 Ways ", très Curtis Mayfield) à l'électro polie aux entournures (" Fun Fair "), " Wallpaper For The Soul " ravira tous les fans de ritournelles joliment orchestrées, ces " symphonies de poche " chères à Brian Wilson. En embauchant Richard Hewson, derrière les baguettes, un personnage notoire pour ses arrangements accomplis sur l'album " Let It Be " des Beatles, Tahiti 80 ne pouvait assurément pas se tromper… Et pourtant, c'est là que le bât blesse : à préférer la surenchère à la simplicité (ce qui plaisait dans " Puzzle "), les Français s'enlisent parfois dans un pompiérisme agaçant. " Wallpaper For The Soul " a beau être souvent épatant, il se révèle parfois indigeste. Une couche de papier peint en trop, voilà tout !
Tampa Blue est le véhicule musical du chanteur/guitariste belge T.V Tampa. Issu de la région d'Anvers, il confesse être un inconditionnel de John Lee Hooker et de Freddie King, mais également adorer les Beatles, Jimi Hendrix, Fleetwood Mac et Canned Heat. Des goûts qui ne souffrent d'aucun reproche. Au cours des années 80, il avait fondé Toy, un groupe de rock qui allait commettre plusieurs singles et albums, dont le dernier ("Brand new toy") est paru en 94.
"Painting the blues" est une œuvre curieuse, fort intéressante et au titre évocateur. En effet, à l'instar d'un peintre, l'artiste veut colorer à sa manière une musique qui se veut essentiellement black and white. Dès les premiers accords qui ouvrent "Life's harder than death", nous sommes impressionnés par la sonorité des guitares. La vie est plus dure que la mort ! C'est l'évidence même. Le premier plan est bien celui qui ouvre "On the road again" de Canned heat. Si T.V avoue avoir recours aux samples que l'on doit reconnaître au passage, il n'y puise le plus souvent que quelques notes. Une voix bien noire, celle de John Lee Hooker peut-être, introduit "Me and my dog". La meilleure plage de l'album ! Elle défile comme dans les meilleurs films de Canned Heat. La voix épouse un timbre légèrement féminin. A l'instar de celle d'Alan Wilson. Le son des guitares est aussi pourri que celui dispensé par le même Alan ou encore Sunflower Vestine. T.V distille peu de notes. Il entretient un son volontiers primaire et métallique au sein d'un environnement bien fouillé. Le climat persiste tout au long de "Oh lord". T.V chante d'une voix nasillarde et traînante, dans un registre qui n'est pas sans rappeler celle de Lou Reed. Il joue de la guitare d'une manière bien paresseuse. Le flux de notes est volontairement limité. Il plaque brutalement ses accords comme un Hooker des bons jours. Ballade bluesy, "Hope in Rangoon" possède beaucoup d'atmosphère. A cause du choix des sonorités opéré en fonction du décor ; et toujours de cette voix très 'reedienne'. "No more nice girl" amorce une collection de samples blues à deviner, parmi lesquels j'ai peut-être décelé des échantillonnages emprunés à Billy Gibbons et à Studebaker John. Un apport artificiel de blues pour ce qui n'est jamais qu'une ballade. Le jeu n'est pas banal ! "Black cross in the moonlilght" marque le retour au boogie/blues. La voix nasillarde se fait plus autoritaire. La machine de Tampa Blue assure ; Pete Tieleman à la guitare, Dago aux drums et Mike Ireland à la basse. La version du "Guilty" de Randy Newman est majestueuse. Si Gerd Van Eeckhout est à l'orgue, pourquoi laisserait-t-il la place au piano à Memphis Slim? Signé John Littlejohn, "How much more long" est un rockin' blues bien ficelé. Il libère pas mal de groove en conjuguant ….samples pardi! S'appuyant sur une ligne de basse qui ne m'est pas inconnue, "Till the levee brakes" laisse percer une guitare acérée. L'album est curieux. Pas banal, pour être plus précis. Mais il serait nécessaire de pouvoir assister à cette expérience 'live', histoire de voir si elle est capable de tenir la route. Encore que la dernière plage semble avoir été prise en public. Intitulée "You get what you give" et assez dépouillée, elle laisse une bonne place aux accents acoustiques.
Nederlands 
Français 
