Si vous vous fiez à la première chanson de ce disque, votre jugement risque fort d'être faussé. En effet, la voix rauque de Kelly Jones, plaquée sur des guitares légèrement métal, vous donnera l'impression d'être en présence d'un groupe issu des années 80, proche des Scorpions. Cette petite touche nostalgique et désuète n'a d'ailleurs rien de désagréable. Cependant, il faut attendre le tube "Maybe tomorrow", pour voir le dernier opus des Sterephonics prendre toute son ampleur. Car ces ballades tantôt teintées de blues, frôlant parfois un rythme country à peine mis en valeur (notamment sur "You stole my money honey"), s'écoutent vraiment facilement. En fait, tout l'intérêt de "You gotta go there to come back" procède d'une grande variété musicale. On oscille ainsi d'une pop rappelant presque les Beatles à des slows très prononcés ("Rainbows and pots of gold"), en passant par des intros à la guitare plus acérées, mais aussi des claviers très mélodieux. Cet ensemble de ballades et de très bons morceaux sculptés dans le rock plaira plus que probablement à un peu tout le monde. D'ailleurs, s'il existe un seul reproche à adresser au groupe, c'est sans doute le côté un peu simpliste de leur musique ! M'enfin, "Rainbows and pots of gold" vous aidera sûrement à conquérir la voisine du dessous. Elle ne résistera pas à venir vous demander qui chante cette superbe chanson dont vous aurez pris soin d'augmenter le volume ! Un disque très agréable, aux intonations parfois quelque peu désuètes, mais que l'on aura plaisir à accompagner d'un repas entre amis !
Du néant surgit un écho lointain, insupportable, comme si le Monolithe noir du " 2001 " de Kubrick entrait en résonance avec notre esprit. Déjà tourmentés, nos tympans appréhendent la suite. Puis tout d'un coup, comme frappés par la foudre, une décharge pesante de riffs métalliques nous cloue face contre terre, les mains sur les oreilles. De ces guitares en furie, de cette batterie pesante, nos sens en déroute goûtent la violence, sournoise mais libératrice. Des cris se font rapidement entendre (" Drunk Dragon "), étouffés par une chape ‘bruitiste’ à la limite de l'audible. La structure rythmique se fait presque wagnérienne, c'est dire… Le trouillomètre à zéro, on se demande qui se cache derrière cette musique de l'Apocalypse, et tout le tremblement. Mogwai ? La petite bête est surprise la queue entre les jambes. Neurosis ? Sûr que nos nerfs sont en pelote. Mais l'orage qui grondait au-dessus de nos têtes finit par s'estomper (" Missing "), jusqu'à l'apparition miracle d'une voix câline (" Free Head "). Pas pour longtemps. De cette accalmie, on n'aura profité que quelques instants, comme d'une éclaircie cachant la tempête : à la fin de " Free Head ", puis sur " Dirty Old Mine ", ça repart en trombe, de bruit et de fureur. Les Walkyries qu'on vous disait : justement, sur " 9 Club (zéro X) ", une chanteuse d'opéra mime le Jugement Dernier. Un synthé cold wave sauve la mélodie d'un aller simple au purgatoire. Coincés en ce bas monde, il ne nous reste plus qu'à subir cette musique terrifiante, comme un " brainstorming " sans appel. Steels, qu'ils s'appellent. Les instigateurs de cette débauche sonore dont on ressort complètement lessivé. Un nom à retenir, et une musique coriace qui fait du bien par où ça passe. Croix de bois croix de fer, si je mens je vais en enfer.
Ce " Loud New Shit ", s'il porte bien son titre, n'est pas un nouvel album du duo Ferrari/Four, juste un EP de quatre nouveaux titres et de huit remixes, tous issus des sessions d'" Enemy of Fun ". L'ennemi, ici, serait la redite, le confort d'écoute souvent synonyme de médiocrité : en quatre titres, Star As Eyes réinvente la pop à coup d'électro savante et de post-rock vintage, comme si Broadcast, Can et Plaid se chamaillaient leur place à bord de la soucoupe qui les conduirait jusqu'à Mars. Une fois dans l'espace, il ne reste plus qu'à éviter les astéroïdes (les déflagrations soudaines de " Guardian of Cemeteries ") et les trous noirs, puis atterrir sans embrouilles sur le sol meuble de la planète rouge. Il paraît qu'il y aurait de la vie sur Mars : des robots qui sautillent (" Falling " et son gimmick elektroklash) ? De gentils bonshommes verts aux yeux lampes de poche (l'orbitalien " Ok Grades ") ? D'étranges créatures à la figure d'ange (" Resistance Days " remixé par Mum) ? De jolis poltergeists venus en amis, d'un calme olympien (" Time Dilation " de Main, ambient et serein) ? Le mystère reste entier, mais vaudrait la peine d'être élucidé. C'est cela qu'on ressent à l'écoute de Stars As Eyes, et c'est étourdissant.
On aurait pu croire que les Liégeois de Starflam, après les tubes, les passages sur Radio Contact, les podiums NRJ, se seraient adoucis ou au contraire transformés en pastiches de gangsters, voire en posters de 7 Extra à coller dans la chambre. Que nenni : tout au long de ce troisième album, les rappeurs continuent leur combat de survivants, sans faire de concessions. Les textes, comme les beats, sont mitraillés avec panache et précision, sans tomber dans la morale facile ou le ton revanchard qui plombent souvent le rap français. Quant au rap amerloque, qui brille mais sonne creux, il est regardé du bout de la lorgnette avec indifférence. Parce que les gars de Starflam viennent de Liège, et parlent seulement de ce qui les entoure. De leur adolescence (" Ils ne savent pas ", " Situe ", " Retour à l'adolescence "), des copains (" Marseille-Liège ", feat. Le Rat Luciano, " 1-2, One-Two ", freestyle en compagnie d'autres rappeurs belges encore dans l'ombre), des gens du bizness qui " prennent notre art pour le leur " (" Monsieur Orange "), et… d'amour. Là se niche la vraie provocation. Pas celle qu'on connaît, enrubannée dans des clips pleins de " bitches " et de flingues, mais d'un puritanisme finalement bien pire que toutes les Britney Spears réunies. L'amour, donc… Starflam en parle, puisque c'est au centre de nos vies. Ca paraît ridicule, et pourtant c'est là, partout, dans chacun de nos gestes. Voilà le grand mérite de Starflam, qui se fout bien du quand dira-t-on et balance sa sauce (P-Funk, Drum'n'bass, électro, blaxploitation,…) sans crier gare. Parce que cet album, c'est aussi une pléiade de morceaux qui tuent (" En Alerte ", " Vauriens ", " Antistatique ",…), et plein d'invités de marque (même Reggie, la voix de… " Last Night a DJ Saved My Life " !). Un sans faute, qui positionne encore un peu plus Starflam au-dessus de la mêlée.
" Bazooka !!! " : déjà, le titre sonne comme un slogan péremptoire. Chez ces quatre New-Yorkais à la mèche rebelle et au look CBGB, on cultive le bon goût rock'n'roll façon Johnny Thunders et Dee Dee Ramone. Il reste encore des indécis face à telle mise en garde ? Les Star Spangles ont tout prévu : des noms de scène grand-guignolesques (Ian Wilson, Tommy Volume, Joey Valentine, Nick Price), une pochette ressassant les clichés punk, et puis surtout ces morceaux, 13 en tout, qui déclinent ce bon vieux " 1, 2, 3, 4 " à toutes les sauces. Comme tous leurs collègues citadins, les Star Spangles n'inventent rien : leur rock à perfecto n'a pour seule prétention que nous faire remuer la tête et lever le poing en signe d'approbation béate. Evidemment, ne plus chercher dans ces chansons punk-rock au poil une quelconque trace de revendication : ne restent que le plaisir et la nostalgie d'une époque bénie (1977…), aujourd'hui vénérée, mais de plus en plus sortie de son contexte, bref dénaturée. Des Libertines ou des Star Spangles, on ne retiendra que l'enivrante capacité à recycler un genre musical des plus subversifs en fougueuse machine à tubes (" Stay Away From Me ", " In Love Again ", " I Live For Speed ",…), bien huilée et roulant à l'essence sans plomb… Une essence qui tâche un peu la chemise portée " à la Joe Strummer ", mais qui ne résiste pas au premier lavage. Autrement dit : du rock blanc de chez blanc. Un vrai bonheur pour toutes les mamans !
Aujourd’hui fixé à Toronto, Mark ‘Bird’ Stafford est monté sur les planches du blues au milieu des années 80, en fondant le Polaroid Blues Band. Ce chanteur/harmoniciste canadien est ensuite passé chez les Sly Dogs, responsable de l’album "Sly dogs and the Bird", en 89. La formation change de nom et commet l’elpee "Mark ‘Bird’ Stafford & the Rectifiers", en 91. C’est à partir de cette époque que Mark drive son propre groupe, en compagnie duquel il enregistre un troisième opus en 96 : "The Bird man".
« Harpspace » constitue sa dernière plaque. Une œuvre de très bonne facture, dont il tire une légitime fierté et pour laquelle il est toujours épaulé par les mêmes musiciens : Pete Schmidt à la guitare, Shane Scott à la basse, Bob Vespaziani aux drums et Tyler Yarema au piano. Sa réputation lui a, en outre, permis de recevoir le concours d’une brochette d’excellents musiciens, parmi lesquels on retrouve le guitariste Jack de Keyzer, le Texan Mel Brown et le saxophoniste Pat Carey (Downchild Blues Band). Les influences majeures de Bird sont, ma foi, forts classiques : Sonny Boy Williamson II, Little Walter et James Cotton chez les anciens, Kim Wilson, Rod Piazza et William Clarke chez les contemporains.
L'album s’ouvre par le titre maître. Un instrumental très swing. La section rythmique est légère. Le piano de Yarema se détache au sein d’un climat jazzyfiant, mais proche du boogie. Mark a saisi l'harmo chromatique. Il souffle dans un style fort proche du son West Coast. Peter Schmidt pratique, sans surprise, le jump. La carte de visite de la formation. Pour demeurer sur la Côte Ouest, Bird s'attaque avec bonheur au "Gangster of love" de Johnny Guitar Watson. Tous les musiciens évoluent à un excellent niveau. Mais le pianiste mérite une mention spéciale. Mark tire son épingle du jeu sur son "I'll be back". Toute l’étendue de son talent y est mise en exergue. Un Texas shuffle puissant, au tempo irrésistible, pas éloigné d'un certain RJ Mischo flanqué de Mel Brown au piano. Caractérisé par une nouvelle grande sortie de l'harmo, l’amusant "Bunnie bop boogie" est ponctué d’accents de rumba. "Party girl" marque un retour au jump. Mais avec un zeste de T-Bone Walker. A cause des cuivres de Pat Carey. Peter y démontre avoir parfaitement assimilé le style sur ses cordes. Complainte issue d'un cabaret de nuit, "Ruby" est un blues lent qui s’est vêtu de jazz. La voix claire de Bird est soutenue par le piano et de la trompette de Yarema, soudain saisi du don d'ubiquité. C'est à nouveau aux accents latino-américains que nos Canadiens s'attaquent à "I'm a loving man". Inspiré par Sonny Boy Stafford, il souffle avec puissance et élégance ; et lorsqu'il dialogue avec Schmidt, l’échange est opéré à haut niveau. Très roots, "Take a step back" est inspiré par le Delta blues. Il est alimenté par un duo échangé entre Stafford et son ami et compatriote Jack DeKeyzer. Classique signé Jimmy Reed, "Shame shame shame" est contaminé par les maîtres de Chicago. Ce n’est pas une réelle surprise. Mark poursuit dans le même registre en empruntant largement le rythme à Muddy Waters, pour attaquer "Follow my heart". "I'm coming" nous ramène du côté de Los Angeles. A cet instant Bird n’a jamais été aussi proche de Piazza. Il joue et chante même dans le style de Rod. Imprimé sur un bon rythme, "I've had my fun" est forgé dans le même moule. En bénéficiant de la présence de musiciens particulièrement brillants, cet opus mérite toute votre attention…
" Hey Harmony " : ce titre sied à merveille au deuxième album du Norvégien Thomas Hansen, star de l'alternative country dans son pays, mais moins connu ici. Explorant une veine plus pop que ses amis Kjellvander et Astrom, Hansen rêve toujours d'Amérique, récompensé cette fois par un aller-retour Oslo-Nashville chez le producteur attitré de Lambchop, Mark Nevers. On retrouve d'ailleurs deux membres du groupe à Kurt Wagner en renfort, sans compter l'aide précieuse de ce sacré Howe Gelb, toujours là quand il faut (NDR : écoutez ce " Falling Down " !). Mais l'invité le plus surprenant, c'est ce vieux cow-boy de Neil Young, qu'on a l'impression de croiser sur chaque morceau dès que Hansen ouvre la bouche… Ce filet de voix, bon sang mais c'est bien sûr : St Thomas n'est autre que le petit-neveu du Lonesome Man ! C'est flagrant sur " 45 Seconds ", mais sur le reste aussi. La différence, c'est que le Scandinave manie l'humour comme Buffalo Bill son lasso : avec dextérité. Sur " New Appartment ", l'un des sommets country-pop de l'album, il nous invite même chez lui à venir prendre le thé : pourquoi pas ? Si son intérieur ressemble à celui de son disque (arrangements simples mais jolis, couleurs chaudes, ambiance amicale et tamisée), on passe quand il veut.
Spoon = cuillère/album de Can/groupe rock texan fondé il y a dix ans par Britt Daniel et Jim Eno, dont le dernier album, " Kill The Moonlight ", est sorti l'année dernière. Voilà pour le glossaire. A propos de ce disque : il s'agit d'un single (le sautillant " The Way We Get By ", assez proche de la pop dandy d'Ed Harcourt et des frasques au piano de Ben Folds Five), assorti de quatre titres live, de deux inédits (dont un bâti sur des clappements de mains, l'autre plus rock'n'roll) et de trois vidéos Quicktime plutôt lo-fi. Sympa, mais pas essentiel. A choisir, mieux vaut garder ses sous pour le dernier I Am Kloot ou l'Electric Soft Parade.
Le premier album de Steve Spacek et Morgan Zarate symbolisait la renaissance d'une soul anglaise élégante, nourrie aux mamelles du trip hop le plus moelleux et du space funk à la Herbie Hancock. Pour son deuxième effort discographique, le duo réemploie les mêmes recettes, avec plus ou moins de bonheur. La surprise n'est évidemment plus au rendez-vous, et la sauce a tourné au vinaigre… Il faut bien le dire : ce " Vintage Hi-Tech " n'évite pas les redites, et laisse comme un goût amer… Cette voix voluptueuse est devenue pompeuse, ces tapis de beats suaves n'impressionnent plus trop l'amateur. C'est que pas mal de temps s'est écoulé entre " Curvatia " et cette nouvelle livraison, sans qu'on ait attendu leur retour avec grande impatience. L'eau du trip hop et de la nu-soul a depuis coulé sous les ponts, et n'est plus si limpide qu'il y a cinq ans. Du gros poumtchak à peine groovy de " It's Not Gonna Happen " (ah oui ?) aux samples infantiles de " Amazing ", Spacek ennuie. Ce n'est que vers la fin, avec ce " 123 Magic " langoureux à la D'Angelo et le beau " La Bougie ", que la soul futuriste du duo nous sort de notre torpeur. Un peu tard, quand même, pour qu'on crie encore au génie.
Vous pleurez la disparition de Dead Can Dance ? Séchez vos larmes, Soysoy devrait verser du baume dans votre cœur. Un groupe belge. Issu de Bruxelles. Enregistré en 2001 dans leur propre studio, " Six teaspoons of eiran cari " constitue leur premier album. A l'époque, le line up se limitait encore à un duo : Cécile et Franck. Et à une boîte à rythmes. Depuis, Sylvain est venu prendre la place aux drums. Mais ici c'est déjà une autre histoire qui devrait se prolonger à travers la confection d'un deuxième elpee. En préparation, si vous voulez tout savoir. Découpé en sept fragments, " Six teaspoons of eiran cari est absolument superbe ". Si, si, croyez-moi ! Et je pèse mes mots. Le seul reproche qu'on pourrait adresser au groupe, c'est de ne pas trop être dans l'air du temps. Mais l'opus est tellement bien fait, qu'on en oublie la temporalité. Dead Can Dance, Soysoy leur emprunte d'abord la conjugaison vocale opérée entre Lisa Gerrard et Brendan Perry. La voix éthérée, flottante, fragile, ‘miaulante’ de Cécile et le baryton de Franck, capable de passer en falsetto, n'ont pas grand chose à leur envier. Solennelle, empreinte d'accents mystiques, la musique est inspirée par les musiques traditionnelles ; et en particulier irlandaise, bulgare, mongole, galicienne et orientale. Ils reconnaissent cependant bien d'autres influences. En les sélectionnant, je pointerai le doigt vers collection d'Arnell-Andréa, Bel Canto, les Cranes et plus précisément Cocteau Twins. A cause des guitares cinglantes, bringuebalantes qui sculptent les mélodies intrigantes, tourmentées, tramées comme des mélopées incantatoires. J'ai quand même particulièrement flashé sur " Loonontahi ", un titre beau et hypnotique à la fois. Et si le reste n'a pas l'intensité de ce fragment, il en a la passion. A suivre de très près, c'est une certitude !
South San Gabriel est le projet de Will Johnson, le leader de Centro Matic. Il y consacre ses chansons les plus calmes, les plus mélancoliques. A sein du line up, on y retrouve, bien sûr, ses fidèles musiciens. C'est à dire Matt Pence, Scott Danbom et Mark Hedman ; mais également quelques invités de marque. Chris Pladival, le percussionniste/bruitiste de Stumptone qui avait participé à l'enregistrement du précédent opus, a cédé le relais au joueur de pedal steel Joe Butcher (Pleasant Groove), à celui de slide Brent Bent (Slobberbone), ainsi qu'au guitariste Bryan Vandivier (Wiring Prank). Première constatation, la technologie moderne y est plus présente. Un peu comme sur le fameux album de Wilco, " Yankee hotel foxtrot ". Et la comparaison n'est pas usurpée ! Des pépiements électroniques parsèment ainsi l'opus. Et en particulier sur l'angélique " New Brookland ". Ensuite, chez " Everglades ", une compo de plus de 8 minutes qui parvient à conjuguer vibraphone et steel. Des pépiements qui me font penser au clapotis de l'eau qui caresse le rivage avant de se transformer en battements de cœur. Epique, subtile, la mélodie de cette chanson me fait, en outre, penser à un Neil Young circa " Heart Of gold ". " Smelling medicinal " et de " The splinter angelic " constituent cependant, et à mon goût, les deux meilleures compositions de l'elpee. La première parce qu'elle est à la fois belle et contagieuse. La seconde parce que, tout en épousant la formule du crescendo, elle parvient à trouver le parfait équilibre entre violon grinçant et guitare acoustique, sur fond de bruitages, palabres et de feedback. Un crescendo qui balise également " Saint Augustin ", une plage hantée par un piano tellement limpide. " Ariza/184 " constitue le titre le plus curieux. Will y chante a cappella sur crachotements sonores. Tout au long de ces chansons spectrales, déchirantes, visionnaires, dont les lyrics parlent de séparation, de désolation, de désespoir et de mort, on a l'impression que Will chante dans son sommeil. Des mélodies aux lyrics sombres, poétiques, qui se consument lentement au cœur de paysages claustrophobiques et poussiéreux. Un bien bel album !
Avant Telefunk, Simon Pieters-Holsbeek et Arnoudt D. Pieters jouaient du rock sous le nom de Cords. Depuis 1999, ils ont troqué les guitares contre des samplers et des synthés, sans pour autant devenir plus perfectionnistes. Le lo-fi, ici, a la vie dure : Simone, moins gueularde qu'Anouk ou Krezip (ils sont Hollandais), tente de singer Louise Rhodes et Roisin Murphy, avec un filet de voix bien approximatif. A vrai dire, elle chante bien faux (" Atlantic City ", " Goodbye Tiger "), et ce n'est pas les samples, simplets et clichés, qui la soutiennent dans ses jérémiades… En ce sens, le trip-hop de Telefunk est à l'image de la pochette signée Arnoudt : fade, amateur et bon marché. Mais surtout, honteusement peu inspiré : " Sleepy Time " sonne comme du Broadcast de série Z, " My Lazy Ears " (tu parles !) tente de copier, avec ses accordéons, le " I Miss You " de Björk, " Light In My Hand " voudrait piétiner les plates-bandes drum'n'jazzy de Lamb,… Seul " Transformation of Time ", sous ses airs de Mazzy Star/PJ Harvey plongé dans un bain de BPMs cotonneux, sauve la mise. Le dernier morceau, " Wishingwell ", une complainte à la slide guitar assez pelante, nous endort pour de bon. " It's sleepy time, just one more song ", susurrait déjà la Simone au début de l'album… Euh, ça ira comme ça, merci.
Tena vient de chez nous, existe depuis 1995 et a déjà donné plus de 200 concerts, dont les premières parties de Jeff Bodart, PPZ30 et Machiavel. Bref, que du beau monde ! Autant vous prévenir de suite : le groupe pratique un rock variet'. Non pas de la pire espèce, mais juste d'un intérêt limité. Des guitares grandiloquentes, des mélodies bateau, des paroles pleines de jeux de mots douteux (" Laissons Lucie Faire " : elle est bonne), un accent irritant, et une pochette bien laide. En plus s'appeler Tena, ce n'est pas très joli : ne manque plus qu'un " i ", et bonjour le ver solitaire.
On connaît Jimi Tenor comme un musicien hors normes, sorte de Dr. Funkestein un peu foldingue qui manie orchestres, BPMs et humour potache avec une certaine dose de talent… et de kitscherie. Depuis le jazz-électro bon marché (mais très gai) d'" Intervision " en 1996, le Finlandais s'est essayé, avec plus ou moins de bonheur, au funk (" Organism ", 1999), au bazar à cordes et à cuivres (" Out of Nowhere ", 2000), bref à tout et n'importe quoi. Après un bref retour à la maison-mère (Säkhö, le label électro de ses débuts), Jimi Tenor a quitté Warp (les trois albums cités plus haut) pour Kitty-Yo, refuge allemand de Peaches et de Gonzales. Pas étonnant quand on sait l'amour que porte Tenor pour le décalé, le sexy, les capes à paillettes et les pitreries en tous genres. Pour son nouvel album, " Higher Planes ", Jimi se la joue tout à la fois Frank Zappa, Caravan, Georges Clinton, Lalo Schifrin (" Dirty Jimi "…) et Weather Report - traduisez : funk, prog, soul, free jazz et musique de film. En ayant convoqué, une fois n'est pas coutume, tout un orchestre déjanté, Jimi Tenor ne donc s'est refusé aucun caprice… Ou comment ressusciter l'esprit ‘big band’ seventies, cette époque tant bénie où l'on osait encore toutes les fusions, même celles les moins fréquentables. Peu taillé pour les radios, cet " Higher Planes " sonnerait donc comme du Hawkwind revu et corrigé par Chick Corea en pleine descente d'acides. Une chose est sûre : hors des modes et des diktats FM, Jimi reste toujours aussi largué. Et c'est pour ça qu'on l'aime.
Nederlands 
Français 
