Chez cet ensemble chicagolais, on retrouve un membre du défunt et mésestimé Red Red Meat, Tim Hurley ainsi que sa compagne Danni Iosello. Un couple qui partage, en outre, la destinée de Califone. " Tick boxes on the pony line " constitue le deuxième album de Sin Ropas. Un disque découpé en 8 fragments. Huit plages que nous pourrions qualifier de psychédéliques dans le sens le plus large du terme. A cause de ce curieux cocktail sonore extatique, malsain, ombrageux, au sein duquel cohabitent des machines insolites responsables de bruitages, crachotements ou autres bourdonnements, des guitares acoustiques et électriques, de la basse, des percussions, des chœurs, et puis des synthés, boîtes à rythmes ou encore gadgets technologiques. Le tout ponctuellement traversé d'un violon, d'un dobro, d'un harmonium ou d'un banjo. Et cette mixture pose les jalons de mélodies versatiles, grinçantes, déchiquetées, languissantes, douloureuses, sur lesquelles navigue la voix gémissante, ravagée de Tim, dont le timbre oscille quelque part entre celui de Mark Lanegan, Will Johnson (Centro Matic, South San Gabriel) et de Kevin Weatherall (Immaculate Fools). Neil Young rencontre Wilco !
C'est au cours de son séjour à Paris que Matt Richelson a eu l'envie de monter un groupe. Faut dire que ce New-Yorkais y a vécu six bons mois ; une période au cours de laquelle il s'est fort intéressé au jazz, à la world, à la musique classique (NDR : et au prog rock !). De retour aux States, il s'est mis en tête de concrétiser son projet, en privilégiant la simplicité, la mélodie et les grooves, à travers une nouvelle prise de conscience de la musique du monde… Mais ce n'est qu'après avoir rencontré Aaron Nevezie que son projet a commencé à prendre forme. L'engagement d'un bassiste claviériste (Jon Davis) et d'un drummer (Dave Mason) y a, bien évidemment, largement contribué…
" Keep in touch " constitue le résultat de leurs expérimentations. Un disque assez surprenant pour un groupe new-yorkais. En fait, si Simpulife était né à Chicago, il aurait fatalement atterri sur le label 'Thrill Jockey'. A l'instar de Sea & Cake, avec lesquels il partagent de nombreuses affinités. Volontairement ou involontairement, le débat reste ouvert. Une chose est sûre, la musique de Simpulife revisite la 'Canterbury School' des Caravan, Hatfield & The North et Robert Wyatt, avec un œil très contemporain. Harmonies vocales épousant les arpèges instrumentaux, claviers frémissants, rythmes syncopés ou hypnotiques (NDR : pour ne pas dire obsessionnels) alimentent l'essence même de la solution sonore. Mais c'est lorsque le quatuor s'évade dans le psychédélisme, qu'il se révèle le plus performant. A l'instar du final de l'elpee. Une compo remarquable dont la structure minimaliste, acoustique, brumeuse, évoque les grands excentriques que sont ou étaient, Nick Drake, Syd Barrett ou encore Kevin Ayers.
Le plus difficile pour un artiste ou un groupe est peut-être de varier les plaisirs et le style. Mais sans demander à Marilyn Manson de faire du Bob Marley, on peut aimer être surpris par des musiques qui ne ressemblent pas, à-priori, aux habitudes musicales de l'artiste, et qui font toute la richesse d'un CD. N'en faites donc pas la demande à Simply Red, qui, franchement, n'arrive pas à se renouveler. Au tout début de l'histoire de Simply Red, il était une voix un peu originale qui promettait un bel avenir. Certes, la formation a du talent... mais ce n'est pas nouveau ; les mélodies sont belles …mais ce n'est pas nouveau ; Mick Hucknall a toujours une voix à couper le souffle…mais ce n'est pas nouveau, non plus. Alors que penser de "Home" ? A première écoute, vraiment pas grand chose ; d'autant que le bât blesse dès qu'on se rend compte que les titres les plus percutants n'ont pas été écrits par Mick Hucknall. Et je pense tout particulièrement à la reprise de Bob Dylan " Positively 4th street " ou encore à " You make me feel brand new ", une chanson plutôt jolie, signée Thom Bell et Linda Creed, dans laquelle la voix d'Hucknall est pure, sonore. Pour le reste, ne boudons pas notre plaisir : l'opus est agréable à écouter et recèle quelques bons morceaux comme "Home" et "Sunrise". En fait, les fans ne seront ni vraiment déçus ni vraiment surpris, car cet elpee s'inscrit dans la lignée des autres. Vous y trouverez les tons parfois jazzy, parfois sexy, groove aussi… mais ce n'est pas nouveau ! Si vous ne connaissez que très peu Simply Red, procurez-vous plutôt les "Greatest hits" ; ils suffiront amplement à votre culture musicale. Pour conclure, à ne pas se renouveler, on finit par trouver que Simply Red pourrait devenir très vite kitsch ou servir comme fonds sonore pour "Les feux de l'amour". A croire que cette formule les rend sympathiques et leur permet de durer !
Thee Silver Mt. Zion, c'est Godspeed You ! Black Emperor en comité restreint, genre musique de chambre : un trio (piano, basse, violon), qui pour son deuxième album s'était déjà adjoint les services de deux batteurs et de guitaristes (le Tra-La-La Band), et qui cette fois se paie le luxe d'une vraie chorale, le Thee Rusted Satellite Choir. Au menu, toujours cet équilibre savamment orchestré entre montées d'adrénalines et baisse de tension, les voix opératiques en plus. Pour le fan de la nébuleuse Constellation, ces crescendo/diminuendo donneront toujours autant la chair de poule, surtout écoutés à plein tube les bras en l'air, tel Moïse ouvrant la Mer Rouge. En quatre pièces de facture presque wagnérienne, les Canadiens nous refont donc le coup du truc cyclothymique, rythmé par d'innombrables coups de tonnerre (les batteries), de théâtre et de sang, et striés d'éclairs acoustiques (les pluies de cordes). La chorale s'en donne à cœur joie, du registre médiéval (le morceau d'ouverture) aux canons, même si l'effet se retrouve souvent noyé dans le déluge sonore qu'Efrim et ses potes affectionnent. Mais combien de temps encore GY !BE (et affiliés) parviendront-ils à nous surprendre ? A force d'user la formule jusqu'à la… corde, nos Canadiens risquent un jour de tourner en rond, et de se voir traités de pompiers. Pas cool pour des types habitués à souffler sur les braises du post-rock le plus… incandescent.
Cinq ans qu'on n'avait plus de nouvelles de Swell. Et depuis " For All The Beautiful People ", il s'en est passé des choses : Monte Vallier, le bassiste, a décidé de quitter le navire, et Sean Kirkpatrick, le batteur originel, est revenu, huit ans après son départ. David Freel, le chanteur-guitariste, est toujours là. A trois, ils auront signé au moins deux chefs-d'œuvre de folk-pop mélancoliques, " 41 " et " Too Many Days Without Thinking ". C'était la grande époque. Aujourd'hui ils ne sont plus que deux : Freel et Kirkpatrick. Ils ont donc décidé de jouer à leur aise, sans se prendre la tête. Résultat : " Whenever You're Ready ", septième album du groupe, sonne comme un retour aux sources, sans fioritures ni grandes remises en cause. Le style Swell est toujours le même et continue à fonctionner, cahin-caha, en roue libre sur les terres battues de la Californie (la pochette). Il est certain que Swell ne nous surprend plus, et ne nous surprendra sans doute plus jamais… Rien n'a vraiment changé sur la route de Swell, si ce n'est qu'en duo, on a plus tendance à revenir aux choses simples. Un peu comme la pub Herta, qui met en scène ce gosse et son papa cuisant leur saucisse en pleine montagne, avec les moyens du bord… Les choses de la vie, quoi… Il n'empêche que " Next To Nothing ", " In The Morning " (oh, des violons !), " Say Goodbye ", " Better Than Oil " (oh, des chœurs féminins !) et " California, Arizona " sont de fort belles chansons. Le reste coule un peu trop de source, et la source commence à tarir. A la fin, il n'y a plus de saucisses, et on est tout seul comme un con dans la montagne.
NB : En parallèle une compilation de B-sides plutôt intéressantes datant de la première époque, vient de sortir… Pour fans transis, seulement (" Bastards & Rarities 1989-1994 ", Badman Recording/Konkurrent).
Une chose est sûre, cette formation galloise voue un culte aux Beach Boys et aux Byrds. En observant la pochette de ce " Phantom Power ", on ne peut d'ailleurs s'empêcher de penser à la bande à Brian Wilson et à celle de Roger Mc Guinn. Et après avoir écouté leur sixième album, c'est encore plus flagrant. Maintenant n'allez surtout pas conclure que SFA se contente de s'inspirer de ces deux légendes. Ce serait beaucoup trop réducteur. En dix années d'existence, cette formation galloise est toujours parvenue à se renouveler. Et donc à surprendre. Mais le plus étonnant procède de leur faculté à passer à l'échelon supérieur. Ce qui peut paraître invraisemblable, lorsqu'on connaît la qualité de " Rings around the world ", leur précédent opus. Et à l'instar de ce cette œuvre incontournable, la formation a le bon goût de continuer à mettre tout son talent au service d'un éclectisme très inspiré. Capable même de s'aventurer dans la bossa nova filmique (" Valet parking "), le folklore des Caraïbes (le ska cuivré " The undefeated "), le glam (" Golden rethriever "), la britpop 'blurienne' (" Hello sunshine " et " Bleed forever ") et, même de rendre un hommage aux Beatles, à travers le jazzyfiant " Father father # 1 ". Découpé en 14 fragments, " Phantom power " a bénéficié du concours de Mario Caldaro Jr, le producteur des Beastie Boys, au mixing. Des plages, pour la plupart, enrichies d'orchestrations lumineuses, dignes des Flaming Lips. Des chansons dont les mélodies vaporeuses sont régulièrement teintées d'un psychédélisme subtil; un psychédélisme qui se mue pourtant en acid punk garage sur le 'stoogien' " Out of control ". Et on n'est pas au bout de nos surprises ! Les complexes " The piccolo snare " (NDR : un compromis entre les Mama's & The Papa's, les Doors et Love), le baroque " Cityscape skybaby " (NDR : entre le Floyd, ELO et Brian Eno) et " Slow life " (NDR : imaginez Plaid converti au blues !) incarnant autant de Zombies qui peuplent cette remarquable " Phantom power ". Un must !
Formé à Lille en 1995 et depuis émigré à Bordeaux, Summer Factory sort un nouvel EP frais et tapageur, après un premier album remarqué (" Put Yours Clothes Back On ! ") il y a presque deux ans. Toujours dans une lignée psyché-pop sans complexes, entre Beck, Lou Reed (la voix) et Harpers Bizarre, les cinq Français de Summer Factory confirment leurs talents de (garçons de plage) mélomanes, qui auraient troqué leurs matelas pneumatiques contre le " Sunflower " des Beach Boys " et le dernier Super Furry Animals. En faisant la part belle aux guitares surf et aux " bonnes vibrations " d'un theremin bavard, ce mini-album huit titres s'avère parfait comme compagnon de vacances. Sous le soleil, exactement.
Fondé en 1970, Suicide pratiquait à l'origine un rock largement avant-gardiste inspiré à la fois par les Stooges et le Velvet Underground. Progressivement, le groupe va se débarrasser de toute l'instrumentation basique, congédiant même le guitariste, pour se résumer à un duo chant-synthétiseur : soit Alan Vega et Martin Rev, dont la formule délibérément monotone et répétitive va devenir une marque de fabrique. Le tout entretenu par des concerts dévastateurs, émaillé de multiples affrontements, se soldant parfois par un véritable carnage. A un tel point qu'à une certaine époque, plus aucun organisateur ne voulait les engager. Face à un tel mélange de malaise, de stupeur, d'hostilité et de révolte, on ne peut que penser à l'esprit punk qui a hanté les Sex Pistols, quelques années plus tard. A force de traîner une réputation aussi sulfureuse, le groupe a fini par se séparer. Pour réapparaître sporadiquement. Le temps d'enregistrer l'un ou l'autre album ou d'accorder l'un ou l'autre concert (NDR : davantage tempérés, vous vous en doutez). Curieusement, c'est en solitaire qu'Alan Vega va décrocher son plus gros succès : " Jukebox baby ". En 1980/81. Il commettra également quelques albums, souvent très proches du rockabilly. Tout comme Martin, mais dans un registre beaucoup plus expérimental. En 1997, sur l'initiative du label Blast First, le duo s'est à nouveau réuni. Pour se produire à Londres et à collaborer avec Pan Sonic. Une tournée aux States et en Europe plus tard, de nouvelles chansons avaient été composées et le groupe a alors manifesté le désir d'enregistrer ce nouvel album. Il concrétisera ce souhait en 2001, sous la houlette de Perkin Barnes. A New-York Là où ils sont considérés comme les pères de l'electroclash. La voix d'Alan Vega n'a jamais été aussi proche de celle de Kevin Coyne. Monologuant sur de longues plages qui oscillent du funk à la techno, en passant par le post-industriel et la house. De très longues plages, qui au fil de l'écoute, finissent par lasser. Et vous poussent à zapper. Dommage, car cette solution sonore qui se veut urbaine, pose des réflexions sur les States et ses valeurs, dénonçant les dérives du succès, du néo-libéralisme et de la société de consommation. L'éternelle remise en question du rêve américain, quoi. L'édition limitée comprend un second disque. Un 'live' immortalisé au 'Garage' de Londres en 1988, à l'occasion du 20ème anniversaire de Suicide. On y retrouve les classiques du tandem, dont une version décalée du fameux " Juke Box Baby " et un inédit (" White man ") ; mais rien de vraiment transcendant…
Basé à Dallas, Jim Suhler est surtout connu pour son jeu de slide furieux. Un chanteur guitariste texan qui fut découvert naguère par George Thorogood. Il l'entraîna d'ailleurs, à une certaine époque, au sein de ses Destroyers. Jim est aujourd'hui le leader d'un trio bien électrique : Monkey Beat. Pourtant, cet opus évolue à des années-lumière du style pratiqué par son groupe. Il s'agit même d'un album essentiellement acoustique qui nous permet de découvrir une autre facette de cet artiste!
L'album s'ouvre par "Swamp call". Tourné en direct des swamps, la bande sonore de ce court-métrage implique croassements de grenouilles et autres crapauds ! "Holly ridge" est une courte plage instrumentale. Très douce, elle est partagée entre la guitare de Suhler, qui adopte ici le son métallique d'un banjo, et le piano de Carlton Powell. "Country girl" est une bien jolie ballade. Particulièrement country, vous vous en doutez, elle respire la joie et le bonheur de vivre en Louisiane. Jim joue de la National steel. Tim Alexander de l'accordéon. Et Tom Morrell la steel guitar. Cette même saveur country, alimentée par la guitare acoustique, la national et la mandoline, est reproduite tout au long de "Walking on the water". La joie de jouer et de partager sa musique est communicative. A l'instar de "Texas Easy street". Une plage écrite par Henry Thomas, la mandoline en bandoulière. "Church bell blues" est issue de la plume de Leroy Carr. Le piano de Tim Alexander est donc de rigueur. Très proche des vieux 78 tours de Leroy Carr et Scrapper Blackwell, le son du duo est très authentique. Particulièrement roots, cet opus nous offre une autre tranche de bonheur : "Shake hands with the blues". L'interprétation partagée entre Jim, Carlton Powell (qui est aussi le bassiste de Monkey Beat) et le vieil harmoniciste noir Sam Myers, et belle à pleurer. Jim Suhler démontre régulièrement son talent de musicien. Il joue de la slide pour accompagner son chant sur le fameux "Dallas" de Johnny Winter. En solitaire, sur sa national steel. Signé Mance Lipscomb et traversé par l'accordéon d'Alexander, "Spanish Flagdang" concède des accents hispaniques et celtiques. Plage instrumentale, "My morning prayer" constitue un parcours au cœur de l'Amérique profonde. La guitare acoustique se détache de l'environnement créé par l'orgue Hammond B3. Le tour du monde peut commencer. "Out on the western plain" nous transporte, tout d'abord, vers les grandes dunes des déserts d'Arabie. Buddy Mohmed y joue de la double basse et Jamal Mohammed du doumbek. Retour dans le Delta pour chanter "High cotton". Limpide ! "Tryin' to get back home" est épaulé par le washboard de Powell. "Lauri", par la steel guitare de Morrell. Une courte plage paisible. Ce superbe album se termine par "Dust devil", une composition hyper speedée, rehaussée par une voix rockabilly. Un album à ne pas manquer !
Ce talentueux guitariste vit aujourd'hui au Texas. A Dallas, très exactement. Découvert voici quelques années par George Thorogood, il jouit d'une excellente réputation aussi bien dans l'univers du rock que du blues. Avant de driver ses Monkey Beat, il a sévi chez les Destroyers de l'homme du Delaware. Flanqué de son nouveau groupe, il a déjà commis trois albums pour le label Lucky 7 : "Radio Mojo" en 1993, "Shake" en 95, et "Bad Juju" en 2001. Enfin, il s'est également réservé un album de roots acoustique, "Dirt road", paru fin d'année dernière. Pour enregistrer " Starvation box " il a pu compter sur la participation de Carlton Powell à la basse et de Paul Hollis à la batterie. Sous-titré "The best of Jim Suhler & Monkey Beat", cette œuvre réunit onze plages déjà parues et six inédits datant de 1993 à 2001.
Le recueil s'ouvre par "When were you when the lights went out?". Un rocker âpre issu du premier elpee, "Radio Mojo". "Ain't comin' home tonight" et la plage titulaire émargent à la même enseigne. Issu de "Shake", on retrouve tout d'abord "Snake hips". Une plage funky, partagée entre un accordéon et une slide, réminiscente de Lowell George ( Little Feat). "Little boy blues", ensuite. Un bon slow blues électrique composé par Robert Johnson. "Snake bit" également. Tramé sur un riff électrique, ce fragment rappelle tantôt Free, tantôt les Rolling Stones. Et bien sûr, le morceau qui donne le nom à l'opus. "Bad Juju" concède "Deja Blue", un track qui baigne dans une ambiance tex mex. "Prayin' for rain", ensuite. Très lente et émouvante, cette composition nous replonge dans l'univers du "Sticky fingers" des Stones. Et de cet opus, on a encore droit à "Shotgun shack" et à "Chupacabra", une compo qui transpire une ambiance funky mexicaine. Passons aux plages inédites. "Blame it on love". Ce blues rock et chanté d'une voix calme. Pourtant, la guitare parvient encore à y décoller, mais sans le moindre excès. La reprise du "U gotta move" d'Elmore James. Une cover découpée par une slide au caractère métallique. Le titre maître. Imprimé sur un tempo basique, ce blues lent véhicule des accents volontiers dramatiques ; une impression accentuée par la slide réverbérée. "Love ain't enough". Une ballade douce caressée par une guitare acoustique. Le rock'n roll "Don't stand still". Et enfin pour se faire plaisir, une adaptation impeccable du "Lonesome dog blues de "Lightnin' Hopkins. Une version qui démontre que non seulement Jim Suhler demeure un excellent bluesman, mais qu'il est aussi capable d'exacerber sa sensibilité. Pour votre information sachez que les parties de claviers et d'accordéon ont été accomplies par Tim Alexander. Si vous souhaitez pénétrer dans le monde de Jim Suhler sans trop de difficulté, et que vous ne possédez pas les elpees de Monkey Beat, " Starvation box " est un tremplin idéal. Par contre, si vous êtres un fan inconditionnel, vous devrez vous payer cette collection. A cause des inédits, bien sûr. Et si vous l'ignoriez encore, Jim Suhler vient de tourner en Europe…
La pochette affichée sur la page de présentation n'est pas celle de l'album paru en Europe, mais bien aux States. Tout simplement parce qu'elle a été censurée. Faut pas vous expliquer pourquoi. " A lot to forget " constitue le cinquième album de ce quatuor issu d'Atlanta ; et leur dernier, remonte quand même à 1998. Depuis le boom de la scène garage aux States (NDR : pensez aux Strokes, aux White Stripes et à Radio 4), les Subsonics sont dans l'air du temps. Sans l'avoir fait exprès, puisqu'ils pratiquent ce style depuis plus de dix ans. Ils s'inspirent manifestement des Voivoids, du Velvet Underground et des Modern Lovers (NDR : les Modern Lovers auquel le chanteur, Clay Reed, emprunte régulièrement les inflexions chevrotantes). Et accessoirement de Television, Buddy Holly, Bo Diddley, Wilson Picket, Ike & Tina Turner et Little Richard. Ce qui devrait vous permettre de vous faire une idée du style pratiqué par la formation. Un style tonique, âpre, obstiné, sensuel, nonchalant et déconcertant entretenu par des guitares enivrantes et claudicantes. Et alimenté par des lyrics qui charrient des histoires glauques sur les amours cruelles, les trahisons, la vengeance et la solitude. Sombre et réjouissant, quoi !
" Chuck ! ", le premier album de ce trio hollandais (guitare-contrebasse-batterie), nous avait bluffés lors de sa sortie il y a un an. Pour ce " Mercedes " à la carrosserie bien lustrée et au moteur rutilant, Stuurbaard Bakkebaard a troqué son baril de super contre de l'essence sans plomb : plus calme mais aussi plus abouti, " Mercedes " émeut davantage à défaut d'encore surprendre. Les influences, de Tom Waits (" Clutch ") à Captain Beefhaert (" Earl's Room "), sont toujours au programme, mais sans imposer cette fois trop leur empreinte. Stuurbaard Bakkebaard n'est plus tellement le " groupe comme ", et c'est tant mieux : on n'est jamais mieux servi que par soi-même. Entre ambiances de cabaret à la Fassbinder (" Fabrique ") et ténèbres étouffantes (" Brown " et ses riffs hard seventies), ce " Mercedes " de luxe devrait permettre au trio de rouler plein tube(s) sur les autoroutes musicales de Flandres, de Zélande et d'ailleurs.
Ce disque doit être écouté : 1) soit avec toute la circonspection que provoque ce genre de pochades à la Billy Ze Kick, 2) soit avec les oreilles (d'âne) de quelqu'un qui aime le millième degré, l'humour potache et les hymnes bière-beu-branlette. Stupeflip est composé de King Ju, Mc Salo et Stef Cadillac, trois zigotos fans de hip hop vicieux, de punk attardé et de chanson française détournée.
A voir leur tronche (c'est Mardi Gras) : 1) soit il faut prier pour le salut de leur âme, 2) soit on en rit, en trinquant à la santé des Residents et des Bérus, vieux briscards déjantés de la cause carnavalesque, et sans doute modèles de ces Stupeflip farceurs. Les paroles, elles, sont aussi très cocasses : ode à la fumette (" Je fume pu d'shit ", tordant) ou son contraire (" J'refume du shit "), pastiche des Enfoirés (" Comme les zot' ", ou comment singer toutes les stars variet' avec drôlerie), dégommage bureaucratique (" A bas la hiérarchie ", à faire écouter à son boss), sans parler de ces intermèdes bien barrés sur l'histoire du Crou (= du groupe). D'accord…
Mais : 1) c'est ridicule et poussif, stop eject, ou alors : 2) on le prend à la légère, de quoi passer un bon moment à délirer sur des textes certes très lourds, mais inventifs. Justement, Stupeflip aime à répéter qu'il fait de la zique " pour terroriser la population, et par là même instaurer une nouvelle ère, l'ère du Stup "…
Conclusion : 1) ces mecs se la pètent, avec leur musique de gaudriole pour attardés mentaux. 2) En 62 minutes, Stupeflip s'invente un univers déconnant, mais en fin de compte pas si crétin : ces personnages (le Crou, Mangu, Pop Hip, etc), cet espace-temps (l'ère du Stup, la Région Sud) révèlent de véritables esprits tourmentés, qui niquent bien le système.
Bémol : Stupeflip est chez BMG, major omnipotente : 1) toute cette histoire grotesque n'est que marketing bien huilé. 2) C'est en infiltrant le système qu'on peut mieux le pourrir, de l'intérieur : loin d'eux l'idée de canular (explications données avec " L.E.C.R.O.U. ").
Bref, vous l'aurez compris : Stupeflip, keskecèkcetruc ? 1) Une daube à oublier au plus vite. 2) " Un truc stupéfiant, qui t'prend aux tripes et t'bousille l'estomac " !
Les quatre musiciens de Strix ont reçu une formation professionnelle en jazz ou en classique, dans des institutions aussi réputées que l'Arpej, le CNSM de Paris ou encore le MAI à Nancy. Et cela s'entend. Tout en essayant de développer leur propre style, ils reconnaissent avoir été influencés par les Pixies, Gainsbourg, Tool et Radiohead. C'est beaucoup moins évident. Radiohead, peut-être. Ou plus exactement Muse. A cause des flambées d'électricité dévastatrices. Non pas permanentes, mais dispensées judicieusement. A l'instar de l'excellent titre maître et de l'énigmatique " Eclat ". Et puis des inflexions de la voix de Blaise. Fort proches d'un Matthew Bellamy. Fort proches, mais dont le timbre éprouve les pires difficultés à monter d'un registre. Heureusement, sur les deux meilleurs titres de cet Ep, il a la bonne idée de passer en falsetto. Et lorsqu'il est soutenu par les chœurs des autres musiciens, le résultat est encore plus probant. Malheureusement, sur les trois autres fragments son exercice de style passe mal la rampe. Et en particulier sur " Mon être explore ". Il y tutoie même feu Daniel Balavoine (NDR : décidément on est en pleine nécrologie…) Et nonobstant les sonorités cristallines de la guitare dispensées tout au long d'" Attention ", ainsi que ce funk blanc fort bien balancé chez " Solution 2 ", le constat est identique. Pourtant, la solution coule de source…
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