Oumou Sangare est considérée comme la diva du ‘wassoulou’, style musical originaire du sud du Mali caractérisé par l’emploi de la harpe à six cordes, devenu populaire dans les années 70 à Bamako puis à l’étranger. Depuis maintenant plus de 15 ans, Sangare chante la femme africaine comme personne avant elle ne l’avait fait au Mali. Son énorme succès en Afrique a tracé la voie à de nombreuses autres chanteuses, Rokia Traoré en tête. Ce disque est en fait un best of à destination du peuple occidental : on y retrouve les classiques de la belle, en plus de quelques inédits. Si le kamalengoni (la harpe) marque de son empreinte légère et suave chaque morceau de cette anthologie, la musique d’Oumou Sangare intègre aussi cuivres, cordes et synthé de manière répétée – comme une transe. Avec Amadou & Mariam, Ali Farka Touré, Afel Bocoum (le nouveau pote de Damon Albarn) et Oumou Sangare, le Mali témoigne d’une richesse musicale qui reste encore trop méconnue de par chez nous. Espérons que ce best of réparera cette injustice, parce que ces 20 chansons révèlent des trésors de mélodies et d’ambiances, loin de tout exotisme à la Club Med. Embarquement immédiat !
Il y a trois ans, Henri Salvador faisait un come-back fracassant, à… 83 ans. Alors que tout le monde le donnait pour mort, le vieux crooner au rire (et au physique) simiesque explosa les hits parades avec " Chambre avec vue ", disque de la renaissance et de la reconnaissance, porté par l'écriture raffinée d'un duo de jeunes songwriters alors méconnus, Keren Ann et Benjamin Biolay. Autant dire que Salvador n'allait pas changer son fusil d'épaule (ni passer l'arme à gauche) pour ce nouvel album, en tous points semblable au précédent, mais sans l'effet de surprise. On y retrouve donc tout ce qui plaisait sur " Chambre avec vue " : cette voix douceâtre de vieux chanteur à l'esprit mal tourné, ces atmosphères délétères de cabaret bossa/jazzy, ces textes emprunts d'une poésie surannée, ces arrangements patinés, bref des " flonflons " dans lesquels Salvador, sénile dragueur d'opérette, ‘jette son cœur déchiré’ (" Quand un artiste ") avant de reprendre une dernière fois son souffle. C'est bien joli, sauf qu'on n'y croit plus trop, à toutes ses simagrées douces amères : le vieux a beau chanter des mots d'amour, on l'imagine de plus en plus mal en bourreau des cœurs. Dans un hospice, à la limite.
Teinté de hard FM, le rock progressif pratiqué par Saga est frais, innovateur et accessible. A l'aube des années 80, il ouvrait les portes d'un univers cosmique, en parfaite adéquation avec les superbes illustrations futuristes des pochettes de leurs albums ; et je pense plus particulièrement à " Silent Knight " et " Images at Twilight ", devenus des classiques aujourd'hui. Après un passage à vide, Saga réussissait un beau tour de force en 1999 en commettant " Full Circle ", un elpee qui renouait avec les sonorités qui avaient fait son succès jadis. " House of Cards " en était la suite logique, et le nouveau né, " Marathon ", concilie lui aussi passé et présent avec brio. Faut dire que le guitariste émérite Ian Crichton drive l'entreprise d'une main de fer dans un gant de velours. Les compositions sont surprenantes de qualité et d'intensité, l'interprétation irréprochable, et la production s'avère d'une qualité bien au-dessus de la moyenne. Bondissantes et romantiques, les onze nouvelles ritournelles du groupe s'affirment conquérantes et d'une cohérence suffisante pour conserver intégrité et crédibilité. L'apport modéré de nouvelles technologies renforce l'impact de titres novateurs comme le déroutant " Rise and Shine ", tandis que la plage d'ouverture, " Marathon ", single potentiel au refrain taillé pour la scène, renvoie l'auditeur à l'époque de " World's Apart ". Mais la marque du quintette de Toronto demeure la voix unique, veloutée et caressante du charismatique Michael Sadler, l'âme de Saga. A ce titre, le combo n'a rien à envier aux nouveaux ambassadeurs du genre que sont Archive ou Spock's Beard. Les vrais fans ne se priveront pas de s'offrir le DVD Silhouette qui recèle, outre les neuf premiers vidéo clips du band, du matériel 'live' enregistré au cours de la tournée Heads or Tales, des interviews récentes des cinq musiciens et même des images bootleg capturées par un fan londonien.
Chris Wicky, leader du groupe emocore suisse Favez, a toujours aimé l'americana, et tout le toutim. Ces guitares traînantes, cette batterie pleine de rhumatismes, cette voix en sourdine : y a pas à dire, on se croirait davantage dans la Vallée de la Mort que dans un chalet près du Lac Leman. Sorte d'album solo, " Lay Your Head on the Soft Rock " a les qualités de ses défauts : pour coller au genre (l'alternative country), il faut ranger ses velléités rock'n'roll au placard, fermer sa grande gueule et se la jouer plaintif. Avec une barbe, c'est encore mieux ! A force de vouloir faire son Jayhawk, Wicky ne fait pourtant pas rire grand monde (en même temps, c'est le but)… Le pire, c'est qu'il ne s'agit ici que de country papier carbone : rien de bien neuf sous le soleil. Parfois, on dirait le Pink Floyd de l'ère bucolique (" The Radio Man "), du Tom McRae en santiags (" Ace "), voire du Francis Cabrel (" Past The Belvedere ", sorte de… ‘Je l'aime à mourir’ springsteenien !). Un bon morceau, quand même : " J-M ", l'histoire d'un dealer sur fond de country-rock bien enlevé, à la mélodie évidente. Mais c'est quand même un peu maigre pour crier au génie... Un conseil à notre ami helvète : qu'il retourne à son EMO et ne nous tanne plus avec ses histoires de cow-boy !
Vous vous souvenez de ce petit con qui vous emmerdait en gardienne ou de ce branleur qui emballa votre copine en rétho, sous les quolibets goguenards de vos camarades de classe ? Et bien ouais ! C'était Camu et Metro (aka ‘Mr. Fuck-A-Lot’), les deux types qui se cachent derrière S.A. Smash. C'est ce que dit leur label, Def Jux, et on finirait presque par le croire, même si c'est juste pour déconner, sans blague. Faut dire que les deux rappers sont de vrais fiers-à-bras, proclamant avec crétinerie qu'ils " adorent baiser " (" Love To F*ck "), et " haïr " aussi (" Love To Hate "). Pas des petites frappes, ces mecs. Plutôt du genre à traîner dans la rue tard le soir, à fumer des spliffs et reluquer les pépettes. Bizarre, on connaissait Def Jux pour ses disques précurseurs voire intellos, de RJD2 à Cannibal Ox. Comme quoi il ne faut jamais coller trop vite des étiquettes ! Parce qu'ici, on a plutôt affaire à du rap de gros couillons, efficace mais d'une fraîcheur douteuse. Avec leurs gros sabots de pseudo-gangsters nourris à South Park et au " Scarface " de De Palma, Camu et Metro balancent leur gros son un peu comme ces gosses qui, planqués derrière des buissons, jettent des pétards sur les vieilles : pour faire peur, mais surtout pour se marrer. " Ca troue le cul ", dirait Cartman, et c'est vrai que ça groove du fond du rectum : basses rondelettes, BPMs à la Timbaland (" Get Home ", très Clipse), dope r'n'b (" Weird "), cuivres boombastic (" A.A. "), P-Funk (" Love To F*ck ", avec Aesop Rock), guitares salaces,… A la fin, les deux copains (comme cochons) ralentissent pourtant la cadence, comme s'il était temps de se la jouer profil bas après toute cette bamboula pas sérieuse : sur la platine, LL Cool J s'invite (" Spot Tonight "), et les filles remettent leur T-shirt (mouillé). Mais la nuit ne fait que commencer…
Ancien producteur chez Real World (le label world de Peter Gabriel), le Britannique Richard Blair est tombé amoureux de la musique colombienne au cours d'un voyage effectué à Bogota, au début des années 90. Après avoir apporté sa collaboration, pendant quelques années, auprès des musiciens locaux, Blair a lancé le projet Sidestepper. En 1998. Sa méthode est simple : composer et enregistrer en compagnie de musiciens colombiens, puis triturer le résultat, lors du mixage final, en ajoutant des éléments électroniques. Après avoir commis un album et quelques singles de plus en plus tournés vers la drum'n'bass, Sidestepper semble aujourd'hui davantage contaminé par la musique d'ambiance. Tout au long de ce périlleux exercice enregistré entre Bogota, La Havane et Londres, Richard Blair a pu compter sur la présence de chanteurs talentueux (Ivan Benavides et Ronald Infante, excellents) doublés de compositeurs efficaces. Ce qui permet de sauver moitié de l'album d'une inconsistance affligeante. Un constat amer largement dû aux programmations de beats et de synthés qui éprouvent de grosses difficultés à s'intégrer aux autres instruments (violons, cuivres et percus). Les bons moments de ce disque (" Deja ", " Donde va mi soledad, " Dame tu querer ") sont imprégnés d'une étrange mélancolie. Mais ils sont trop rares pour compenser la faiblesse de certains morceaux (" In beats we trust ", " Walking ", " Me gustas "). Ils ont tellement été polis qu'ils ne peuvent plus espérer qu'une seule destination : figurer sur la dernière compile lounge à la mode afin de générer du cash facile. Dommage car la qualité de certaines chansons méritait un bien meilleur traitement.
Showstar nous vient de Huy. Un sextet dont l'excellent premier single, " Out of my head ", avait été largement diffusé sur les ondes de Radio 21, l'an dernier. " We are steady " constitue son premier album. Un disque particulièrement réussi qui fait la part belle aux guitares et aux voix ; même si la présence épisodique d'une trompette donne une coloration plus chaleureuse aux mélodies. Des mélodies contagieuses, parfois même hymniques, qui à première écoute font penser à Blur et à Ash. Personnellement j'ajouterai les Buzzcocks. Encore qu'au plus j'écoute cet elpee, au plus je lui trouve des nuances. La house mancunienne contamine ainsi " Carcrash " et " I'm back ". Le tempo, les claviers rognés, 'charlatanesques' et l'électricité jacassante, vivifiante, funkysante, y sont sans doute pour quelque chose. Encore que pour ce dernier fragment, la mélodie trahit quelques affinités avec " Pure morning " de Placebo. Ballade mid tempo au refrain imparable, " Little bastard " égrène ses guitares bringuebalantes, comme chez le regretté House of Love, alors que l'allègre " Baby blue eyes " est teinté de sonorités 'cornemuse', comme chez les Skids. Une électricité qui peut aussi se révéler beaucoup plus sulfureuse, plus agressive. Et je pense tout particulièrement à " I hate myself ". Un fragment plus complexe, qui s'ouvre et se referme par un cuivre latino ; mais dont la structure et les changements de tempo évoquent un certain Alice Cooper. Dans le même registre, mais en plus punk, " Piece of cake " libère un groove tribal digne de PIL. Hormis l'énigmatique " Modern way " et le final " Masquerade ", une plage 'remesque', tramée sur fond de psychédélisme ambiant, le reste de l'opus, oscille entre pop, power pop et punk rock. Balayé par un clavier new wave, et agité par une basse ronflante, " Your team (is about to play) " émarge même à l'univers post punk d'un Magazine. Tout un programme !
Ce chanteur guitariste suisse a signé chez Crosscut il y a une dizaine d'années. Un label pour lequel il a commis quatre albums : "Low budget" en 94, "Walk" en 96, "Plenty of time" en 97 et un éponyme en 2000. Ce nouvel opus est 'live'. Double de surcroît. Réunissant 24 titres dont la plupart figurent sur les albums précédents, sous une version studio, bien sûr.
La première partie est consacrée au trio de base : Hank au chant, à la guitare et au bouzouki, soutenu par sa section rythmique, Loose Gravel ; c'est à dire Michel Poffet à la basse et Christophe Beck à la batterie. Le disque s'ouvre par "Bedpopthang". La formule du trio permet à Hank d'occuper le devant de la scène. Et ses soli à la slide sont à la fois agressifs et surprenants. Composition lente, "Southern movements" laisse une nouvelle fois libre cours à la slide. Le bottleneck malmène les cordes. Les effets de pédale accentuent encore ces artifices, conférant un ton lugubre à l'ensemble. "Arrows through my heart" est hanté par le rythme des Stones. "Low budget", "Handmade love", "Waltz n°1" et "8000 miles to New Orleans" évoluent au sein d'un climat plus roots, relax, laidback si vous préférez. Et c'est incontestablement lorsqu'il évolue au sein de ce type d'exercice de style que Shizzoe est le plus excitant. Plage rock, "Indian girl" révèle un Shizzoe extraverti. Sa guitare est saturée d'électricité. Mais, à mon humble avis, il a un peu trop recours à la galerie des effets. Pour l'introduction de "Caught asleep", on se croirait sur scène en compagnie de Pete Townsend. Le trio démontre qu'il est capable de déménager où et quand il le veut. Lorsque Hank évolue dans le registre country/folk/rock, il étale toute sa richesse musicale. A l'instar de "The whole book". Une plage au cours de laquelle, Michel nous réserve un solo à la basse. Hank Shizzoe est un artiste aux multiples facettes. Il est capable d'incarner à la fois JJ Cale, David Lindley, Ry Cooder ou Mark Knopfler (Dire Straits). Sur les planches, jamais il ne lasse ; et puis il faut avouer qu'il bénéficie du concours d'une section rythmique assez extraordinaire.
Lors du 2ème set, le trio de base est rejoint par Sonny Landreth. Un joueur de slide louisianais. La présence des deux guitares renforce la fécondité sonore de l'ensemble. Et on peut s'en rendre compte dès les premières mesures de "Oh so near". Une ambiance feutrée qui permet aux solistes de s'évader vers des sommets. Les musiciens ne se côtoient pas au quotidien. Ce qui explique sans doute pourquoi les prouesses instrumentales sont abondantes. Chaque soliste a même toute liberté de s'exprimer suivant l'inspiration. "Don't bore me, man" et "You make it sway" en sont les exemples les plus frappants. Tout au long "Zoo", un fragment imprimé sur un tempo rapide, les prouesses des guitares brillent par leur inventivité. "Joe went to the water" est bien un des meilleurs titres issus de leur répertoire. Christophe Beck est un virtuose aux drums. Mais tout au long d'"Isbjorn", il nous en met plein la vue (NDR : les oreilles ?) En fin de concert, la formation élargie aborde des reprises : "Six blade knife" de Mark Knopfler, "She belongs to me" de Bob Dylan et "Cabin down below" de Tom Petty. L'ombre de Dire Straits plane tout au long de "Being there with you" et de "6 blade knife". Hank chante "Real tigers" à la manière d'un Lou Reed. Une nouvelle composition imprimée sur un rythme proche du Velvet Underground, pendant que les deux guitares vrombissent. Une chose est sûre, avec Hank Shizzoe on ne s'ennuie jamais !
Vonda Shephard s'est fait connaître à travers le personnage qu'elle joue dans la sitcom américaine " Ally Mc Beal ". Elle y interprète le rôle d'une chanteuse/pianiste de bar que fréquentent Ally et ses collègues de bureau. Un rôle sur mesure, puisque Vonda est chanteuse et pianiste. Compositrice également. Elle a ainsi écrit des chansons pour Rickie Nelson. Si mes renseignements sont exacts, elle doit avoir commis, à ce jour, 9 albums. Le premier en 1989. Et " Chinatown " constitue son neuvième. Pour l'enregistrer, elle a notamment reçu le concours de Jerry Marotta et de Tony Levin. Deux musiciens qui ont joué avec une foule d'artistes. Le premier, parmi les plus notoires, pour Gabriel, Sylvian, Costello et Mc Cartney. Le second pour Peter Gabriel, King Crimson, Alice Cooper et Yoko Ono etc. Elle bénéficie également de la collaboration de l'ex compagnon de Suzane Vega, Mitchell Froom. Aux claviers et à la co-production. Vonda possède une jolie voix. Elle joue très bien du piano. Normal puisqu'elle a fréquenté les cours du conservatoire Mais sa musique colle tellement à la bande FM américaine, qu'elle finit par s'y engluer. Dans ces conditions, difficile d'y adhérer…
David Bartholomé est un sacré farceur. Il n'est pas rare de le voir sur scène faire des pitreries, jusqu'à bâcler ses chansons pour raconter une blague de plus. Cette nonchalance fait partie du personnage, et se ressent encore une fois sur ce nouvel album, le troisième, après " Meeuws " (et " Meeuws 2 ") il y a deux ans. Pas que ses compos ne tiennent pas la route, bien au contraire : à cet égard, Sharko fait montre d'une constance rare au niveau qualitatif, et ce depuis le début de ses aventures dans la jungle du showbiz. Le bonhomme vieillit bien, comme le bon vin. Tubes (plus ou moins) pop (" Spotlite ", " Excellent ", " President "), chansons (plus ou moins) tristes (" Bath ", " Car Was ", " YMCO "), déconnade étudiée et hommages timides (" Luv Mix ", funky comme l'était Beck), Sharko-les-mains-vertes sait (plus ou moins) tout faire, avec chance. " Plus ou moins ", c'est ça la nonchalance. Que Ben Findlay, un pote à Peter Gabriel, ait produit l'album, ne change pour nous rien à l'affaire. Sans lui, sans doute que l'album n'aurait pas sonné bien différent, parce que Sharko est un type qui n'a pas besoin de grand chose pour se mettre en valeur. Un autre compliment : ce disque s'écoute comme on boit une bonne bouteille (de vin, toujours), c'est-à-dire sans se presser, avec délectation, l'esprit parfois ailleurs. A la fin, évidemment, on est un peu saoul et on raconte des conneries, mais on a bien ri de toutes ses histoires. Plus ou moins.
Cet Ep a été enregistré 'live' à Hayward, en Californie. Le 28 avril 2002, très exactement. Découpé en 5 fragments, il nous présente un SDBB plus proche de nous, plus personnel aussi, car il ne réunit que des compositions de Dwight. Hormis la participation de l'harmoniciste Greg "Tumbleweed" Mooney, le line up du combo n'a pas changé.
La plaque s'ouvre par "Please", une compo puissante, imprimée sur un tempo rapide et toujours aussi inspirée par le son Chicago des années 50 et 60. Sa guitare semble plus assurée. La production restitue bien le son souhaité par Shane. La section rythmique entretient ce son volontiers sale. A l'instar de "You're gonna want me". Dwight force quelque peu sa voix sur cette plage qui déménage allègrement. Elle passe ainsi beaucoup mieux la rampe. Clairement funky, "Sideman" permet à la guitare d'exulter en explorant ces champs rythmés… Le virus atteint l'harmoniciste qui fonce tête baissée dans "She's so sweet". La finale est consacrée à "Boogie king", une adaptation du titre maître de son premier album ; mais sous une version plus dépouillée, brute, sans les claviers.
Shane Dwight est un chanteur/guitariste/compositeur californien. Flanqué de son blues band, il nous propose son premier elpee. Un disque coproduit par Dave Wellhausen, un spécialiste du genre. Pour concocter ce premier album, Shane ne s'est pas contenté de favoriser une production personnelle, mais s'est lancé dans la reprise des canons du Chicago Blues.
C'est une slide assez méchante qui introduit le riff du célèbre "Sweet home Chicago". Dave Wellhausen vient souffler avec puissance sur ce fragment au cours duquel Shane montre beaucoup de cœur à l'ouvrage. Plutôt saignant le Dave ! Mr Dwight ne se débrouille pas trop mal pour reprendre le "Snatch it back & hold it" de Junior Wells. La section rythmique est assurée par la basse de Cuck Fike et les percussions de Jerome Kimsey. Une base de lancement idéale pour la six cordes, Robby Z complétant le tableau à la guitare rythmique. De sa voix nasillarde, un rien faible mais juste, Shane poursuit son périple. Mais, heureusement, sa guitare est très inspirée. A l'instar du "I need U so bad" de Magic Sam. Vous l'aurez deviné, la plage titulaire flirte avec le boogie. Pour ce titre issu de la plume du leader, Shane a battu le rappel de ses potes. : Little John Chrisley à l'harmo, Warren Davis à l'orgue et le brillant Steve Lucky au piano. Le reste de l'album aligne des reprises : "Just a little bit" et "Baby what you want me to do", tout d'abord. Le très tonique "You were young" de Freddie King, ensuite. Très Chicago Southside le "That's alright de Jimmy Rodgers ralentit la cadence. Wellhausen y participe activement. La guitare de Dwight a bien assimilé le style de Rodgers ; et en particulier dans la rythmique. Shane monte en puissance. Sur "Yonder's wall", le solo tiré de ses cordes est particulièrement réussi. Les covers se succèdent : "Gangster of love" de Johnny Guitar Watson, "Please love me" de BB King. Elles véhiculent un de ces sons ! En réalisant une sortie parfaite, ce jeune musicien prouve une nouvelle fois qu'il possède les qualités pour assimiler le style des grands. Et il le démontre à nouveau sur "Hideaway", l'impeccable "It takes time" d'Otis Rush et enfin en finale, "Backstroke" d'Albert Collins, rehaussé par la présence de Don Boraka au saxophone. Après avoir écouté cet elpee enregistré en 2001, il ne fait aucun doute que cet artiste prometteur mérite d'être suivi à la trace...
Ce chanteur/harmoniciste est ajourd'hui âgé de 57 ans. Issu de la Californie, il a pourtant grandi au Texas, avant de s'établir dans la Motor City de Detroit. En 1967. Il y travailla d'ailleurs pendant 16 ans. Aux usines Ford. Son premier album est paru en 2000. Chez Blue Suit. Son titre ? "Motor City Mojo". La même année, il commet "Deep Detroit". Sur le label anglais Bluetrack. Pour ce nouvel opus, il a de nouveau reçu le concours du guitariste blanc local, Howard Glazer. A une seule exception, toutes les compositions sont signées Shah ou cosignées par le tandem Shah/Glazer.
Le blues consommé tout au long de "Tell it to your landlord" est primaire et basique. Il est essentiellement inspiré du blues urbain de Chicago. L'elpee s'ouvre par "Slow and easy". Une plage rythmée qui permet déjà au guitariste de se mettre en évidence. Le jeu de Shah à l'harmonica est dépouillé, sans fioriture ni prouesse technique. Sur "Welfare shoes blues", 'Glazer empoigne une slide bien teigneuse. Le son est sale. Nous sommes très proches de l'univers d'Elmore James voire de Hound Dog Taylor. La voix graisseuse de Shah domine l'ensemble ; mais elle sonne si authentique. On se croirait dans le Chicago des années 50. "Guilty" est un long slow blues à fleur de peau. Une réécriture du célèbre "Catfish" de Muddy Waters. Constituée de Bob Goodwin à la basse, et d'Art Vaughn aux drums, la section rythmique est minimaliste. La voix est proche, tellement proche… Elle arrache. Le ton est dramatique. Shah souffle approximativement dans son chromatique pour n'y sortir que les notes nécessaires. "Crying Michigan tears" épouse un même profil. Mais dans l'esprit de Muddy. Les notes sont trempées dans l'acier de Detroit. "Hey Detroit" est un shuffle instrumental. Un concentré musical célébrant la musique blues locale. Shah y construit son meilleur jeu. De son côté, Howard dispense un solo aux accents jazzy particulièrement rigoureux. Le bassiste et le batteur y vont de leur petit solo. Carte de visite de la formation, "Mean and evil" est une plage acoustique puisée dans le Delta. Shah y est uniquement accompagné de son guitariste. Sa voix puissante se détache nettement. Elle goûte aux différents reliefs. Ce blues pur et simple va droit au but. Glazer reprend la slide. Elle est toujours aussi poisseuse. Il interprète un nouveau blues lent : "I heard you was at the Casino", un fragment qui sent bon le Southside. La rencontre entre Shah et Glazer peut rappeler les débuts de Junior Wells et de Buddy Guy. Et elle fait plaisir à entendre. Le gratteur arrache des larmes de son solo. A l'écoute de "Champane", deux noms viennent immédiatement à l'esprit : Jimmy Reed, pour l'introduction dans les aigus à l'harmo ; et puis Magic Slim, dont l'ombre se détache immédiatement. A cause du rythme et de la manière brute de chanter. Excellent! L'opus ne recèle qu'une seule reprise, le redoutable "Scratch my back". Shah réinvente ce titre composé par Slim Harpo, en lui réservant de nouveaux lyrics, pendant que la guitare de Glazer glousse de plaisir. "Bumpity buimp" maintient le tempo. Shah y signe incontestablement son meilleur solo. La plage titulaire est un instrumental bien nerveux. Cet elpee de très bonne facture s'achève par une nouvelle plage lente et longue ; une plage dont le développement fait la part belle au style "downhome", de nouveau tellement proche de Magic Slim.
Severin 24 constitue le premier projet solo de Thierry Holweck, ex-chanteur-guitariste du groupe hardcore Garlic Frog Diet. Ici, plus question de rock nerveux, même si les guitares pointent encore le bout de leur manche… " Teepee " épouse ainsi une forme de funk technoïde teinté de groove salace… Un hic, cependant : à vouloir trop faire la fête à Norman Cook, Thierry Holweck en oublierait presque d'être lui-même, au lieu d'une pâle copie d'un type dont la musique (le big beat) n'intéresse plus personne. " Elektroklash ", dit la bio : certes polissonne et lo-fi, cette électro-ci n'a rien non plus d'eighties ni de glam (la définition-même du terme " electroklash ", ici employé à tort et à travers)… Mais le pire est atteint avec ce " Call Rakini " infâme et ses beats de schtroumphfs, véritable suicide musical et critique. Comprenez-nous bien : que peut-on rajouter face à de telles sonorités ringardes, bon marché et surtout d'une laideur incomparable ? Rien… Suivant !
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