Cette formation belge de blues nous vient d'Alost, en Flandre. Ses prémisses remontent au début des années 90, lorsque les frères Peter et Johan Bronder fondent le groupe the Blues Bronders. Rejoints deux ans plus tard par Karel Meganck, l'ensemble opte pour le patronyme Night Time Heroes. Auquel ils ont adjoint le qualificatif Blues Band l'an dernier. Sous son line up actuel, le groupe est composé de Karel Meganck au chant et à harmonica, de Peter Bronder à la guitare, de Stany Van Veer au piano et à l'orgue, de Jacky Verstraeten à la basse et de Luc Baetslé aux drums.
Si à la base, l'influence majeure du combo est manifestement le Chicago Blues, leur registre est aussi bien capable de flirter avec les rythmes texans que le West Coast feel. Le disque est d'un bon niveau musical. La prise de son est irréprochable. Le guitariste et le claviériste tirent régulièrement leur épingle du jeu. Ce premier album est sous-titré "Live at the Blauwe Wolk". Un des meilleurs clubs belges, situé à Zottegem. Mais surtout l'antre de ce sorcier du blues, monsieur Filip Moore.
Les héros de la nuit démontrent l'amplitude de leur registre tout au long des trois premières plages, dont une excellente reprise du célèbre "Messing with the kid" de Junior Wells. Une compo au cours de laquelle l'orgue bien jazzy de Stany est bien mis en évidence. Peter prend le relais à la guitare, dans le même style emprunté au jazz. Une excellente occasion pour permettre aux musiciens de prendre confiance. Ils entament le "Some day, some way" de Sugar Ray Norcia (NDR : une ancienne figure de proue de Roomful of Blues !), avec beaucoup d'assurance. Karel chante avec autorité. Peter se montre une nouvelle fois très à l'aise, très véloce, sur son manche. Même si le groupe n'a pas forcément le West Coast jump dans ses tripes, la reprise de "Red headed woman" du Hollywood Fats Band est encore un excellent choix. Karel tire facilement parti de ce rythme et Peter joue dans propre style. L'elpee recèle quelques compositions personnelles. "This time", tout d'abord. Un blues au rythme assez soutenu. Stany est passé au piano, pendant que chaque musicien prend son pied. "My turn to suffer" est un slow blues classique. Le phrasé de guitare est très proche de ceux de BB et de Freddie King, mais la sonorité demeure plutôt british blues. Quasi unplugged, "Mad about her blues" nous réserve un moment calme. L'harmo et surtout le piano de Stan passent au boogie avec beaucoup d'appétit. A l'instar de tant de formations avant eux, les Night Time Heroes sont bien entendu très influencés par le Chicago blues des fifties. Ils en reprennent quelques canons (NDR : peut-être un peu trop connus !), tels que "Rock me baby", "I'm ready" (très bien mené) et "Hoochie Coochie Man". Bon choix, le "Big legs" de Big Joe Maher permet au combo d'aborder le swing. Van Veer manifeste beacoup d'aisance au piano. Reste deux compos à souligner : "Long time ago", un très long blues, lent, de pure souche, interprété avec le maximum d'effet dramatique ; et puis la finale amusante, "Back to Belgium". A travers " This time ", The Night Time Heroes Blues Band vient de démontrer qu'il était devenu une solide formation belge de blues sur laquelle l'avenir pourra compter…
Premier CD pour ce quatuor hollandais. Et bel essai ! Nice Beaver propose un néo prog de très bonne facture, tout en évitant le conformisme dans lequel le genre s'est un peu enlisé. Ici, l'énergie est intacte, la fraîcheur réjouissante et l'inspiration toujours au rendez-vous. Cela commence presque comme du IQ, mais très vite, la personnalité du groupe s'impose. Assez atypique, la voix principale (il y a deux chanteurs) n'y est pas pour rien. Difficile de la comparer à une autre. Les seules références qui tiennent un peu la route la situeraient quelque part entre Spandau Ballet, Pearl Jam et Tears for Fears (l'attaque la plus dure de Mr Orzabal). Les autres caractéristiques sont partagées entre une basse prolixe et vitaminée, très bien complétée par la batterie, des claviers en nappes, remplissant sans reproche l'espace sonore, et une guitare dominante aux riffs accrocheurs et souvent métal, mais qui, dans ses (courts) soli, évoque parfois Latimer (Camel, voyons !). Quelques détails ? « Wintersong », la troisième plage, mérite vraiment le détour. C'est un long crescendo tendu et très prenant. Ensuite, « Hope you don't mind » s'ébroue de façon lente et mélancolique, avant d'embrayer dans une séquence bien carrée guidée par une guitare grasse (on pense même furtivement à un vieux Black Sabbath) et pimentée par le solo d'orgue. Tout en ne reniant pas ses arguments prog/métal (dont le solo de guitare n'est pas le moindre), « Like this' » la cinquième plage, rappelle quant à elle … Police. A la fois par le riff et le refrain. Un mélange aussi original qu'efficace. Suit un long et plaisant morceau romantique, qui mène au final, plus contrasté. Tout cela n'est jamais très complexe. C'est direct et spontané, fluide et facilement mémorisable. Mais on est aussi loin de toute niaiserie. L'ensemble ne manque pas de subtilité et on ne s'y ennuie jamais. Bon : les paroles ne respirent pas la joie de vivre ; mais que voulez-vous, avec un ciel si gris… Il n 'y a en fait rien à jeter sur ce CD à la production impeccable. Autrement dit : une agréable découverte, qui présage un bel avenir pour Nice Beaver. Faites donc sa connaissance dès maintenant !
Les fêtes de fin d'année approchent, et leur lot de 'best' aussi. Si New Order nous avait déjà gratifié d'une compile de singles il y a quinze ans (" Substance "), aucun 'best of' résumant leur carrière n'était sorti dans les bacs depuis lors… " International " corrige donc le tir, en nous proposant un petit détour via leur carrière pléthorique. Né sur les cendres de Joy Division, il est devenu une des groupes les plus importants de ces vingt dernières années ; et à l'origine, à peu de chose près, le responsable de la célébration des noces turbulentes du rock et de l'électro (" Blue Monday ", présent ici, le single incubateur de la house, du son baggy de Madchester, jusqu'à l'électroklash d'aujourd'hui). 14 titres pour résumer la trajectoire exemplaire de New Order, c'est un peu court, même si on retrouve la plupart des titres séminaux du groupe mancunien (de " Ceremony ", leur premier single, à ce " Here To Stay " avec les Chemicals Brothers, paru il y a peu sur la BO de " 24 Hours Party People ", film retraçant l'histoire du label Factory et de l'Hacienda). Selon David Blot (scénariste de la fameuse BD sur l'électro, " Le Chant de La Machine ") qui signe les notes du livret, " The techno generation is still running 20 years after Blue Monday " : à entendre aujourd'hui les bootlegs du maxi le plus vendu de tous les temps, on ne peut que confirmer ses dires… Mais pourquoi, si ‘New Order est définitivement le meilleur groupe sur terre’, n'a-t-il pas droit à une compilation mieux torchée que ce 'best of' manufacturé à la va-vite, parfait pour les néophytes mais indigne pour tout fan qui se respecte ? New Order est peut-être le meilleur groupe du monde, n'empêche que cet " International " ne lui rend que moyennement la pareille.
Après 20 années d'existence, les New Christs ont décidé de jeter l'éponge. Un point final précipité par la faillite du label Man's Ruin, qui promettait à la formation australienne, une renommée internationale. Marquez : pas de chance ! C'est finalement la maison de disques aussie 'Laughing outlaw' qui a récupéré les bandes issues des sessions d'enregistrement pour les reproduire sur ce Cd. Drivé par l'ex chanteur de Radio Birdman, Rob Younger, The New Christs mérite assurément le statut de groupe mythique. Pas seulement parce que les Datsuns, les D4 et les Vines en sont les héritiers naturels ; mais parce que ce combo incarne un des symboles les plus purs et durs du garage/rock'n roll indépendant aux antipodes. Et que leur manque de notoriété à l'échelle mondiale est une profonde injustice. Il existe au pays des kangourous et en Nouvelle-Zélande des artistes et des groupes de pop et de rock absolument fabuleux dont les échos ne parviennent que trop rarement en Europe. A contrario, des grosses cylindrées américaines gonflées à la pompe à fric bénéficient d'un battage médiatique dont la démesure frise l'indécence. J'arrête ici ma diatribe, je sors du sujet. Si vous voulez en prendre plein la figure, procurez-vous ce " We got this ! " ; 15 fragments de rock pur et dur qui libèrent un groove d'enfer, sans pour autant négliger l'aspect mélodique. Des guitares en pagaille, vivifiantes, querelleuses, jacassantes, en couches, psychédéliques. Un clavier rogné, poussiéreux. Une basse qui pulvérise tout sur son passage. Des drums frénétiques, à connotation punk pop. Une intensité constante. Des lyrics sarcastiques, sombres, dramatiques, chantés par la voix poétique de Rob, dont les inflexions oscillent entre Ed Kuepper et Ian Curtis. Il est cependant difficile d'assimiler cet album d'une seule traite. Ce n'est qu'au bout de la troisième ou quatrième écoute, qu'on parvient réellement à s'en imprégner. Tour à tour les images furtives des Stooges, de Steppenwolf, des Doors, de Sonic Youth et des Ramones traversent votre esprit. Même celle de Téléphone sur " Spit it out " et des Skids chez " On top of me ", une composition découpée dans la power pop hymnique. Ou encore de REM, sous sa forme la plus électrique, tout au long d'" I deny everything ". Mes coups de cœur vont quand même à l'irrésistible " Groovy times " (NDR : le titre !) et au fiévreux, doorsien " Sombrero ". Rob y emprunte même le baryton de Jim Morrison ! Sans oublier le chant du cygne " The party died ", plage érigée sur un véritable mur de guitares. Et le reste est tout aussi surprenant et sauvage. Un must posthume !
Le prétexte habituel : pour éviter que leurs fans ne déboursent des sommes importantes en bootlegs de mauvaises qualités, Neurosis a décidé de sortir de ses archives des enregistrements accumulés lors de leurs tournées. Voici donc, tout chaud, le numéro un de la série : un live capté à Lyon en 99' suite à la sortie de " Time Of Grace ". 6 titres pour une bonne heure de zique. Les extraits couvrent la discographie du groupe depuis " Enemy of the sun ". Comme à son habitude, les Californiens demeurent des véritables bêtes de scènes, assénant un métal tribal et gueulard quand il le faut, sans pour autant négliger sa facette plus calme. A ce titre, " Away ", longue plainte d'une dizaine de minutes, esquissée tout en finesse et ponctuée de décharges monumentales de sauvagerie, réussit le tour de force de se révéler encore plus angoissante et lente que l'original studio. A coup sûr le pic du concert ! Connaissant le perfectionnisme du groupe, je pense que cette série de bootlegs nous réserve encore des surprises de taille pour le futur. Notons également que cette collection se négocie à des prix modestes. Bref tous les ingrédients sont réunis pour assurer l'hégémonie de Neurosis dans le créneau. Mais où est la concurrence ?
Depuis son premier album (" Plantation Lullabies " en 1993), Meshell Ndegeocello s'est construit une carrière musicale d'une richesse étonnante et d'un engagement jamais démenti : ses trois albums lui ont valu la reconnaissance de ses pairs, et son message politique (paix, amour et tolérance) s'est affiné au fil des années. Aujourd'hui, elle nous revient avec ce " Cookie " volubile et fringant, toujours à la croisée des chemins de la soul, du funk, du jazz, du hip hop et du spoken word ; bref à l'épicentre de la musique black la plus torride et la plus revancharde. En prêchant la bonne parole sur un tapis tressé de beats languides et poisseux, Meshell nous rappelle qu'avant Alicia Keys, Jill Scott et Erykah Badu, elle était la seule à lutter haut et fort contre l'injustice et l'argent roi, sources de tous les maux. Sur l'album, elle est d'ailleurs accompagnée de Gil Scott Heron et d'Angela Davis (l'égérie des Black Panthers), prouvant encore une fois son attachement à la cause noire, autrement dit à combattre l'indifférence et la haine raciale. De " Dead Nigga Blvd. (avec l'ex-Funkadelic Michael Hampton) à ce " Pocketbook " remixé par Missy Elliott, le chemin proposé par Meshell est ainsi pavé de bonnes intentions - celles qui ont pour but notre prise de conscience, des problèmes sociaux, raciaux, ou relationnels. Sans jamais baisser la garde, Meshell Ndegeocello (" libre comme l'oiseau " en dialecte swaali) n'en oublie pas pour autant la musique : sophistiquée, insaisissable, elle déconcerte d'abord (c'est tout et rien à la fois), puis séduit, réchauffe, rassure. Parfois très chaude (le torride " Trust " et ses paroles érotiques) ou très jazz (" Criterion "), la musique de Meshell ne se suffit d'aucun terme, forcément réducteur. Finalement, le principal, c'est qu'elle touche au cœur. Autant vous dire qu'elle ne rate jamais son but.
En 1996, ce trio yankee commettait un superbe premier elpee. Produit par Ric Ocasek, " Hig/Low " recelait le hit " Popular ", une chanson qui allait faire un tabac au sein des charts internationaux. Deux ans plus tard, leur deuxième opus, " The proximity effect ", essuyait les frais d'une production trop lissée. Avec pour conséquence un flop magistral, ponctué d'un conflit avec son label major (NDR : Warner Bros, pour ne pas le citer !). Faut dire que la maison de disques avait aussi attendu plus d'un an et demi avant de sortir le disque aux States. Une situation qui va pousser les deux parties à se séparer. Et c'est sous les couleurs de 'Labels' que Nada Surf nous revient avec " Let go ". Un disque qui recèle un tube en puissance : " Hi-speed soul ". Une compo que n'aurait pas renié New Order. Et puis le très beau" Killian's red ". Une chanson remarquable, contagieuse, parfois même menaçante, dont le sens mélodique rappelle Travis. Même le timbre vocal de Matthew Caws est aussi fragile que celui de Fran Healey. Un sens mélodique que l'on retrouve tout au long de l'opus (NDR : il ne faut pas oublier que le premier elpee de Travis était très électrique !) ; et en particulier sur le mélancolique " Inside of love ", la berceuse " Blonde on blonde ", et puis encore chez le poignant " Paper boats ", parcouru par un filet de mellotron. Tout au long des douze fragments de cet opus, Nada Surf a cependant le bon goût d'alterner chansons romantiques, troublantes et titres power pop plus allègres, contagieux. Et puis d'apporter un soin tout particulier aux harmonies vocales, parfois réminiscentes d'ELO. " Blizzard of 77 " lorgne même vers la période acoustique des Beatles (NDR: pensez au double blanc!). Mais ce qui fait la force de cet elpee, c'est la charge émotionnelle qui hante chacune des compositions. Un must !
On savait que les frères Gallagher vouaient une grande admiration à l'œuvre des Beatles. Et aux Beatles tout court. Faut même croire qu'ils portent des caleçons imprimés de caricatures puisées dans le " Yellow submarine ". Et des chaussettes brodées de titres de chansons des Fab Four... (NDR : et alors, y en a bien qui mettent des cravates à l'effigie des Simpsons...). Ouais ! Mais voilà, j'ai l'impression qu'ils ne sont plus hantés par l'esprit des Beatles, mais possédés. Une sensation qui transparaît sur plusieurs fragments de l'opus. Et tout d'abord sur " She is in love " et " Songbird ". Deux fragments qui font la part belle à la texture acoustique, nonobstant le filet de clavier, la trame de fond psychédélique ou le piano jazzyfiant. Deux compos directement inspirées par le " Double blanc " ! Fouetté de guitares cinglantes, distordues, " Better man " calque sa sauvagerie sur le " Cold turkey " du Plastic Ono Band de John Lennon ; alors que " (Probably) all in the mind " adopte un profil mélodique proche de " Tomorow never knows ". Mais le plus éloquent procède de " Born on a different cloud ". La voix reverb est lennonesque. Certains motifs de guitare piqués chez George Harrison. Et même les drums se la jouent à la Ringo Starr ! (NDR : manque plus que le bassiste se prenne pour Paulo !). Et Oasis lors ? Pas de problème, les aficionados y retrouveront leur compte. Depuis le 'wonderwallesque' " Stop crying your heart out ", enrichi d'arrangements de cordes et d'un mellotron, à " Little by litle " qui manifeste des echos empruntés à " Stand by me ", en passant par de multiples fragments généreusement électrifiés. En bonus track, on a même droit avec " Jam out ", à un instrumental qui célébre une hypothétique rencontre entre Fleetwood Mac et Ocean Colour Scene. Et si vous voulez mon avis personnel, sachez que si cet elpee ne brille pas par son originalité, il a le mérite de bien passer l'examen du tuyau acoustique : glam, mid tempo ou hymnique, Oasis demeure l'entreprise dont les fonctionnaires sont sans aucun doute les plus zélés du monde pop rock britannique...
Dans la discographie pléthorique de Jim O' Rourke, on recense surtout des collaborations menées tous azimuts. Depuis le percussionniste suisse Günter Müller au drummer d'AMM, Eddie Prevost, en passant par les bruitistes Voice Crack, et la formation new-yorkaise Sonic Youth, au sein de laquelle il et pratiquement devenu le cinquième membre. Sans oublier son travail d'arrangeur commis pour High Llamas ou encore son talent de producteur qu'il a mis au service de Smog et de Stereolab. Paradoxalement, " Insignifiance " constitue seulement son deuxième opus solo. Découpé en 7 fragments, il s'ouvre par un boogie sudiste (" All downhill from here ") digne du célèbre Lynyrd Skynyrd. Passé le titre maître aquatique et le 'velvetien' " Therefore I am ", le ton devient beaucoup plus minimaliste, Jim illustrant alors tout son savoir faire dans l'art d'injecter un zeste d'électricité (souvent à travers la slide) dans une structure acoustique. Avec pour résultat quatre chansons intimistes, fragiles, propice à la mélancolie, quatre plages qui bruissent délicatement au contact d'un vibraphone, d'un piano ou de cuivres ; quatre fragments caressés par son timbre vocal profond, légèrement grave…
‘I fuck like I pray. In secret’. Mieux vaut s'envoyer Oxbow en cachette, tant son rock couillu d'hardeurs défoncés à l'adrénaline devrait être interdit aux mineurs, du moins aux personnes sensibles. Le carré blanc de rigueur, c'est donc mal à l'aise que l'on écoute ce groupe champion poids lourd des litanies moites et sordides, sorte de Suicide texan mêlé au sang et au sperme d'Henry Rollins et de Sly Stone. Car ces oraisons funèbres criées par un black en transe donnent la chair de poule - une poule qu'on aurait froidement sacrifiée sur l'autel du rock-métal le plus épileptique et le plus sombre. La musique d'Oxbow sent le mâle en rut. L'écouter c'est transpirer de tous ses pores, perdre à jamais sa virginité dans une orgie des sons et des sens. Epuisant et brûlant, cet " Evil Heat " est un véritable tapis de braises. Et comme avec le feu biblique, s'y brûler c'est se purifier.
Ces cordes discrètes mais somptueuses, ces arpèges de beats délicats, ces mélodies timides mais tellement limpides, et surtout cette voix, parfois chevrotante, souvent envoûtante, font de ce disque une petite merveille, sans aucun doute le meilleur de la jeune Anglaise. Pas que les précédents soient mauvais, bien au contraire… sauf qu'ici Beth Orton a réussi un sans fautes, un point c'est tout ! En alliant fort joliment l'électro la plus câline au folk le plus céleste, Orton abat toutes ses plus belles cartes et remporte la mise, là où d'autres n'ont récolté pour l'instant que de pauvres petites miettes (Tracey Horn, Emiliana Torrini, et on attend l'album solo de Beth Gibbons de pied ferme). Evidemment, à la base de ce splendide coup de poker, veillent quelques génies de la production et du BPM : William Orbit, les Chemical Brothers, Ben Watt d'Everything But The Girl, sans parler de Ryan Adams et d'Emylou Harris, tous deux à l'origine de cette teinte country-folk qui rend " Daybreaker " encore plus attachant. Qui peut se vanter ces temps-ci d'avoir enfanté un disque à la fois soul et country, folk et électro ? Personne. Sauf Beth Orton. Laissons à l'avenir le soin de nous dire si tel disque n'était juste qu'un éclair de génie dans une carrière sans grands rebonds, ou la preuve irréfutable d'avoir découvert à temps une grande artiste en devenir.
Si vous n'avez jamais su choisir entre la salsa aux rythmes latinos endiablés et le hip hop imprimé de ses beats bien gras, Orishas propose le bon compromis entre ces deux styles, que l'on pourrait croire si différents. Une formation de La Havane, dont le line up initial impliquait Livan, issu du groupe Sergent Garcia. En 1999, le premier opus de la formation cubaine avait même remporté un succès certain. Elle nous revient donc orpheline de Livan (parti explorer d'autres horizons sonores), mais toujours avec le même sens du rythme. Faut dire que leur cocktail de hip hop, de salsa et de rumba, sent le soleil, le sable chaud et la rage de vivre. Si la plupart des textes sont chantés dans la langue de Cervantès, deux fragments laissent la place à celle de Voltaire. A cause de la présence de deux invités de marque. Tout d'abord Passi pour " La vida pasa " ; et ensuite Nilo Noki sur " Ausencia ". Un album qui sort de l'ordinaire pour ce combo dont le patronyme a été emprunté à des dieux de la religion afro-cubaine Santeria …
Orbital est un groupe séminal de l'ère électronique, du moins pour les années nonante : de " Chime " à " The Box " (avec Alison Goldfrapp au chant), les frères Hartnoll ont participé à la popularisation de la techno à travers le monde, à l'instar de leurs compatriotes d'Underworld, de The Orb et de Sabres of Paradise. Depuis, leur son acid si caractéristique provoque beaucoup moins d'effets, et Orbital semble s'être encroûté dans la redite et le surplace. L'électro du duo en orbite géostationnaire sur un dernier album ennuyeux (" The Altogether "), on pensait donc ne plus guère les écouter, si ce n'est lors d'une éventuelle bouffée de nostalgie… A l'écoute de ce best-of " bis " (on n'y retrouve pas forcément les versions les plus connues de leurs classiques), on se dit pourtant qu'Orbital reste un grand groupe, malgré le coup de vieux de certains titres : " Chime " (datant d'il y a 12 ans !) est toujours aussi dansant, et de plus récents morceaux (" Illuminate ", avec David Gray) témoignent que les Hartnoll ont quand même encore de beaux restes… Dommage qu'ils aient préféré la version bodybuildée de " Satan " (avec Kirk Hammett de Metallica à la guitare, tirée de la BO de Spawn) à l'originale, bien plus convaincante ; et, surtout, qu'ils aient honteusement (ou presque) passé sous silence " In Sides ", leur meilleur album. Sans cela, ce best of aurait été parfait… Mais ne boudons pas non plus notre plaisir, il y a suffisamment d'" anthems " sur cette compil pour y trouver son compte et danser jusqu'au bout de la nuit.
Au sein de ce quatuor issu de Baltimore (NDR : ça rime !), on retrouve Dave Voyles, un drummer qui a sévi chez Wrong Button, Tim Johnston, qui a joué au sein de Brikchead, le multi instrumentiste Daniel Black et surtout Roman Kuebler, un chanteur/guitariste qui a drivé les Roads to Space Travel de 1995 à 2000. Un musicien qui a également collaboré à l'enregistrement du dernier opus de Spoon, " Kill the moonlight ". Mini elpee sept titres, " On TV " fait suite à deux Eps parus successivement en 2000 (" The five dollars ") et en 2001 (" Nine hundred miles of fucking hell "). Un disque particulièrement dans l'air du temps aux States. Enfin, c'est la musique qui est dans l'air du temps. Le son est sale, garage, énergique, parfois ténébreux. Les guitares croustillantes, jacasseuses, distordues, mais mélodieuses. Et si la voix de Roman campe plutôt un hybride entre celle de Ian Mc Nabb et de Damon Albarn (Blur), elle possède des inflexions crâneuses, ricanantes, fort proche de celles de Julian Casablancas. C'est peut-être la raison pour laquelle, aux States, la formation est souvent comparée aux Strokes. Faut dire que les deux formations reconnaissent pour influence majeure le Velvet Underground. Pourtant, chez The Oranges Band, on ressent davantage de feeling britannique. Emprunté notamment aux Smiths. A l'instar de l'excellent " Civic minded 5 ". Une très bonne surprise !
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