Cette réédition du premier album de Moby a le mérite de rappeler qu'avant d'être une star planétaire aux millions d'albums vendus, le petit Richard Hall essuya quelques vestes : qui se vanterait aujourd'hui d'avoir un de ses albums de la période pré-Play, quand l'arrière-petit-neveu de Melville jouait encore dans la cour des DJ's de troisième zone, écumant les raves sordides à la recherche d'une seule âme pour écouter ses beats de freluquet ? Certes, il y a eu " Go ", gros tube samplant sans vergogne la musique de Twin Peaks, et cette reprise du " James Bond Theme ", sympathique mais sans plus. Cet album de 1993 contient le fameux " Go ", le reste oscillant entre l'acid et l'ambient, avec des pointes de 1015 bpm (" Thousand ", figurant au Livre des Records en tant que " morceau le plus rapide jamais enregistré "). A part ce tour de force qui n'a d'autre intérêt pour Moby que d'avoir un beau cadre du Guinness Book dans ses toilettes, on se demande donc qui peut bien écouter ça en 2002… A écouter pour rigoler, ou si l'on aime la New Beat (ce qui revient au même).
Aujourd'hui, Moby est une star : après avoir écoulé 10 millions de Play, son précédent album, il remet les couverts avec 18, déjà n°1 dans les hits parades. Pourtant, la carrière de Richard Hall (son vrai nom) n'a pas débuté il y a trois ans, loin de là. En 1990, il publiait son premier EP, " Mobility ", dans l'indifférence quasi générale. Cette réédition d'une compilation sortie en 93 reprend tous les travaux de Moby lorsqu'il n'était encore qu'un DJ à peine reconnu dans les raves américaines. Difficile d'y déceler ce qui fera son succès dix ans plus tard, tant on nage ici dans une techno minimaliste, proche de celle des pionniers de Detroit, Derrick May en tête (" Party Time "). Certains titres rappellent également qu'avant d'être un végétarien catho à la limite du sectaire, Moby aimait bien gober des petites pilules au MDMA (" Drug Fits The Face ", " Peace Head ") et faire la fête en s'éclatant la tête. Pas la peine de rajouter que tous ces morceaux datant de 90 et 91 ont salement vieilli ; n'ayant d'intérêt que pour ceux qui sont restés coincés dans un mauvais trip au début de l'acid house. Bref, dans le monde sans cesse mouvant de la techno, il y a une éternité.
Une autre réédition des antiques albums de Moby, avec " Early Underground " et " Moby " (voir autres critiques) : comme son titre l'indique, il s'agit ici de morceaux ambient, à la lisière des premières productions de Plastikman et de tout ce qui se faisait à Detroit en cette période de vaches maigres. Pas terriblement jouissif, cet album s'avère pourtant parfait comme fond sonore, au moment de la vaisselle par exemple. Toutefois, à côté des compiles ambient d'Aphex Twin, cet album frise le ridicule. Moby a fait ce qu'il a pu, nous on baille.
"Play", le dernier album de Moby s'est donc vendu à plus de 10 millions d'exemplaires, à travers le monde. Une fameuse performance pour ce New-yorkais d'adoption qui privilégie le travail sur le statut de star, auquel il pourrait prétendre. Surtout depuis que des grosses pointures lui refilent des compositions à remixer. Mais du vedettariat, Richard Melville n'en a rien à cirer. Il préfère bosser devant son ordinateur. Il est même devenu son ami intime, mais ne le répétez à personne. Bref, vu la mentalité de l'artiste, on devait s'attendre à un nouvel album de toute bonne facture. Surtout après avoir écouté le single " We are all made of stars ", dont la mélodie irrésistible évoque immédiatement Brian Eno (NDR : pensez à " Nerve net ", commis en 92). Malheureusement, on est loin du compte. Il y a bien les intimistes et minimalistes " Great escape " (Eyeless in Gaza ?) et " Sleep alone ". Le titre maître et " Fireworks. Deux instrumentaux romantiques et visionnaires qui pourraient servir de bande sonore de film. Le rythm'n blues " Another woman ", dont le groove viscéral est alimenté par une basse hypnotique (MC900Ft Jesus ?). Le psyché frémissant " Signs of love " (Kurt Ralske ?). " Extreme ways " au refrain contagieux. Et enfin, " Sleep alone ", hanté par le spectre de Ian Curtis, nonobstant une forme davantage éthérée. Mais le reste m'a laissé sur ma faim. Que ce soit " At least we tried ", pâle pastiche du Neil Young le plus 'harvestien', le trop intimiste (NDR : enfin, tout dépend du sens accordé au terme intimiste !) "Harbour", pourtant caractérisé par un duo échangé entre Moby et Sinead O' Connor, ou encore " Street of Philadelphia ", à mon humble avis un peu trop pompé chez Springsteen. Pire encore, six fragments s'égarent dans la soul/gospel. Et c'est sans doute ici que Moby s'est planté. Car ces vocalises ne remplaceront jamais les bonnes vielles voix blues trempées dans le Mississipi (NDR : qui a dit le whiskey ?), qui prévalaient sur " Play ".
De son véritable nom George Miles, Buddy Miles est né en 1945. Il sait un peu tout faire : chanter, jouer de la batterie et parfois de la guitare. Il a côtoyé Otis Redding et Wilson Pickett avant de rencontrer le regretté guitariste, Mike Bloomfield. C'était en 1967. De cette entrevue est né l'Electric Flag, un des tous premiers bands de R&B rock. Lorsque Bloomfield quitte le navire, Miles en devient le leader. Il change alors le patronyme du groupe en Buddy Miles Express. Une aventure qui sera ponctuée d'un elpee, "Expressway to your skull", produit par Jimi Hendrix. En 1969, Miles rejoint Hendrix au sein du fameux Band of Gypsys. Après la mort de Jimi, Miles s'est encore illustré à travers de nombreuses nouvelles expériences ; et notamment comme chanteur de Santana, ou encore membre de Parliament-Funkadelic. L'artiste s'est ensuite longuement fait oublier, avant de revenir avec ce "Blues Berries". Un disque commis en 2000. A Austin, au Texas.
Pour enregistrer cet opus, Buddy s'est entouré de beau monde. Tout d'abord la section rythmique de Double Trouble. En l'occurrence Chris Layton aux drums et Tommy Shannoon à la basse. Rocky Athas, ensuite. Un guitariste texan qui fut jadis impliqué chez Black Oak Arkansas. Originaire de Dallas, il a également été un compagnon de classe de Stevie Ray Vaughan.
L'album débute par la reprise classique de "Tobacco road". La voix très caractéristique de Buddy est frappante. Une voix qui paraît tellement frêle, au vu de son important gabarit. "Compassion for the blues" est un blues lent, très lent, classique, comme Buddy en chantait déjà voici plus de trente ans. La voix est bourrée de feeling. La guitare prend tous les plans caractéristiques du genre. L'orgue Hammond de Mark Leach renforce le tableau sonore. "Life is what" est une plage funky, étonnement rapide, enfiévrée par sa guitare. Il en est de même pour "Bayou delate". Un fragment qui, inconsciemment, me fait penser à Sly & the Family. Stone. "Rock & roll" est une excellente composition autobiographique sur laquelle il raconte, d'un ton tellement présent et vécu, son exode du Nebraska à San Francisco ; ainsi que son apparition au Fillmore en compagnie de l'Electric Flag, à l'époque où il pouvait rock'n'roller le blues! La guitare peut bavarder à satiété sur le thème choisi. "Come on back" est une fort jolie ballade au potentiel commercial indéniable. Elle démontre, une nouvelle fois, l'extrême richesse de la voix de Mr Miles et son art à vocaliser. "Texas Cannonball" a été composé en hommage à un grand bluesman texan disparu : Mr Freddie King. On y décèle sans mal des thèmes jadis créés par Mr King. "Miss Sugar' fine" est une plage qui sent bon le parfum d'autrefois. La guitare est bien électrique, plus proche de la rock music que du blues. L'album se referme dans la quiétude de "Down at the Crossroads". Et pour être complet sachez que Jim Gaines en assure la production avec beaucoup de bonheur.
Derrière Nona Mez se cache un certain Geert Maris, 27 ans, songwriter délicat de Leuven qui devrait, en toute logique, récolter tous les suffrages. Logique, car ce " Songs of Leaving " recèle de splendides perles sculptées dans le folk, assez proches de celles de Polar du temps où le Suisse broyait du noir. Car noires, ces morceaux le sont, mais d'un noir éclatant, comme un diamant. S'il y a avait une justice, Geert Maris devrait accéder au rang de songwriter adulé par des hordes de fans transis, pour qui Elliott Smith et Tom McRae sont des grands. Parce que Maris compose et chante aussi bien que ces deux-là, et vient d'ici, alors, m…., pourquoi le bouder ? Piano-guitare-voix : il n'en faut pas plus pour que ce " Songs of Leaving " déroule son tapis rouge étincelant. Noir, rouge : reste le jaune, et c'est la joyeuse entrée assurée de Nona Mez dans le cercle restreint des chanteurs-compositeurs les plus talentueux de notre plat pays (Tom Barman, Joost Zweegers (Novastar), Arno). Le jaune : une couleur lumineuse. Malgré la tristesse apparente qui se dégage de chansons comme " Something That You Say " ou " Twenty-six or Seven ", " Songs of Leaving " brille de mille feux, ne serait-ce que par la finesse de ses arrangements. Pour sûr, on tient là un artiste maison qui vaut le détour. Son album est un trésor, qui nous change un peu du bric-à-brac à la mode anversoise. Nona Mez, c'est d'abord une voix (sensuelle), un piano (charmeur), et c'est à peu près tout. Pourtant, ça suffit. Amplement. ‘Een aanrader’, qu'on appelle ça en flamand. Echt waar.
Robert est né à Aliceville en 1908 ; mais toute sa famille a rapidement émigré à Birmingham, en Alabama. Johnny et Willie Mc Coy, ses deux frères aînés, étaient pianistes. Ils fréquentaient régulièrement ‘Pinetop’ Smith et Cow Cow Davenport. Inévitablement, Robert apprendra également à jouer de l'instrument aux ivoires. Il va même le maîtriser avec un rare bonheur ; ce qui l'amènera à se produire régulièrement dans les ‘rent parties’, des soirées destinées à permettre au responsable de payer son loyer.
Dans les années 30, il enregistre en compagnie de différents musiciens, dont Guitar Slim. Une longue période de dépression s'annonçait, et McCoy allait abandonner le blues jusque dans les années 50. C'est à cette époque qu'il est repéré par Patrick Cather, le producteur d'un label obscur (Vulvac). Il y enregistrera deux 33 tours : "Barrelhouse blues" en 1962, et "Blues and boogie classics" l'année suivante. Robert n'est plus de ce monde depuis 1977. Delmark vient donc de prendre l'excellente initiative de nous faire connaître le blues d'un grand adepte du Barrelhouse piano, mais surtout d'un artiste injustement méconnu.
L'album s'ouvre d'ailleurs par "Bye bye baby", aux accents de piano bien ‘barrelhouse’. L'instrument remplit bien l'espace. Les mains de l'artiste s'embrasent. Robert chante d'une voix sereine, un tantinet chevrotante. Le tempo diminue. Il chante "Let's get together" et "Pratt City special", avec une sensibilité bouleversante, pour délivrer son message. Le désespoir dans la gorge, il reprend "Goin' down slow" de James B. Oden. Robert puise également dans le répertoire de grands pianistes. A l'instar de "Gone mother blues", "You got to reap what you sow" et "Love hides all faults" de Leroy Carr, "Jump steady blues" de Clarence "Pinetop" Smith, et "Rockin' with Red" de Piano Red. Sa voix écorchée vive sied à ravir aux blues lents et désespérés. Il le démontre tout au long de "Straight Alky blues", d' "All in all baby" et surtout du sublime "Louise Louise blues". Les sept dernières plages sont des bonus tracks immortalisés lors de différentes prestations. "Lonesome and blue" et "Mr Freddie blues" datent de la Noël 1958 ; et les 4 derniers titres, interprétés en duo avec le batteur Clarence Curry, ont été ajoutés à titre documentaire ; la prise de son étant un peu limite!
Lee McBee n'est pas texan, mais nous vient du Missouri. De Kansas City, très exactement. Il vit aujourd'hui à Lawrence, dans le Kansas. Au cours de sa jeunesse, il a beaucoup écouté les artistes de honky tonk. Tout d'abord Georges Jones, Patsy Clyne et Buck Owens. Et puis Sam Cooke, Al Green et Otis Redding. Il va donc finir par goûter au blues. Celui de Chicago et de la Louisiane, en particulier. L'harmonica, il le découvre en écoutant tout d'abord Paul Butterfield et puis surtout l'elpee "Turning point" de John Mayall. Georges Smith devient son idole. Avant qu'il ne tombe sous le charme de monstres sacrés, tels que Big Walter, Little Walter, Sonny Boy Williamson ou Junior Wells.
Pour ouvrir ce "Soul deep", les cuivres ouvrent le feu. Les saxes de Kaz Kazanoff et la trompette de Jimmy Shortell sont à l'unisson et le piano de Gene Taylor sautille pour célébrer l'arrivée du seigneur, du shouter blanc à la voix puissante : Mr Lee McBee. Ce "Ride with me" est impérial. Une compo de Long John Hunter, au cours de laquelle la section rythmique, constituée de Johnny Bradley à la basse et de Wes Starr à la batterie, et enrichie de diverses percussions, porte le tout. Les guitares des texans Jon Moeller et de Hash Brown respirent déjà à pleins poumons. Tout ce petit monde avait émerveillé le public du Spring Blues d'Ecaussinnes, l'année dernière. Lee a de la voix, du souffle, du cœur et puis une présence assez extraordinaire. Il possède l'art d'insuffler le feeling aux musiciens qui jouent à leur plus haut niveau. La section rythmique texane exerce une grande importance dans ce contexte. Starr et Bradley militent aujourd'hui au sein des Rockets d'Anson Funderburgh. Starr a déjà côtoyé Marcia Ball, Delbert McClinton et Asleep at the Wheel. Bradley, Mike Morgan & the Crawl! La reprise du "Just a feeling" de Little Walter est le moment choisi par Lee pour dégainer son harmonica. Soutenu par cette même section rythmique et le piano de Gene Taylor, qui élaborent cette plate-forme aux soudures parfaites, ce blues lent est joué de manière tout à fait remarquable. Le ton à l'harmo est naturellement puissant. Les deux guitares se fondent. Lee saisit son instrument chromatique pour attaquer "Twelve hours from you". Sur un rythme de rumba, à la manière de son idole, Georges Smith. Un rythme exotique que l'on retrouve également sur "It's your voodoo working". La plage titulaire est signée Clarence Carter. Une ballade R&B mélodieuse, agrémentée de chœurs féminins qui emprunte au style soul blue. La cover du "Country blues II" de Muddy Waters est une plage roots, inspirée du Delta blues. Un dialogue échangé entre la voix torturée de Lee et le piano, le dobro ou l'harmo. "Gonna find my baby" demeure discrètement le registre roots. La puissance atteint son maximum pour jouer "I don't understand". Le shuffle brûle tout sur son passage. Son souffle est ravageur. Il rappelle même parfois le saisissant Papa George Lightfoot. Les guitares de Jo et Hash impressionnent. J'adore le son paresseux, très swamp blues, de "Your turn to cry". On se croirait revenu à Baton Rouge, à l'époque de Guitar Slim ou d'Earl King. La finale, "Walk" est issu de la plume de Jimmy McCracklin. Elle met en évidence l'indiscutable talent de Kaz Kazanoff. Lee McBee est l'une des plus grandes voix du blues contemporain. Un superbe album.
Producteur de Kyuss et des Screaming Trees mais surtout leader de Masters of Reality, Chris Goss est aussi un ami du producteur Rick Rubin (Slayer, Beastie Boys) et du grand Ginger Baker, batteur de Cream. A mi-chemin entre post-grunge et stoner aux accents pop, sa musique se veut psychédélique, mélodieuse, et plante ses racines chez Led Zep, Humble Pie, Blue Oyster Cult et Hawkwind. Fan de King Crimson et de Soundgarden, Goss et ses ‘Maîtres de la réalité’ n'auront donné naissance qu'à quatre albums seulement en l'espace de douze ans. "Deep in the Hole" est sans aucun doute le plus pointu des quatre coins da la partie carrée des Masters. ‘Quand j'ai entendu pour la première fois Soundgarden, je pouvais sentir que ces gens là avaient eu le même genre d'enfance que moi’, confessait Mister Goss à un journaliste d'Hard Rock Magazine. ‘Mais je préfère les choses plus fantasmagoriques. En 82 les critiques crachaient sur Ozzy Osbourne et Black Sabbath, mais moi, j'ai toujours continué à adorer ça!’. Evoluant à contre-courant, Masters of Reality est le combo intègre par excellence. Il a ainsi signé sur un petit label hollandais, Mascot Records, et créé son propre sous-label, Brownhouse Records. Ce qui lui permet finalement d'évoluer dans une totale liberté artistique. Splendide, ce quatrième opus l'est de la première à la dernière plage et fera l'effet d'une bombe aussi bien dans les milieux alternatifs que heavy métal. Du grand art!
‘La musique n'est que le véhicule des voix, où l'émotion exprime l'unité dans la diversité et où la volonté de s'améliorer est une priorité. Pour M'Source il n'y a pas de frontière, la scène est un recueil où nos différences viennent s'exprimer…’ Cette déclaration digne d'un consultant en Feng Shui résume bien toute la musique de ce groupe toulonnais très lounge, parfaite pour ‘garnir l'espace relaxation’ de votre salon ou le coin pipi de votre bar à tapas. Evidemment, on retrouve ici tout ce qui fait le meilleur de la lounge : sonorités orientales pour le dépaysement, légers beats pour une bonne digestion, voix féminines passe-partout et chaleureuses pour somnoler après la glace coco, le pantalon déboutonné et le regard à moitié vaseux. A côté de ça, Saint-Germain passerait presque pour un génie, et la discothèque du Club Med Ibiza pour l'Haçienda.
Ces Allemands se sont fait connaître il y a quatre ans avec leur hit " Chemicals ", un concentré judicieux d'électro et de rock - les qualités de chaque genre en exergue, mais pas les défauts. " Neon Golden " ne faillit pas à cette règle : les mélodies sont tenaces, les refrains enchanteurs, les atmosphères enfumées et mélancoliques. Moins jazz que son prédécesseur (" Shrink ") et plus électro que tous les autres), ce sixième album a donc toutes les allures d'un chef-d'œuvre organique, aux trouvailles sonores renouvelées à chaque écoute. Plusieurs morceaux devraient se tailler une belle place au soleil dans les hit-parades de nos cœurs, de ce " Pilot " célébrant les noces de New Order et de Kraftwerk à ce " Consequence " en final paroxystique. Des déflagrations post-cold wave aux bleeps neurasthéniques de Mouse On Mars, The Notwist semble avoir bien assimilé son histoire et sa géo musicales (Allemagne + Angleterre + 70's + 00's = Neon Golden). Au boulier-compteur des critiques à faire, cela fait presque un 10/10 (la voix timide de Markus Acher reste toujours sous la moyenne)… Bref " Neon Golden " est un disque en or.
James Nixon est né à Nashville, dans le Tennessee, en 1941. Ses parents étaient musiciens. Rien d'étonnant qu'il ait suivi le même chemin. Il a commencé par chanter le gospel à l'église, est devenu chanteur d'opéra dans les années 50, avant de fonder un groupe de rock'n'roll : King James & the Scepters. Et c'est en écoutant BB King qu'il a opté pour le blues. Lorsqu'il fonde NTS Limited, il recrute Billy Cox à la basse. Cox rejoindra plus tard le fameux Band of Gypsies de Jimi Hendrix. Ce qui permettra à James de partager occasionnellement la scène avec ces supers musiciens. Durant les 70s, Nixon devient guitariste. Ses débuts discographiques remontent à 1985. Un 45 tours produit par Charlie Daniels. Il commet ensuite deux albums de gospel : "Me, myself & the Lord" en 97, et "Stand up" en 99.
Pour enregistrer son premier album de blues, il a bénéficié du concours de la formation de Fred James ; et c'est bien entendu ce dernier qui en assure la production. Derechef, Billy Earheart est aux claviers et la légère Mary-Ann Brandon aux backing vocals. Nixon possède une bonne voix, forgée dans l'exercice du gospel. Une voix naturellement soul, veloutée, et assez haut perchée. La plage titulaire est une ballade soul, délicatement cuivrée. La six cordes se libère très facilement de ce style délicat, parfaitement ciselé. Ces ballades soul blues lui collent vraiment à la peau. "Trying to hold on" trempe dans ce même style léché. "Sundown blues" est un blues lent classique, mais efficace. "Baby right now" accélère le rythme. Toute la machine suit le tempo et la guitare peut s'emballer ; même si on a l'impression qu'elle en garde sous la pédale. Il chante le très roots "Sweet thing", en s'accompagnant de son dobro. Un instant chargé d'émotion auquel participe l'harmoniciste Shannon Williford. Le processus est semblable pour aborder "You're the one" et "I'm your handy man". "The best in town" fait furieusement penser à une composition de Jimmy Reed. Le rythme nonchalant permet aux guitares de se défouler. D'abord celle de Nixon, ensuite la slide de Fred James. Par les vertus du rerecording, c'est James qui répond à son propre chant. "Please come back to me" est un blues au tempo ralenti. La voix est quelque peu forcée. Le sax de Dennis Taylor répond au chanteur. La guitare enchante par sa retenue et son lyrisme. Le reste de l'album adopte la formule des ballades ‘soul’ pour lesquelles l'homme semble taillé.
Que pourrait-on encore raconter sur cet ensemble mythique qu'on n’a pas encore dit ? Même les différents qui opposent les membres survivants et la veuve Cobain sont étalés sur la voie publique. Apparemment, les antagonistes sont quand même parvenus à mettre de l'eau dans leur vin ; histoire de faire rentrer des royalties… Et des royalties il va y avoir, suite à la sortie de cette compilation éponyme. Les inconditionnels vont vouloir absolument se la procurer, puisqu'il recèle un inédit (" You know you're right "). La nouvelle génération aussi. Histoire de ne pas être en retard d'une guerre. Et enfin le commun des mortels. Puisque ce disque réunit tous les succès du groupe. Remasterisés, of course ! Depuis la cover de Bowie "The man who sold the world" à "About a girl", en passant par "Rape me", "All apologies", " Come as you are ", " Heart-shaped box " et l'inévitable hymne grunge des nineties "Smells like teen spirit", un morceau qui synthétisait alors toutes les inspirations musicales de feu Cobain, dont l'instabilité psychologique balançait entre apathie, rébellion et tendance à l'autodestruction …
NOW n'a rien à voir avec les autres pensionnaires du label Warp, c'est un fait : ici, pas de bleeps jouant aux tortionnaires avec nos tympans, de concassages violents de samples et de voix camisolées. Chez George Evelyn, on nage au contraire dans l'euphorie de la house bon enfant, de l'ambient la plus champêtre et de la soul millésimée, destination les cieux, la rêvasserie, le nirvana (le titre). Des sons rave de " A World Of Science " (1991) à ce " Mind Elevation " toujours aussi fleur bleue mais plus abouti, le parcours d'Evelyn n'aura jamais changé de trajectoire, celle du plaisir et de la coolitude. " C'est de la musique pour ensoleiller vos journées ", affirme cet électron libre de la dimension warpienne : c'est sûr qu'à l'écoute de " Date With Destiny ", " Environment ", " 70s 80s " ou " Know My Name ", des tubes en puissance plus proches du R'n'B servi par MTV que de Squarepusher, on se dit que le bonhomme aime davantage la fraîcheur pop que l'obscurantisme de certains de ses voisins de label. Dommage qu'à côté de ces quelques perles taillées pour le dance-floor et les playlists des radios, le reste (des instrumentaux) fasse si pâle figure. Verdict : une semi-réussite, ce qui, finalement, n'est déjà pas si mal.
Nederlands 
Français 
