Cette formation écume les scènes hollandaises et autres depuis près de vingt ans. Issue de Zélande (NDR : donc pas loin de chez nous !), elle est drivée par le sympathique Peter Kempe. Un chanteur/batteur flanqué de ses fidèles Sonny Boy Vanden Broek à l'harmonica et à l'accordéon, Peter Van Merode à la basse, ainsi que Mike Staat à la guitare. Les Juke Joints sont réputés pour le dynamisme de leurs prestations. Ils ne font guère dans la dentelle. Leur répertoire est sculpté dans un blues rock direct, sans artifices. Ils comptent déjà plusieurs albums live à leur actif : "Live in Brogum" en 89, "One, two, five… live" en 96, ainsi qu'un opus commis en compagnie de l'harmoniciste Willie Foster en 99, tout simplement intitulé "Live!". Ils affichent également cinq albums studio au compteur. Le premier, "Dancing shoes", remonte à 86 ; alors que le dernier, l'excellent "Walking down Memphis", en 99.
Ce nouvel opus est donc le quatrième enregistré en public. Et c'est bien ainsi, car les Joints sont un véritable groupe de scène. Cet elpee a été immortalisé en Irlande. Ce qui n'est pas étonnant lorsqu'on sait que les musiciens sont des fans indécrottables du regretté guitariste irlandais, Rory Gallagher. Il devient même difficile de compter leurs participations aux Gallagher Tributes.
Le disque s'ouvre par des plages imprimées sur un tempo élevé : "Soul on fire" et le zydeco "Don't give it up". Les deux solistes peuvent s'y mettre en évidence. Mike à la guitare (NDR : un tantinet trop hard !), et surtout Sonny Boy à l'harmonica et à l'accordéon. Le blues n'est pas oublié chez lez J.J.. A l'instar de la version très rude du "Blues had a baby" de Muddy Waters. Non seulement ils puisent dans le répertoire scénique de Gallagher, mais ils réalisent des versions acoustiques du "Bankers blues" de Big Bill Broonzy et d'"Out on the Western plain" de Leadbelly. Peter Kempe délaisse même sa batterie et empoigne une mandoline pour chanter sur le devant de la scène "Going to my hometown". Une interprétation qui ne pouvait que faire plaisir au public irlandais. Il adapte aussi "Calling Card" de Rory. Les Juke Joints sont au sommet de leur art, lorsqu'ils attaquent le superbe "Mojo hand". Un fragment qui était la meilleure plage de leur dernier album studio. En fin de parcours, le boogie "My baby" fait la loi. Et pour clore leur set, Sonny Boy reprend l'accordéon, instrument de prédilection en terre irlandaise, pour enlever "So long, baby, goodbye", de Dave Alvin. Un bon album!
Depuis son précédent album de reprises (" Reloaded "), Tom Jones s'est racheté une conduite auprès des jeunes, pour qui les crooneries sixties du pensionnaire (pensionné ?) de Las Vegas laissaient plutôt de glace. " Sex Bomb " sur les pistes de danse et ses duos avec Robbie Williams et les Cardigans en " heavy rotation " sur MTV, le papy des casinos (Royale) faisait peau neuve (qu'il a, quand même, un peu ridée). Le voilà donc de retour avec un album à nouveau taillé pour le succès de foule, produit par l'ex-Fugees Wyclef Jean, dont le travail fût d'encore rajeunir un peu plus Mr. Jones. Résultat : " Groovy, Baby ! ", malgré les courbatures et les cheveux gris de ce bon vieux Tom. Certes, il n'est pas difficile de voir derrière cet album une sombre entreprise commerciale de rajeunissement forcé (" Recyclons, recyclons "), voire d'embaumement précipité (" Profitons des dernières ressources de ce vieillard pendant qu'il en est encore temps "), mais n'est-ce pas la dure loi de la jungle du music business, quand on a soixante piges et qu'on est entouré de jeunes loups affamés de gloire et de dollars ? Vas-y Tom, montre-leur à tous ces vauriens ! " I hope I die before I get old ", disaient The Who (voir aussi chronique des Datsuns) : alors que Keith Moon et John Entwistle mangent les pissenlits par la racine, Tom Jones est toujours en pleine forme. Et jeune dans sa tête.
Jones est né en 1936. Sa famille se fixe à Memphis en 49 ; à une époque où il est de bon ton d'écouter Joe Hill Louis. Au début des 50s, les Jones émigrent à Chicago. Là, Johnny peut y voir et entendre les plus grands musiciens de blues. Et notamment Muddy Waters et Howlin' Wolf. Il retourne ensuite dans le Tennessee. A Nashville, très exactement. Où il monte dans les 60s différents groupes, comme the Imperial Seven et les King Casuals. Fin des 70s, il se retire de toute activité musicale. Heureusement, il est revenu depuis sur la scène du blues. Et avec un réel bonheur !
En 1998, il commet son premier album solo. Intitulé "I was raised on the blues", il est paru sur le label hollandais Black Magic. Un autre vétéran de la scène blues de Nashville participe à l'enregistrement de cet album : Earl Gaines. L'année suivante, un album live sort sur le label allemand Crosscut, "In the house : Live at Lucerne : volume 2". Il est cependant attribué à Johnny Jones et Charles Walker. Point commun aux trois albums : la collaboration de Fred James, un des musiciens blancs considéré aujourd'hui comme un des plus notoires de Nashville. A la production et à la guitare.
Excellente plage d'ouverture, "A fool never learns" a été écrite par Fred James. Une ballade bluesy, mélodique et précieuse à la fois, enrichie par les chœurs féminins de Mary-Ann Brandon et infectée par les riffs de sax de Dennis Taylor. "Girlfriend blues" est un blues très paresseux. Il se déploie de manière très décontractée. Les instruments sont bien en place. En particulier les cordes ; mais également l'orgue chaleureux de Billy Earheart. Le tempo est maintenu tout au long d'"I'm gonna love you" ; mais la ligne mélodique est préservée. Johnny chante divinement ce blues largement teinté de soul. Changement de registre avec "Stacked in the back", signé par son ami Clifford Curry. Le rythme est autoritaire, la guitare très versatile. Tous les muscles sont en agitation. Il reprend un autre titre de Curry : le blues traînant "Love recession". Ces deux compositions figuraient sur l'album "Clifford's blues" de Clifford Curry, paru sur Appaloosa en 1995. Même tempo pour "I'll be the judge of that". Plus percussif et louisianais chez "Good idea at the time". Vif sur "Your stuff is rough", pendant que la guitare mesurée de Jones nous ravit sur cette rythmique rock. Johnny se fait proche de la Nouvelle Orléans sur "Why can't we be alone". Earheart est passé au piano avant de retrouver l'orgue. Ce bon album se termine de manière royale, très enlevée, par le meilleur du style coulé de Johnny Jones, "The blues is in the house".
Référence de l'underground yankee, le Jon Spencer Blues Explosion nous revient avec un album de rock'n roll. Mais un rock'n roll qui tient à la fois de l'énergie et de la folie du rock et de l'esprit du rythm'n blues. Un rythm'n blues souvent sulfureux, viscéral, malsain, que les Stones avaient si bien popularisé à la fin des sixties et au début des seventies. Et parfois aussi un peu trop fréquemment attendri après 1972. Même Jon Spencer emprunte ici quelquefois des inflexions à la Mick Jagger. Lorsqu'il ne les calque pas sur Eddie Cochran. Ces deux visages des Stones, il les a ainsi vampirisés sur " Plastic fang ". Le second, lors des morceaux les moins intéressants, à la limite dispensables. Le premier pour mieux y libérer un groove d'enfer. A l'instar du menaçant, légèrement psyché, " The midnight creep " et du tribal " Mean heart ", deux compositions héritées en ligne droite de " Jumpin' Jack flash ". Ou encore du boogie âpre et acharné " Over and over " qui doit avoir mangé de l'Humble Pie (NDR : " I don't need no doctor ! "). Le rock'n roll, JSBE le consomme essentiellement sur trois titres : " Money rock'n roll ", " Shakin' rock'n'roll tonight " et " Swet n sour ". A la sauce stoogienne, histoire de ne pas avoir de Cramps (NDR : à l'estomac ?). L'opus recèle, en outre, un fragment taillé dans le même Chicago blues que le " Roadhouse blues " des Doors, " Down in the beast " ; et puis un morceau ondulant, hendrixien, " Hold on ", sur lequel Dr John est venu donner un bon coup de guitare.
Willie Kent est le bassiste le plus célèbre du blues contemporain pratiqué à Chicago. Pas pour rien que de 96 à 98, ainsi qu'en 2000 et 2001, il a cumulé les WC Handy Awards. Il a déjà commis quatre albums solo pour Delmark ainsi que "Who's been talking", en compagnie de Lil' Ed Williams. Willie est aujourd'hui âgé de 66 ans. Il est en effet né à Inverness, dans le Mississippi, en février 1936. Il a joué avec tous les grands de Chicago : de Muddy à Howlin' Wolf, en passant par Little Walter, Magic Sam, Junior Parker, Bobby "Blue" Bland et j'en passe. Ce nouvel opus est donc paru sur le label du célèbre club Blue Chicago. Nonobstant son titre ("Comin' alive"), il n'a pas été enregistré en public, mais dans les studios de Twist Turner.
L'album débute par "Lonely streets". Inspiré par Albert King, le jeune Haguy F. King s'acquitte admirablement de son rôle de 1er guitariste. Autobiographique, "Born in the Delta" est un splendide blues lent. "Check it out" est un blues rythmé qui rocke dans la plus pure tradition du terme. Une excellente plage marquée par le piano de Batts et une nouvelle intervention brillante de Haguy. "Look like it's gonna rain" font le plein de cuivres funkysants. La voix de Willie est délicieuse, très soul. Cette composition aurait pu figurer dans le répertoire d'un Fenton Robinson. Caractérisé par une brillante intervention du nouveau King, "Lonesome whistle blow" est un autre blues lent. Très nerveux et si proche d'Albert King, "Someone like you" est une bonne composition maison. Même scénario pour "Bad luck". Sans doute la meilleure plage de l'album qui bénéficie d'une assise rythmique impressionnante. Blues rythmé, "Sittin' here thinkin" permet aux ivoires de Batts de se mettre en vedette. La cohésion des Gents y est, en outre, remarquable. Dans un registre semblable, Don't tell me your trouble", permet à Haguy King de tirer le maximum de ses cordes. Quel bonheur ! Allen Batts se déchaîne sur le boogie au tempo enlevé "Something new". Indispensable finale gospel, "Someone you should know" bénéficie des chœurs de l'ensemble Gospel Supremez. Un album classique, mais surtout une agréable tranche de Chicago blues.
L'ange de l'enfer n'a guère changé de look depuis qu'il a effectué ses débuts dans les seventies. La crinière au vent, la slide menaçante, Katon avoue pour influences majeures Otis Rush, Albert, BB et Freddie King ainsi qu'Elmore James. J'avoue qu'elles ne sont pas toujours faciles à détecter. " Bad machine " constitue son 8ème album.
Intitulé "Boogie all over your head", son premier opus remonte à 1984. Des albums souvent sculptés dans le hard, aux titres évocateurs : "Proud to be loud" en 87, "Rip it hard" en 94 et "The rage called rock'n'roll" plus près de nous. Personnellement, j'estime que son meilleur opus demeure "Rub", paru en 96.
L'ouverture évolue sous des cieux peu rassurants, bien sombres, en laissant la slide rugir dès les premières notes du boogie ravageur, lourd et écrasant, "American McMofo"."Rock'n'roll, whiskey, blood 'n' guts" est une plage plus rock, basée sur un riff. Afin de se mesurer à ses accompagnateurs Michael donne un coup d'accélérateur sur "The pierced, tatooed and twenty somethin' boogie". Quelle furie ! Il monte sur l'autoroute quelque part entre Detroit et Milwaukee, pied au plancher, pour aborder sa "Bad machine". Il empoigne sa slide pour déguster une "Sugar Pie" bien croustillante, toujours truffée de vibrations rock. Un riff sourd, proche du 'Goin' down' de Don Nix, domine "Red moon risin". Katon navigue dans son élément de prédilection. Il tire les notes attendues de ses cordes en y injectant une puissance inouïe. Il chante "The man from Hell is on his way, gimme that bottleneck". Le tempo se calme enfin pour aborder "The lost TV Clicker blues". Un blues plus classique (NDR : quoique le terme classique ne soit pas tellement adapté), bien ficelé, dont les effets dramatiques sont bien mis en évidence. 'The Boogie-Man from Hell' a retrouvé son inspiration pour interpréter "Lowdown in Swamptown". Un boogie balayé par un harmonica et inspiré par les climats louisianais. "Boogie field" est un boogie qui tourne au ralenti, mais combien électrique. Et ce n'est certes pas la finale "The Detroit River dirty blues" qui ramènera le calme. Un album aussi puissant qu'électrique pour l'homme du Michigan.
Cinquième effort pour ce groupe porte étendard de la jeunesse désœuvrée de tout le monde libre occidental. Après avoir décroché quelque peu la carrière de Korn après " Life is peachy ", je me suis surpris à réécouter plus attentivement les albums que j'avais loupés en leur temps. Car " Untouchables " m'a donné cette envie de combler le vide que j'avais laissé. Car c'est un putain de bon album. Selon mon humble avis, la plaque est trop longue (à l'instar d'" Issues " et de " Follow the leader "). Mais c'est bien là son moindre défaut. Après avoir opté pour une approche trop hip hop, trop marquée tendance, Korn opère une espèce de retour aux sources à travers un rock tendu, noir, martial et couillu. Le groupe restera une grosse machine vendeuse, ne retombera pas de sitôt dans l'anonymat, mais devrait l'assumer de façon manière astucieuse. Mais pitié qu'ils arrêtent de jouer les éternels adolescents collégiens dans leurs clips. Ils sont devenus adultes aujourd'hui, non ?
Malgré l'image d'ennui qui colle à la Suisse (un pays neutre, plate-forme du fromage et refuge des financiers et de Stephan Eicher), certains de ses habitants musiciens donnent quand même envie de s'y intéresser davantage : c'est le cas des Young Gods, et de Knut. Groupe de métal sombre et torturé, Knut est connu des fans de hardcore bien trempé (tendance Pro-Pain) et de trash crépusculaire (tendance Neurosis). Didier Séverin chante comme un Max Cavalera qui aurait mal aux cordes vocales, gueulant, aboyant, éructant son mal-être dans des lyrics à faire frémir Ted Bundy et ses autres potes serial killer. Certes, la dentelle n'est pas une spécialité suisse (c'est la nôtre) ; mais quand même, pourquoi tant de haine ? Sans refrains (plutôt des sursauts de méchants décibels) et sans accalmie (si ce n'est l'instrumental "58.788", interprété à la guitare acoustique ; oui messieurs !), ce "Challenger" envoie tous les prétendus métalleux d'Amérique (Limp Bizkit, Puddle Of Mud,…) au tapis. Qui a dit que la Suisse n'était qu'un pays de skieurs et d'horlogers ?
Vous aimez Bruel qui chante la France des années 30 ? Ecoutez plutôt Marie Kiss La Joue. Avec ses textes simples, directs et vaguement désuets, avec ses guitares manouche et son violon, la chanteuse bretonne recrée des ambiances du même acabit. Il paraît qu'elle écrit ses chansons en observant la vie autour d'elle, depuis une table de bistrot. Cela donne beaucoup de portraits (Henri, Valentin, Sophie) et des petits bouts d'histoire, partis par exemple de la découverte de l'agenda d'un inconnu. L'ensemble est très agréable, grâce au swing de Marie Kiss la joue, au ton volontiers coquin de l'interprétation, à ce je ne sais quoi d'ironie et de modernité… qui manque cruellement dans la démarche sympathique de Bruel.
Après une douloureuse rupture sentimentale, Lenny Wolf s'est jeté à corps perdu au cœur d'un travail de composition pour remettre sur les rails son groupe Kingdom Come. Ce brillant "Independent" en est le résultat. Un opus très attendu par les fans de la période "années 80" ; mais aussi par les chanceux qui ont eu l'occasion de retrouver Kingdom Come sur scène en ouverture de certains concerts accordés par Deep Purple, dans le cadre de la dernière tournée européenne accordée par le band de Ian Gillan.
A ses débuts, le groupe était comparé, à juste titre, à Led Zeppelin ; et la voix de Lenny Wolf à celle de Robert Plant, dont il n'a jamais caché être un grand admirateur. A l'époque, on pouvait lire dans la presse spécialisée : 'Précipitez-vous sur le premier album de Kingdom Come, la meilleure copie de Led Zep de tous les temps!'. Philosophe, voire résigné, Mr. Wolf criait haut et fort qu'il prenait la chose comme un compliment. Même si l'ombre du dirigeable plane toujours sur ce neuvième album, écrit de A à Z par le maître, force est de reconnaître que le groupe, dont Lenny demeure l'unique membre de la formation originale, a bien évolué et qu'il a digéré ses influences en y apportant une foule d'éléments neufs. La production est énorme, chaque composition finement ciselée, les riffs dignes du grand "In your face" et le timbre vocal du chanteur demeure un des plus beaux de la scène hard rock des eighties.
D'entrée de jeu, le titre "I can feel it", soutenu par une batterie 'Bonhamesque', fera dresser les poils de bras de tous ceux qui ont craqué sur les superbes "Get it on", "Do You Like it" ou "Pushin hard". De titre en titre, l'auditeur averti découvrira mille et une facette encore inconnues, si bien que l'écoute de cet "Independent" passera à la vitesse de la lumière, vous invitant dès la fin de la dernière plage à appuyer sur la touche 'repeat' de votre lecteur. Un album dont vous serez dépendant dès la première écoute!
Cet opus véhicule l'étiquette du blues authentique pratiqué dans le Nord Ouest de l'Alabama, mais transposé à notre XXIème siècle. King est né en 1973. A Prarie Point, dans le Mississippi. Il a passé toute son existence dans le sud profond, au sein des milieux ruraux du Sud. Une région qui n'a guère changée depuis près d'un siècle et demi ; c'est à dire à l'époque des esclaves qui travaillaient dans les champs. On comprend mieux ainsi pourquoi King milite en faveur droits civiques depuis plus de trente ans. En l'an 2000, King avait commis l'excellent "Freedom Creek", sur le même label. Ce nouvel elpee a été enregistré à Memphis, dans le Tennessee. Willie est entouré de ses Liberators ; mais a également reçu le concours d'un second vocaliste qui répond au nom de Willie Lee Halbert, du guitariste Aaron Hodge, du drummer Willie Williams et du bassiste Robert Corbett.
Le titre maître ouvre la plaque. Répétitif, le rythme est souligné par le saxophone de Kevin Hayes, pendant que les deux Willie se réservent des échanges complices au chant. "Crawlin' blues" s'inspire nettement du blues de John Lee Hooker. A cause du timbre vocal grave de Willie. Très proche du maître. Et les échanges opérés avec son partenaire au chant, Halbert, sont très réussis. Un downhome blues comme on les apprécie ! "The stomper" baigne toujours dans l'univers musical de Hooker, mais pour la circonstance il est sculpté dans le boogie hypnotique, obsessionnel, même si l'instrumentation reste de haut vol. Et au cœur de cet univers restrictif, la guitare inventive et le sax de Hayes (NDR : un chauffeur de poids lourds venu de Louisville) tirent leur épingle du jeu. "America" est une ballade qui réalise la communion entre le saxophone et la guitare. Ce qui n'est pas nécessairement évident et s'avère même plutôt rarissime dans le domaine du blues typiquement classique. Une compo dont le sujet ne peut évidemment pas vous échapper... King est aussi largement inspiré par Howlin' Wolf. Il le manifeste sans aucune ambiguïté, lorsqu'il administre un riff mid tempo à "You so evil". Toute la machine des Liberators est parfaitement huilée pour cet exercice de style : la section rythmique, le piano de Henry Smith, le sax et les guitares. Pour la circonstance, Willie accentue ses basses vocales, histoire de bien nous orienter vers l'univers de Wolf! "All tied up" est une ballade rythmée, illuminée par le saxophone alto de Hayes. King clame son combat pour la justice, la vérité, l'amour et le respect des autres, ainsi que pour l'arrêt de toute forme de violence. "You got to have love" campe un blues rythmé de nouveau classique, pas tellement éloigné du Chicago blues urbain. "Is it my imagination" évolue sur un mode similaire, mais inspiré davantage par Willie Dixon. Longue litanie de plus de 8', "Terrorized" épouse le profil dépouillé de John Lee Hooker. Un fragment dramatique dans le ton, inspiré par les événements du 11 septembre 2001. Mais le terrorisme n'était-il pas déjà présent dans les plantations ; là où naître afro-américain vous exclut des humains ? Cet excellent album s'achève par "The blues life", un monologue que Willie King nous confesse, en parlant de la vie du bluesman…
Jimmy King a perdu son étiquette de ‘little’ qui lui collait aux basques depuis ses débuts. De son vrai nom Manuel Gales, il est le cadet d'une famille de musiciens réputés. Une famille issue de Memphis, dans le Tennesse. Manuel avait d'ailleurs gravé un album, en compagnie de ses frangins Eric et Eugene, en 96 : "Left hand brand". Un disque qui était sorti sous le patronyme des Gales Brothers, sur House of Blues.
Manuel est aujourd'hui âgé de 37 ans. Gaucher, il s'est tout naturellement inspiré de deux autres célèbres ‘left hand’, Albert King et Jimi Hendrix. Trois albums ont précédé ce "Live at Monterey" : "Little Jimmy King and the Memphis Soul Survivors" en 91, "Something inside of me" en 94, et "Soldier for the blues" en 97.
Son dernier opus est partagé entre enregistrements live accordés en juin 1999 au Monterey Bay Blues Festival (sept plages), et prises studio opérées en 1994, sous la houlette de Ron Levy (quatre titres). Passé l'intro de la partie live, l'instrumental "The ghetto" est marqué par une guitare très réverbérée ; un style inspiré à la fois par Albert King et Jimi Hendrix, surtout dans le travail sur le son. Jimmy chante ensuite "Somebody". Une composition écrite par son frère Eugene. Très largement amplifiées jusqu'à la saturation, les cordes rugissent, poussent bien dans les aigus. Et pour demeurer fidèle à Albert King, le son métallique est produit par sa guitare Gibson Flying V. La prise de son laisse un peu à désirer. L'homme possède une bonne voix, au ton naturellement soul. Il peut ainsi maîtriser son répertoire sans difficultés. A l'instar de "Don't burn down the bridge". Toujours proche du King Albert, sa guitare n'est pas toujours infaillible. L'intro de "Living in the danger zone" et celle du très long blues lent "Drowning on dry land" souffrent de suramplification ! Je préfère les plages studio, à la sonorité irréprochable, surtout lorsqu'elles sont renforcées par la présence des Memphis Horns ; c'est à dire Andrew Love au tenor sax et Wayne Jackson à la trompette et au trombone. "I wonder why" est percutant. Tous les instruments sont bien en place et la guitare décolle avec beaucoup d'aisance et de brio. "Everybody wants to go to heaven" est un blues lent écrit par Don Nix. La voix grave de King est majestueuse devant l'orgue Hammond d'Archie Turner. La guitare est cette fois parfaite, impériale. Jimmy s'en donne à cœur joie. Sans surprise, l'album s'achève par le "Floodin' in California", d'Albert King, avec force riffs cuivrés. Il serait grand temps que Jimmy pense à enregistrer de nouveaux titres. Son dernier opus studio remonte à 97, et ce live date déjà de 1999…
Ce musicien bordelais compte déjà la bagatelle de 11 albums à son actif. Un multi-instrumentiste (piano, guitare, basse, claviers, melodica, chant, drums, harmonium, samples,…) qui sévit également au sein de Combinaison, un trio impliquant également Hugo (membre de Calc) et Gwen (de le Havre).
Pour enregistrer cet opus, Kim s'est quand même entouré de quelques musiciens de studio. Pour y jouer de la trompette, de la flûte traversière et du violoncelle. Ainsi que de deux choristes féminines. A l'origine, les 8 titres de ce disque ont été composés au piano. Ce qui explique pourquoi la ligne conductrice de cet elpee repose sur cet instrument. Ce qui n'empêche pas l'expression sonore d'être très riche. Kim traite le thème du titre maître sous trois formes. Ils sont intitulés " Married on ", "Married out (part 1) " et " Married out (part2). Il en conserve, à chaque reprise le refrain. Un refrain contagieux tramé sur le piano/cabaret, qu'il accompagne parfois au chant. Un refrain qui lui sert, en quelque sorte, de rampe de lancement pour s'évader dans l'univers du prog rock. Celui de Robert Wyatt voire de Hatfield and The North, c'est une certitude. A cause des vocaux éthérés, des claviers atmosphériques et des cuivres jazzyfiants. De Weather Report, lorsqu'il s'abandonne dans le free jazz. A l'instar du troisième exercice de style. Même si au beau milieu de cette longue odyssée sonore, la musique glisse dans le monde du King Crimson circa " In the Court of The Crimson King ", voire de " Lizard ". Même la batterie me fait penser à Michaël Giles et la trompette à Ian Mc Donald. Une technique aux drums qu'il reproduit chez la ballade " Rome for lady eight ". Le prog est encore présent pour " Lady eight melodin sane ". Celui du Floyd. Un peu comme s'il voulait réaliser la fusion entre " More " et " Atom heart mother ". Polyphonies vocales, percussions robotiques et piano déchiré entre arpèges symphoniques et expérimentations contemporaines justifiant cette impression. Dans le même style, les 12 minutes du tendre et romantique " Rome for melodin sane " me semblent un peu tirées en longueur. C'est sans doute le seul reproche que l'on puisse faire à ce disque. Car il recèle encore, à travers " Sexy lady lane ", un titre allègre, sculpté délicatement dans le funk blanc, qui ondule sur le postcard d'Orange Juice. Et puis chez " If Molly can work ", un track que Pavement aurait pu écrire s'il avait opté pour le psychédélisme plutôt que la lo-fi. Etonnant que cet artiste soit aussi méconnu…
Au rayon du post-punk no-wave revival circa 1978-1982, j'appelle : les Liars. Guitares abrasives, voix torturées, rythmiques hypnotiques, haine du couplet-refrain : les Liars jouent du rock dans l'urgence, sans compromis ni véritables mélodies. Leur vie en dépendrait-elle ? Sans doute, tant on sent, au détour d'un cri primal, d'un riff proche du viol auditif, d'un beat martelé comme on se flagelle, l'explosion imminente, la déflagration d'un rock tranché à vif, puis plus rien… Seulement une boucle, répétée à l'infini (" This Dust Makes That Mud ", 30 minutes), déroutante, effrayante, assommante. Narcotique. Car le rock désossé des Liars fait l'effet d'une drogue dure : une fois qu'on y touche, on ne peut plus s'en passer. L'enfer ou le paradis, c'est selon. Au rayon du post-punk…, j'appelle : les Liars. Enfants terribles de Gang Of Four, d'ESG, de Liquid Liquid et de Wire, les Liars usent nos nerfs et nos jambes (leur musique, punk limite, est aussi furieusement funky). Jusqu'à la corde, jusqu'à l'os, jusqu'au sang. Après eux, le silence.
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