Des groupes français sympathiques et politiques, il y en a pas mal. Comment se distinguent Les Escrocs ? En variant les genres. Il y a l'inévitable raggamuffin " avé l'accent " (" Les puces " et tous " les objets ridicules " qu'on y trouve), le reggae (en chantant " les chiants " comme Brel " les biches ", irrésistible)... Et surtout, les Escrocs manient habilement l'art du paradoxe, en proposant des choix musicaux en décalage avec le texte. Cela nous vaut un tempo des plus endormis pour " J'suis speed, je suis De Funès, une Speedy Gonzales " ; une java bien enlevée pour raconter la déchéance de l'employé viré qui finit clochard ; un funk (" Tout le monde grave les disques ") pour s'éclater sur la piste en réclamant ses droits d'auteur ; des sonorités arabes pour dénoncer les milices et " leurs bergers allemands qui s'appellent Adolphe ". Un moment bien amusant…
Il y a deux ans, " Lemonjelly.ky " enchantait nos oreilles à coups d'électro soyeuse, d'acoustique psychédélique et de pop numérique bubble-gum. Sous la pochette colorée de cette compilation de trois EP's se cachait un duo de doux dingues, biberonnés aux samples de films imaginaires, aux délires animés en technicolor et aux musiques sucrées du Pays des Merveilles. Avec cette compile, Lemonjelly nous offrait tout simplement un voyage aller simple pour le bonheur… " Lost Horizons ", leur véritable premier album, prolonge cette escapade vers des terres toujours plus ensoleillées, où on verrait se côtoyer le lapin fou et la fée clochette, l'électro la plus enchanteresse et la pop acoustique la plus magique. Toujours aussi riche en (oligo)éléments (guitares, trompettes, samples, etc), la musique de Lemonjelly se savoure religieusement, chaque titre renfermant son lot de surprises et de miel pour les oreilles. Des chœurs à la russe à la fin du jazzy-bossa " Return To Patagonia " (en référence au titre du EP jaune, " Homage To Patagonia ") à la cornemuse ( ?) d'" Elements ", les pépites de ce " Lost Horizons " n'ont jamais fini de dévoiler leurs charmes. En huit morceaux et autant de merveilles - construits chacun comme un monde en soi, dans lequel on s'immerge corps et âme -, " Lost Horizons " nous fait perdre la tête. Allez, on le dit : cela faisait longtemps que l'électro ne s'était pas réinventée comme cela sous nos yeux (et nos tympans) ébahis.
Elizabeth est originaire du Texas. De Houston, pour ne rien vous cacher. Elle n'est pas une véritable 'blues woman', car elle aborde indifféremment le rock, le blues, le southern soul et le R&B funky. Elle a beaucoup voyagé et s'est arrêtée à New York le temps de commettre deux albums : "Don't rub me the wrong way" et "Texas bound". Elle a transité par Nashville avant de revenir au Texas où elle a rencontré le guitariste/producteur Larry Chaney, en compagnie duquel elle a enregistré. "Milagro". Lors d'une tournée européenne, elle a noué des contacts avec le label allemand Taxim, sur lequel vient de sortir son petit dernier. Un opus qui baigne au sein d'un climat rocking blues dramatique.
Dès les premières notes de "Coffee song", la voix trafiquée, légèrement reverb, laisse une large place aux guitares saturées. Bien que l'album soit signé Miss Lee, Larry Chaney joue ici un rôle très important. Non seulement il se réserve la guitare, mais il assure également la production de l'elpee. La charmante Babette ne manque pas d'atouts. Elle possède une puissance naturelle dans la voix. "Somethin' gotta give" est un R&B séduisant. La guitare part à l'aventure. Elle s'évade au loin, très loin, pour frôler l'univers du psychédélisme. Elle déjante et délire à la fois. Composé par Percy Mayfield, "River's invitation" est un classique notoire, que ne recèle cependant rien de bien californien dans le son. "You slay me" est une compo qui épouse un riff très proche des Rolling Stones. La guitare de Chaney joue sur les rythmes, alors que l'harmonica de Frona Farrelly parvient enfin à émerger. Ballade sensuelle, "Never meant to" est un moment propice pour permettre à la voix de moduler le ton. Le traitement infligé à "Start it up" est bien plus intéressant. Composé par Robben Ford ce titre est caractérisé par un chant mesuré qui éclate dès que le tempo change. L'instrumentation se fixe alors à Memphis pour s'inspirer de Booker T & the MG's, Larry jouant le rôle de Steve Cropper et l'organiste Pat O'Bryan celui de Booket T. Probablement le meilleur moment de cet album! Composition originale, "Get ready" est une ballade sirupeuse au cours de laquelle la voix produit ses petits fantasmes sensuels. Le Band doit se sentir à l'aise sur scène. On s'en rend compte tout au long du 'medley' partagé entre l'illustre "Shakey ground" de Delbert McClinton et le non moins connu "After midnight" de J.J Cale. L'expression sonore passe, avec beaucoup de bonheur, du funk naturel du premier à la nonchalance du second, en maintenant une puissance dans la voix qui sied parfaitement à l'ambiance créée par les musiciens. "You got that right" sent bon le blues. La rythmique particulièrement solide balise cette plage paresseuse pendant que l'harmo et la slide se traînent sur la route quelque part entre New Orleans et Baton Rouge. Le rockin' blues durcit et se mue en boogie d'enfer tout au long de "Methadone man". Sur un tel thème les cordes peuvent délirer à satiété. Elesabeth Lee nous entraîne, tout au long de ce " You got that right ", au sein d'un univers sonore sis quelque part entre le blues, R&B et le southern rock…
Il y a quatre ans, les deux comparses Layo Paskin et Matthew " Bushwacka ! " Benjamin avaient failli damer le pion aux Chemicals Brothers dès la sortie de leur premier album " Low Life ", un concentré de beats sauvages et festifs taillés pour le dance-floor. Ce " Night Works " était donc attendu au tournant par de nombreux clubbers d'Angleterre, d'autant que les galettes house balancées par nos deux amis de The End sentent bon le sable chaud et le soleil couchant, images cartes postales de leurs dernières vacances passées à Ibiza, entre l'after du matin et la pilule du soir. Car c'est bien l'hédonisme pur jus qui fait turbiner Layo et Bushwacka ! Derrière leurs platines, cette maladie virale qui brûle la vie et l'énergie des jeunes gobbers par les deux bouts, les laissant affamés sur la piste aux étoiles, la mâchoire crispée et les yeux explosés. " Acid ! ", crient-ils à l'aube, se déhanchant une dernière fois sur ce " Love Story " aux nappes balearic dantesques, hymne à la défonce et à la joie mystique… " Trop transe, quoi ". Mais que reste-il aux touristes de la plage de Blankenberge, aux étudiants en seconde sess' qui doivent rester chez eux, bloqués entre deux syllabus ? Quelques morceaux sympathiques pour faire semblant d'un peu s'amuser, d'y être aussi, sur cette plage, en Espagne, entouré de belles nanas. Layo et Bushwacka ! ont pensé à tout pour amener le soleil à la maison: un peu de tech-house par-ci (" All Night Long ", pour les vrais bûcheurs à la bourre), un peu de downtempo jazzy par-là pour tapisser le fond sonore du repas familial (" Sleepy Language "), et le tour est joué ! Plus besoin de partir en vacances, il suffit de sortir le bermuda et les tongues du placard, et d'insérer " Night Works " dans le lecteur. C'est-y pas beau, la vie ?
William Paul Mitchell, alias Large Professor, n'est pas aussi connu que les ‘featurings’ de son premier album solo (Nas, Q-Tip et Busta Rhymes), et pourtant il a produit pas mal de bombes hip hop (d'Eric B et Rakim aux Beastie Boys) et donné des conseils à pas mal de B-boy apprentis producteurs… Qui, aujourd'hui, font les choux gras de l'industrie du disque (DJ Premier de Gang Starr en tête). Si Large Professor n'est donc pas connu comme rappeur multiplatiné, son ombre plane sur bon nombre de productions racées de la crème du hip hop, des défunts A Tribe Called Quest aux récents albums des Beatnuts et des X-Ecutioners. Avec ce premier album solo, le temps de l'anonymat des consoles serait-il terminé ? " 'Bout That Time ", " In The Sun " ou encore " Large Pro " semblent confirmer cette supposition, tant Large Professor convainc à la fois devant et derrière le rideau rouge. Old School à souhait, cet album ne prétend pas mettre à sac les règles du hip hop le plus répandu, mais il n'en est pas moins rempli de beats ravageurs, de violons charmeurs et de flûtes à la Jurassic 5 (" Kool "). Plus proche des Native Tongues que du gangsta rap cher à Snoop Dogg et Dr Dre, le hip hop de Large Professor s'écoute avec un peu de nostalgie, mais beaucoup de plaisir. " There a lot of rappers in the world today, some that got nothing to say, some fake, some fool, some imitation ", vitupère-t-il sur " 'Bout That Time " : s'il est loin le temps où le rap nous contait fleur bleue sur toutes les ondes (" Rest in Peace, Jam Master Jay ", diront certains), il en restera toujours pour le rappeler à notre bon souvenir.
Dix-sept musiciens ont participé à l'enregistrement du 6ème album de Lambchop. Ils se partagent drums, percussions, vibraphone, cuivres, basse, claviers et tutti quanti. Mais se mettent surtout au service d'un concept : la lo-fi de Lambchop. Une lo-fi qui met ici en exergue la six cordes et la voix de Kurt Wagner ainsi que le piano de Mark Nevens. Deux personnages qui se partagent, en outre, la production. Kurt est bien entendu l'âme de Lambchop. C'est son projet, son moyen d'expression. Musical, mais également littéraire. Ses lyrics fouillent profondément et avec une logique existentielle, dans la psychologie de l'être humain : ses angoisses, ses frustrations, ses relations amoureuses, ses chagrins, ses regrets, etc. Des lyrics qu'il chante d'un timbre vocal tantôt falsetto, tantôt nicotiné, capable d'épouser tout à tour les inflexions de Scott Walker, de Jarvis Cocker ou encore de Stuart Staples. " Is a woman " se révèle cependant une œuvre atmosphérique dans le sens le plus pur du terme. Un disque à écouter, de préférence, dans son salon, en compagnie d'amis, après un bon repas, un pousse à la clef. En fait, Kurt renoue ici avec une certaine forme de soul/jazz brumeuse, voluptueuse, sous le couvert d'une appellation country alternative. Kurt a même avoué avoir écrit toutes ses chansons, l'esprit hanté par un piano. Une forme de soul/jazz minimaliste dont la douceur envahissante grise plus qu'elle ne déprime. Mais encore une fois, ce disque est à écouter dans un contexte très particulier. Sans quoi vous risquez fort de le détester…
Pour vous rafraîchir la mémoire, Lupine Howl est un groupe formé par les anciens membres de Spiritualized, rejoints par le drummer originel Johnny Mattock, lorsque Jason Pierce les a virés pour continuer le projet en solitaire. En 2001 les bannis avaient alors commis " The carnivorous lunar activities of… ", un formidable opus biberonné au psychédélisme atmosphérique, noisy, légèrement bluesy, plus proche du Spriritualized Electric Mainline que de Spiritualized. Depuis, Damon Reece a quitté le navire. Ce qui n'a pas empêché Lupine Howl de poursuivre sa route et de nous revenir avec un deuxième opus, totalement différent. Ainsi les mauvaises langues qui avaient décrété qu'il serait, faute de renouvellement, aussi rapidement disparu qu'il n'était apparu en seront pour leurs frais. En fait, " The bar at the end of the world " trempe toujours dans le psychédélisme. Mais hormis le premier fragment, " A grave to go to ", qui aurait pu relever du répertoire de Primal Scream, le reste nous plonge dans un univers beaucoup plus atmosphérique, cosmique, planant même ; parfois à la croisée des chemins de The Verve, de Richard Ashcroft (NDR : cherchez l'erreur !) et du Floyd circa " Echoes ". L'opus n'est pas parfait, certains fragments se complaisant un peu trop dans la ballade country alternative. Mais il recèle des morceaux d'excellente facture. Et je pense tout particulièrement à " The pursuit of pleasure " et à " Trust me ? ", deux chansons apparemment calmes, mais dont le cœur bouillonne avec intensité, agitation, excitation… Ou encore à " Centre of the universe ", qui épouse un style fort comparable, mais plus complexe, plus luxuriante encore, elle est enrichie d'arrangements de cordes somptueux. Des arrangements de cordes qu'on retrouve régulièrement tout au long de ce disque, ma foi, fort agréable à écouter. A quand un concert ?
Bien qu'achevé en 1999, le premier opus de cette formation belge vient seulement de voir le jour. Un disque qui a bénéficié du concours d'Ash Howe (Faithless, Texas, Brian Ferry) à la co-production ; mais également de Piet Goddaer (Ozark henry) pour les arrangements de cordes. Ce qui vous donne une petite idée du soin qui a été apporté à la finition de cet elpee. Lunascape, c'est avant tout Walter Hilshorst et Kyoko Baertsoen. Le premier se réserve la guitare, la programmation, la co-production et partage l'écriture des chansons avec Kyoko. Kyoko le chant. Cette ex vocaliste de Hooverphonic possède une superbe voix, dont le timbre limpide, cristallin, éthéré, évoque tantôt Karin Oliver (la première vocaliste de His Name Is Alive), tantôt Heather Nova, Dolores O'Rioardan (Cranberries) ou encore Liz Fraser (Cocteau Twins). Excusez du peu ! Cocteau Twins est en outre une des influences majeures du groupe. Tout comme Dead Can Dance. Mais également et surtout Portishead. Parce que nonobstant un titre plus pop, plus hymnique, (" My second skin "), une incursion dans le techno metal (" Sin for me "), un détour par le reggae blanc (" Mourning star ", et enfin, une excursion dans l'exotisme (" Lane Navachi "), le reste de l'opus baigne dans une sorte de trip hop atmosphérique. Une trip hop née de la rencontre entre rythmes contagieux, samplings, boucles, arrangements de cordes, guitares électrique et acoustique, dont les mélodies puissantes, élégantes, sont caressées par la voix de Kyoko. Et si toute l'œuvre peut être créditée de très bonne facture, j'avoue quand même un faible pour " Tears from the moon ". Pas parce que cette chanson fait également l'objet d'un clip. Un clip qui a d'ailleurs été diffusé au festival de Berlin ; mais tout simplement parce que c'est une très belle chanson…
Si vous l'ignorerez encore, Luna est une formation drivée par Dean Wareham. Un Néo-zélandais qui a sévi, au cours de la seconde moitié des eighties, au sein du trio mythique Galaxie 500. " Romantica " constitue déjà le 6ème opus de sa nouvelle formation dont le line up vient de s'élargir à une certaine Britta Phillips. Pour y tenir la basse et assurer les backing vocaux. Elle partage même, de son timbre voluptueux, le chant avec Dean sur le savoureux " Mermaid Eyes ". Sur les onze fragments de cet opus, les quatre derniers baignent au sein d'un climat intimiste, pour ne pas dire nonchalant. Y compris le mid tempo " Dizzy ", et " Rememories ", traversé par les accents d'une slide. Mais la marque de fabrique de Luna procède de la conjugaison des cordes de guitares échangées entre Dean et Sean Eden. Des cordes tour à tour tourbillonnantes, gémissantes (Edwyn Collins ?), luxuriantes, bringuebalantes, incisives, chatoyantes ou encore veloutées. Un style hérité en ligne droite du mouvement écossais postcard, illustré par Orange Juice, Aztec Camera ou encore Pastels, au début des eighties. A moins que ce ne soit de l'écurie du label néo-zélandais Flying Nun (JPS Experience, Bats, Verlaines, Chills, Clean), né à la même époque. Ou peut-être encore un peu des deux. Evidemment, les puristes retourneront aux racines pour citer les Feelies, Television et bien sûr le Velvet Underground. Bref, chez les adeptes de cette pop soyeuse, atmosphérique et fruitée, Luna est un astre sonore de choix. Pour enregistrer cet elpee, le combo a reçu le concours de Gene Holder (dB's) à la production et de Dave Fridman (Flaming Lips, Mercury Rev, Mogwai) au mixing. Dave a même enrichi " Black champagne " d'arrangements de cordes somptueux. Deux compos s'écartent cependant légèrement de la ligne de conduite observée par " Romantica ". Tout d'abord, le groovy " Swedish fish " et puis le rock enlevé " 1995 ". Mais en général, les mélodies simples hantées par la voix chaude de Dean, dans un style mi chanté / mi parlé, créent un remarquable tableau visionnaire, pittoresque, romantique, de la pop. Du grand art !
Après avoir longtemps véhiculé l'image et même le symbole du slowcore, Low a opéré un virage à 180° lors de la sortie de " Things we lost in the fire ", en 2001. " Trust " confirme ce changement d'orientation sonore. Bien sûr, l'opus recèle encore quelques fragments empreints de nonchalance ténébreuse, presque sinistre. Et je pense tout particulièrement à " John Prine ", dont les sonorités glaciales et accusatrices, réverbèrent comme une cloche d'église, à travers un paysage d'hiver dénudé. Ou encore à " The lamb ", dont le cognement sourd des drums accompagne le chorus funéraire. Ce sont presque les exceptions qui confirment la règle. Car le reste de l'opus oscille entre périples atmosphérico-psychédéliques, fragments beaucoup plus allègres, presque folk, et plages chargées d'intensité électrique vivifiante, décapante. Ce sont d'ailleurs les plus belles. " (That's how you sing) Amazing Grace", tout d'abord. Une chanson bercée de guitares bringuebalantes, dans un style fort proche de Red House Painters. " Snowstorm ", ensuite. A cause de ce fil mélodique qui épouse le feedback ondoyant. Et enfin et puis surtout " Canada ". Trempée dans un psychédélisme délicieux, cette pop song au tempo enlevé libère un groove viscéral, presque contagieux, digne des Breeders. Les voix de Mimi Parker et d'Alan Sparhawk sont toujours aussi limpides, mais décalées, histoire de transcender chaque mélodie. A un tel point que parfois on à l'impression qu'elles frôlent le gospel. Enfin le superbe lyrisme offre des moments de beauté solennelle. Dommage cependant que l'album ne soit pas davantage sous tension électrique, cet opus aurait alors pu truster une place parmi les dix meilleurs albums de l'année. Ce n'est sans doute que partie remise…
Love As Laughter a été fondé en 1994 par Sam Jayne. Enfin, il s'agissait plutôt d'un projet que d'un groupe, puisque L.A.L. se résumait à sa seule et unique personne. Et c'est en solitaire qu'il a enregistré le premier elpee. Au fil du temps, Jayne a étoffé son line up. A un tel point qu'à une certaine époque, il se composait de huit musiciens. Aujourd'hui, L.A.L. est un trio. Sam n'est quand même pas un illustre inconnu, puisqu'il avait collaboré à l'enregistrement de l'album "One foot in the grave" de Beck. Mais, il faut reconnaître que la production discographique de sa formation est, à ce jour, toujours demeurée confidentielle. " Sea as shining sea " possède tous les atouts pour permettre enfin au groupe de sortir de la zone crépusculaire de l'underground. Un disque pas tellement facile à assimiler, mais qui progressivement exerce ses charmes. A cause de cette sensibilité sixties particulièrement vivace, sauvage, malsaine, urbaine, puisée chez des monstres sacrés comme le Who (" Substitute ", " My generation ") les Stones (période " Let it bleed ") et le Velvet Underground. Et puis de ce sens mélodique particulièrement contagieux, nonobstant les guitares obliques, distordues, les lyrics sombres, et la voix desséchée de Jayne. L'album regorge de titres les plus surprenants les uns que les autres. On a ainsi droit à une excursion dans le psychédélisme épique (" Druggachussets "), le psychédélisme punkysant post Wire ( sur le meilleur fragment de l'album, " My case "), ou encore dans le country blues comique (" Sam Jayne=dead "). Bref, un disque à découvrir absolument !
Quand deux musiciens de Napalm Death (dont le sympathique Shane Embury), le batteur de Dimmu Borgir et l'ex chanteur de At The Gates se retrouvent pour taper le bœuf, ça donne Lock Up, un groupe de death metal extrême d'une technicité époustouflante. Evidemment, on ne fait pas dans le genre thé au citron et petits fours ! Exit Peter Tatgren qui hurlait sur le premier effort du combo, et bienvenue à Thomas Lindberg (At The Gates) pour faire passer définitivement Lock Up du statut de side-project à celui de vrai groupe. Bien sûr, les similitudes avec la musique ultra nerveuse de Napalm Death sont palpables ; mais Lock Up est loin d'être une copie carbone du célèbre groupe de death métal. Puissantes, hargneuses, rageuses, d'une précision inouïe, les plages qui composent ce "Hate Breeds Suffering" exploitent un potentiel de férocité avec une classe digne des meilleurs moments de Slayer, voire même de certains groupes hard core metal cultes tels que Crumbsuckers, Dark Angel ou Cro Mags. Une bombe difficile à désamorcer. Mieux encore, de la dynamite !
Malgré un sobriquet qu'il doit non pas à sa petite taille, mais plutôt au fait qu'il ait commencé à jouer dès son plus jeune âge, Little Victor n'est certainement pas à ‘court’ de talents. Originaire du Texas, Victor pratique le blues depuis plus de quinze ans. Après avoir côtoyé, du côté de Beale Street, de vieux bluesmen de la scène locale de Memphis, il s'active sur les planches des clubs d'Austin en se produisant avec les artistes du coin. A l'instar de son ami et compère, Paul Orta, il finit par s'installer à Paris, en France. C'est dans la ville lumière qu'il rencontre Miss Sophie Kay. De formation classique, ses goûts s'orientent vers le folk-gospel avant de tomber dans le blues, suite à une rencontre déterminante avec R.L Burnside.
Little Victor (chant, guitare, harmo) et Sophie Kay (chant, guitare) nous distillent du blues dans la pure tradition du Delta des années 40. L'album débute par une reprise de Little Walter, "I just keep lovin' her", qui laisse la place à un jeu subtil de guitare, appuyé de solis d'harmo. Victor dévoile ses talents vocaux dès la 2ème plage, le ragtime "Two days ago", aux voix particulières et aux consonances très R'n'R fifties. Rythmées par les six cordes de Sophie, la plupart des plages ont été arrangées par Little Vic. Sophie prend le relais en chantant "Chauffeur blues". Ce n'est d'ailleurs pas l'unique titre sur lequel cette admiratrice de Memphis Minnie assure les vocaux ("Rock little daddy", etc.) Notre américain à Paris s'illustre encore de très belle manière en mettant en avant son jeu de guitare efficace et sans superficialité. Sur "I'm gonna get my baby", le Bo Weavil n'est pas très loin, et ce tant par le style et la sonorité, que par la présence bien agréable de Vince "Sleepy" Talpart, à la contrebasse, sur six titres du CD. La rythmique est d'ailleurs, elle aussi, assurée par Eric "Rockin' Lulu" Lelet, batteur sur le 1er album du Bo Weavil. Partagé entre le Memphis Sound des années 50 et le blues profond du Delta, Little Victor et Sophie Kay nous transportent dans un voyage d'authenticité, une véritable musique de juke-joint. L'écoute de l'album ne nuit en rien à la santé, bien au contraire. Le duo se produira le 1er juin à la Ferme de la Madelone à Gouvy; d'autres dates sont envisagées dans nos régions. Restez attentifs !
Trente ans déjà que Little Charlie Baty et Rick Estrim font équipe ensemble. Et cela s'entend tout au long de ce voyage musical qui nous transporte de la Californie à Chicago en passant par le Texas. Ils y maîtrisent avec brio, swing, jump, blues et rockabilly. Si on ne tient pas compte de la collection "DeLuxe edition", les Nightcats ont déjà commis sept albums pour le label Alligator.
Le disque s'ouvre par "Real love". L'intro de Little Charlie Baty à la guitare est tapissée de courtes phrases aiguës, assassines. Rick Estrin pose sa voix nasillarde, avant d'expirer au creux de l'instrument chromatique. Atmosphère Nightcats garantie ! "Weekend off" aborde le West Coast swing. La guitare déborde de vitalité dans ce style jump. John Firmin et Rob Sudduth soufflent dans leur sax. Steve Lucky est assis derrière le piano. "Desperate man" épouse un jeu plus conventionnel. Frankie Randall à la basse et Joey Ventitelli aux percussions impriment le rythme. Les cordes suivent cette trame qui baigne dans les bayous. Rick est détendu à l'harmo. "Livin' good" revient au Chicago blues. Il sent bon le Westside. Le petit Charlie ne distille que les notes nécessaires, avant de nous accorder un de ces soli dont il a le secret. Un exercice de style qui monte délicatement en puissance pour ouvrir le champ à Estrin. La plage titulaire est un excellent shuffle, bien saignant. Du rythme pour les solistes en pleine verve ! Et c'est James Harman en personne qui répond aux vocaux de Rick. La machine parfaitement huilée se fond dans l'instrumental "Bluto's back". Mr Baty ouvre le jeu, bientôt relayé par un autre grand de la scène californienne : Rusty Zinn. Il signe une intervention époustouflante devant l'orgue de Steve Lucky. "I'll bet I never cross your mind" est un blues lent royal. Les Nightcats, le piano et les cuivres forment un environnement parfait pour permettre à Baty de mettre en exergue un solo très T-Bone. Et ce festin composé de superbes plages rythmées persiste jusqu'à la fin de l'opus. A l'instar d'"I know she used to be your woman", au cours duquel Estrin se sent inspiré par Sonny Boy Williamson, du swing "Money must think I'm dead" et de "Coastin' Hank", qui démontre tout le talent d'Estrin sur le chromatique. Une voix nouvelle apparaît sur "It better get better". En fait, il s'agit de celle de Rusty Zinn. Il chante cette composition exotique d'Estrin, d'un timbre aigu, haut perché. "Bayview" est un instrumental jazz, base d'un dialogue très versatile entre Baty et les ivoires de Chris Siebert. "Steady rollin' man" est une plage dépouillée, très roots, ne réunissant qu'Estrin et la basse acoustique. Charlie revient, plus brillant que jamais, pour interpréter la finale swing "Go on if you're goin". Excellent!
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