C'est vrai que cet album est sombre, très sombre. Mais qu'est-ce que c'est bien fait. Mieux encore : pas trop bien fait. Les compositions soignées de Murat conservent un côté artisanal, qui les place largement au-dessus de la moyenne radiophonique. Au fil de l'écoute, on s'est même surpris à songer aux périodes acoustiques de Neil Young, à cette même capacité à introduire une fêlure dans des mélodies imparables. Ecoutez la guitare râpeuse et les notes d'harmonica du tubesque "L'au-delà " ou le bluesy " Molly " pour vous en convaincre. La même analyse vaut pour les paroles. Murat, le poète, n'a pas peur de balancer soudainement un ‘nom de Dieu’ pour changer de registre. Du grand art ! Et pourtant, a priori, je ne suis pas un fan de Murat.
Et maintenant une petite devinette : d'où viennent les Mummy The Peepshow ? Hein ? Hein ? Allez, un indice : le titre ! School ! Girl ! Pop ! Non, rien ? Un autre pour brouiller les pistes cette fois : un tee-shirt de foot américain (attention !) pour le haut, une jupe écossaise (attention !) pour le bas, des bas rayés bicolore type guêpe dessous (trop tard)... Alors, reconnaissez-vous dans quel pays cette mode peut déchaîner les foules ? J'en vois qui commencent à décrypter l'énigme. D'accord, le suspense n'a que trop duré : je lâche le morceau, vous êtes intraitables : Osaka, au Japon !!! Mais oui, c'était pourtant pas compliqué ! Pourtant, certains sont capable de me rétorquer : "mais bien sûr". Toutes ces (légères) considérations mises à part, il faut quand même admettre que les éléments "surprise" et "exotisme" répondent aux abonnés absents. Il est vrai que MTP sème quasiment plus de titres sur des compiles estampillées "girlsbands made in japan" que sur ses propres albums. Mais formé depuis maintenant 1994, il se démarque musicalement trop peu (NDR : un titre à la Piaf quand même) pour frapper les esprits et créer ainsi des mouvements de foule hystérique, des débordements en tout genre qui nécessiterait l'intervention des forces de l'ordre. Sur cet album tout au moins. D'autant plus que le radicalisme musical existe chez Melt Banana ou que le côté kitsch est totalement assumé par les Ex-girl ; pour ne citer qu'eux.
Parmi les formations contemporaines excentriques les plus connues, figurent Gorky's Zygotic Mynci et Super Furry Animals. Deux ensembles gallois qui ont plus que probablement eu une influence sur Mull Historical Society. Un combo écossais, pas gallois, derrière lequel se cache Colin Mc Intyre. Un chanteur/compositeur/multi-instrumentiste qui fait à peu près tout chez MHS. Faut dire qu'à l'origine, le line up de sa formation se résumait à Colin et à son ‘quatre pistes’ portable. Depuis, il a engagé un véritable groupe pour accomplir ses tournées ; et puis a reçu le concours de quelques musiciens de studio lors de l'enregistrement de son premier elpee, " Loss ". A la fois pastorales et baroques (NDR : question de célébrer la rencontre entre les Gorky's et les Super Furry Animals), les compositions de Mc Intyre flirtent également avec le sens mélodique de Supergrass. Sans l'exubérance. Mais avec le même soin pour les harmonies vocales. Qu'il duplique au lieu de les conjuguer. En les enrobant parfois de chœurs exécutés par une chorale enfantine. Si chacune de ses chansons semble véhiculer sa propre histoire, son propre mélodrame, c'est parce que les lyrics sont écrits avec le même esprit oblique et la même intelligence que chez Morrissey. Des lyrics dont les aspects sombres agitent son imagination déchirée entre le sublime, le ridicule et le contagieux. Bref, un opus fort intéressant, mais qui exige une certaine tournure d'esprit, pour être apprécié à sa juste valeur…
Andy Carthy aime bien jongler avec tous les styles : house, jazz, soul, disco, funk, rock,… Ses albums sont souvent d'inénarrables fourre-tout, à ne pas mettre entre toutes les oreilles sous peine de méchant tournis. Encore une fois, " Trouser Jazz " ne faillit pas à cette règle : il y a sur ce disque à boire et à manger. L'avantage de ce genre de dédale musical : tout le monde y trouvera bien son compte. L'inconvénient : jusqu'à s'y perdre et ne plus entrevoir la sortie. A force de vouloir tout mettre dans son mixer, Mr Scruff en met plein les murs, et c'est fort dommage. Un bon torchon et un seau d'eau auraient bien fait l'affaire pour nettoyer cet album de quelques impuretés encombrantes : à tort, on emploiera la touche ‘accéléré’.
Tout au long de ce premier album, Mr. Lif nous narre l'histoire d'un pauvre type tué par balles, qui ressuscite (par la musique) pour sauver l'Amérique de sa morgue patriotique… jusqu'à son réveil, direction le boulot et toutes ses injustices. Un rêve ? Peu importe, le B-boy décide de prendre le taureau capitaliste par les cornes : Bush n'a qu'à bien se tenir, et avec lui tous les symboles écrasants de l'impérialisme sauvage et du consumérisme ravageur (argent, religion, travail, médias, drogues, justice,…). Mr. Lif, rappeur érudit qui n'a pas sa langue dans la poche (sorte de cousin de Mos Def et de Tribe Called Quest), tire à boulets rouges sur tout ce qui gangrène l'Amérique, loin de toute démagogie et avec un talent certain. Chroniqueur hors pair qui veut amener la population occidentale à une prise de conscience (tout n'est pas noir, mais il y a du pain sur la planche), Mr. Lif se pose donc en digne descendant de KRS-One et de Chuck D, avec toutefois moins de virulence et plus de discernement. Et quand la musique est bonne (à la production, El-P, Fakts One, NASA, Edan et Insight, bref la crème du hip hop underground le plus fascinant), ça nous donne un concentré de beats, de flow et de samples supérieurs à la moyenne. " I Phantom " dépeint les démons d'un homme en prise avec son environnement immédiat, cette Amérique 'post 11 septembre' toujours groggy, aveuglée par la haine de l'autre et la soif de vengeance. A la fin du disque, c'est la menace d'une guerre nucléaire qui pointe même à l'horizon, avec " Earthcrusher " et " Post Mortem ", constats désabusés d'une société pourrie qui court vers son anéantissement. On n'a pas fini de mesurer les secousses sismiques enclenchées par l'effondrement des Twin Towers… ce disque en est la preuve. Effrayant, mais important.
Deux filles et trois kids constituent le line up de cet ensemble bruxellois. Une formation qui avait commis un premier album en 1998 (" Blue sky maybe "), pour lequel elle avait reçu la collaboration de Kylie Statham (Fuck) ; et un EP en 1995, enregistré sous la houlette de Pierre Vervloesem, le producteur du premier elpee de dEus. Pour la mise en forme de " Broken fantasy ", Moxie a fait appel à Jim Putman, leader de Radar Bros, auquel le groupe voue une grande admiration. Un personnage qui ne se contente cependant pas de driver son groupe, puisqu'il produit également ses disques. Pas étonnant qu'à première écoute, l'influence du combo américain est très palpable. Tout comme celles de Pavement, de Blonde Redhead et de Sonic Youth. Surtout pour les guitares. C'est tout à fait évident sur l'excellent " The beat of your heart ". Mais en général, la forme est beaucoup plus minimaliste. Au fil de l'écoute, ces références s'estompent pour laisser place à une solution sonore intimiste, délicate, envoûtante, à la fragilité bouleversante. Une pop paradoxalement à la fois contagieuse et glacée, recouverte d'harmonies vocales vaporeuses, infiltrée sobrement de collages et d'effets spéciaux, que balaie furtivement, ponctuellement, et dans l'esprit d'un Stereolab, un clavier à quatre sous. A l'instar d' " Early morning " et de " Secret ", probablement les deux meilleures compositions de l'opus. Ou encore de " Happy buzz ", rehaussé par la présence d'une slide, du kitsch " I.C.U. ", bâti sur un jeu de mots (" I see you "), et de l'incantatoire " Love life ". Personnellement, je dois avouer que la surprise (NDR : ce " Broken fantasy", bien sûr) est d'autant plus agréable, qu'elle était totalement inattendue…
Mousse T est l'auteur heureux de deux méga-hits, " Horny " et " Sex Bomb " (avec Tom Jones), qui ont ébranlé la planète dance il y a deux ou trois ans. Alors qu'il aurait pu décliner la même formule pour empocher d'autres pactoles, Mousse T a préféré se mettre en danger, préférant se montrer, avec ce premier album, sous un jour moins festif et dragueur. " Gourmet de funk’ propose ainsi une house apaisée aux teintes jazzy surprenantes, bien loin finalement de ses hymnes ‘jump up’ un peu balourds qui donnaient plus des maux de ventre que des fourmis dans les jambes. Des relectures ‘swing’ de " Sex Bomb " et ‘jazz’ de " Horny " vont d'ailleurs dans ce sens, avec réussite. Si la formule downtempo s'essouffle vers la fin (les deux-trois derniers titres sont dispensables), on peut dire que Mousse T a passé l'examen casse-gueule du premier album avec brio.
Leur boogie rock incandescent donne le vertige, leurs envolées fusionnelles le tournis et leurs slows vaporeux une trique d'enfer. La langue bien pendue, ces Mother Tongue aiment jouer avec le feu, jonglant avec les notes et les riffs comme des acrobates sur la corde raide, toujours prêts à sauter dans le vide, les nerfs à vif et la tension au maximum. Après plusieurs années d'absence, leur nouvel album, produit par Mario Caldato Jr (Beastie Boys), montre enfin les crocs, tel un Boogie Man enfermé dans le placard pendant trop longtemps : rythmiques haletantes, vocaux surhumains, refrains détonants, les Mother Tongue allient le meilleur des Red Hot avec le son roots du blues, voire de la soul. A les entendre rugir, on les imagine sans peine bêtes de scène… Mother Tonghe is back, et ça va faire mal.
Au cours des 50's, le label United privilégiait les groupes vocaux, et en particulier les quartets gospels, sans pour autant négliger d'autres styles moins sacrés. Ce recueil réunit des enregistrements opérés par quatre groupes qui ont sévi entre 53 et 55. Un phénomène qui allait ouvrir la voie au doowop. La collection "Cho Chop Boom" était réservée au label States. Elle sera donc limitée à United! Les Moroccos appartenaient à la Communauté Englewood du South Side de Chicago. Drivés par Ralph Vernon, ils s'appelaient à l'origine, les Four Chimes. Un line up qui allait passer à un quintet, lors de l'engagement du ténor Sollie MeElroy. Les Moroccos se taillent la part du lion sur l'album. Et pour cause, douze titres leurs sont consacrés.
L'opus s'ouvre par "Bang goes my heart", un fragment rehaussé par la présence d'une guitare surprenante. Le piano s'emporte sur le sémillant et rythmé "The hex" pendant que Red Holloway actionne son sax ténor, avec beaucoup de bonheur. Les Answers ont participé aux sessions finales de United. En 1957. Ils sont inconnus au bataillon, mais signent ici deux plages dont une face jump : "Keeps me worried all the time"et le rapide "Have no fear", qui bénéficie du concours du Lefty Bates Trio et à nouveau de Red Halloway au saxophone. Les Sheppards étaient issus du South Side de Chicago. Un quintet ici responsable de deux faces jump : "Just let me love you" et "Pretty little girl". Elles datent de 1956. On y retrouve les mêmes collaborateurs. C'est à dire Horace Palm au piano et Red Holloway et Mac Easton aux saxophones ; mais le lead vocal est assuré par le ténor John Pruitt. Les Pastels sont également issus de Chicago. Ils ont commis deux sessions pour United, en 1956. Six plages dont un " Boom De Boom " parcouru par l'excellente guitare jump du leader Lefty Bates. Bates partage la vedette de ces sessions avec avec Red Halloway. Il accorde quelques petits bijoux de soli sur "Goodbye", et donne un merveilleux exemple de doowop sur "My little girl". Le nombre de formations auditionnées à l'époque était très important. Parfois elles disparaissaient sans laisser de traces, sans même qu'un disque ne vienne témoigner de leur existence. A l'instar du Mystery Group, qui interprète les deux dernières plages de cette collection. Ce sont des illustres inconnus dont l'interprétation de la fort jolie ballade "Tender love" est renforcée par des chœurs! Dommage qu'à l'issue de cette fin mouvante des fifties, ce style allait progressivement disparaître, pour laisser la place à la folie du rock'n'roll…
Alanis a un fameux caractère. En quelques mois elle est parvenue à virer son fidèle collaborateur, Glen Ballard, s'est brouillée avec Madonna, qui n'est autre que la patronne du label sur lequel elle est signée, et a défrayé la chronique en se payant un flirt avec Jessica Parker, au beau milieu de la série télé " Sex in the city ". En outre, cette Canadienne n'en rate pas une pour se payer la tête des machos ou de tailler le portrait de l'homme idéal. A travers les lyrics de ses chansons, notamment. Et c'est encore le cas sur " Under rug swept ". Son quatrième opus. En particulier sur " Flinch ", " So unsexy " et " A man ". Ce qui ne l'a pas empêchée de recevoir le concours de collaborateurs mâles. Et pas n'importe qui, puisqu'on y retrouve Flea (Red Hot Chili Peppers), Dean De Leo (Stone Temple Pilots) ou encore Eric Avery (ex Janes's Addiction). Les braves types ! Et pour démontrer qu'elle est capable de se débrouiller toute seule, elle a assuré la production de son opus. Si Alanis possède toujours ce timbre vocal falsetto fiévreux, grondant, son elpee nous a laissé sur notre faim. Hormis les trois premiers fragments, les chansons se fourvoient progressivement dans la ballade fromatée. Et ce n'est pas l'apport de boucles ou de rythmes hip hop qui y change quelque chose. Dommage, car l'hypnotique " Narcissus ", le contagieux " Hands clean " et le percutant " 21 things I want in a lover " ont une pêche d'enfer…
La dernière fois qu'on avait croisé Morcheeba, c'était avec leur tube FM "Rome wasn't build in a day", une incartade pop trop sucrée qui nous avait donné la nausée. Dégoûté par tant de mièvrerie, le public délaissa un moment le joli minois de Skye, certain qu'elle et ses deux amis avaient viré leur cuti trip-hop pour le compromis lounge-mainstream, ce cocktail parfait pour danser les bras en l'air et la tête au frais, mais sans l'entrain d'antan, qui faisait de "Big Calm" et de "Who Can You Trust ?" ces albums à chérir tendrement, au coin du feu. On n'avait donc plus trop confiance en Morcheeba, jusqu'à l'arrivée impromptue de ce " Charango ", splendide retour au bercail trip-folk de leurs débuts. Dès "Slow Down", on se dit donc qu'on a eu tort de les maudire tout un temps, la voix de Skye et les beats langoureux de Paul Godfrey nous rappelant que Morcheeba n'a finalement jamais vraiment rimé avec lambada. Et quand Kurt Wagner de Lambchop ramène sa country tranquille sur "What New York Couples Fight About", on s'étonne que l'alchimie fonctionne, en tout cas le choix fut risqué - rien que pour cela, chapeau bas. Avec ses mélodies ouatées, ses refrains tout en caresses et ses ambiances délétères, "Charango" fera chavirer nos tympans pendant encore longtemps.
John Mooney est newyorkais. Au cours de sa jeunesse, il a appris à jouer de la guitare. Il avait à peine assimilé la technique, qu'il se convertissait déjà au blues. A 16 ans, il fait la connaissance d'un de ses voisins : Ed ‘Son’ House, le légendaire bluesman du Delta qui aurait été le professeur du mythique Robert Johnson. John commence à tourner aux USA et lorsqu'il descend à New-Orléans, il rencontre celui qui sera une autre influence majeure : le maître du piano local, Professor Longhair.
Son 1er album, "Comin' your way" (Blind Pig), date de 1979. Depuis 81, il tourne avec sa formation, le Bluesiana Band. D'autres albums ont suivi : "Telephone king" en 83, "Sideways in paradise", commis en duo avec Jimmy Thackery en 85, "Late last night" en 90, "Travelin' on", un live immortalisé à Brême (Crosscut) en 91, "Testimony" en 92, "Against the wall" (House of Blues) en 95, "Dealing with the devil" (Ruf) en 96 et "Gone to hell" (Blind Pig) en 2000.
"All I want" constitue donc le petit dernier. John est entouré de trois musiciens : Alfred Roberts aux percussions, Bernard Johnson aux drums et Jeff Sarli à la basse. Mooney ouvre par le titre maître de l'opus. Une plage imprimée sur le rythme du chemin de fer qui lui permet déjà d'étaler toute sa dextérité sur le manche. Marqué par la voix graveleuse et partiellement ravagée de Mr Mooney, "Baby please" est du pur Delta Blues. La National Steel répond du tac au tac au chant du maître. Toujours seul, il remet le métier sur son ouvrage en abordant "Buried treasure" et un blues traditionnel mené avec autorité intitulé "Future blues". Au passage, John nous rappelle que l'une de ses influences favorites, c'est également la musique de New Orleans, façon Professor Longhair. Il le démontre sur "She ain't no good". Un fragment joué en trio. La rythmique est d'acier, sûre et sans faille. Le son de sa slide découpé au couteau. Mooney est un maître du style. Il reprend d'ailleurs "Hey little girl" de Henry Byrd, alias Professor Longhair. Il l'attaque avec une voix pas possible. Le bonheur ! Il est tout aussi convaincant dans le domaine du Mississippi blues amplifié. Sa slide communique toujours cette intensité métallique. A l'instar de "Feel like hollerin, un fragment dur, abrupt, sans concession. Il libère un son hawaiien de cette slide, pour prodiguer l'exotique "Tell me who". La musique pourtant complexe semble couler de source. La plénitude est de retour. La prouesse conjugue à la fois la technique et le feeling. "Son's blues" a été écrit il y a bien longtemps par Son House. Sa reprise très fidèle est un vibrant hommage au maître. L'émotion transpire tout au long des cordes d'acier. Il poursuit par "You got to move ", sans doute la composition la plus connue d'un autre seigneur légendaire de la slide : Mr Fred McDowell. Il la traite avec une attitude empreinte de beaucoup de respect vis à vis du maître. Il referme cet opus par une version chargée d'émotion d' "If you love me" de Ted Hawkins. Une fois de plus, Mr Mooney a signé un bon album !
L'ancien drummer d'Albert Collins a fait son chemin! Originaire de Santa Monica, en Californie, il a aujourd'hui dépassé le cap du demi-siècle. Au début des années 80, il avait sévi chez les BluesBreakers de John Mayall en compagnie d'un autre guitariste devenu célèbre, Walter Trout. Il y est resté une dizaine d'années, avant d'entamer sa carrière personnelle. Son 1er album est paru en 1995 : "Gotta mind to travel". Sur Silvertone. Le suivant, "Ya think I'd know better", est sorti l'année suivante et "Just let go" en 97. Tous deux sur Blind Pig. En 2000, il a décroché un contrat chez Alligator. Pour lequel il a commis, quelques mois plus tard, "Suspicion".
L'opus s'ouvre par "Wish I could be that strong". Un titre blues rock qui flatte l'oreille. Blues modéré, légèrement funky, "Running away from love" a sans doute été inspiré par Albert King. Coco ne perd à aucun moment sa ligne mélodique, permettant ainsi à la guitare de s'égarer de manière divertissante. Il reprend avec beaucoup de bonheur "Something about you", un ancien hit des Four Tops écrit par Holland, Dozier & Holland, l'équipe attitrée de la Tamla Motown. Le backing band assure très bien son rôle ; et notamment Chuck Kirkpatrick à la rythmique et Benny Yee à l'orgue. Montoya est alors libre de délivrer un de ces solos dont il a le secret. "I won't beg" est une ballade rythmée plus soul, sur laquelle il peut mettre en évidence sa voix naturellement puissante et chaude. "Trip, stumble and fall" est une plage tonique, écrite par les texans Stephen Bruton et David Grissom. Constituée de Steve Evans à la basse et de Randy Hayes à la batterie, la section rythmique est d'une solidité soumise à toute épreuve ; une assise qui permet à la guitare de galoper à vive allure. Coco peut enfin aborder "Can't see the streets for my tears", un slow blues conduit de manière fort semblable à celle de son ex patron, John Mayall. "Same old thing" est une composition du maître de la Telecaster, Albert Collins. De toute évidence, il rend un nouvel hommage à celui qui l'a tant aidé à se forger une personnalité, dans les années 70. "Can't look back" est une ballade soul agrémentée de cuivres. Joe Sublett est au sax et Darrel Leonard à la trompette. "Women have a way with a fool" permet de mesurer une nouvelle fois encore l'aisance vocale de Coco dans le R&B. Sa versatilité sur les cordes est assez remarquable. Inspiré une fois encore par le travail qu'il a accompli au sein des Blues Breakers, "Back in a Cadillac" est un blues bien rythmé. En fin d'album, il concède "No longer a part of your dreams", une plage dansante bien agréable enrichie par la guitare slide, le sax de Sublett et l'orgue de Tommy Eyre, un ancien sideman de Joe Cocker. Ce disque de bonne facture s'achève par "Free", une plage très blues rock, assez majestueuse dans le riff. Montoya peut encore y faire respirer sa Stratocaster aux parfums très électriques. Et pour être complet, sachez que la production est signée Jim Gaines.
Enième réédition des vieux albums de Moby (voir autres critiques) : cette fois-ci, il s'agit d'une compilation de remixes et d'extended plays, bref des ersatz de morceaux déjà pas terribles… En général plus dance que les originaux, ses remixes étaient au départ destinés aux dance-floors des clubs du monde entier. ‘Etaient’, car datant pour la plupart de 91-92, ils n'ont évidemment aucune chance d'encore faire danser la ‘club babe’ d'aujourd'hui, davantage fan d'électro-clash et de bootlegs à la Dewaele Brothers que de ce genre d'hymnes pompiers à la défonce, pleins de bruits de sirènes ringards et de boum boum dépassés.
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