Lonnie Mack est une véritable légende de la guitare. Un statut qu'il s'est forgé à l'aide de sa superbe Flying V. Un géant qui a influencé des stars comme Eric Clapton, Keith Richard ou Stevie Ray Vaughan. Il est né en 1941 à Harrison dans l'Indiana, non loin de Cincinatti. Avec le temps, il est devenu de plus en plus discret. Ce qui explique, sans doute, pourquoi le label Ace a décidé de le rappeler à notre bon souvenir. En immortalisant des enregistrements destinés au label Fraternity, commis au cours des 60s.
Après " Lonnie on the move " et " Memphis Wham ", il lui consacre aujourd'hui un 3ème album. Un disque, bien évidemment, destiné à nous entraîner sur ses routes de prédilection. Dans le Tennessee, entre Nashville et Memphis. Une collection largement instrumentale qui s'ouvre par la reprise du " Soul serenade " de King Curtis, rebaptisée pour la circonstance " Beau Dollar & the Coins " ; et embraie par un fragment millésimé 64, " Dallas ". Sur les 26 plages de cet opus, quelques morceaux valent vraiment leur pesant d'or. Et en particulier le bluesy " Tonky-go-go ", au cours duquel il accorde de sa Flying V, une brillante partie de guitare. Ou encore " I left my heart in San Francisco " ainsi que la remarquable reprise du célèbre " Honky Tonk 65 ", enregistrée à Miami en….65. Sans oublier " Omaha ", un fragment pompé sur " The stumble " de Freddie King et abordé exactement dans le style qu'on lui connaît. Un blues perdu intitulé " The Circus song ". Un titre à la mélodie très Far West, récupéré d'une autre session perdue : " Wildwood flower ". " Teacha ", auquel il inflige un traitement latin sur le thème de " What'd I say ". Et enfin " Coastin ". Tout aussi excellent, " Doggin " remonte à 64. Un morceau au cours duquel sa guitare établit un dialogue avec un piano électrique. Enrichi par le chant de Max Falcon, " I'm so satisfied " date des 1ères sessions réalisées en 63. Un blues lent de bonne facture ! Et bien entendu, au bout du périple, nous arrivons à Memphis pour y célébrer le thème du même nom, créé par Chuck Berry. Une tranche d'histoire !
Deux titres sur le nouveau single de cette formation belge, au sein de laquelle on retrouve l'ex chanteuse de Hooverphonic, Kyoko Baertsoen. Une chanteuse dont le timbre limpide, cristallin, éthéré, évoque tantôt Karin Oliver (la première vocaliste de His Name Is alive), tantôt Heather Nova. Heather Nova, c'est également le groupe auquel me fait penser le plus le morceau maître de ce disque. A cause des cordes de guitare chatoyantes, bringuebalantes, qui découpent littéralement la mélodie de cette chanson pop contagieuse, presque hymnique. Quant au deuxième fragment, il trempe dans une forme de trip hop atmosphérique, que ne désavouerait pas… Hooverphonic. Nous en saurons plus lors de la sortie de leur premier album…
Qui ne connaît la passion que voue Walter Depaduwa, alias Doctor Boogie, à la cause de la boogie music ? Une passion qui le dévore en permanence. Toujours le pied au plancher, l'homme ne s'arrête jamais. Cette passion l'a amené à concocter, dans le passé, une demi-douzaine de collections. Labellisées Dr Boogie, elles sont sorties sur le label national, Rowyna Music. Pour cette nouvelle anthologie, il a fait fort, puisque la machine de guerre Virgin est derrière ce nouveau projet. Pourtant, Walter aurait souhaité colorer cette idée de blanc et de noir. Un certain réalisme a voulu que ce "Bompa boogie" soit uniquement teinté de blanc. Le contraste sera donc pour demain.
Parmi les 18 plages retenues, certaines vous seront sans doute familières. Quoique, et ce n'est pas un reproche, certaines datent déjà. Le Docteur ne peut décidément pas se mettre à l'ouvrage, sans glisser sur la platine un disque de Canned Heat ; il est vrai, le boogie band par excellence. Caractérisé par le piano roulant de Sunnyland Slim, "Turpentine Moan" s'imposait. D'autant plus qu'il s'agit d'un extrait du meilleur album du Heat, "Boogie with" !
Le best group de R&B américain était, et vous pouvez me croire, le J. Geils Band. Apparu à l'aube des 70s, il impliquait J. Geils à la guitare, Magic Dick à l'harmonica et Peter Wolf au chant. Issu de leur premier opus, "Wait" démontre toute l'étendue de leur talent.
Au cours des années 80, c'est le Texas qui a ramené beaucoup d'oreilles égarées au bercail du blues. Ce qui nous vaut la présence de leurs meilleurs représentants. Les Fabulous Thunderbirds notamment, pour cet extraordinaire "My babe". Jimmie Vaughan nous présentait alors son jeune frère, Stevie Tay. Une introduction illustrée ici par le rocker au groove pas possible, "The house is rocklin'". Voilà pour le gâteau.
Mais ce que je vous conseille de goûter sans réserve, chez le Docteur, ce sont les cerises qu'il y dépose. Délicieuses, acidulées, sauvages, elles ont même parfois le goût de pêche. Un délice ! A l'instar du "That's the truth" de J.B Hutto, contaminé par la slide de Jimmy Hall. Jimmy était le leader de Wet Willie, un groupe sudiste des 70’s. La slide (NDR : également !) de l'extraordinaire Mike Henderson et le piano rivalisent d'audace et d'agressivité sur une autre composition de J.B Hutto, "Hip Shakin". A elles seules, ces deux perles concentrent toute la boogie passion qui coule dans ce CD. Un son souvent sale, gras et poussiéreux colle à la musique.
Une adhérence qu'on retrouve chez Hook Herrera, Cub Koda et Mambo Chillum. Regretté musicologue Cub Koda dissèque à vif le cœur du Bo Diddley beat. Malgré une existence trop brève, le Chillum possédait cette folie créatrice qui manque à tant d'artistes aujourd'hui.
Impossible de citer tout le monde sur cette anthologie. Sachez simplement que cet opus ne souffre d'aucune faiblesse. Et laisse même un espace à la découverte. A l'instar du swing de la hard rockeuse Pat Benatar devant Roomful of Blues, du hillbilly furieux des Australiens Red Rivers, de la voix brûlante d'Eddie Hinton, du rockin' shuffle de Gary Primich , du nouveau swing band de L.A., 2.0000 Lbs of Blues et enfin du boogie woogie de Lee Roy Parnell.
Je tiens également à remercier le Docteur d'avoir laissé la porte ouverte à Mick Clarke. Parce qu'il porte son rockin' blues anglais depuis plus de trente ans. C'est à dire depuis ses débuts dans le Killin' Floor, lorsqu'il jouait en compagnie du pianiste Lou Martin. Continue de courir Walter et don't forget…
Les douze titres qui figurent sur le 7ème album studio de cet ensemble gallois ont été enregistrés à la même époque que ceux du superbe mini elpee, " The blue trees ". Pastorale, rafraîchissante, mais beaucoup moins minimaliste que sur ce précédent opus, la musique des Gorky's explore, encore et toujours, la nature douce-amère de la nostalgie. La différence majeure entre les deux œuvres procède des arrangements. Toujours aussi soignés, n'ayez crainte. Mais beaucoup plus riches, ils flirtent parfois avec le symphonisme ou le jazz cuivré. Cependant, la formation opère cette mise en forme avec tellement de subtilité, qu'on a parfois l'impression que leur matière grise est déchirée entre le psychédélisme sinusoïdal des Fab Four, alors sous l'influence de " Lucy in the sky with diamonds ", et le folk de Stackridge (NDR : un ensemble né au cours de seventies, réputé pour son style à la fois pastoral, médiéval et humoristique). Plusieurs titres de cet elpee épousent cependant une forme plus pop, plus contagieuse. Et la présence de Norman Blake ainsi que de Teflon Monkey des Fannies, n'y est pas étrangère. Bref, empreint de délicatesse, de quiétude et de mélancolie douce, " How I long to feel that summer in my heart " nous entraîne au fond d'un jardin secret. Un espace magique peuplé de fées qui nous envoûtent de leurs charmes…
Premier album pour ce trio batave, de Beverwijk très exactement, dont le slowcore marche sur les traces de Idaho, Codeine, Low, Spain ou Slint. Encore que des groupes aussi différents et majeurs que le Floyd circa " More ", le Red House Painters ou encore Yo la Tengo doivent avoir (eu) une influence certaine sur Gardin. De nature atmosphérique, sombre et mélancolique, la musique de ce combo s'épanche sur un tempo lent, très lent parfois même ; ne s'embrasant qu'en de très rares occasions. Mais lorsqu'elle s'embrase, elle libère une intensité électrique véritablement impressionnante. Découpé en 9 fragments, " Minor setbacks " propage une mélancolie douce, moelleuse ; une mélancolie insufflée par des cordes de guitares plaquées ou bringuebalantes, des drums feutrés, des accords de piano (NDR : à queue !) profonds, frémissants, que caresse le timbre vocal chuchoté d'Allan, parfois rejoint dans la confidence par Jessica…
Ce mini album est sorti début de cette année, mais n'a bénéficié d'aucune promo officielle. Un disque qui fait la part belle à l'instrumentation acoustique. Le violon et la guitare surtout. Une six cordes jouée le plus souvent en picking. Et puis de temps à autre un accordéon, un piano et quelques percussions. Des vocaux également. Moins omniprésents que sur les opus précédents. Vaporeux, délicats, régulièrement conjugués en harmonie sur mode falsetto, ils se fondent parfaitment dans la nature élégiaque, pastorale des chansons. Propices à la méditation, à la mélancolie, les mélodies chatoyantes, minimalistes de ce " Blue Trees ", s'abreuvent aux mêmes sources rafraîchissantes que Belle & Sebastian. Et comme pour nous rappeler qu'ils sont Gallois, les Gorky's ont interprété leur dernière chanson en gaélique.
Composé d'un trio, fait relativement rare dans le petit monde du néo-métal, Anyone a été initié, sous le nom de Sylvia, par l'ex Foo Fighters Taylor Hawkins, aujourd'hui retourné fonder un projet dans sa ville natale de Seattle. Nominé en 1999 aux Los Angeles Music Awards, il draine dans son sillage un public hétéroclite, amateur de surf, de hard core et de punk rock. Pour accentuer sa nouvelle orientation néo-métal, Anyone s'est payé un producteur dans le vent, en la personne de Rick Parasher. Sa complicité a mené le combo sur un tourbillon sonore où virevoltent avec légèreté les ondes psychédéliques de Pink Floyd, de Jane's Addiction et du Led Zeppelin. S'appuyant sur une basse saturée, un groove parfois funky et des drums souvent jazzy, la musique d'Anyone n'est pas assimilable dès la première écoute et mérite que l'on s'y attarde, pour en percevoir toutes les nuances qui se fondent avec merveille sur une trame paranoïaque.
Au début des années 80, Annihilator est passé à deux doigts de devenir aussi populaire que Slayer ou Metallica. Victime d'un problème de promotion, mais surtout d'incessants changements de line-up, le groupe canadien pratiquait pourtant, déjà un trash technique, largement en avance sur son époque. Annihilator nous assène un nouvel opus fort copieux et jubilatoire, sous forme d'hommage à tous les groupes qui continuent à passionner le leader de cette formation, Jeff Waters. Mais qu'on ne s'y méprenne pas, si les clins d'œil aux géants du métal y sont légion, il ne s'agit en aucun cas d'un album de reprises. A l'écoute de " Shallow Grave ", impossible de ne pas penser à " Overdose " d'AC/DC. " Hunter Killerne " ne dépareillerait pas dans le répertoire de Slayer, le titre maître sonne comme du Blue Oyster Cult survitaminé, tandis que l'ombre de Judas Priest plane sur le violent " Time Bomb ". Soulignons encore la qualité de la production et la performance du chanteur Joe Comeau. Cet ex-guitariste d'Overkill réussit l'exploit de moduler sa voix tantôt à la Bon Scott, à la Halford ou encore à la Bruce Dickinson. Varié mais homogène, puissant mais souvent mélodique, technique mais pas nombriliste pour un sou, l'œuvre constitue au final un très très grand album de trash métal old school ; un opus tout à fait incontournable pour les amateurs d'un style détrôné depuis une décennie par le black et le death métal, qu'il a pourtant engendré.
Au terme de l'existence des Swans, Michael Gira a remonté aussitôt The Angels of Light et sorti dans la foulée un premier album. Depuis, notre homme s'est attelé à faire tourner boutique (NDR : Young God Record est son label). " How I loved you " constitue donc la deuxième fournée de ce véritable groupe drivé par une des figures les plus charismatiques de son époque. Annoncé par 2 titres sur la "Compilation 2000 AD", cet opus conforte l'impression qui m'avait été donnée à l'époque. A savoir une musique épaisse, fouillée, intrigante et bien à l'image de Gira. Outre la structure instrumentale classique guitare/basse/batterie, la variété incroyable d'instruments oscille de la scie musicale au piano, en passant par l'ukulélé et l'accordéon. Sans oublier les ambiances funèbres, l'angélisme des voix féminines et le timbre incantatoire de Gira. Tout un arsenal mis au service de véritables chansons, presque formatées pour certaines tranches horaires radiophoniques. A l'instar du magnifique "Jennifer's Sorry". Assurément une totale réussite ! L'ombre du corbeau Nick Cave plane parfois (NDR : c'est flagrant sur "My true body"). Mais rien à faire, s'il est un artiste dont l'œuvre est tellement personnelle qu'aucune comparaison ne parviendrait à altérer son originalité, c'est bien de Gira qu'il s'agit. Ah oui ! Qui a dit que Gira était un mauvais garçon ? C'est la photo de sa môman qui est reproduite au recto du digipack et celle de son pôpa au verso…
Ce groupe danois n'a aucun lien de parenté avec Craig Armstrong (NDLR : et puis il compte un ‘r’ en plus dans son patronyme !), l'un des fers de lance de Melankolic, le label de Massive Attack ; et pourtant on décèle dans leurs compositions éthérées ce qui fait le charme des Bristoliens et de leur écurie : des rythmes concassés, une ambiance délétère faite de blips neurasthéniques et une voix chloroformée, celle de Marie-Louise Munck. Le groupe n'a aucun lien de parenté non plus avec Aim (auteur de l'album " Cold Water Music "), l'un des fers de lance de Grand Central, le label de Rae et Christian ; et pourtant, on décèle dans leurs compositions éthérées ce qui fait le charme des Mancuniens et de leur écurie : des breakbeats lessivés, du spleen à la sauce downtempo et une voix soul, celle de Marie-Louise Munck. Mais au contraire de la scène britannique, la scène électronique danoise n'a jamais véritablement été sous le feux des projecteurs, et pour cause : à vouloir copier les meilleurs, on n'accouche péniblement que d'ersatz. Et même si Amstrong s'est entouré de l'Orchestre Philharmonique de Prague, comme Badalamenti pour la musique de " Mulholland Drive ", on ne se perd pas ici dans les délicieux méandres d'une histoire musicale hypnotisante, mais plutôt dans une histoire à dormir debout. Et puis Marie-Louise Munck n'est ni Rebekah Del Rio (ah, ce " Llorando " !), ni Ursula Rucker, mais juste une pâle copie de ses divas du dancing que sont, au hasard, Louise Rhodes (Lamb), Jill Scott, ou même Liz Fraser.
Tori Amos est un sacré bout de femme. On la connaissait pour ses prises de position résolument féministes. Mais de là à interpréter à sa manière, et sur un même album, 12 compositions écrites par des mecs au sujet de femmes, il y a un pas que je ne m'imaginais pas la voir franchir. Elle parvient ainsi à adapter la musique, mais aussi le sens des chansons. Même Eminem figure sur la liste (NDR : noire ?). Et ces nouvelles versions, prennent une toute autre dimension, souvent difficilement reconnaissable, presque malsaine. Le traitement sonore radical vise ainsi également " New age " du Velvet Underground, " Strange little girl " des Stranglers, " Enjoy the silence " de Depeche Mode, " I'm not in love " de 10cc, " Rattlesnakes " de Lloyd Cole, " Time " de Tom Waits, " Heart of gold " de Neil Young ", " I don't like mondays " des Boomtown Rats ", " Happiness is a warm gun " des Beatles et "Real men" de Joe Jackson. Le tout est emballé dans une superbe pochette où Tori pose dans treize tenues et coiffures différentes (NDR : sans oublier le maquillage) sur autant de photos signées Neil Gaiman. Et pour ceux qui aiment les collections, sachez que cette pochette est sortie sous quatre versions différentes…
Lorsqu'il n'officie par derrière les fûts au sein des Melvins, Dale Crover empoigne la guitare et pousse la chansonnette chez Altamont. Majoritairement rock, voire rock n' roll dans tout ce que le terme peut avoir de péjoratif, mais toujours avec une légère tendance au stoner, "Our darling" est une plaque honnête, mais rarement percutante. Seuls quelques titres surnagent ici et là. "Our darling" justement. A cause de cette voix féminine proche de celle d'Alison Shaw, la chanteuse des Cranes ; et puis de l'ambiance plutôt ‘Twinpeaksienne’. "Swami", ensuite. Un morceau oublié des Buttholes Surfers. Et enfin "Strippy Hole". Un instrumental atmosphérique angoissant. Finalement lorsque Crover ne chante pas. Bref, le reste du temps la musique d'Altamont est chargée des pires gimmicks de l'histoire du rock. Parfois même piqués aux Rolling Stones. C'est pas que j'aime pas les Stones, mais lorsque je veux m'en prendre une tranche, je préfère réécouter les originaux.
Chaînon manquant entre le Beta Band et Gorky's Zygotic Mynci, Alfie nous vient de Manchester. Un quintette qui parvient à incorporer à son folk, une multitude de styles musicaux. Tantôt la pop, le psychédélisme, le prog, le music hall, le jazz, la house et la bossa nova. Trempant le tout dans un bain de technologie moderne. Violoncelle, violon, piano, flûte, harmonica, tambourins et cuivres font ici bon ménage avec synthés, boucles et arrangements sophistiqués, pour emprunter des paysages pastoraux impressionnistes au sein desquels la voix laconique de Lee Gordon se plait à musarder. Pour concocter son premier elpee, la formation a remasterisé ses trois premiers Eps, auxquels elle a ajouté l'une ou l'autre nouvelle composition. Dont le luxuriant, " Umlaut ", caractérisé par ses orchestrations " flaminlipsiennes " ainsi que le syncopé et baroque " 2 up to down ". Sur les onze fragments que composent cette plaque, j'avoue quand même un petit faible pour " It's just about the weather ", dont les sonorités de guitare bringuebalantes me rappellent celles qui fleurissaient sur la six cordes de George Harrisson, tout au long de l'album " Abbey Road " des Fab Four ; et puis " You make no bones ", dynamisé par un groove digne de Gomez. Beaucoup plus acoustique, le reste se révèle, ma foi, fort agréable à l'oreille. En Grande-Bretagne, la presse spécialisée est déjà parvenue à étiqueter ce groupe de NAM ; traduisez New Acoustic Movement. Et elle le considère même comme le leader de cette scène. Pourquoi pas ? Si vous aimez les étiquettes…
Malgré le coup de vieux que ce genre, apparu il y a deux ou trois ans, semble avoir pris ces derniers temps, le terme post-rock semble encore d'actualité pour qualifier ce groupe écossais formé en 1998 : envolées de larsens dignes d'un Mogwai première cuvée, sensibilité à fleur de peau suivie de brusques sursauts dans le rouge du potentiomètre. Bref on a affaire à des chansons à la structure décomplexée de tout couplet-refrain binaire, où le chant garde tout de même une place indéniable… Encore que : d'un timbre sibyllin, la voix du chanteur peut se transformer, sur certains morceaux, en un cri guttural digne des pires groupes de popcore juvénile, tendance Muse et consorts. Et c'est là que le bât blesse : entre pop songs gentillettes et finals métalleux gargantuesques, Aereogramme a du mal à choisir son camp. Les aiguilles s'affolent au moment où nos oreilles s'acclimatent confortablement aux abîmes délicats d'une chanson douce, ce qui provoque un léger sentiment d'agacement, et très vite d'abandon. Stop eject ! Pourtant, la groupe emmené par Craig B. (ancien leader des… post-rockeux Ganger) y met de la hargne et du cœur, aussi bien dans ses penchants lyriques (dans les meilleurs moments, on pense à Sigur Ros) que purement électriques (dans les meilleurs moments, on pense au Sonic Youth période " Goo "). Alors, JJ72 ou Pinback, Sepultura ou Fugazi ? Ils sont jeunes, indécis, et ont de la rage à revendre… Reste à voir de quel côté de la force ils se pencheront.
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