‘Do you believe in rock n' roll ?’ Telle est la question soulevée par cette plaque. Mais du rock n' roll comme on l'imaginait dans les années 50/60. C'est-à-dire dépravant et dangereux pour une jeunesse influençable. Tout le monde sait ça. Adepte donc de la remontée temporelle, ce band mixte (3+3) mélange des rythmes punky à des vocaux féminins truffés de ‘ho ho’, ‘yeah yeah’ et autres joyeusetés. Sorte de Southern Culture on the Kids ou de B 52's mâtinés d'un esprit rageur et noisy plutôt que rigolo, The Action Time nous balance une plaque plutôt sympa, énergique sans pour autant nous propulser dans la quatrième dimension de l'excellence. Honnête, dirons-nous.
Comme il semble mission impossible de dénicher des informations sur le net concernant ce groupe, " On the surface " pourrait bien être leur tout premier album. Ce premier jet est relativement de courte durée, tout comme la critique d'ailleurs. Découpé en 8 morceaux, il émarge à un style musical difficilement qualifiable. On peut néanmoins sentir l'influence de groupes comme Tricky, Morcheeba ou encore, plus fortement, de Lamb. Album aux ambiances très acoustiques, voire même dépouillées, aux rythmes répétitifs marqués par la batterie et principalement par la guitare basse, et dont les compositions sont dominées par une voix féminine aux intonations classiques, " On the surface " est relativement bien réussi, quoique un peu trop basique à mon goût. Dans l'ensemble, cet opus fait pâle figure face aux originaux mais il se laisse écouter comme une petite musique de chambre.
Quel peut être le lien entre PJ Harvey et Dalida ? Dominique A bien sûr ! Il reprend " Les enfants du Pirée " sur un album entièrement produit par John Parish, connu pour son étroite collaboration avec Polly Jean. Parish joue même de la basse et de la guitare sur la plupart des chansons d' " Auguri " (NDR : meilleurs vœux en italien, paraît-il !). Tant que nous en sommes aux références, signalons que Dominique A commet une autre reprise sur cet album : " Je t'ai tant aimée ", de la formation belge Polyphonic Size. Une interprétation magnifique de douceur. Cet album, déjà le 5e du Français, respire la sérénité. On s'y glisse d'autant plus facilement que le chant de Dominique A semble cette fois spontané, débarrassé de tout acharnement à dérouter ou impressionner l'auditeur. Qu'il choisisse la sensualité, la tension ou même le clin d'œil ironique (les chanteurs sont mes amis), il s'en sort chaque fois avec les honneurs. Un grand moment !
Les champions du recyclage sont de retour. Avec un album beaucoup plus électronique. Electro pop, pour être plus précis. Une tendance qu'on avait déjà pu constater sur la bande sonore du film " Downhill city ". Mais avec " Rally of love ", 22 Pistepirkko vient probablement de réaliser son " Technique ", au moment où New Order en revient à style plus basique. Sur cet opus, plus guère de trace de garage, de psychédélisme, de blues, de country ou de r&b (NDR : et si elles existent encore, elles sont bien cachées), mais une solution sonore sophistiquée, imprimée sur un tempo métronomique, enduite d'harmonies vocales falsetto dont le raffinement me fait penser aux Pet Shop Boys, mais en moins post adolescent. Un travail d'orfèvre auquel ont participé le producteur Per Sunding (Sort Sol, Wannadies), l'ingénieur du son Stefan Kvarnström et le mixeur Tore Johansson (Cardigans, Boss Hog). Mais le produit fini a beau être irréprochable, il manque de feeling, de chaleur, de cette audace créatrice, qui en avait fait, à ce jour, son originalité. Dommage !
Album ‘live’, "Hoarse" réunit des enregistrements opérés pour la plupart au Bluebird Theatre de Denver, dans le Colorado, en mai 98. Seul " Fire spirit ", qui bénéficie de la collaboration du chanteur de Noir Désir, Bertrand Cantat, relève d'un set accordé en octobre de la même année au Bataclan de Paris. Sur les onze titres de cet elpee, trois sont consacrés à des reprises. Le susvisé " Fire spirit " de Gun Club, référence incontournable du groupe, " Days of the lords " de Joy Division ; et puis " Bad moon rising " du Creedence Clearwater Revival. Trois formations qui ont fatalement marqué 16 Horsepower, à des degrés divers. Maintenant, il faut avoir assisté à un concert du combo pour pouvoir imaginer la puissance que dégage leur country/folk/rock/blues. Une musique sauvage, ténébreuse, venimeuse, et si riche en sentiments et en mélodie qu'elle ne peut être qu'authentique. Pas pour rien que David Eugène Edwards projette, dans ses lyrics, une image des States qui n'est pas celle qu'on a l'habitude de nous faire voir, mais plutôt celle d'une Amérique sordide et déprimante. Ah oui, et l'album alors ? Bien, très bien même. Il n'y manque que l'image…
Alors eux sont pas près de crouler sous le fric. Vu les royalties qu'il vont devoir à droite et à gauche. En effet, la liste des samples est kilométrique (NDR : une avalanche !), et puise dans tous les styles : bossa nova, house, salsa, funk, disco, house, jerk… Bref rien que du dansant, pensez-vous ? Enfin, pas tout à fait. Parce que si le groove est omniprésent, la musique recèle un côté expérimental qui frise le délire. Ce qui dénote chez ce collectif australien, de Melbourne très exactement, un sens de l'anticonformisme particulièrement aiguisé. Enfin, si les 2 titres qui passent régulièrement sur les ondes radiophoniques vous ont fait remuer les doigts de pieds, alors n'hésitez pas, le reste est du même tonneau. Cet album ne tape jamais trop sur le système et reste une plaque très agréable à écouter. Surtout si vous aimez reconstituer des puzzles de plus de 500 pièces…
De retour au Caire depuis 1999, Natacha Atlas semble de plus en plus se rapprocher de ses racines. Déjà sur son précédent opus, elle s'était totalement immergée dans le shaabi, la musique populaire traditionnelle égyptienne ; et puis surtout, avait écrit ses chansons en arabe. " Ayeshteni " s'inscrit parfaitement dans la lignée de " Gedida ". Un disque tout autant imprégné par la culture d'Afrique du Nord, son rythme et ses passions. Et tout au long de cet opus, qu'elle illumine de ses volutes vocales, les oscillations de cordes exotiques et les arpèges de cordes se conjuguent aux percussions tribales et aux accès de basse dub. Et cet équilibre délicat, établi entre production brillante, assurée par ses fidèles collaborateurs Tim Whelan et Hamid Mantu, et mélodies intenses, lui permet même de revisiter, avec beaucoup de bonheur et d'originalité, le célèbre " I put a spell on you " de Screamin' Jay Hawkins et l'intemporel " Ne me quitte pas " de Jacques Brel. Seul le remix de " Manbai ", opéré par Nitin Sawhaney, fait un peu tâche d'huile dans l'ensemble. Encore que les DJ's ne doivent pas du tout partager mon point de vue. Comme les puristes de world music, qui risquent même de tirer à boulets rouges sur ce qu'ils considèrent probablement comme beaucoup trop dénaturé par la technologie moderne. Mais ici, c'est une question de goût…
Astrid nous vient du nord de l'Ecosse. Un quartette dont le premier elpee, " Strange weather lately ", avait reçu le concours d'Edwyn Collins à la production. Pourtant, bien que pop, la musique de cette formation n'affiche aucune affinité avec le postcard, pratiqué en son temps par l'ex leader d'Orange Juice ; mais plutôt avec d'autres Ecossais : le Teenage FanClub. A cause des harmonies vocales angéliques, de ce savoureux mélange entre cordes de guitares acoustiques et électriques scintillantes, chatoyantes. Des mélodies contagieuses, hyper contagieuses, chargées tantôt d'adrénaline, de lumière ou de nostalgie. Pour enregistrer " Play dead ", Eddy a cédé le relais à Tony Doogan. L'ombre de TFC est cependant toujours aussi présente. Mais la forme épouse un profil légèrement britpop que ne renierait pas un certain Bluetones. Et le timbre vocal aigrelet de Willie Campbell, proche de celui de Mark Morris, y est sans doute pour quelque chose. Dans le style, c'est vraiment un chouette album !
Comme son titre l'indique, cet elpee a été enregistré en public et sous une forme acoustique. Ce qui donne une nouvelle dimension aux chansons de cet ensemble parisien, d'Ivry sur Seine très exactement, tout en démontrant son aisance à se passer d'amplification électrique, sans pour autant perdre la puissance de son sens mélodique. Une formule qui met, bien sûr, davantage en valeur la voix de Fred, dont le timbre empreint d'une troublante sensualité, hésite entre caresse et morsure. Et puis également les textes du groupe. Une poésie torturée qui joue sans cesse sur les ambiances et les mots (NDR : ce qui doit plus que probablement indisposer ceux qui pensent détenir le monopole de l'humour !), sans pour autant négliger un engagement social certain. Et parmi les 13 exercices de style proposés sur cet opus, on retrouve les inévitables " Raisonne ", " L'âge d'or ", " Peu importe ", " Les codes ", " J'en rêve " et bien d'autres…
" En toute sérénité " marque les débuts de cette jeune chanteuse belge, aux origines métissées. Parolière de quelques-uns des onze morceaux de son premier album, Leyna a, pour principale qualité, une voix sensuelle et ample. Mais elle paraît bien mal exploitée au milieu de mélodies banales qui confondent mollesse avec tendresse et romantisme. Simples pour ne pas dire simplistes, les chansons de cet album ont peu de chance de marquer les mémoires. Et quant bien même elles parviendraient à se faire remarquer ( ?), elles tomberaient rapidement dans l'oubli. Pire encore, son style ne parvient ni à émouvoir ni à séduire. En fait, sa musique ne possède pas ce petit plus qui retient l'attention, même quelques instants. A contrario de Sweet Jane, autre jeune vocaliste également peu connue, qui parvient à captiver l'attention par ses textes écrits tantôt en français ou en anglais, qu'elle chante en s'accompagnant de sa seule guitare acoustique. Peut-être faudra-t-il laisser à Leyna, le temps de mûrir son talent…
De bon petit groupe, Ash est occupé progressivement de passer au statut de très bon groupe. D'abord, il en est à son troisième album ; et la plupart des chansons qui le composent sont de véritables hits potentiels. On savait que Tim Wheeler était capable d'écrire de foutues bonnes mélodies, mais chez " Free all angels ", elles sont encore plus contagieuses, plus efficaces, plus naturelles. Un disque de power pop fort bien équilibré qui alterne ballades de pure pop (" Sometimes "), parfois enrichies d'orchestrations de cordes (" There's a star ", " Someday " et surtout le superbe " Candy " qui implique un sample du " Make it easy on yourself " des Walker Brothers "), punk pop torride (" Nicole ", " Shark ") ou pogotant (" World domination ") et house au groove post Happy Mondays (" Submission "). Les lyrics ne dissertent cependant plus sur la guerre des étoiles, mais parlent des filles et de l'été. Et si les sujets peuvent paraître futiles, ils sont ici traités avec beaucoup plus de pertinence que vous pouvez l'imaginer, permettant à Tim d'épancher toute la sincérité sombre de son nihilisme. Elargi à un quartette depuis l'arrivée de Charlotte Hatherley à la deuxième guitare, Ash vient probablement d'enregistrer l'album de la consécration. Enfin, c'est tout le mal qu'on lui souhaite…
Billy Boy est né à Chicago en 1935. Alors qu'il ne compte guère plus de 13 ans, il a l'audace de pousser la porte de son idole, John Lee "Sonny Boy I" Williamson ; le vrai ! En 1948, BB apprend donc les rudiments de l'harmonica au contact de ce musicien mythique, alors très populaire auprès des audiences noires. Il n'aura pas le temps de le rencontrer souvent puisque John Lee fut assassiné la même année, dans une rue de Chicago. Il connaîtra un autre fait mémorable lorsqu'en 1955, il enregistra le fameux single de Bo Diddley, "Bo Diddley / I'm a man".
Billy Boy enregistre ensuite pour Vee-Jay quelques titres incontournables, tels que "I wish you would" et "I ain't got you". Disparu de la circulation un long moment, il est réapparu ces dernières années, le temps de commettre 2 albums pour Alligator : "Back where I belong" en 93 et "Eldorado Cadillac" en 95.
Voici son grand retour en compagnie du Duke Robillard Band au grand complet, s'il vous plait! Duke est aux cordes, Matt McCabe au piano, John Packer et Jeff McAllister constituent la section rythmique ; alors que Doug James et Gordon Beadle se concentrent aux saxes. Et le résultat est probant ; le niveau musical est même très élevé.
Billy Boy a composé six des 12 titres, dont les toniques "Greenville" et "Come here baby". Il joue d'un harmonica très amplifié, dans un style proche de la légende Sonny Boy. Les meilleurs titres sont incontestablement "Let's work it out", un fragment assez jump boogie, et l'ouverture "Bad luck blues" parcourus par les plus belles interventions instrumentales de Matt et de Duke. "Hello stranger" est aussi une toute bonne composition. L'harmonica s'évade, pendant que la guitare de Duke veille au grain à l'arrière. Abordée sur un mode discret, assez laidback, la plage titulaire est particulièrement réussie. Stimulé par de bonnes apparitions très respectueuses du passé, de Duke et de Matt, BB se sent 40 ans de moins. Parmi les reprises, certaines valent le détour. Leur choix est sans doute inspiré par Duke. Ainsi soutenu par l'envol des saxes en solo, "Just got to know" et "Every night, every day", de Jimmy McCracklin, ainsi que "Home in your heart", pourraient figurer au répertoire du DR Band. Deux compositions de Ray Charles nous plongent dans une superbe ambiance. Tout d'abord "Greenback". Et puis "Blackjack", un slow blues procédant plus du style T-Bone que du Chicago blues ; mais que Billy Boy chante admirablement devant le piano de McCabe. Cet album sans faille est ponctué d'une interview de plus de 18', au cours de laquelle Mr Arnold nous raconte ses aventures vécues en compagnie de Sonny Boy et de Bo Diddley!
Il s'en passe des choses à Los Angeles. On se nourrit des Pixies et de Guided By Voices, on traîne dans les clubs et l'envie de monter un groupe vous démange. L'ombre de Nirvana plane au dessus de votre tête car vous avez vécu ce drame en pleine phase critique de l'adolescence. En réaction, vous avez plongé dans les méandres mélodiques de Quicksand. Mais vous voilà revenu à des meilleurs sentiments : le positivisme entre autres. Superchunk !!! Oulà ! Un nom revenu de loin ! Et vous balanciez donc aussi la tête au son du rock alternatif de Superchunk ! Tout ça reste, avouez-le, dans les limites de l'acceptable, de l'audible pour tous. Au moins un titre plaira à votre cousine réfractaire à toute sonorité rock (vous savez, avec des guitares); elle qui ne jure d'habitude que par Robbie Williams. Les petits cousins américains de Feeder en quelque sorte…
Pour enregistrer son quatrième album studio, la formation écossaise a décidé de revenir sur son label d'origine, Chemikal Underground. Une sage décision lorsqu'on connaît le statut indie qui colle à la peau du groupe. Fruit d'un mélange subtil entre lo-fi, trip hop, psychédélisme, ambient et post rock, la musique d'Arab Strap affiche une sensibilité pop contemporaine, tout en véhiculant des lyrics sombres, torturés, caustiques, cyniques, confessés par la voix marmonnée, déclamatoire, flemmarde de Moflat. Des lyrics peuplés de rencontres secrètes, où se mêlent amour, désir, sexualité, maladresse, culpabilité, rupture, rancune et dépression, lorsqu'ils ne conjuguent pas à tous les temps les verbes boire, se droguer, se battre, bouder, saigner, pleurer, haïr et déprimer, sur fond de relations humaines. Et cette confession sans fin, fragilisée par la ligne de guitare claire, funéraire, de Middleton, confère une dimension tentaculaire, hypnotique, à la dérive de cette romance moderne…
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