Si on ne tient pas compte du mini elpee "Six modular pieces", paru en 2000, " Imperial metric " constitue le deuxième album d'Appliance. Un disque qui démontre tout l'art de ce trio à pratiquer la musique hybride. A mêler aussi subtilement qu'efficacement boîte à rythmes, samples, guitare et basse, pour être plus concret. Découpé en douze tranches d'électro-rock minimaliste, cet opus survole un paysage sonore glacé par les spectres de Kraftwerk, Neu, Brian Eno, New Order, John Foxx, Bowie circa " Low ", ou encore Spiritualized ; un paysage sonore balayé par le baryton hypnotique de James Brooks. Pourtant, les deux titres que je préfère sont ceux qui baignent le plus dans le psychédélisme. Le très électrique et envoûtant " Land sea and air ", tout d'abord. Et puis le fluide et tourbillonnant " A gentle cycle revolution ". J'imagine cependant que les inconditionnels de la musique électronique pensent le contraire. C'est sans doute là que se situe le paradoxe de la musique dite " hybride "…
Dès le morceau maître, Big Joe et ses Dynaflows allument un véritable bâton de dynamite. Big Joe Maher chante avec une rare autorité devant ses Dynaflows. Ivan Appelrouth est impérial aux cordes. Les cuivres sont à la fête : Joe Stanley, Kaz Kazanoff et Derek Huston aux saxophones, John Jense au trombone, et Clyde Hunt à la trompette. Direction la Louisiane, la Nouvelle Orléans et les rythmes zydeco pour s'aventurer "Down in Louisiana". La présence massive des cuivres continue à épauler le piano virevoltant de John Cocuzzi. Cette grande équipée de cuivres sonne très Roomful of Blues quand elle s'engage dans "Move it or lose it", un blues lent inspiré par T-Bone Walker. Joe shoute comme un dieu. "My baby's tops" est une espèce doo wop pop à la rengaine entraînante, enrichie par les chœurs de Johnnelle Gray et d'Earl Jones, et traversée par le solo de Huston au sax tenor. Les portes de l'Eglise s'ouvrent pour un très lent et majestueux "The church of your love". Le compagnon d'écurie, Benjie Porecki, s'est installé à l'orgue Hammond. John Cocuzzi s'engage avec conviction tout au long de "Mr Nick", un boogie qui dégage une énergie sans limite, au cours duquel trompette et trombone s'entrechoquent dans un duel sans faiblesse. Superbe! "Ham hocks" ralentit à peine le rythme. Cocuzzi est rapidement passé à l'orgue. Les sax poussent le riff. Le puissant solo est executé par Kaz Kazanoff. Big Joe chante divinement le blues lent. Sa voix est claire, sans faille ni faiblesse. Elle est autoritaire sur "You were always there". Porecki est le compagnon idéal pour cette tranche d'ivresse. La prise de son est éclatante d'un bout à l'autre de l'album, et la production de Maher et de David Earl est très efficace. La plus belle démonstration procède de la tonalité produite par la guitare sur "One more time" et le nerveux "Honey Bee". Un superbe album qui s'achève par "Third class citizen", un morceau de swing collectif, style au sein duquel Big Joe et ses Dynaflows excellent…
C'est tout le mal qu'on souhaite à ce trio…Etre connu au Japon…Pays reconnu pour son légendaire bon goût. Quant au destroy, euh… faut pas pousser quand même ! Issu de Reno, dans le Nevada, Big in Japan dispense un punk basique cher à Green Day. Encore que selon la bio, ce serait plutôt du côté de la new wave d'Elvis Costello qu'il faudrait pister. Chaque titre recèle de petites qualités. Le rythme est enlevé et les vocaux communicatifs naviguent à la limite du pop/rock ‘college’. "Sing along" comme ils appellent ça. Pour le reste, le groupe deviendrait-il la ‘next big thing’ ? A travers cet album, j'en doute. Maintenant s'il y avait en d'autres…
Constitué de Ruud Van Ingen (piano et chant), Willem van Dullemen (guitare et chant) et du batteur Bert Post, Big Five-O est un trio de vétérans hollandais. Des musiciens qui avaient naguère sévi au sein de formations telles que Hoochie Coochie Men, Jinx, Tip on In et Groovetones.
Une guitare tisse la trame de départ, avant de laisser place au piano sur un rythme assez envolé. "Blast off" marque le passage de la guitare à l'avant-plan. Elle rocke sec et déménage tout au long de cet instrumental. La version étrange de "Frankie & Johnny", vogue dans un monde hostile. Le rythme est très lent, indolent même ; la guitare réverbérée, métallique, emprunte au passage des murmures surf, réminiscents de Link Wray. Les accents blues de "Headlighths" remontent au Delta. Remarquablement conduits par le piano de van Ingen, ils traversent le swing des années 40 et le boogie woogie, pendant que les cordes du bottleneck de van Dullemen lorgnent avec émotion, vers le Sud profond. Le trio maintient le rythme pour rendre hommage à Willie Dixon, à travers l'excellente composition "Tell that woman". Ruud et Willem chantent à l'unisson. La tonalité toute métallique de la guitare est totalement pourrie. "This little voice" est ma plage favorite. Une composition qui navigue quelque part entre le Chicago blues des 50s (NDR : pour le piano de Ruud) et un bon Texas shuffle (NDR : à cause de la rythmique). Un travail remarquable au cours duquel la guitare imprime bien les parties de basse ! Toujours bien en rythme, "Cheatin" exhale un parfum texan. La version de "Staggerlee" est un nouveau moment très chaud. Van Ingen y démontre toute l'étendue de son talent au piano. Un remarquable pianiste de boogie qui a tout assimilé de Cripple Clarence Lofton, Meade Lux Lewis, Scrapper Blackwell ou encore Leroy Carr. Proche de Lightnin' Hopkins, la plage titulaire est un concentré du son produit par la guitare de Willem van Dullemen. Composé par Sticks McGhee, frère de Brownee disparu il y a déjà 40 ans, la reprise de "Sleep-in job" est du rock'n'roll pur. A cet instant, le Big Five-O me fait penser aux Blasters, à Leroi Brothers voire peut-être même aux Paladins. "Crazy blues" est un blues lent intimiste. Ruud est passé au vibraphone pour rendre l'atmosphère jazzyfiantte. Un excellent album qui se referme par "Gone boogie". Un boogie, bien évidemment…
Eric a tout juste 50 ans. Il est originaire de New York. Noir de peau, il appartient à la famille des bluesmen folk. Son père, Leon Bibb, était lui-même un folksinger. C'est lui qui introduisit son fiston auprès de Pete Seeger et de Bob Dylan. En 96, Eric prend conscience de ses moyens. Il passe au London Blues Festival en compagnie de Corey Harris et de Keb Mo ; célébrant ainsi la réunion d'un trio d'artistes afro-américains qui revendique l'héritage musical de l'aîné, Taj Mahal.
Eric écrit sa musique dans l'esprit de la tradition. Il compte déjà six albums à son actif : "Spirit and the blues", "Good stuff" (live en Suède), "Me to you (produit par Mike Vernon), "Home to me", le live "Roadworks" et ce dernier, sur lequel il partage plages en solitaire et en groupe.
L'album débute par deux titres acoustiques, très proches du folk blues. Tout d'abord "Kokomo", qui bénéficie du concours de Janne Peterson à l'accordéon et "Delia's gone". Il est accompagné de solides musiciens : Janne, son fidèle bassiste producteur, Dave Bronze, et le batteur Henry Spinetti. "Painting signs" est réellement frappant pour la pureté, mais aussi pour la force tranquille de sa voix, et la beauté de sa musique, même lorsque les compositions ne sont pas de sa plume. Il recèle, en outre, quelques moments exceptionnels. A l'instar de sa reprise du "I heard the angels singin'" de Rev Gary Davis. Ecrite par Dave Bronze, "Five miles above" est une remarquable épopée lente, au cours de laquelle les guitares de Robbie McIntosh et de Richard Studhome se conjuguent en harmonie au sein du décor sonore. Eric libère une émotion intense lorsqu'il s'acquitte du fameux "Angel" de Jimi Hendrix. Il accomplit cet exercice presque en solitaire ; n'autorisant la présence que du seul piano de Janne. Nonobstant les cordes synthétiques de Janne, la plage titulaire est dépouillée à l'extrême. Il chante les douces ballades cristallines, empreintes de quiétude, "To know you", "The light was worth the candle" et "Walkin' home". Le blues l'habite toujours quand il reprend "Honest I do" de Jimmy Reed, en s'appuyant sur un accordéon, les cordes de Studholme et les percussions très en avant de Spinetti. En finale, il cède le relais des vocaux au puissant Wilson Pickett. Un événement qui s'était produit sur la scène de l'Edmonton Folk Festival, au Canada. Les chœurs somptueux du Cultural Heritage Choir, la guitare de Colin Linden, la mandoline de Hans Theesink et le tuba de Son Saas étaient également de la fête. Un superbe album!
Beulah serait-il aux States ce que Pulp et Divine Comedy sont à la Grande-Bretagne? Je ne pousserai pas le bouchon aussi loin, mais il faut reconnaître qu'il existe de grandes affinités entre ces trois formations. Surtout dans le domaine des orchestrations et des arrangements empruntés au music hall. Et puis à cause de leur goût commun pour la pop des sixties. Beulah avouant cependant une préférence pour les Beatles, les Beach Boys et les Kinks. Et pourtant, Beulah ne verse pas dans le revivalisme. Probablement à cause de cette approche toute particulière de la mélodie. Aussi légère, moelleuse et capricieuse que celle de Pavement. La voix de Miles Kurosky campant, nonobstant un timbre plus clair, des inflexions fort proches de Stephen Malkmus. Et puis de ces empreintes pas toujours très nettes, mais très présentes de country & western. Tout un ensemble de caractéristiques qui mises ensemble, débouchent sur douze fragments fort agréable à écouter, aussi ensoleillés que rafraîchissants, un peu à l'image de la pochette. Manque plus que le cocktail, le hamac et… (NDR : qui a dit les jolies filles ?)
Bienvenue dans l'univers atmosphérique, excentrique, mais tellement mélodique de Beta Band. Un groupe qui n'hésite pas à mêler acoustique, hip hop, vocaux spectraux et diaphanes, instrumentation éclectique, percussions insolites et technologie moderne pour se balader à travers les styles et les sons. Et c'est encore le cas sur leur nouvel opus, " Hot shots II ". Encore que nonobstant les multiples samples, le disque paraît beaucoup plus homogène que ses prédécesseurs. Et le travail accompli par Colin Emmanuel, alias C-Swing, à la coproduction n'y est pas étranger. Un disque qui recèle, bien évidemment, la cover revue et corrigée du " Daydream " de Wallace Collection, un hit qui avait tant cartonné au cours des sixties. Une nouvelle version que vous avez certainement déjà eu l'occasion d'entendre ou d'écouter sur l'une ou l'autre station radiophonique. Et figurez-vous que les musiciens de Beta Band ont adapté ce tube, sans en connaître l'histoire. En fait, ils l'on découvert, par hasard, sur une compile. " Hot shots II recèle " d'autres surprises. Tout d'abord " All sharp " qui agrège chants grégoriens, rythmes reggae et ligne de basse groovy. Le tribal et psychédélique " Quiet " également, sorte de rencontre hypothétique entre Primal Scream et Syd Barrett. L'ombre de l'ex Floyd plane encore sur " Human being ". Elle a même pris une forme underground digne d'" Arnold Layne. Et enfin " Gone ", berceuse de pure soie pop qui sied tellement bien au timbre vocal lugubre, lancinant, de Steve Mason. Plus éthérées, les autres compositions sont davantage visionnaires. Un peu comme chez Mercury Rev. A l'instar du final " Eclipse ", tellement propice à la rêverie (!?!?)…
Avant de se lancer dans une carrière musicale, Ghalia Benali s'était illustrée comme actrice de cinéma. Elle avait notamment joué dans le film " La saison des hommes ". Un long métrage qui ne vous dit peut-être rien, mais qui a rencontré un certain succès dans le maghreb. Ghalia est d'origine tunisienne et elle avait envie d'associer la culture arabe, et en particulier classique d'origine jordanienne, iranienne et bien sûr tunisienne, à de nouvelles formes musicales, parfois même médiévales, slaves, brésiliennes voire andalouses. C'est la raison pour laquelle elle s'est entourée de musiciens venus de tous les horizons. Des guitaristes flamenco, des percussionnistes orientaux et surtout des violonistes talentueux, capables d'enflammer les mélodies de leurs accès tantôt fougueux, tantôt raffinés, tantôt grinçants, tantôt suaves… Tout un contexte au sein duquel la voix chaude, chaloupée, de Ghalia, vient se glisser dans une tonalité intermédiaire inhabituelle. On a même parfois l'impression d'assister à une rencontre entre le Transglobal Underground de Natacha Atlas et l'orchestre égyptien qui avait accompagné Page & Plant pour enregistrer " No quarter ". Surtout lorsque les violonistes Guido Schiffer et Renaud Ghilbert conjuguent leurs instruments au cœur de leur sphère passionnelle. Et si l'opus concède l'un ou l'autre morceau plus faible, il recèle aussi des morceaux très forts, et même splendides…
Et mon calvaire a duré près de 45 minutes… Guère inspiré par cette plaque, je me suis baladé sur le site de Man's Ruin pour prendre le pouls. Les avis sont unanimes, les notes de " Mobile " peinent à atteindre le 5/10. La sentence, prononcée par les habitués du genre, le ‘stoner’, par les fervents adeptes du label américain, est sans appel. Ce qui ne doit guère encourager les patrons à signer des Européens (en l'occurrence des Bataves) pour un genre qui colle si bien aux States. Alors, que dire de plus ? Gonflé à outrance de clichés, Beaver tente de faire illusion, mais personne ne s'y trompe. Le tout se dégonfle dès la 7ème seconde de chaque plage et nous inflige ensuite près de 4 minutes d'ennui profond. Et ce chant… Une des plus faibles sorties de la semaine, du mois, de tout ce que vous voudrez.
Une chose est sûre, cette formation a beaucoup écouté la musique des eighties pour concocter un tel album. La new wave, la cold wave, le post punk, le funk blanc et tutti quanti. Hormis le final électro-atmosphérique " Current time ", titre qui aurait pu figurer, s'il n'y avait eu les parties vocales, sur un elpee de Tangerine Dream, les neuf autres fragments de l'opus agitent une multitude de spectres nés au cours de cette époque. Et en particulier ceux de Joy Division, PIL, Gang Of Four, Throbbing Gristle, Orchestral Manœuvres In The Dark, Simple Minds circa " Real to real cacophony " et Depeche Mode " Conctruction time again ". Et lorsque le groove prend une forme hypnotique, à l'instar de "Hold still", c'est même à Hunters & Collectors qu'on se met à penser. Dans ces conditions, il est facile d'imaginer que les mélodies trempent dans un climat mélancolique, un climat entretenu, inévitablement, par des vocaux ténébreux ou frénétiques, des synthés lancinants ou glacés, des accès d'électricité gémissants ou écorchés, un tempo convulsif ou robotique, ainsi que des expérimentations post industrielles…
Souvent comparé à Daft Punk, Basement Jaxx a sorti son premier album en 1999. Intitulé " Remedy ", il recelait le fameux single tonitruant et dansant, " Red Alert ". Tout comme son précédent elpee, " Rooty " semble viser le seul et même objectif : faire danser. Et à cet égard, sur des titres tels que " Romeo ", " Jus I Kiss " ou encore " Where's your Head at ? ", le duo britannique se révèle très efficace. L'opus épingle également des fragments tout aussi groovy, mais un peu plus downtempo. A l'instar de " Broken Dreams ", caractérisé par une jolie intervention à la trompette ou encore du titre final de ce morceau de plastique, " Do Your Thing ". Ne cherchez cependant pas un message quelconque à travers leurs lyrics. En général légers et répétitifs, ils ne volent guère très haut. M'enfin, personne ne leur a demandé un engagement quelconque ou des textes subtils. Juste faire danser. Et là, faut reconnaître qu'ils ont des planches…
De son vrai nom Roger Heith, Syd Barrett est le fondateur du Pink Floyd. C'est même lui qui en avait inventé le patronyme, en s'inspirant de deux bluesmen américains, Pink Anderson et Floyd Council. Un personnage énigmatique responsable de l'intégralité des compositions du premier elpee du Floyd, " The Piper at the gates of dawn ", ainsi que des premiers 45trs, dont les notoires " Arnold Layne " et " See Emily play ". En 1967, Syd commence à perdre la raison. L'abus de substances hallucinogènes, et du LSD en particulier, le précipitent dans la schizophrénie, dont il ne sortira plus qu'épisodiquement. Notamment pour graver deux albums solo : " The madcap laughs " et un opus éponyme ; et puis pour écrire l'une ou l'autre chanson qu'il ne termine même pas. Des artistes aussi célèbres que Jimmy Page, Brian Eno, Twink des Pretty Things et bien sûr les quatre autres membres du Floyd ont essayé de le relancer sur la scène musicale. Certains ont même essayé de le faire de nouveaux enregistrer. Mais sans succès. Depuis 1972, il vit chez sa mère passant ses journées devant la télévision. Pourtant, il est incontestablement un des artistes qui a le plus influencé le rock ; et en particulier sa branche psychédélique. Autant que les Beatles, les Stones ou Bowie. Ce qui n'est pas peu dire. En 22 titres, cette compilation tente de nous le rappeler. Elle ne comporte cependant qu'un seul inédit, " Bob Dylan blues ". C'est sans soute le seul reproche que je puis adresser à ce disque. Car, j'en suis convaincu, des bandes inédites doivent dormir quelque part, peut-être sous plusieurs couches de poussière psychédélique…
Bien difficile de ne pas penser à Mogwai ou à Godspeed You Black Emperor ! à l'écoute du dernier Bardo Pond. Rendons à César ce qui lui appartient : Bardo Pond faisait du "Mogwai You Black Emperor" avant tout le monde. Le monde à l'envers, je vous dis : Bardo Pond ouvre et souffle la vedette à Mogwai lors de leur dernière tournée commune. A quand la reconnaissance (des ventes surtout) ? Vous l'aurez compris, l'orientation musicale est résolument noisy, éthérée ainsi que traînée en long et en large (10 titres, 71’ : les climats, faut bien les installer, hein !). Le genre souffre désormais de ces limites. Les surprises ne sont plus au rendez-vous et dans ce cas, l'album lasse malheureusement assez rapidement. Non pas que qu'il soit dépourvu de qualités, mais force est de constater que l'impression de déjà entendu ne se voit diminuée que par le chant féminin très porche de Kim Gordon des Sonic Youth. Tout ça nous ramenant au bon vieux temps de la scène shoegazer anglaise (Pale Saints, My Bloody Valentine et consorts). Si vous ne vous êtes pas encore procuré "Rock Action" ou "Lift your skinny fists…" des 2 bands cités en première ligne, pourquoi ne pas accorder une sa chance à "Dilate" ? Le débat reste ouvert et la question mérite d'être posée.
Dans le domaine de la lo fi, les Baptist Generals sont vraiment un cas particulier. D'abord, il y a Chris Flemmon, un type capable d'extraire des sonorités pas possibles d'une guitare sèche qui ne doit pas valoir plus de 20 $. De chanter comme un vieillard de 90 piges prêt à rendre son dernier souffle, pour raconter des histoires, tantôt désespérées, sordides ou mêmes horribles, peuplées d'alcoolos, de clodos, de desperados et de populo qui ne fera pas de vieux os. Un peu comme s'il cherchait à exorciser ses propres démons qui le rongent à l'intérieur. Ensuite, il y a Steve Hill. Un percussionniste qui tape sur tout ce qui lui tombe sous la main : casseroles, marmites, seaux et autres objets insolites. Et le résultat de cette rencontre est le plus souvent étonnant ; même si sous sa forme la plus dépouillée, il marche un peu trop sur les traces de Will Oldham. Mais lorsque l'émotion débridée et la tension malsaine entrent en osmose, les compositions atteignent l'intensité " III " sur l'échelle du Led Zeppelin. Ou en terme de référence pure, revisite l'univers de Roy Harper. A l'instar de " 2/3rds Jim's head ", " Pats the rub ", " Dancing magnetic people " ou encore " Damn the bloom ", les meilleures compositions de l'opus. Dommage, d'ailleurs, que les quatorze fragments de ce " Dog " ne soient pas tous de cette trempe…
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