Depuis quelques années, Burnside est devenu un bluesman incontournable. Un statut qu'il doit probablement à son affiliation au sein de l'écurie Fat Possum. Originaire d'Oxford dans le Mississippi, cet ex-fermier et pêcheur affiche aujourd'hui trois quarts de siècle. C'est au contact d'un de ses voisins, Fred Mc Dowell, qu'il s'est imprégné du delta country blues. Une musique qui est devenue depuis, la base de son inspiration. Les autres influences détectables dans le Burnside blues ont pour nom John Lee Hooker, Lightnin' Hopkins et Muddy Waters. Mais attention, R.L a tellement de personnalité qu'il a su créer son propre style. Cet opus provient de bandes qui datent de 86 à 93 ; et les perles s'y bousculent.
Cela débute en mai 86 par une version live du "Nightmare blues", immortalisée à Charleston, en Caroline du Sud. Un frisson vous parcourt l'échine. C'est lors de l'hiver 86, dans une maison sise au bord du Mississippi, qu'il commet le saignant "Staggolee". Une interprétation tout à fait bouleversante accordée en présence d'un Curtis Saldado tombé sous le charme. Il interprète aussi le "Last night" de Little Walter. Beau à pleurer! En avril 91, il commet "Poor boy" à La Haye ; en décembre 92 un émouvant "How many more years", à Athènes; et en avril 93 enfin, dans une maison de Gieterveen en Hollande, les décapants "Goin' down south" et "Mellow down peaches". Ces deux fragments sous la formule d'un trio. Au sein duquel on retrouve Jon Morris à l'harmonica et son beau-fils, Calvin Jackson aux percussions. R.L Burnside est bien un bluesman incontournable.
Michael est né en 1957 à Milwaukee. Dès le berceau, il pouvait entendre son grand-père Joe jouer le Delta blues à Camden, dans l'Arkansas. Frederick, son père, jouait de la basse dans les clubs de blues. Il lui arrivait même de se produire derrière Sonny Boy Williamson II. Il a appris la guitare à Michael, alors qu'il n'avait même pas cinq ans. Les Burks sont revenus se fixer dans l'Arkansas au cours des 70s. Ils y tenaient leur propre juke joint, le Bradley Ferry Country Club. Michael pouvait y jouer avec sa propre formation! En 1994, il monte un nouveau groupe et enregistre pour ses débuts, l'album "From the inside out". Nous sommes alors en 1997.
" Make it rain " constitue son deuxième opus. Edité sur Alligator, il a été produit Jim Gaines et Bruce Iglauer. Michael annonce la couleur dès les premières mesures de "Hit the ground runnin". Sa Gibson Flying V produit un son métallique, très réverbéré, dense et électrique, qui me fait parfois penser à Son Seals. L'homme aime ponctuer son chant de petites phrases assassines comme Buddy Guy sait si bien le faire. C'est le bonheur sur le funky "Got a way with women". L'accompagnement reste sobre et toujours de qualité. D'anciens vieux routiers de la bande à Buddy Guy sont venus prêter main forte à Burks. En l'occurrence Ernest Williamson aux claviers, David Smith à la basse et Steve Potts aux drums. Sans oublier le guitariste rythmique Vasti Jackson, responsable d'un album autoproduit voici quelques années. Il aborde les tempos lents avec la même aisance. "Beggin' business" est un slow blues bien électrique et "What can a man do?" un gospel très doux. L'orgue d'Ernest reste discret à l'avant-plan. La guitare ne distille que les notes nécessaires. Même schéma pour la plage générique de l'album. Caractérisée par une ligne mélodique délicieuse, saturée d'émotion, Burks y produit des notes belles à pleurer. La Flying V est un merveilleux outil. Elle nous fait naturellement penser au légendaire Albert King. Notre Michael adore le Roi Albert. Une admiration qui transpire de partout. Et c'est tout à fait évident sur "Mean old lady" et surtout sur "Everybody's got their hand out", un vibrant hommage à peine voilé. "Heartless" par contre, fait immédiatement penser à un autre King baptisé BB. "Pack it up" constitue sans aucun doute, un des meilleurs titres. Un R&B très entraînant, taillé pour la danse qui sonne très Memphis. Ce superbe album se referme par " Voodoo spell ", une composition dépouillée à l'extrême, dont l'authenticité est très proche des sources du blues…
Destin curieux, tragique et analogue pour le fils et le père Buckley, disparus à la fleur de l'âge. Respectivement à 30 et 28 ans. Ils se sont pourtant peu connus. Tim ayant quitté la maison familiale, lorsque Jeff était encore très jeune. Mais l'incontestable point commun qui existe entre les deux personnages, est la voix. Une voix extraordinaire, capable d'embrasser plusieurs octaves ; une voix qui ne peut laisser indifférent. Mais ici s'arrêtent les comparaisons. Car si Jeff s'est noyé accidentellement, dans les eaux du Mississipi, Tim est décédé d'une overdose. Ce qui ne les empêchera pas de faire l'objet, tous deux, d'un culte auprès des nécrophages… Mais venons-en à ce " Honey man ", un elpee qui constitue le dernier volume d'une trilogie entamée par " Dream letter " et suivie par " Live from the troubadour ". Un disque dont les sessions d'enregistrement ont été immortalisées " live " le 27 novembre 1973. Et dont les 9 fragments sont partagés entre compositions acoustiques, gravées sur ses elpees précédents, et jams aussi frénétiques qu'impressionnantes. Ce sont d'ailleurs ces morceaux qui font la différence. Et quelle différence ! Tim, comme emporté par la folie, la passion, la sensualité dans toute sa crudité orgasmique et dans un irrésistible besoin de dépassement des barrières de la sensibilité, parvient à communier avec son public, comme seul Jim Morrison pouvait le faire. On comprend mieux pourquoi, depuis trois décennies, son style musical spécifique, ni tout à fait jazz, rock ou folk, mais tout à la fois, a influencé et continue d'influencer autant de groupes et d'artistes de la scène pop et rock. Un testament !
Comme son titre l'indique, cet album a été enregistré en public, à l'Olympia de Paris. Le 6 juillet 1995, très exactement. Au cours de ce set physique, intense, d'une virulence rare, il avait notamment repris le " Kick out the jams " de MC5. Un climat qu'il maintient tout au long de " Dream brother " et d' " Eternal life ". Le reste de l'opus s'inscrit davantage dans l'esprit de " Mystery white boy ", réunissant les inévitables " Lilac wine ", " Grace " ou " Hallelujah ". On a même droit à un pastiche assez humoristique du " Kashmir " de Led Zeppelin, auquel Jeff vouait pourtant une grande admiration. L'opus est, en outre, enrichi d'une version de " What will you say ", qu'il avait interprétée dans le cadre du festival des musiques sacrées de Saint-Florent-le Vieil, le 18 juillet de la même année, en compagnie d'un des plus grands chanteurs mugham, l'Azeri Alim Quasimov. Le 29 mai 1997, Jeff Buckley disparaissait tragiquement dans les eaux du Mississipi. Son corps ne sera retrouvé que le 4 juin de la même année, en aval, au pied de la célèbre Beale Street de Memphis, le berceau du blues…
N'en déplaise aux esprits chagrins, mais que ce soit en compagnie des Stone Roses ou pour son compte personnel, Ian Brown a toujours eu le bon goût d'apporter un soin tout particulier à la finition de des albums. A contrario de ses prestations scéniques qui ont souvent été brouillonnes. Bref, son nouvel opus solo ne déroge pas à la bonne règle. Un disque riche en arrangements, en orchestrations (parfois symphoniques) et en effets spéciaux puisés dans la technologie moderne, que la production parvient à harmoniser avec une rare maîtrise. Faut croire que sa brève collaboration avec UNKLE lui a été très profitable. Et la plus belle preuve nous vient de " The gravity train ", résultat hypothétique d'une composition de Hall & Oates qui aurait remixée par Stereo MC's. Tout au long de cet opus, les rythmes électroniques flemmards servent de support aux confidences de King Monkey, responsables de lyrics bileux, à l'humour sauvage, qu'il dispense de sa voix de stentor, au timbre chaud et ample. La guitare n'a cependant pas été négligée. Mais elle n'est cependant maître du jeu que sur le seul " Stardust ". Torturée dans son électricité, elle semble même rendre un hommage aux Stone Roses. Sans quoi, ses interventions parcimonieuses se limitent à quelques envolées floydiennes, ou alors purifient la mélodie de leur picking acoustique.
My Bloody Valentine sommeillant au beau milieu d'un champ de violettes rêvait d'une Galaxie 500 où brillait une Mazzy Star. Une belle métaphore pour définir la musique de ce duo londonien. Du nord de Londres, très exactement. Un duo constitué de Martine Roberts et de Clive Painter responsable d'une musique légèrement psychédélique, résolument atmosphérique et inévitablement mélancolique, hantée par le vocal intimiste, glacé, austère, de Martine, dont le timbre rappelle tantôt Alison Shaw (Cranes), tantôt Harriet Wheeler (Sundays). Et lorsque l'univers sonore se charge d'électrons cuivrés, jazzyfiants, c'est alors à Robert Wyatt qu'on se met à penser…
Brim est un vétéran du blues contemporain. Né dans le Kentucky en 1922, il fêtera donc ses 80 ans l'année prochaine. Il prend ses 1ères leçons de blues au contact de Tampa Red et de Big Bill Broonzy. Il monte à Indianapolis en 41 et enfin à Chicago en 45. A partir de 1950, il enregistre plusieurs 45 tours sur différents labels, avant d'atterrir chez Chess. En 53, il y sort son seul hit, "Ice Cream man". Il a joué en compagnie de grosses pointures telles que Little Walter, Robert Jr Lockwood, Willie Dixon et Fred Below. Il a également disparu régulièrement de la scène musicale, avant de sortir un 1er album solo en 1994, "Ice cream man" sur Tone-Cool, sur lequel Bob Margolin et Jerry Portnoy ont collaboré.
Il nous revient en 2001, flanqué de son backing band au grand complet, line up renforcé par la présence du réputé Billy Flynn aux cordes. "Jake's blues" s'ouvre par "Tougher times", une toute nouvelle version de son "Tough times", qui date d'un demi-siècle. Brim possède la voix caverneuse du vieux noir ; une voix un peu terne et limitée, mais qui chante le blues sans concession. Son style, vous vous en doutez, appartient au Chicago blues du début des 50s, période Chess. Sur le lent mais exquis "What may be your name", il chante comme un Muddy Waters un peu atone. Il shoute sans passion "Hey woman", sous les coups d'harmo de Rick Gerek et surtout la slide de Billy Flynn, dont le jeu transmet sans difficulté la flamme du prestigieux passé. En voilà un qui a tout compris ! Cette même impression se dégage sur "Hey baby". Soutenu par le rythme soudainement injecté, il reprend "You put the hurt on me", en compagnie de ses Tough Time Boys ; une chanson qu'il avait enregistrée en 1971, avec sa femme Grace à la batterie et son fils John Jr à la guitare. Le fantôme de Grace Brim, qui a disparu en juin 1999, est omniprésent. Lorsque le guitariste Jan Artenas lui fait découvrir en studio une bande qu'elle chante et dont il ne connaissait même pas l'existence, son cœur chavire. Il trouve l'inspiration et le feeling sur le champ pour mettre en boîte deux prises de "Dedicated to Grace". Elles figurent sur cet opus. Le chant inédit de Grace apparaît cependant tout en fin d'album, sous le sigle "*". L'émotion se dégage à l'écoute de deux fragments, "No place I go" et surtout, "Oooowee", au cours duquel le vieil homme dialogue avec ses cordes Un moment très intense !
" Letting off the happiness " n'est pas un nouvel album de Brigt Eyes, mais un elpee paru en 1998 qui bénéficie, enfin, d'une distribution officielle en Europe. Au début de cette année, il nous avait gratifié d'un opus fort intéressant et surtout particulièrement original ; un disque dont j'avais d'ailleurs dit le plus grand bien. " Letting off the hapiness " est tout aussi intéressant. Mais beaucoup plus expérimental, il est aussi plus difficile à assimiler. Partagé entre chansons intimistes, limitées au vocal versatile de Conor Oberst et à sa six cordes acoustique, et compositions étrangement déchirées entre country industrielle et lo fi alternative, où une foultitude de collaborateurs , parmi lesquels figurent des membres de Cursive, Lullaby For the Working Class, Drip, Neutral Milk Hotel, Of Montreal, Sorry About Dresdin et quelques autres, se partagent accordéon, claviers étranges, drums, samples, pedal steel ou piano, cette œuvre reflète les pensées et les inquiétudes confessées par Conor Oberst, chanteur/compositeur et surtout seule constante de l'entité à géométrie variable, Bright Eyes…
Issu de Kiel, en Allemagne, Marc est un harmoniciste réputé dans son pays où il a décroché quelques prix. Personnellement, je dois avouer ne pas le connaître. Pour l'instrument chromatique, il avoue des influences aussi diverses que Toots Thielemans, Stevie Wonder et Paul deLay, côté diatonique, Paul Butterfield, Magic Dick, Jean-Jacques Milteau, William Clarke et Little Walter tout de même.
Jack Cook est né à Seattle. Il a presque 40 balais. Un guitariste séduit par la slide d'Elmore James et la tonalité de Sleepy John Estes. Il a sévi au sein de l'Isaac Scott Band, en compagnie de l'harmoniciste Steve Bailey. Plus récemment, il a milité chez le trio acoustique, les Phantoms of Soul.
Jack a une fort bonne voix. Il débute par "About to lose my mind" d'Arthur "Big Boy" Spires. L'harmonica qui l'appuie laisse augurer de très agréables choses pour la suite. Elles sont d'ailleurs confirmées dès "Put it all in there", une composition dont le texte a été écrit par Wild Child Butler. Marc aborde ce titre avec beaucoup de verve. La rythmique imprime le beat de Bo Diddley. Je suis assez étonné par la virtuosité naturelle et originale affichée par ce jeune musicien allemand. Il passe à l'instrument chromatique pour interpréter "Outside man", de Junior Parker. Différents thèmes sont abordés sur cet opus. Le bon vieux jazz pour "Chicken ain't nothin' but a bird" (de Louis Jordan), qu'il dédie à son ami Carlos Del Junco, et le country blues sur "Saturday blues", exécuté en duo avec le dobro de Jack. Cook rend hommage à son maître, Sleepy John Estes, en exécutant avec brio "Goin' to Brownsville", toujours armé de son dobro. Il adapte également "Just give me a chance" de Silas Hogan, en hommage à Stevie Wonder, et "Work song" de Nat Adderly en hommage à Paul Butterfield. Jack Cook termine en solitaire par la plage titulaire. Un très bon album de blues acoustique.
Lorsqu'on évoque le mouvement ‘riot grrrl’ on pense immédiatement à Veruca Salt, Juliana Hatfield ou encore aux Breeders. Moins à Bikini Kill ou à Bratmobile. Normal puisque ces deux formations ont nettement eu moins de succès. Pourtant, elles ont eu une influence majeure sur cette scène. A cause de leur attitude fondamentalement féministe. Que Bratmobile n'a jamais eu trop de mal à observer, vu son line up exclusivement féminin. Ce trio s'était pourtant séparé en 94, avant de se reformer quatre ans plus tard. Ce qui n'a pas changé grand chose à leur démarche musicale. Et ce " Ladies, women and girls " en est le plus bel exemple. Un disque découpé en treize fragments instinctifs, contagieux, féroces, sauvages, imprimés sur un tempo tribal, impitoyable et lacérés par le vocal gémissant, grinçant d'Allison Wolfe, responsable de lyrics aussi sarcastiques qu'effrontés. Il plane même les spectres des Cramps, d'X-Ray Spex, des Raincoats, d'Huggy Bear ou même des Avengers sur leur solution sonore, qui doit autant au punk, à la pop, au surf qu'au psychobilly. Et lorsque Jon Nikki (The Primadonnas, Gene Defcon) injecte ses claviers fluides, psychédéliques, c'est même aux 13Th Floor Elevators que l'on se met à penser. A l'instar de " Your're fried ", " Well you wanna know what ", " Flavor of the month club " ou " Affection training ", les meilleures chansons de cet elpee. Enfin, pour être complet, sachez que c'est Jon qui partage la production avec Tim Green (Bikini Kill, Sleater-Kinney, Melvins).
Peut-on résumer Brassens à un double CD de 45 chansons ? Il y a celles du début (" La mauvaise réputation ", " Le gorille "), les délicieux poèmes (" Les passantes "), les gros mots (" Le pornographe "), une ritournelle pour enfants (" La chanson du hérisson ") et même ma préférée : " Supplique pour être enterré sur la plage de Sète ", avec son implacable rythmique (si, si !). Et je ne vais pas énumérer ici toutes celles qui auraient mérité de se retrouver sur la compilation ; nous serions vite proche de l'intégrale ! Mais quel est donc l'intérêt de cette compile ? Si vous ne disposez pas encore les chansons en CD et que vos grands enfants ignorent que des textes ont été écrits avant MC Solaar, cette anthologie constitue une belle entrée en matière. Car, après ces 45 chansons, on cherche les autres. Qu'est-ce que ça devait être à l'époque quand Brassens sortait un nouveau disque ; quand on découvrait soudain une douzaine de chansons dont on n'avait jamais entendu la moindre strophe ? Tout cela permet de se rendre compte qu'il sera sans doute impossible d'égaler un jour les textes de Brassens, d'évoluer encore dans ce registre, dénué de tout artifice et pourtant si difficilement imitable.
Julian Cope est de retour. Mais au sein d'un trio, impliquant deux membres de Spiritualized, Doggen et Kevlar. Le line up idéal pour entreprendre une aventure cosmique, pensez-vous. Et bien non. En fait, le premier opus de Brain Donor est avant tout sculpté dans le métal urbain, inspiré des Stooges, de MC5, de Blue Cheer, voire des Troggs. Un métal dont le flux sonique évoque la face la plus féroce, frénétique, distordue du Spacemen 3, voire de Loop ; mais un métal abordé sous un angle psychédélique, obsessionnel, hypnotique, réminiscent du mouvement krautrock des Can, Faust, Amon Düül II et consorts. Une seule composition est contaminée par le sens mélodique pop à coloration ‘new mersey sound’, auquel Cope nous avait habitués : " Lughnasad " ; mais c'est bien le seul répit qu'il nous accorde sur huit longues compositions … Impressionnant !
Batteur/chanteur, Boyd Small est originaire de l'Oregon. Il y a drivé les Terraplanes avant de fonder son propre band, le Boyd Small Big Blues Band. Il a aussi longtemps côtoyé Screamin' Jay Hawkins et Guitar Shorty. En 1997, il est curieusement venu se fixer à Amsterdam pour apporter son aide à la création du label Cool Buzz. Un label qui nous a permis de découvrir quelques révélations hollandaises telles que Drippin' Honey, T-99, Sugarcane et Cuban Heels. Boyd a même enregistré l'album "This time no lies" pour ce label.
Au sein du Boyd Small Band, nous retrouvons de nombreux musiciens de Sugarcane. En l'occurrence le guitariste Bas Flesseman, le bassiste Jasper Mortier et les cuivres, Aldo Groen, Matthijs Willemsen et Jon Spijker. Mischa den Haring, le guitariste de T-99 est également de la partie. Boyd Small possède un style particulier, très personnel, qui ne permet guère de comparaison. Inutile donc de lui coller des étiquettes. Il compose l'intégralité de son répertoire et sa voix fort originale, légèrement nasillarde, campe une espèce de Lou Reed bluesman.
L'harmoniciste Richard Koster pointe le bout du nez sur "Jungle Law" qui démarre de fort belle manière. "Say when" laisse transparaître une richesse et une complexité insoupçonnées. A cause de la trompette de Willemsen qui ouvre les soli, de la guitare de Flesseman toute en réverbération et des chœurs qui répondent à Boyd. Les cuivres se déploient telle une fanfare avant de se fondre dans "Straight up", une ballade envoûtante dont les cordes discrètes de Bart vont et viennent. Son solo sur l'éclatant "Just one" est très impressionnant. La guitare rythmique imprime le riff. L'harmonica intervient sur fond cuivré. Le ton monte. Boyd pousse ses cordes vocales, pour emprunter un timbre proche de Bono. Excellent! Le rythme se développe, s'accélère sur le très R&B "Too down for the fight", tout comme sur "Paper bag" d'ailleurs. Un fragment marqué par un nouveau changement de rythme et un accompagnement de chœurs du meilleur effet. La richesse de la composition est telle que les accents prennent parfois une forme pop, mais dans le bon sens du terme. Et je pense tout particulièrement à "64 Belair" qui manifeste toujours cette explosivité instrumentale, rehaussée ici par la présence du sax de Jan Spijker. Même schéma pour "Lessons never learned", "Solid ground" et le joli "Kansas" de Willie Barber, abordé derechef sous la forme d'un clin d'œil à Lou Reed. Chanté avec passion et discernement, "I'm bitter" est un slow blues dont la sensibilité perce nos âmes. Le sax de Jan monte en puissance. Les chœurs s'élèvent. Encore une réussite ! Ce très bon album de blues pop ne plaira sans doute pas aux puristes ; mais il est tellement différent dans sa démarche qu'il mérite qu'on s'y intéresse. Définitivement attractif et original !
Boxharp est le projet du vocaliste de The Court and Sparks, MC Taylor. Une formation qui, à l'instar d'Uncle Tupelo et de Calexico, jouit d'une solide réputation sur la scène country alternative. Pour enregistrer son premier opus solo, Taylor a quand même fait appel à plusieurs collaborateurs. Et parmi ceux-ci, on retrouve inévitablement trois musiciens de son groupe. Un disque qui explore un même univers sonore, mais en plus expérimental, atmosphérique. Un peu comme si Sigur Rós s'était mis à la country & western. Car si on retrouve bien l'indispensable steel, des tas de guitares acoustiques, un piano tintant et l'inévitable voix âpre, graveleuse, crépusculaire de Taylor, l'œuvre est traversée subrepticement de bruitages insolites, tels que grincements de portes, bruits de pas, clameurs distantes, soupirs, souffle du vent, etc. Des chansons qui sont parfois teintées de gospel ou de blues. Toutes des propriétés qui accentuent le climat spectral, ténébreux, mystérieux, à la beauté poussiéreuse, de l'œuvre ; une œuvre peuplée de chansons aux lyrics douloureux, nostalgiques, empreints de solitude. Mais là, fallait s'en douter !
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