Quelques mois après la réédition de ses deux premiers méfaits, GodGory nous revient avec un quatrième opus. Un disque de death mélodique particulièrement séduisant commis par une formation atypique, qui nous permet ainsi de mieux juger son l'évolution. Puissant et technique, GodGory fusionne les prouesses d'un Fates Warning à travers un death mélancolique à souhait, et un sens de la mélodie à faire pâlir de jalousie les défunts teutons de Crematory. Désormais réduit à un duo, le combo n'en est que plus cohérent et se lance sur les traces des derniers Amorphis ou In Flames. La tendance dance-gothique se révèle également au fil de l'écoute de " Way Beyond ", mais les arrangements, lorgnant parfois subtilement vers la FM, poussent les frontières encore plus loin que bon nombre de groupes affiliés à cette scène. GodGory est en passe de décrocher quelques hits bien sentis. Il s'inscrit dans une tradition initiée au cours des années 90 par Paradise Lost, un zeste de classe en moins. Hautement recommandable, la plaque qui s'écoute en boucle sans lassitude, place le groupe en première division de sa catégorie. Mais une tournée des clubs s'impose, car le nom est loin d'être familier au sein de la grande confrérie du métal contemporain.
Quatre fragments sur le nouveau single de cet ensemble batave, de Nimègue très exactement, dont l'inévitable "The low road". Une composition issue du dernier opus, qui conjugue avec beaucoup de bonheur les harmonies vocales ‘brianwilsonesques’. Si " When you come from home from the rodeo " et " Primrose " auraient pu figurer sur " Steering by the stars ", baignant au sein d'un univers pop mélancolique, doux, paisible, moelleux, légèrement électrifié, un univers que Lloyd Cole avait longuement traversé, juste après avoir quitté les Commotions, " I know just what she'll say " épouse un profil beaucoup plus minimaliste. Une chanson qu'il interprète avec le feeling d'un Will Oldham, d'un Kurt Wagner, voire d'un Bill Callahan…
Au sein de cet ensemble néerlandais, on retrouve un certain Roeland Van Niele. Un chanteur/compositeur/guitariste/claviériste qui a sévi chez les ensembles protopunk et noisy pop Moonies et Shanks. Un personnage qui a aussi beaucoup bourlingué et surtout séjourné aux States un bon bout de temps. Ce qui explique sans doute pourquoi il a été particulièrement marqué par la culture américaine. La country et le folk, en particulier. Même les lyrics de ses chansons sont hantés par l'histoire de l'Ouest des Etats-Unis d'Amérique. Pourtant, sur son second album, il a injecté davantage de sensibilité pop dans ses compositions. On a même droit sur " The low road " à une conjugaison particulièrement réussie d'harmonies vocales brianwilsonesques. Sans quoi, hormis le vivifiant, sauvage et surtout excellent " Call off the day ", qui aurait pu figurer au répertoire des Commotions, le reste de l'opus navigue paisiblement dans une mélancolie douce, paisible, moelleuse, dont s'est extrait Lloyd Cole depuis qu'il s'est entouré des Negatives. Faudra peut-être que Roeland pense à lui emboîter le pas…
Bande originale d'un film-docu-soap-fiction-reality-show-real-world américain (qui l'eût cru ?), "Serie 7" est essentiellement composé par les troublions noisy/pop Girls Against Boys. Selon les dires du réalisateur, le groupe était parfait pour illustrer son film musicalement. Au delà des ces simples considérations contextuelles, pas de quoi se taper la tête contre les murs avec ce faux album. Les fans retrouveront leurs petits; les autres risquent de découvrir quelques morceaux relativement bien sentis. Comme il se doit, des interludes dispensables, quoique censés rappeler le caractère filmique de l'objet, ponctuent l'ensemble. De ce qu'il reste, la moitié est composée d'instrumentaux, de "collaborations" (les acteurs y vont de leur chansonnette) ou encore d'une reprise (Joy Division, "Love Will Tear Us Apart"). A ce sujet, il est intéressant de noter l'influence très nette de la new wave sur les compos. A plusieurs reprises, j'ai même espéré me mettre dans le tuyau acoustique un (bon) vieux Cure ("Kiss me" surtout). Mais il n'est jamais arrivé… Résultat des courses, cet opus peut être qualifié d'honnête mais pas indispensable ; surtout si c'est un prix plein.
Le catalogue de Provogue réunit un tas de formations qui pratiquent le rockin' blues, sous une forme particulièrement hard. A l'instar de ce duo de guitaristes.
Paul Brandon Gilbert est âgé de 35 ans. Il est originaire de l'Illinois. Il était le leader du groupe Mr Big. Il revendique pour influences majeures: Led Zeppelin, Pat Travers, Robin Trower, Van Halen et Aerosmith. Ce qui permet immédiatement de cerner la dégaine du bonhomme, propice à libérer un rockin' blues bien dur, agressif et saturé d'électricité. Il compte, et vous pouvez me croire, une multitude d'albums à son actif, dont plusieurs rendent hommage à Jimi Hendrix.
Pour enregistrer " Raw blues power ", Paul a reçu le concours de son oncle, Jimi Kidd. Originaire de Chicago, Kidd cite plus volontiers, John Lee Hooker, Taj Mahal et Muddy Waters, comme maîtres. Il est surtout connu pour avoir drivé la formation DeLuxury. Les amateurs de blues doivent savoir que le neveu l'emporte sur le tonton. Autrement dit, le rock dur prend ici le pas sur les 12 mesures, si douces à nos oreilles.
"12 days of the blues", le calme "Freedom", le très rock "Play guitar", et la reprise de "Sookie Sookie" de Don Covay, découpée dans le style que Steppenwolf lui avait conféré, constituent les meilleurs moments de cet album. Et il faut attendre la dernière plage, "Blues power", pour enfin hériter d'un blues électrique de près de 10', un fragment plus conventionnel ; mais auquel le duo aurait bien fait de penser plus tôt…
Les compositions retenues pour figurer sur cette compile ne reflètent pas exactement l'identité du Giant Sand de cette dernière décennie. En fait, si on y retrouve bien des extraits de " Ramp ", de " Purge & slouch " et de " Centre of the universe ", les extraits choisis sont les plus accessibles. Maintenant, il est vrai que depuis 1993, le profil mélodique a pris le pas sur les élucubrations expérimentales. Des expérimentations qui, soit dit en passant, ont influencé un tas d'artistes contemporains. Et en particulier Dinosaur Jr, Vic Chesnutt, les Lemonheads ou encore Smog. Maintenant, il ne faut pas imaginer que cet opus ne soit pas intéressant. Que du contraire ! Parce qu'il épingle également des fragments réservés à des " Tribute ", des inédits et des raretés dont une reprise du " Music arcade " de Neil Young et une autre du " Sand " de Lee Hazlewood, par le projet alternatif de Gelb, OP8. En outre, ce recueil réunit toute une série de duos, voire de trios échangés par Howe Gelb avec Juliana Hatfield, Evan Dando, Lisa Geramno, Trina Shoemaker, Lucinda Williams et quelques autres. Bref, à défaut de définir l'œuvre de Giant Sand, ce recueil est surtout très agréable à écouter…
Outre-Atlantique, Mary Gauthier (prononcé Go-Shay) est relativement connue. Surtout pour sa participation aux différents festivals country et folk. Vous ne serez donc pas étonnés d'apprendre que cet opus flâne au cœur de la musique country, dans la plus pure tradition. " Drag queens in limousine " constitue déjà le deuxième opus de Mary Gauthier ; bien que j'ignorais, ignore et ignorerai, certainement encore longtemps, ce que valait le premier… Elle désirait explorer la noirceur de l'âme humaine en parlant de sa propre expérience (décrochage scolaire, vol de voiture, séjours en cellules et autres petites bêtises de ce genre). Sa voix nasillarde est un fameux atout pour créer une ambiance très particulière et retenir toute notre attention sur la condition humaine et ses distorsions. Mais la country exige une certaine volonté et plusieurs écoutes pour être appréciée à sa juste valeur. Il en va donc de même pour l'album. Il faut laisser notre audition appréhender progressivement les guitares sèches, les violons et harmonicas pour se mettre dans l'ambiance cow-boy, affublés de bottes et de chapeaux ! Passé ce délai, l'album devient intéressant par son originalité musicale mais également par la voix particulière de Mary Gauthier. Une bonne occasion pour élargir votre esprit ainsi que vos oreilles, à d'autres horizons sonores !
Scott Garth est un type particulièrement cultivé. Il s'intéresse ainsi, aussi bien à la théologie, la mythologie, la psychologie que la littérature. Et voue un grand intérêt aux œuvres de Shakespeare, Kafka et Pierre Klossowski. Une culture qui influe inévitablement sur ses lyrics. Empreints de poésie, ils traitent de la condition humaine, de ses incertitudes des iniquités qui rongent notre vie quotidienne. Et il les reproduit à travers des chansons vaporeuses, mélancoliques, qu'il interprète d'une voix légèrement éraillée, mais bourrée de feeling, en s'accompagnant d'une six cordes acoustique. Pourtant, Scott n'est pas un adepte du folk pur et dur. Non, pour enrichir sa solution sonore, et surtout pour la rendre plus pop, il a pris le soin de s'entourer de musiciens de studio. Qui se partagent avec parcimonie, piano, guitare électrique, percussions orientales, drums, violoncelle et basse. Et le résultat ne manque pas d'allure, rappelant même parfois Elliott Smith voire Cat Stevens…
Native des Bermudes, Heather Nova, possède une superbe voix au timbre cristallin, éthéré. Elle compose également ses chansons. Et à ses moments perdus, des poèmes. Responsable de quatre albums de bonne, voire d'excellente facture, elle a mis tous les atouts dans son jeu pour enregistrer son cinquième opus. En bénéficiant notamment de la collaboration d'Eve Nelson, de Bryan Adams, de Peter Kvint, de Simon Nordberg et de Paul Fox. Sans oublier la mise en forme opérée dans un studio de New York, par le célèbre hiphopper " Bassy " Bob Brockman. L'ex guitariste de Suede, Bernard Butler, lui a même composé la meilleure chanson de l'opus : le single " I'm no angel ". Un titre qui trempe dans le r&b des seventies, à l'instar de " When somebody turns you on ". Malheureusement, hormis " Gloomy Sunday ", un morceau de trip hop tendre, romantique, enrichi d'arrangements de cordes dignes de Portishead, le reste m'a laissé sur ma faim. Il aligne les ballades mièvres, sans surprise. On croirait même qu'elle y cherche à concurrencer Sherryl Crow !
Comme son nom l'indique, ce split Ep est le fruit d'une collaboration. Entre Heather Duby, qui fait ici son retour après avoir commis un premier album intitulé " Post to Wire " (sorti fin 99 sur le même label Subpop ), et le collectif électro Elemental qui signe ici sa première sortie. Le coté ‘split’ est parfait : les deux premières pistes sont consacrées à Heather Duby, qui rejoint Elemental pour un duo sur " Love you more ", avant que deux titres instrumentaux ne soient réservés au groupe électronique. Particulièrement homogène, ce disque opère un travail du son assez intéressant. Notamment au niveau des rythmiques rapides, un peu jungle. Cependant, le format assez conventionnel laisse ici peu de place aux surprises. Le chant de Heather Duby concède un aspect plus ‘variétés’ à ses chansons, alors qu'Elemental semble évoluer loin de l'emprise d'une voix humaine. La formule semble, en tout cas, idéale pour aller à la découverte de ces deux artistes aux tendances électroniques, avant de se procurer l'album d'Heather Duby, ou (espérons le) une future sortie d'Elemental...
En 1970 les Beatles sont définitivement séparés. George Harrison commet un triple elpee solo, " All things must pass ". Une oeuvre qui reçoit la collaboration d'une brochette d'invités particulièrement impressionnante. Et notamment Eric Clapton, Dave Mason, Peter Frampton, Ringo Starr, Klaus Voorman, Ginger Baker, Phil Collins (NDR : mais à la batterie !), Gary Brooker, Gary Wright, Billy Preston et Alan White. Sans oublier le concours de Bob Dylan pour l'écriture de deux chansons, " I'd have you anytime " et " If not for you " ; ainsi que du célèbre producteur Phil Spector. Pour célébrer le 30ème anniversaire de la sortie de ce petit chef d'œuvre, Parlophone a décidé de le graver en CD. Il n'est cependant plus triple, mais double. Ce qui n'empêche pas d'y retrouver toutes les compositions initiales. Bien évidemment remasterisées. Mais aussi et surtout cinq inédits, dont une version remise au goût du jour du célèbre " My sweet lord ". Jusqu'à présent, ceux qui ne connaissaient l'ex Fab Four qu'à travers ses tubes poppy n'y voient pas de quoi fouetter un chat (NDR : encore qu'ici faudrait être attentif aux réactions de la SPA !). Et pourtant, lorsqu'on prend la peine d'écouter l'intégralité de cet " All things must pass ", on se rend compte que George était également branché par le rock underground. Les (souvent) longues jams incluses en fin de plaque en sont la plus belle démonstration. Elles évoquent même Derek & The Dominoes, Procol Harum, Spooky Toothn, Traffic, et surtout le mythe californien Grateful Dead. Ce qui explique sans doute pourquoi il y règne une atmosphère psychédélique aussi West Coast. Et à ce titre, ce recueil vaut son pesant d'or !
La comparaison risque d'être douteuse. Voire complètement à côté de la plaque. Mais j'avoue avoir souvent pensé à Mercury Rev en écoutant cette 30ème production (tout compris) des Australiens d'Hard-Ons. Je l'ai dit. Attention, pas à cause de la musique ; mais plutôt de la voix du chanteur/guitariste. Surtout son côté lascif, traînant qu'elle adopte parfois. Etrange sensation. Musicalement, nous avons techniquement bel et bien à faire à un des groupes vétérans de la scène punk aussie. Difficile de croire que ce band ait été réclamé par les Red Hot et les Ramones pour assurer des premières parties ou qu'ils aient fait, voici quelques années j'imagine, l'ouverture des Buttholes Surfers et de Faith No More. Etonnant ! Aujourd'hui, Hard-Ons ferait pâle figure face aux petits jeunes aux dents longues et devrait éprouver autant de difficultés pour se hisser à hauteur de Bad Religion ou de NOFX. Et pourtant, si ces groupes sont ce qu'ils sont aujourd'hui, c'est au Hard-Ons qu'ils le doivent. Mais là n'est pas l'intérêt qui semble pousser notre trio. Oublions ces considérations historiques pour se concentrer sur ce "This terrible place". Et là, force est de constater que si vous parvenez à passer outre les préjugés adressés à un groupe dont vous avez lu depuis des années des critiques, sans en avoir jamais entendu une seule note, le disque fait son effet. Gros son carré, ambiances éthérées dans les mélodies alternant avec des passages plus ‘diaboliques’ à la Mike Muir des Suicidal Tendencies ; et, je le répète, chant à la Jonathan Donahue, font de cet album un bon moment de Rock n' Roll, tendance punk léger. Et tout ça sans prise de tête…
La plupart des musiciens de studio qui ont participé à l'enregistrement du premier album d'Ed Harcourt jouent d'une panoplie d'instruments assez impressionnante. Ed est lui-même multi-instumentiste. Mais, il est avant tout chanteur, pianiste et guitariste. Pour mettre en forme cet opus, Ed a reçu le concours de Tim Holmes (Death In Vegas). Et puis de Dave Fridman (Flaming Lips, Mogwai) ; mais pour un seul titre, " Beneath the heart of darkness ". Mais quel titre ! Un morceau dont le cœur prog rock est déchiré entre le Wall of Voodoo de Stan Ridgway et le Vandergraaf Generator de la première époque. Hormis " Shanghai ", dont les arrangement sont aussi sophistiqués que chez ELO, le reste de l'opus baigne dans la mélancolie douce-amère ; la voix d'Ed, tantôt tendre comme le miel, tantôt céleste comme celle de Thom Yorke contribuant parfaitement à entretenir un climat richement mélodique qui ne manque ni de charme, ni de sensibilité. Maintenant, il faut avouer que ce mélange de jazz, de blues, de gospel, de folk, de rock, de psychédélisme et de pop, opéré tout au long de " Here be monsters " grouille de références seventies. Et la présence d'une imposante section de cordes amplifie cette impression. Pas étonnant, dès lors, d'y retrouver des influences aussi éloquentes que celles de Randy Newman, Harry Nilsson, Tom Waits, Nick Drake et Ben Folds Five…
Si on tient compte des albums commis en compagnie du Vandergraaf Generator et ceux enregistrés en solitaire, Peter Hammill doit aujourd'hui être à la tête d'une bonne quarantaine d'albums. Et croyez-moi, nonobstant les 53 piges qu'il fêtera ce mois de novembre, il n'est pas prêt de mettre fin à sa carrière. D'ailleurs " What, now ? ", son nouvel opus, en est la plus belle démonstration. Hormis le concours épisodique de ses fidèles collaborateurs, c'est à dire le violoniste/violoncelliste Stuart Gordon, le saxophoniste/flûtiste Dave Jackson et le drummer Manny Elias, Peter a pratiquement joué à l'homme orchestre. Y compris la production.
Découpé en huit fragments, cette œuvre baigne, vous vous en doutez, dans la musique progressive. Mais une musique progressive plus contemporaine, dont il a redéfini les contours depuis " The Noise ". C'est à dire davantage focalisée sur les guitares. Ce qui ne l'empêche pas, avec son habileté toute diabolique, de nous replonger épisodiquement dans son chaos sonore. Un chaos sonore organisé, structuré, où se mêlent électricité folle ou frémissante, arrangements symphoniques, accords de piano profonds ou synthétiques, cuivres jazzyfiants, rythmes répétitifs, hypnotiques ou débridés et violon tsigane. Parfois on se croirait même revenu à la belle époque du VDGG ! Mais ce disque laisse aussi une grande place à la mélodie et à la tendresse. Et de sa voix tour à tour séduisante, écorchée ou sauvage, il donne véritablement une âme à ses chansons. Peter nous a quand même réservé un fragment plus expérimental : " Fed to the wolves ". Semi psychédélique, il est digne des exercices menés par Eno et Fripp sur l'elpee " No pussyfootin' ". Seule la voix nous rappelle qu'il s'agit bien d'une composition de Peter Hammill. A ce titre, cet artiste anglais mérite toujours bien son statut de culte intemporel !
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