Flower Kings enregistre un album par an. A cet égard, on peut saluer la régularité quasi-métronomique avec laquelle le groupe nous propose ses réalisations studio. D'autant plus que lorsqu'ils ne sont pas doubles, leurs disques sont toujours généreux (celui-ci flirte avec les 77 minutes !). Ceci dit, leur elpee précédent avait de quoi inquiéter un peu. Bien loin d'être mauvais, il sentait juste le réchauffé. Doit-on à nouveau déplorer quelque grisaille ? Que nenni ! Ce 'faiseur de pluie' annonce plutôt le beau temps. Il nous révèle un groupe en pleine forme et fidèle à lui-même, tout en proposant des éclairs de génie aussi originaux qu'une canicule suédoise !
Tenter de décrire dans le détail un CD de Flower Kings en moins de 10 pages est illusoire. Sachez simplement qu'il n 'y a absolument rien à jeter. Après un court chant ethnique, un riff très métal et un peu lourdingue ainsi qu'une section chantée très flower-power, on sait où on a mis les pieds. Reste à se laisser balader de plage en plage en vrais gourmets. Au menu : cavalcade de breaks improbables, digressions jazzy ou autres, reprises héroïques, morceaux de bravoure, parenthèses intimistes, ballades acoustiques, finales romantiques, riffs carrés, sonorités originales et petites mélodies obsédantes. Bref : la spécialité des chefs ! Derrière les fourneaux, tout le monde est irréprochable. Les superbes voix de Roine et de Hans font à peu près jeu égal et leurs duos et dialogues sont toujours aussi irrésistibles. Les claviers sont omniprésents sans jamais tirer la couverture à eux. Un fameux atout, ce Thomas Bodin ! La guitare, bien que très variée, se fait plus volontiers métal et renonce ici à quelques tics. Le batteur est précis et pêchu. Et le bassiste Jonas Reingold affirme sa présence. Il est d'ailleurs un des arguments du renouvellement chez Flower Kings, tant son jeu riche et séduisant, volontiers jazz-rock (il évoque parfois carrément Stanley Clarke) envahit l'espace sonore.
Rayon bonnes surprises, signalons encore la plage titulaire, un instrumental en crescendo façon Ravel, avec une finale très atmosphérique. Et aussi 'Elaine', d'abord acoustique, introduisant ensuite basse et clarinette : un mariage réussi que l'on n'avait plus entendu depuis les premiers albums de … Sting. En guise de synthèse : un album riche et dense, passionné et passionnant, méritant le même accueil qu'un faiseur de pluie au Sahara. Longue vie aux Rois des fleurs !
Conscients de ne pas toujours avoir apporté le soin nécessaire et indispensable à la finition de ses disques, Flexa Lyndo a fait coup double. D'abord en recrutant pour nouveau membre, Rodolphe Coster. Un musicien qui sait y faire dans le domaine des arrangements. Ensuite en débauchant Tony Goddess, responsable de la mise en forme des trois albums de Papas Fritas, pour produire ce " Little everyday masterplan ". Et il faut reconnaître que les deux personnages ont fait de l'excellent travail, parvenant à raffiner le son sans pour autant dénaturer son identité. En outre, Tony a même apporté un petit coup de guitare et de claviers. Autre invité de marque : Bernard Plouvier. Ses interventions au violon sont redoutables d'efficacité. Et lorsqu'il lui donne des accents grinçants, c'est même au dEus originel qu'on se met à penser. A l'instar de " Pear ", du tribal " Lemp ", d'un " Lovesick UFO " enrobé de chœurs " barryryanesques " ou encore du mini concerto pop pour musique de chambre, " Love forever knows ". Et il faut croire que c'est encore lui qu'on retrouve à la clarinette sur le baroque, psychédélique dans l'esprit d'un Kevin Ayers, " Split our sex ". Mais la formation namuroise ne se contente pas de tirer parti de ses collaborateurs ou de marcher sur les traces de l'ex bande à Rudy Trouvé. Instrumental énigmatique, torturé, " #7 " est traversé d'oscillations électriques circa Blonde Redhead. Contaminé par le country & western, " Your enemies are not your friends " aurait pu figurer au répertoire d'un Tindersticks devenu subitement optimiste ( !?!?). Parsemé d'accords de claviers fluides, feutrés, " Probability " concède des réminiscences au Caravan de David Sinclair. Voire à The Sea and the Cake. Presque prog, nonobstant la présence d'un harmonium, " Happyfeelsad lovesonghymn " incarne la rencontre hypothétique entre dEUS et Pavement. Mais les deux morceaux les plus accrocheurs, les hits en puissance, sont incontestablement " Obi " et " Thank the scene ". Le premier parce que sa pop pure, moelleuse, minimaliste, est parfumée par un vocal diaphane et élégamment saupoudrée d'un piano électrique. Le second, à cause de son refrain à la Bangles et son filet de moog rafraîchissant. Un morceau particulièrement contagieux qui ne dépareillerait pas dans le répertoire d'un Weezer. Une excellente surprise !
Franchement, je me demande comment Receiver se débrouille pour dénicher autant d'archives de Fleetwood Mac. Ce label avait déjà consacré un premier volume intitulé "The Vaudeville years", au mythique groupe insulaire. Il vient de remettre le couvert à travers une sélection de 29 plages jamais éditées. Du moins dans la version présente. Le coffret est enrichi de remarquables photos d'époque ainsi que d'un arbre généalogique du groupe, dessiné depuis ses origines. Un travail réalisé par le maître du genre, Pete Frame.
Le premier disque débute par trois plages du combo Peter B's et une version anglaise de Booker T & the MGs. Le line up était alors composé de l'organiste Peter Bardens (futur Camel), du bassiste Dave Ambrose (Brian Auger Trinity) ainsi que de Peter Green et de Mick Fleetwood. Jeremy Spencer adorait parodier certains artistes. Il en avait même fait une obsession. A commencer par Elmore James. Il en épousait parfaitement la technique à la slide, alors qu'il n'avait même pas 20 ans. C'est tout à fait évident sur "The sun is shining" et "My baby's sweeter". Il adorait aussi Elvis Presley. Il reprend ici "Don't be cruel". Et puis Buddy Holly, dont il adapte "You're the one". Peter Green plutôt obnubilé par BB King. Il interprète ici son "How blue can you get" et "Buzz le baby". Peter était aussi inspiré par Howlin' Wolf. Une inspiration qui se manifeste tout au long de "Long grey mare". Et puis par Otis Rush. Sa version d' "I have to laugh", un titre jamais édité, est belle à pleurer. Du tout grand Peter ! Le disque épingle également la 1ère prise studio de "Mind of my own" ; au moment où Danny Kirwan a fait son entrée dans le Mac. Nous sommes alors en 1968. Saluons au passage le Green acoustique de "Show-Biz blues" et deux essais qui allaient y aboutir : "Do you give & damn for me" et "Him and me". Le premier elpee se termine par "Leaving town blues", lors d'un duo échangé entre la six cordes de Peter et le violon gitan de Nick Pickett (John Dummer Band). La Boston Tea Party, accomplie en février 1970, avait duré trois nuits. Le deuxième CD s'ouvre par deux remarquables titres extraits de la première : "Black Magic woman' et "Jumping at shadows". Ils n'apportent cependant rien de plus que les versions déjà éditées et prélevées lors des autres sessions nocturnes. Le reste relève d'un concert accordé à Londres 70, peu de temps avant que Green ne quitte le groupe. Pourtant le Mac était au sommet de son art. Pour preuve cette version de 14' du "Rattlesnake shake", de "Stanger blues" dont l'intro ressemble furieusement à "What'd I say", du rock'n'roll de Jeremy Spencer, "Tiger", et de "Great balls of fire". Peter Green chante "Twist and shout". Et là franchement, c'est une curiosité ! Mais le quart d'heure le plus extraordinaire a été immortalisé sur "Green Manalishi". Green y alterne la guitare wah wah et une basse à six cordes, avec un sens de l'improvisation époustouflant. Un exercice de style qui préfigurait son futur album solo, "The end of the game". La fin de la partie, un titre prémonitoire ! Merci à Receiver pour ce flashback opéré au cœur d'une époque aussi extraordinaire.
Le nom de Steve Fisk ne dit sans doute rien aux amateurs d'électronique bien barrée ; et pourtant cet album leur est destiné : loops d'asthmatiques, riffs malingres, voix aigrelettes passées au vocoder. Bref, ce " 999 Levels of Undo " s'adresse aux fans de bidouillage sans concession… Du moins aux plus courageux d'entre eux, tant l'alchimie citée plus haut parvient rarement à captiver l'auditeur. Mais qui est donc ce Steve Fisk ? Un producteur à la clientèle… grunge et indie (c'est lui qui a produit " Blew " de Nirvana), de la même famille donc qu'un Butch Vig, mais en moins inspiré : ses boucles nous flanquent le mal de crâne, comme ses incursions dans le jazz et le rock le bourdon. Quand on sait que l'homme est aussi l'un des membres de Pell Mell, un obscur combo lo-fi sous prozac, on comprend mieux l'angoisse qui nous tenaille à l'écoute de cet album. Si vous aimez ce genre d'électro-folk déprimant, écoutez plutôt Arab Strap.
Quinze ans après quitté le célèbre groupe progressif anglais Marillion, le poisson écossais nage encore et toujours dans des eaux qui ont failli l'engloutir à plus d'une reprise. Autrement dit, il n'est toujours pas parvenu à sortir la tête de l'eau ( !?!?). Capable du meilleur, mais surtout du pire, il reste néanmoins toujours productif. Fréquentant les petites salles de concerts et passant d'un label indépendant à un autre, il est surtout proche d'un public qu'il respecte au plus haut point ; et puis reste surtout l'un des personnages les plus sympathiques du rock business. Qui donc ne se souvient pas de ce concert acoustique, totalement improvisé par Fish, accordé dans les jardins de notre RTBF nationale, répondant à l'invitation d'une poignée de fans médusés par l'initiative du colosse. Prévus initialement pour assurer quelques solos sur ce nouvel opus, Brian May et Steve Lukather ont préféré se consacrer à des projets plus ambitieux. " Fellini Days " est donc né d'une collaboration opérée en compagnie du six-cordiste John Wesley. Un ami de longue date de Fish qui y a apporté un paquet d'émotions et de sensations personnelles, donnant à l'ensemble de l'œuvre une certaine cohérence. Le travail de production est solide, la pochette est soignée, quelques titres sortent du lot, mais malgré les quinze ans écoulés, on a bien du mal à oublier la magie d'un " Misplaced Childhood " ou d'un " Fugazy ". Fish restera adulé par ses fidèles fans, mais ce n'est pas avec un album aussi prévisible qu'il réussira à convaincre la nouvelle génération des amateurs de rock progressif.
Raoul Ficel incarne le blues du sud-ouest français. Raoul, alias Philippe Coudougnan, compose, chante, joue de la guitare et de l'harmonica. Il est secondé par la contre bassine, composée d'une unique ficelle, de G. Le Brouc. Hop Pepino se réserve les claviers tandis que l'harmoniciste suisse, Little J.C Bovard, assume la batterie. Le groupe a déjà quelques années de galère à son passif. Mais je ne lui connais qu'un seul album à son actif : "Goodtime Blues". La formation est passée par la Belgique, il y a quelques années. Au cours d'un week-end épique, qui s'est déroulé autour de la ville de Tournai. Depuis, Bo Weavil et son roots blues à ras de terre a pris la tête de l'étendard tricolore.
Raoul Ficel observe une démarche fort proche, sans concession. Une démarche inspirée par le Chicago Blues de la fin des 40s, début 50s ; un regard appuyé vers le sud, les sources, les racines du Delta. Tout leur blues est construit au sein de ce climat sans fioriture, mais avec tellement d'authenticité qu'il en devient saisissant et nous touche jusqu'à la moelle.
Boogie chanté en français, "Oh Lulu" nous plonge de suite dans ce climat raoulien. "Pas tout juste" se trémousse dans le Southside de Chicago. L'harmo est puissant, le son du piano vieillot. Le fantôme de Sunnyland Slim passe devant nous. La rythmique est lourde, très 1er degré, mais tellement efficace. Génial ! Même schéma mais en rythme pour le Maxwell street shuffle, "You give me the blues", une compo écrite en réalité par le louisianais Lightnin' Slim. Le "Road of love" qui donne le titre à l'album est issu de la plume de Clarence Carter. Une attaque primaire conjuguée avec un clin d'œil au Memphis Blues. Hot Pepino secoue son orgue. Raoul se concocte un solo lancinant sur les cordes. Le même effet se produit sur "I'm gonna keep what I got" de Slim Harpo. Raoul ne doit rien à ses potes parisiens de Bo Weavil. Et la suite en apporte la plus belle preuve ; que ce soit en anglais ("Ain't got time to love") ou dans la langue de Voltaire. Ainsi la voix fait merveille sur le dépouillé "J'peux plus dire", le vigoureux "Laisse-moi" et le blues rocker qui arrache "J'peux plus me passer de toi" ! En fin d'album, il rejoint l'univers de Howlin' Wolf, à travers "Don't cry mama". Un excellent album en couleurs bleu, blanc et rouge…
Que ce soit sur ses albums solos ou au sein de Roxy Music, Bryan Ferry s'est toujours réservé l'une ou l'autre ballade sentimentale, histoire de mettre en valeur son timbre vocal de crooner à la fois kitch et rétro. Son physique de séducteur tiré à quatre épingles va, en outre, lui attirer un public de plus en plus mûr et surtout féminin. Et c'est sans doute à ce public que s'adresse cette compilation de ballades qui réunit, notamment, " Slave to love ", " Avalon ", " More than this ", la cover de Lennon " Jealous guy ", celle des Platters " Smoke gets in your eyes " et bien d'autres. Idéal pour la fête des mères (NDR : qui a dit des grands-mères ?).
Déjà le deuxième album pour les Limbourgeois de Fence ; et toujours cette sensation d'avoir déjà entendu cette musique quelque part, près de San Francisco, au milieu des années nonante, jouée par un groupe dont le leader s'appelait Stephen Malkmus. Les mélodies, la voix parfois en décalage (ou même quasiment fausse), l'impression de désaccord(s), mais aussi la sympathie, la spontanéité font de Fence une sorte de Pavement belge (sans oublier, du côté francophone, Austin Lace) ; ce qui, comme comparaison, n'est finalement pas désagréable (imaginez vous lancé dans une carrière musicale et vous voir comparé, par exemple, à Milli Vanilli…). Avec un nouveau batteur (Samuel) et cet album tout frais, Fence devrait donc se faire facilement une place dans le paysage rock de notre plat pays (puisque pour l'instant, leur renommée reste confinée au Nord). Surtout qu'avec des compos comme " Bastard ", le groupe ose s'affranchir de ses influences pop-indie (j'ai oublié de mentionner Weezer) pour lorgner du côté de la country (un peu comme Chitlin' Fooks, le groupe de Pascal Dewez (Metal Molly) et Carol Van Dyk (Bettie Serveert)). Et puis il ne faut pas oublier les quelques hits en puissance que sont par exemple " 3 Floors Down " et " Witty Boy ", parfaits pour un début de festival, le bob sur la tête et les pieds en éventail…
3ème album pour ces Gallois émigrés depuis 1995 à Londres, dont la carrière est somme toute, à tout point exemplaire : premier album remarqué; tournée; deuxième album qui confirme; re-tournée pas loin du triomphe et nous voici à cet "Echo Park". L'album de la maturité en quelque sorte. Quel est mon avis ? A vrai dire, pas désagréable comme petit disque rock pour midinettes. Guitares suffisamment tranchantes, bon son général, un chanteur qui doit faire mouiller les premiers rangs (par les pogos, entendez bien…) Produit par Gil Norton (Pixies et Foo Fighters), Feeder doit être maintenant prêt à passer à la vitesse supérieure, c'est-à-dire celle où les fans de la première heure crieront "vendus". Fallait bien que ça arrive un jour, non ? Nous y voici donc et pas la peine de se tracasser pour eux : le groupe devrait passer le cap sereinement. Tout comme moi.
Après avoir passé du bon temps, chez Static-X pour Burton C. Bell, et chez les rappers-rockers de Cypress Hill pour Dino Cazares, il était temps pour le tandem de base de Fear Factory de revenir à des occupations plus sérieuses, et puis surtout de faire oublier aux fans une trop longue absence au devant de la scène du métal extrême. Double pédale de grosse caisse en avant, la "fabrication de peur" nous envoie dans les gencives un "Digimortal" qui s'aventure encore davantage dans l'expérimentation cyber-métal. Quatrième album du combo, le Fear Factory cru 2001 est une fois de plus produit par Rhys Fulber (ex Front Line Assembly), et renferme tous les éléments qui ont construit sa brutale réputation. Burton s'époumone toujours à s'en casser les cordes vocales, les guitares tranchent comme des rasoirs et les éléments électro donnent toujours cette dimension de puissance exacerbée tout au long d'une oeuvre qui aurait pu constituer la bande son d'un fil sf à la Terminator ou à la Natural born killer. Hormis les incursions rap de B-Real de Cypress Hill sur le très moyen "Back to the fuck up", et quelques arpèges de guitare classique, aucune véritable révolution n'est à noter sur "Digimortal". Fear Factory demeure Fear Factory et se porte plutôt bien. Les fans seront comblés.
Composé de Trevor Dunn à la basse (Mr Bungle, Zorn), Dave Lombardo (Slayer) aux fûts, King Buzzo (Melvins) à la gratte mais surtout de Mike Patton au chant (pour rappel Faith No More et pléthore d'autre formation), Fantômas est assurément un "super groupe". Première signature du label Ipecac, cette formation ne souffre d'aucune comparaison. Ce qui coule de source. Pensez donc, son premier méfait ("Ameneza al mundo") pétait la baraque. Sorti en 1999, il agrégeait métal, ambiances de cinéma, mais aussi logorrhées si chères à Patton. Pas de textes, juste des cris et des borborygmes immergés au sein d'une ambiance glauque, maléfique et malsaine. Déjà à l'époque de FNM, Patton se lâchait épisodiquement; mais montrait également toute l'étendue de son registre vocal sur les sorties Tzadik dans des albums solos complètement barrés. Et voilà donc que Fantômas débarque. Et là mes aïeux, la claque… 30 plages’ pour 42 minutes. Pas le temps de traîner. Les idées fusent. Les breaks s'enchaînent. Bref du travail millimétré, absolument maîtrisé de bout en bout. Les non habitués au genre vous diront que c'est n'importe quoi, que ça ne ressemble à rien. Et vous savez quoi ? Que ces gens se rendent à un concert de Fantômas et ils reverront leur jugement...
Bref, bref, voici donc le deuxième effort de mes chouchous, mais ça vous l'avez certainement déjà compris. Quid de ce "Director's cut" ? Le principe : reprendre les thèmes principaux de films à la sauce Fantômas. Lesquels ? Le Parrain, Twin Peaks, Henry, La Malédiction, Rosemary's Baby, Cape Fear, etc. Au total 16 titres de compositeurs qui ont marqué les musiques de films depuis quelques années (Morricone, Mancini, Schumann, Lubin, Sasse,…). Alors ? Première constatation : le groupe n'est pas déplacé dans cet exercice; les choix sont judicieux, les ambiances dégagées sont fortes. Deuxièmement : le son est légèrement modifié, plus particulièrement pour la batterie, moins sèche que par le passé. Mais ce n'est pas fondamentalement gênant, l'ensemble gardant sa cohésion, sa force d'impact. Troisièmement, mais là se situe le plus gros reproche : cette plaque n'est pas de Fantômas… mais de Mister Bungle, l'autre jouet de Patton. Ils se sont trompés à l'impression du layer ! Ou alors à la traduction… Bin oui, quoique l'esprit Fantômas soit présent, le plus souvent il ne transparaît qu'en en filigrane. Évidement le ton est plus dur que chez Bungle et le fait que Patton chante au lieu de hurler y est pour beaucoup dans les similitudes. Donc, pas de stress, ce disque est absolument génial, indispensable, mais il y a petite tromperie sur la ‘marchandise’…
Pas la peine de s'énerver avec les Fun Lovin' Criminals. Non, non, il faut rester calme, et c'est ce que je vais faire tout au long de ces quelques lignes. 4ème album pour nos cools guys de New York dont la prétention n'est toujours pas de mise. L'essentiel est de prendre du bon temps, de draguer comme un latin lover, le sourire pepsodent, lascivement. Pas de doute, la piste leur est offerte… Le monde va mal ? Ecoutez FLC. Vous êtes amoureux ? Ecoutez FLC. Vous aimez le soleil ? Encore les FLC… Vous avez (re)découvert Barry WHITE ces temps derniers ? South Park et Ally Mc Beal ne sont pas les seuls responsables. Le retour en force de la soul des années 70 ? Toujours FLC… Je me répète ? Eux aussi. Mais où se situe le problème ? Affranchis des samples de leurs débuts, Huey & Co nous emmènent tous, sans effort, au large des îles paradisiaques. Et toujours avec ce sourire en coin et ce hochement de tête complice. Achetez ! Non, je rigole.
Remarquable ! Comment expliquer la sortie d'un tel disque après les brouillons "Niandra lades" et "Smile from the streets you hold" ? Car même si des bribes de morceaux cohérents pointaient dans ces deux témoignages d'une décrépitude bien entamée (" say no to drugs !!! "), fallait bien dire qu'on s'inquiétait sérieusement de l'état mental du guitariste qui a largement contribué à la gloire des Red Hot Chili Peppers... A l'image du parcours d'un Syd Barrett, on pouvait s'attendre à n'avoir de ses nouvelles que par une quelconque rubrique nécrologique. Or là, quelle résurrection ! Se limitant à une très simple orchestration, Frusciante nous partage ses craintes et ses joies dans un sentiment d'humilité, d'honnêteté et de confiance malgré tout retrouvée. Tout simplement magnifique dans ses émotions, Frusciante nous transperce de sa voix, pourtant très moyenne. Mais qu'importe, car l'ensemble tient formidablement bien la route et certains petits défauts inhérents à ce type de production (pas de doute, revoilà Rémy Bricka), sont balayés par l'authenticité qui s'en dégage. Pas de précarité parce que c'est tendance, mais parce qu'il ne peut en être autrement. Remarquable. Je sais, je l'ai déjà dit.
From Bubblegum To Sky est le projet solo de Mario Hernandez. Un Texan (NDR: de San Antonio, très exactement) qui a sévi chez Ciao Bella. Pour enregistrer cet opus, il a quand même reçu le concours de Jamie McCormick. A la coproduction. Et dans ce domaine, il faut reconnaître que le duo est plutôt performant. Marc reconnaît pour influences majeures Bowie, les Beatles de la seconde moitié des sixties, Big Star ainsi que la pop nippone (NDR : et notamment des formations aussi obscures que The Candle et Pink Ladies). Ce qui explique, sans doute, pourquoi les sessions d'enregistrement de cet opus se sont déroulées à Tokyo. Découpé en onze fragments, " Me and Amy and the two french boys " libère une solution sonore fruitée, rafraîchissante, contagieuse, mélodique et kitsch. Une solution qui me rappelle à la fois World Party et Lightning Seeds. A cause de ce mélange plutôt instinctif de power pop, de synthé pop, de glam rock, de lo fi, de new wave, de bubblegum et parfois de funk, enrobé d'orchestrations et d'arrangements imaginatifs. Une musique tapissée par la voix un tantinet nasillarde, légèrement overdubbée, mais limpide et ample de Mario.
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