Pas de quoi faire dérailler un train de marchandise avec cet Ep. Je persiste et signe par rapport à ma précédente critique de Digger (cfr "Monte Carlo" ailleurs sur ce site) : ce groupe pratique un punk rock dans toute sa beauté basique. Leur style ne semble pas avoir évolué depuis lors. Tout comme mon avis sur leur musique. Seul "That's what I get", profilé sur une guitare acoustique, laisse présager une bonne idée : un changement de style.
Chez cet ensemble suédois, on retrouve deux ex membres d'Hellacopters, en l'occurrence Bobba Lee Fett et Mathias Hellberg, ainsi que Stevie Klasson, un guitariste qui a notamment joué en compagnie de Johnny Thunders et de Wayne County. Diamond Dogs est une formation qui a été incontestablement influencée par le rock boogie généreux et débraillé pratiqué par les Faces et les Stones, à la fin des sixties et au tout début des seventies. Mais également par le punk rock des New York Dolls, au sein duquel militait d'ailleurs le défunt Johnny Thunders. Constitué de six fragments, ce mini album devrait mettre un peu de baume au cœur des nostalgiques qui imaginent toujours, qu'après " Sticky fingers " et " Exile on main street ", le rideau du rock n’ roll a été définitivement tiré…
Grand admirateur de Depeche Mode, en lisant les articles consacrés à la sortie de son dixième album, je salivais déjà en imaginant le plaisir des oreilles qu'allait me procurer l'écoute de cet " Exciter ". Ma déception n'en a été que plus cruelle. J'ai eu beau le réécouter plusieurs fois, je n'ai décelé que quatre fragments dignes d'intérêt. Et lorsqu'on sait qu'il en compte treize, c'est un peu maigre ! Quatre fragments parmi lesquels figurent le single " Dream on ", dont le craquèlement électro-organique est imprégné du baryton sensuel de Dave Gahan. " I feel loved ", ensuite. A cause de ce synthétisme glacé, dansant, hanté par l'esprit de John Foxx. " The dead of night " aussi. Seule compo réellement expérimentale déchirée entre glam rock sci fi et métal gothique. Et enfin " Shine ", dont la lo fi nocturne épanche une mélancolie féline. Pour le reste, je suis resté sur ma faim. L'ennui existentiel manifesté sur la plupart des autres chansons baigne dans une ambient un peu trop lisse à mon goût. On a même parfois l'impression que Depeche Mode cherche à marcher sur les traces de David Sylvian, sans jamais parvenir à en contracter le feeling. En engageant Mark Bell, moitié du duo pionnier techno british LFO et responsable de la mise en forme des deux derniers opus de Björk, pour le produire, le trio a peut être commis une erreur. Seul l'avenir nous l'apprendra, car il est pratiquement devenu aujourd'hui le quatrième membre du groupe. Je suis d'ailleurs très circonspect de la transposition live que pourrait prendre l'interprétation de ces chansons. A moins peut-être qu'elles ne soient dispensées lors d'un set où toutes les places seraient assises… Vous m'avez compris ?
Echo & The Bunnymen vient de sortir deux albums en quelques semaines. Nous n'avions pas eu le loisir d'écouter le mini cd " Avalanches ". Et au vu du peu de (bonnes) critiques recueillies par cet elpee, il était sans doute préférable de ne pas en rajouter. On comprend aussi mieux ainsi pourquoi la promo est parfois inexistante… Mais venons-en à ce " Flowers " qui constitue le huitième opus de l'ensemble ou le troisième depuis sa reformation. Encore qu'aujourd'hui, du line up initial, il ne reste plus que Ian Mc Culloch et Will Sergeant.
" Flowers " m'a agréablement surpris. Pas seulement parce que la voix de Ian affiche toujours ce même charisme, manifeste toujours autant de charge émotionnelle. Ni parce que la guitare de Will continue d'aiguiser à la perfection les mélodies contagieuses, de ses riffs tantôt fluides, chatoyants, carillonnants, reverb ou torturés. Mais parce que la symbiose entre le sens mélodique et les mots qui manifestent un spleen, une inquiétude face à la vulnérabilité de l'être humain, à fuite inexorable du temps ou des rêves qui s'évanouissent, est irréprochable. On a même droit à deux compositions découpées dans une new wave bien enlevée. " Everybody knows " tout d'abord. Réminiscent de "Lips like sugar". " An eternity turns " ensuite. Où Echo & the Bunnymen explore sa propre version du psychédélisme. Et le reste ne manque pas d'allure. A l'instar du ‘reedien’ " Buried alive ", des contagieux " It's all right " et " Super mellow man ", que vous avez peut-être déjà eu l'occasion d'entendre ou d'écouter sur l'une ou l'autre station radiophonique ; ou encore de " King of kings ", dont le climat est tellement proche du " Riders on the storm " des Doors. Une bonne surprise !
The Ex pratique, depuis maintenant une bonne décennie, un rock teinté de noise, dans la grande tradition chicagolaise. Activistes reconnus, indépendants farouches (NDR : et pas seulement musicalement !), le quintette amstellodamois est responsable d'une musique personnelle, émotive, émotionnelle et passionnelle, sise à mille lieues de toute inspiration purement mercantile. L'essentiel tient plutôt dans le cœur, dans l'expérience, dans l'enrichissement à retirer de l'essai, des collaborations. Pas difficile donc, de les imaginer proche de l'esprit Fugazi. Après Ex-orkest, album presque symphonique auquel The Ex a participé, " Dizzy spells " constitue leur véritable nouvel album. Un elpee distribué par Touch and Go aux States, Vicious Circle en France et par leur propre structure pour le reste de l'Europe. Car en plus de servir un opus tout au fait correct (certains titres sont tout simplement terribles), The Ex sait évidemment choisir ses collaborateurs. Ce qui explique pourquoi on retrouve Albini aux commandes. Des contacts ont été noués tout au long d'interminables tournées opérées à travers le monde, au sein d'un certain réseau underground et DIY. Vous l'avez remarqué, je parle très peu de musique. Les différentes facettes de la personnalité du groupe devraient parler d'elles-mêmes. Mais il faut savoir que découpé en douze titres, "Dizzy spells" demande de l'attention et pêche malheureusement par sa longueur (réelle ou ressentie).
Joyeuse cacophonie que voilà. Pensez donc : une vingtaine de gais lurons ont réussi à mettre en musique un ballet de Mossolov vantant l'industrialisation des années 30, en Russie. En gros, les premiers pas de la véritable musique industrielle (NDR : dans son sens premier). Pas de plaques de métal ni de foreuses ou marteau-piqueurs au sein de cette actualisation, mais un ‘simple’ orchestre composé de cuivres, de cordes et de percus. Projet initié par les chefs de file de la scène avant-gardiste hollandaise, The Ex en tête, "Een rondje Holland" rejoint les performances de leurs cousins teutons Einsturzende Neubauten, réalisées lors des différentes collaborations théâtrales de nos intellos allemands. Si vous êtes refroidis par la langue batave, soyez rassurés, l'essentiel tient aussi bien dans la poésie et le rythme de la déclamation que dans le sens profond. Quant au reste nous ne sommes pas très loin de la musique contemporaine. Pas de doute, pour vider une soirée, voilà la plaque idéale.
Originaire de l'Iowa, Craig est chanteur, guitariste et compositeur. Très jeune, il est tombé dans une marmite pleine de riffs secrétés par Jimi Hendrix, Jeff Beck, Robin Trower et Tommy Bolin. Au cours des années 90, il a commis quatre albums personnels de rock blues : "Roadhouse stomp", "Retro blues express" et "Two sides of blues", ainsi qu'un hommage à Stevie Ray Vaughan, "Hats off to Stevie Ray", en compagnie de Leslie West, Rick Derringer et de Pat Travers.
Ce "Shine" réalise un trip au sein du blues rock psychédélique du passé, du présent et du futur. Pour y parvenir, Craig joue aussi les parties de basse et de claviers. Très souvent, il s'inspire d'Hendrix. A l'instar de "Remember now", de "Break free", caractérisé par une solide partie de guitare, de la plage générique "Shine", et bien entendu de la version d' "Angel" de Jimi. "Wild dogs" est un hommage à Tommy Bolin. Ce guitariste qui remplaça Richie Blackmore au sein de Deep Purple, est décédé d'une overdose d'héroïne. En 1976 à Miami. Autre ex membre de Deep Purple, Glen Hughes chante sur cette plage. Un disque de bonne facture, mais dont seule la plage d'ouverture "Business man", nous entraîne dans le blues…
Tim Elliott était le chanteur harmoniciste du groupe écossais Blues 'n' Trouble. Il avait déjà sorti en 1993 un album de country blues acoustique, sur le label hollandais Tramp, sous l'étiquette T.E & the Troublemakers.
Je ne sais quelle mouche l'a piqué mais cet album est une petite perle. Tim commence par allumer un bâton de dynamite : "The celebrated Tommy Ellis boogie". Deux minutes de boogie au ras du plancher caractérisées par un de ces sons! Et le plus étonnant, c'est qu'Elliott est capable de se mettre dans la peau de Dr Ross ou de Joe Hill. Seul assis devant une batterie de pied, guitare et harmo, il arrache son chant. Tout redevient serein la minute suivante, lorsque secondé par ses Troublemakers", il interprète une version sage du "Honest I do" de Jimmy Reed. "Suck my harpoon" est caractérisé par un échange entre deux harmonicas : ceux de Gary Martin et Tim. Ils rivalisent dans le plus pur style whoopin, cher à Sonny Terry. Quelques parenthèses fleurissent sur cet album : "How can you keep moving", la reprise de "Love in vain" de Robert Johnson et "Sure tastes good to me". Mais il est vraiment le meilleur, lorsqu'il adopte une approche primaire et rugueuse. Et il le manifeste à plusieurs reprises. A l'instar de "Hard work ain't easy", chanté à la manière graveleuse de Howlin' Wolf, du rugueux "Barkin", au cours duquel la slide gémit à n'en plus finir, et de l'explosif "Rich woman", qui constitue simplement un travail sur "I wish you would". Une particularité davantage accentuée lorsque Tim joue l'homme-orchestre sur "Going to the river". "The story of my life" est un superbe blues lent. Tim souligne son chant de courtes phrases d'harmonica chromatique. "Bed slats'n'all" s'achève par le très dépouillé "Lying in the woods". Un frisson vous parcourt l'échine à l'écoute de cette voix qui rappelle étrangement celle d'un fantôme : celui d'un certain Alan Wilson. Un excellent album!
Elliott New a tout d'abord été inspiré par les guitaristes de la Windy City, Otis Rush et Hound Dog Taylor. Il s'est ensuite intéressé à T-Bone Walker, Tiny Grimes et Hollywood Fats, qui sont devenus ses maîtres. A la tête des Intouchables, il se réserve bien sûr la six cordes, mais également le chant. Au sein de son groupe, on retrouve Mike ‘Naz’ Nazarenko. Un harmoniciste originaire de la région du Canal de Panama qui reconnaît pour influences majeures Big Walter Horton mais également Charlie Musselwhite et Magic Dick. J.T Anderson à la basse et David Hunt à la batterie forment une section rythmique particulièrement solide.
Le combo libère un groove infectieux dès les premières notes du titre maître. L'harmo dégage et déménage, pendant que l'orgue de Buddy Parker remplit l'espace sonore. Elliottt New possède une voix nasillarde, naturellement puissante, taillée pour son répertoire. Et il faut entendre les Intouchables lui répondre en chœur sur "Cant' afford to keep her". Naz se fait de plus en plus dévastateur à l'harmo. A l'écoute de "If you love me like you say" de Little Johnny Taylor, il ne fait aucun doute que cette formation est pétrie de talent : aussi bien celui de Naz à l'instrument chromatique que celui du boss aux cordes. Un talent qui peut se reposer sur la superbe cohésion de l'ensemble. Le jeu de New impressionne par sa nervosité, son attaque rythmique. S'il n'est sans doute pas un grand technicien, il accroche toujours au fil mélodique par ce quelque chose de très personnel. Quand la bande à Elliott garde le rythme, elle n'est pas prête à le lâcher de sitôt. A l'instar de la reprise de l'instrumental d'Albert Collins, "Backstroke". Balayé par les cuivres des frères Duane et de David Kitchings, "Be back home" campe un funk irrésistible. Naz revient à la charge pour donner à l'ensemble une couleur plutôt Nighthawks, calqué sur le R&B ; pendant que l'orgue intervient à point nommé pour maintenir le ton funk et mélodique. Au cours de la reprise du classique de Howlin Wolf, "Who's been talkin'", l'atmosphère plus sereine permet de mettre en évidence l'harmo qui sort le grand jeu. "Too much Jellyroll" dégage du swing, Nazarenko est passé à l'instrument chromatique! Le style flirte avec celui de la bande à Rod Piazza. Le puissant "Turned me upside down" est le théâtre de beaux échanges entre l'harmonica et la slide au son poussiéreux. En finale, "Walkin' downtown" prouve que, décidément, les Untouchables sont un excellent un groupe de scène. Suivant les dernières informations que j'ai pu recueillir, la formation vient de sortir un tout nouvel album. Un " live ", intitulé "Smokin' the blues". Et son titre est lourd de signification !
Issu du nord de Manchester, de Bury, très exactement, ce quintette émargerait à la prog pop. C'est en tout cas ce que la presse insulaire affirme. Une chose est sûre, leur premier album est fort intéressant. D'abord à cause des lyrics. En fait, Elbow a des choses à raconter ; et il ne s'en prive pas, traitant d'une manière introspective des sujets aussi divers que la vie, l'amour ou la politique. Ensuite, parce que leur musique est très raffinée. Dans l'esprit de Talk Talk, Radiohead, Peter Gabriel et Icicle Works. Détail qui a son importance, la voix de Guy Garvey est capable d'emprunter, tantôt le timbre de Mark Hollis, de Thom Yorke, de l'Archange ou de Ian Mc Nabb. Un raffinement qui flirte parfois avec la sophistication, tant les sonorités caressent votre sensibilité auriculaire. Ce qui n'empêche pas la formation de courtiser le psychédélisme. Soft bien sûr. Mais également indus. A l'instar du " mybloodyvalentinesque " " Coming second ". Ou encore de l'excellent tribal et claustrophobe " Bitten by the tailfly ", dont les convulsions électriques particulièrement sauvages giclent avec mesure et précision. Pourtant, l'ensemble de l'opus baigne dans une forme de romance ténébreuse tissée entre les cordes de guitare acoustiques, cristallines et les accords de piano sonore. Et la plage finale, " Scattered black and whites ", érigée suivant un crescendo progressif emprunté au Gab circa "Here comes the flood", en est le plus bel exemple. Dommage que l'intensité électrique ne soit pas plus présente ; sans quoi, cet opus aurait pu devenir, pour l'année 2001, un incontournable. Mais c'est peut être une question de goût…
Eux doivent certainement savoir faire la fête. Big band de cuivres et de percussions, El Tattoo Del Tigre vous explique même comment bien poser les pas de mambo nécessaires afin de chauffer les parquets des salles où ils se produiront. Vous voilà donc replongés quelques années en arrière, prêts à mouiller la chemise sans broncher. Manquerait plus que Mardi Gras BB pour parfaire la soirée. Désolé, mais pour ma part après 5 titres je n'en peux plus.
J'attendais El Fish au tournant. S'il avait séduit un public amateur de créativité et d'originalité, l'album "Wisteria" avait quelque peu perturbé ses fans de blues. Un disque qui avait sans doute précipité la séparation des deux solistes, Steven De Bruyn et Filip Casteels. Mais quelle n’a pas été ma surprise d'apprendre que l'inénarrable Roland Van Campenhout prendrait la place de Filip. Qu'allait faire ce croustillant quinquagénaire devant ces fils du blues?… M'enfin, je suis quand même resté optimiste, car en abordant de multiples directions musicales, Roland est un artiste qui a toujours su se remettre en question. Il a trempé dans le Delta Blues, mais aussi réalisé des musiques de films, opéré des ouvertures vers l'Orient et embrassé bien d'autres perspectives encore. Entre artistes larges d'esprit, prêts à tout expérimenter, l'amalgame a fonctionné. "Waterbottle" est une réussite ; certes pas facile à assimiler dès la première écoute, mais cette musique si riche vous pénètre insidieusement jusqu'à vous posséder.
Vous le devinez, il n'existe pas de similitude entre la guitare de Filip et celle de Roland, ni entre le chant fin et propre du premier, et celui, rocailleux et ravagé, du père Roland. Une bonne partie du El Fish sound est restée, grâce à l'harmonica lumineux de Steven, et l'extraordinaire qualité de la section rythmique de Jan Ieven et Rohal De Ridder. Jan est une pièce importante du puzzle Fish. D'ailleurs, il se charge d'une bonne partie de l'écriture et notamment des instrumentaux.
L'ouverture "Tangah" et "Mustallah" est une longue épopée inspirée par la musique orientale. Un fragment au cours duquel Roland mord à pleines dents dans le délire psychédélique. Le dernier instrumental, "Canzoncina per Jaco", se ballade entre le Far West et le Mexique voisin. Caractérisée par une extraordinaire leçon d'harmonica, elle pourrait être la bande sonore d'un western. D'autres plages possèdent une délicate touche country. Notamment la reprise du "The end is not in sight" des Amazing Rhythm Aces ainsi que la reprise d'une plage de l'album "Wisteria", Lack of time". Cette chanson qui manifestait une tristesse infinie, subit ici un traitement plus optimiste, plus rythmé. Tel un cowboy sur son cheval, Steven déclame autour de lui "I feel fine", devant des accords de guitare d'une simplicité désarmante!! Et en conclusion, il tire des sons impossibles de son kazoo. Roland chante sa composition "Good as bad can be". Elle sonne très El Fish. L'alchimie a fonctionné ! Steven crée des motifs lugubres, blafards, très "noir et blanc". El Fish passe ensuite au tango. Etonnant, non ? Roland chante Astor Piazzolla, sur "I've seen that face before". Il pousse la plaisanterie jusqu'à livrer quelques phrases en français! La voix grasse de Roland se mêle à celle plus timide de Steven pour chanter "This or that". Bien plus roots, la finale "Bad tattoo" est balayée par deux harmonicas qui s'entremêlent. Et l'entraînant "The Chinaman in the dessert" a bien évidemment recours à une formule à la Roland, caractérisée par un méchant échange entre slide et harmonica! El Fish se maintient dans l'incontestable qualité.
Responsable de sept elpees entre 1985 et 1994, à la tête du défunt et mythique American Music Club, puis auteur de trois albums solos, pour lesquels il avait reçu le concours, tantôt de Bruce Kaphan et de Danny Pearson d'AMC, de James Mc New de Yo La Tengo, de Steve Shelley de Sonic Youth, de Mike Mc Cready de Pearl Jam ou encore de Peter Buck de REM, Mark Eitzel a voulu se la jouer davantage en solitaire, en assumant, sur ce nouvel opus, la quasi totalité de l'instrumentation, l'intégralité des arrangements, de la programmation et de la production. En plus du chant et de l'écriture. Il y a bien la présence de l'un ou l'autre invité sur l'un ou l'autre fragment, dont son ami et confident Vudi. Et puis le concours de l'ex Tarnation Alex Oropeza et de Christopher Davidson au mixing. Mais pour le reste, il a vraiment joué à l'homme orchestre.
Et pour un coup d'essai, c'est un véritable coup de maître. Pourtant, le résultat est fondamentalement différent de ce qu'il avait l'habitude de nous réserver. En fait, s'il a composé toutes ses chansons à la guitare acoustique, il les a surtout reliftées à l'aide d'une multitude de samples, boucles, boîtes à rythmes et autres sonorités technologiques tirées d'un Mac G4. Et cette interaction entre instrumentation acoustique et outils électroniques lui a procuré un tout nouvel environnement, au sein duquel, personnellement, je ne m'imaginais pas un jour le voir évoluer. Un environnement au sein duquel il alimente de sa voix écorchée si caractéristique, des moments extraordinairement dramatiques. Et je pense tout particulièrement au très beau " Without you ", chanson dédiée à son amie Kathleen Burns, décédée en 98 ; fragment dont la toile de fond jazzyfiante, luxuriante, tisse sa mélodie entre drums, vibraphone et cuivres, un peu à la manière d'un Robert Wyatt. Des moments dramatiques mais également, et c'est étonnant plus optimistes voire hilarants. A l'instar du final " Proclaim your joy ", sorte de blues loufoque pastichant le Lou Reed circa " New York ". Sans quoi, le reste de l'opus vaut son pesant d'or. Depuis l'intro sinistre et sinueux " The boy with the hammer ", dont le groove est curieusement inspiré par " Shaft ", au hit potentiel, très contagieux, " Seeing eye dog ", en passant par le très rafraîchissant " Can you see ? " (Belle et Sebastien ?) ; l'exploration baroque, psychédélique, minimaliste et acoustique " Christian science reading room " (Syd Barrett ?), l'ambient " Sleep ", dont l'étrange progression sur fond de boucles de guitares contraste avec l'orgue en contrepoint, le jazz paresseux, aux arrangements " poppy ", " Shine " (The Sea & The Cake ?), le trip hop " Steve I always knew ", la bossa nova au refrain candide " Bitterness " (Everything But The Girl ?) et la chanson d'amour " Anything ". Bref, un must !
‘Des asticots dans l'héroïne/ça me dégoûte pour de bon/ Dorénavant je bois du gin/avec des sorbets au marron’. Qui oserait ouvrir un album par de tels propos ? Qui pourrait chanter " I'm God's Nightmare " sans sombrer dans le ridicule ? Avec son audace, son tempérament, son chant allumé et ses cautions rock (Sonic Youth, Noir Désir et M, on a déjà vu pire comme coups de main), Brigitte Fontaine doit en décourager plus d'un : à soixante balais (enfin, j'imagine, un peu plus ou un peu moins, on ne va pas chicaner), elle renvoie dans leur chambre d'ado, tous ces petits groupes qui imaginent tenir les composantes d'un album, en fredonnant quelques mots timides. " Kekeland " s'ouvre sur quatre morceaux extraordinaires, un quart d'heure de bonheur intense, violent (" Baby boom boom " cogne comme un vieux Noir Désir), sombre (" Demi-clocharde " avec son rideau de guitares à la Sonic Youth) ou gai comme ce " Y'a des zazous " qui mériterait d'être un tube gigantesque. Les invités prestigieux guident les excès, transcendent la folie de Brigitte Fontaine. Hors norme et irrésistible.
Nederlands 
Français 
