Guitariste belge à la réputation bien établie, Jean-Pierre Froidebise a collaboré avec de nombreux artistes du cru. Et notamment Pierre Rapsat et BJ Scott. Différentes expériences qui lui ont permis de toucher un peu à tout. Il a aussi sévi, voici quelques années, chez Such A Noise. Une formation qui, de son rockin' blues puissant, animait nos festivals de l'été. Froidebise, c'est également le nom de son nouveau groupe. Qui avait déjà sorti un 1er album intitulé "Freezin' to the bone".
" Eroticomobile " a été composé et chanté exclusivement en français. Il est, suivant son auteur, empreint de chanson, de rock, de jazz et de blues. Les musiciens qui l'entourent sont d'un excellent niveau technique. On y retrouve l'harmoniciste Thierry Crommen, qui a lui aussi travaillé en compagnie de Beverley Jo Scott. Jack Thysen est à la basse et Marc Descamps à la batterie. Jean-Pierre a pratiquement tout écrit lui-même.
L'ouverture "Un type comme moi" est une très belle complainte jazz/funk enrichie par l'apport des claviers de Philippe Decock et le sax ténor de Pietro Lacirignola. Le funk continue de contaminer "Elle a la rage", mais le tempo vire peu à peu au R&B. Un cri pour la propreté et le nettoyage! A l'instar de ZZ Top, autres adeptes de bolides, la plage titulaire fonce au rouge comme un boogie furieux sur son ferment érotique. Poussé dans le dos, Crommen vire aux aigus pendant que Froidebise chauffe ses cordes métalliques. "Chet Atkins" est un hommage vibrant au célèbre guitariste qui vient de disparaître. Thierry libère des phrases très inspirées par le baron Toots. Je ne vais pas disséquer toutes les plages, car cet album a été réalisé avec beaucoup de passion. J'épinglerai cependant encore le tout bon blues rythmé "Est-ce que j'ai tort". La slide y est gouailleuse et disserte avec l'harmo. Crommen prouve l'étendue de ses possibilités sur le très rapide et quasi instrumental "Deux boulets morts". Enfin, cet opus s'autorise des clins d'œil facilement saisissables. Et en particulier "Le 18 septembre", dont le jeu de guitare est inspiré du maître à Jean-Pierre, un certain Jimi Hendrix, décédé le 18 septembre 1970. "L'Hopital St-Jacques" enfin. Une adaptation du célèbre "St James Infirmary". Bienvenue pour un trip aventureux dans le monde des femmes, du sexe, de l'alcool et de la violence…
Mais qui est donc ce Dean Martinez ? En tout cas, faire partie de son cercle d'amis inspire ! En effet, ce "Wichita Lineman" est de très bonne facture. Country crépusculaire exclusivement instrumentale, émotionnelle, mais surtout très cinématographique dans sa forme, cette livraison du label Glitterhouse attirera toutes personnes sensibles aux étendues sèches et arides de l'ouest lointain. Tous les ingrédients réunis ici (steel, fuzz, dobro, harmonium) font transpirer et transparaître une certaine mélancolie, un désenchantement palpable, mais surtout une forme d'hommage, de recueillement, de solennité tout au long de ces 10 titres. Seul petit reproche, l'absence de vocaux. Loin d'être indispensables, leur présence n'enlèverait, selon moi, rien à l'impact de l'album. Finalement, j'aurais du commencer cette chronique par : ‘Mais qui était donc ce Dean Martinez ?'
Quatrième album pour ce trio londonien responsable d'une solution sonore hybride, instrumentale, fruit d'une parfaite symbiose entre instrumentation basique (basse, batterie, claviers) et technologie moderne (samples, boîtes à rythmes et tout le Saint Tremblement !). Une musique visionnaire propice à communiquer des sensations, des émotions. Mélancolie, calme, compassion et résignation contaminent tout à tour notre matière grise, d'une manière, ma foi, fort insidieuse. Un peu comme si notre esprit était bercé, hypnotisé par ces vagues sonores. Et lorsqu'un groove ténébreux commence à se dessiner, on frôle même l'envoûtement. Pourtant, les 9 titres de cet opus se réfèrent systématiquement à l'instrumentation consommée. Enfin, à celle qui donne le ton. A cet égard, des titres tels que " Melodica and trombone ", " Drum machines and glockenspiels ", " Cut up piano and xylophone " sont suffisamment explicites. Bienvenue dans l'univers de l’électro post rock ou du post rock électro, selon…
Troisième album pour Fred Lani et ses guérisseurs. Très populaire, surtout dans notre espace francophone, le groupe remplit aisément les salles ; ce qui n'est pas chose évidente. Il est clair que ce nombreux public n'est pas uniquement constitué d'amateurs de blues et nous ne lui en tiendrons certainement pas rigueur. Bien distribué, l'album passe en radio et ne peut que bien se vendre. Inspiré d'un excellent jeu de mots, "Electerrified" est pour sûr bien électrique, mais surtout bien produit.
Le line up est identique : Fred gratte et chante, Jérome Boquet le seconde aux cordes, Papy X tient la basse et Axel Muller, les percussions. Les guitares rythmiques ouvrent le feu par "Stayin' out", un rockin' blues sans surprises. "Walkin' down town" poursuit avec un accent plus blues, dû en partie à l'introduction de l'harmonica de Dave Reniers. A ce stade, nous sentons bien que la production s'est concentrée sur les parties vocales. "The wrong side" est sans doute mal titré car cette plage nous propose ce que les Healers font de mieux. Le boogie rock furieux, taillé au couteau par la guitare est proche de celui d'un célèbre Irlandais aujourd'hui disparu. Définitivement ‘the best side’ of the band. Fred nous signe un superbe solo, démontrant au passage son habileté sur la slide. Fred se montre tout aussi à l'aise sur les phrases nous rappelant Albert King. Nous les retrouvons sur l'excellent "At home last night". Ralentissement forcé pour la reprise de "Sacred ground" de Sonny Landreth. La slide se fait rurale, tempérée et colorée. A mi parcours, l'atmosphère devient délibérément bluesy. Et se manifeste tout au long de l'indolent "Thanks for the snack", du blues lent et impeccable, "The devil's cry", ainsi que du boogie blues rockabilly, "I'm back", caractérisé par une imparable partie de guitares. Inspiré par les grands guitaristes du jazz, Fred démontre l'étendue de ses possibilités et de sa palette de styles sur le véloce "Tell me". Epicé par un soupçon de funk, le très réussi "Watcha wanna do" agrège les phrases musicales d'Albert King et l'orgue de Pieter van Bogaert. "Electerrified" est sans aucun doute l'album le plus accompli des Healers. Le plus personnel aussi. Mais osons aussi souligner ce qui est perfectible. En l'occurrence les percussions. Elles sonnent parfois creuses et n'ont pas cette densité qui ressort des sections rythmiques américaines. Enfin, pourquoi avoir placé la plage la plus faible en ouverture?
En 1992, Paula Frazer entame sa carrière en créant Tarnation. Une formation californienne (NDR : de San Francisco, pour être plus précis), responsable d'une musique country alternative, qui commettra trois albums avant de se séparer. Mais une aventure qui va surtout permettre à Paula de se faire une place dans le monde du folk et de la country. En grande partie grâce à ses textes et à son chant. " Indoor Universe " est un album hétéroclite oscillant de la folk à la pop en passant par la country. C'est son premier album sous son vrai nom, depuis qu'elle a abandonné " Tarnation ", en 1998. La première composition nous plonge directement dans l'univers du folk. Elle n'est pas sans rappeler le groupe belge Vaya Con Dios. Mais Paula Frazer semble avoir ce petit plus qui peut faire des émules et dynamiser sa création (puisqu'elle est auteur/interprète). Son instrument le plus percutant est sa voix. Qui pourrait être comparée à celle de Dido : pleine, chaleureuse et soutenant les différentes compositions. Sans prétention, Paul Frazer fait son petit bonhomme de chemin dans un genre peu connu chez nous : le country/folk au rythme enjoué et tonique. A écouter, uniquement comme remède à la mauvaise humeur.
Tout comme son ami Charlie Musselwhite, Paul Butterfield a sans doute été un des musiciens blancs qui a le plus marqué le blues des années 60. Deux musiciens qui ont préfiguré l'arrivée d'un phénomène qui allait sacrer le retour de cette musique comme musique populaire. Il n'a que 23 ans lorsque son 1er album sort en 65. Un disque qu'il commet en compagnie de Mike Bloomfield, Elvin Bishop, Jerome Arnold, Sam Lay et Mark Naftalin. Patrick Ford a eu le nez creux en réunissant ses deux frères, Robben et Mark, pour rendre un hommage commun au légendaire Paul Butterfield.
Les Ford Brothers ont rassemblé des titres issus des sept premiers albums du célèbre Butterfield Blues Band. Et pour réaliser ce travail, le Ford Blues Band réunit une superbe brochette de musiciens ; en l'occurrence Pat Ford à la batterie, Dewayne Pater à la basse, deux harmonicistes, Mark Ford et Andy Just, ainsi que deux guitaristes, Robben Ford et Volker Strifler.
L'opus s'ouvre par "Screamin", un instrumental composé Bloomfield. Si les 2 guitaristes se partagent les soli, c'est surtout Andy Just qui se signale par une intervention lumineuse. "One more heartache" opère un changement de style. Un extrait de "The resurrection of Pigboy Crabshaw", au cours duquel Mark Ford chante et souffle dans l'harmo, au milieu de cuivres, dont la présence faisait la saveur de cet album paru en 67. Flûte et sax circulent dans un courant jazz pour l'interprétation absolument superbe de "Last hope"s gone". La basse de Dewayne ainsi que le chant et la guitare de Robben sont au top. Ce titre ouvrait l'album "In my own dream", paru en 1968. Robben chante très bien le R&B mélodique "No amount of loving", pendant que Mark souffle avec une clarté remarquable. Tout comme l'instrumental "Work song", "Mary Mary" figurait sur le second album et très aventureux "East West", paru en 66. Andy Just démontre sa puissance naturelle, proche de Butterfield, à l'harmo. A charge de Robben, de mettre à la sauce 2001, les parties de guitare délirantes de Bloomfield! Et dans le registre jazz, il est tout à fait impressionnant. Enfin, soulignons la présence de deux canons issus du répertoire des débuts de PBBB. Tout d'abord, "Good morning little schoolgirl", caractérisé par le concours du pianiste originel, Mark Naftalin ; et ensuite "Everything's gonna be alright". Ces deux compositions étaient sorties sur l'album "The original lost Elektra sessions", chez Rhino. Le 4 mai 1987, Paul Butterfield s'éteignait, victime d'une overdose…
For Stars nous vient de Californie. De San Francisco très exactement. Une formation drivée par un certain Carlos Forster, responsable des parties vocales et des lyrics. Des lyrics visionnaires, introspectifs qui embrassent une perspective inhabituelle de la vie, de l'amour et de la mort. Des lyrics qui lui ont valu de flatteuses comparaisons avec la muse de Mark Eitzel et de Mark Kozelek. Des lyrics qu'il chante d'une voix gémissante, tendre, presque falsetto sur une musique cependant beaucoup plus éclectique que celle de feu American Music Club ou de Red House Painters. Bien sûr, il y a de l'électricité. Mise en exergue à travers l'une ou l'autre chanson chargée d'intensité blanche, incandescente, ténébreuse. A l'instar de " I got connected " ou de l'indolent " Beautifully… " Et puis deux fragments sculptés dans le folk intimiste, " Back in France " et " Only star ". Ou encore un fragment de lo fi particulièrement capricieuse, " Wires ". Faut dire que le drumming de Michael Young, aussi jazzyfiant que celui de Bob Nastanovich, y est pour quelque chose. Mais sur son troisième opus, For Stars a fait une utilisation généreuse de claviers : moog, piano, orgue, xylophone et synthés. Sans oublier les bruitages empruntés à la technologie moderne. Ce qui apporte un certain parfum, une certaine coloration progressive aux compositions. Mais progressive dans l'esprit de Grandaddy. Surtout sur les deux derniers titres du disque, " There was a river " et " If I could ". Hymniques, hypnotiques, ils me rappellent même parfois le Genesis de l'Archange Gabriel. Une excellente surprise !
Terry est originaire du Tennessee, de Johnson City très exactement. Il y est né en 53. Il a joué, pendant vingt ans, dans des groupes locaux de R&B et de rock avant de tomber sous le charme du blues le plus pur. Celui de Robert Johnson, de Blind Willie McTell et de Lightnin' Hopkins. Il chante virilement en s'accompagnement d'une guitare. Il impose sa dextérité sur la slide et aime taper du pied au même moment.
Ces albums étaient sortis voici une dizaine d'années sous la forme de 33 tours, sur le label First Warning. Nous retrouvons ce remarquable chanteur de country blues en duo avec le leader harmoniciste des Nighthawks, Mark Wenner. Pour les deux albums, Terry mêle reprises de classiques avec des compositions personnelles.
Je retiendrai surtout du premier, les excellents traitements apportés à "Wand dang doodle" de Willie Dixon, "Upside your head" de Jimmy Reed, "Forty-four" de Howlin' Wolf, et au merveilleux "Trouble in Mind" de Sam Hopkins. Trois inédits figurent en bonus tracks :"Aberdeen" de Bukka White, une reprise tonique et acoustique du "Bad luck & trouble" de Johnny Winter et "Spoonful".
L'introduction du second album est très réussie. Garland attaque d'une voix rocailleuse et ravagée son "Good time blues", que ponctue le travail de Mark Wenner, à l'harmonica. Le son est sale. La tonalité de Terry sur le bottleneck est très bien rendue. A l'instar de la plage titulaire ou du "Phonograph blues" de Robert Johnson. Mes plages favorites sont cependant "Nasty boogie woogie" de Champion Jack Dupree, "A closer walk with tee", caractérisé par la pureté métallique de la National steel, sur fond de dixieland, "Rollin' and tumblin" et "It'll be me".
On a beau avoir beaucoup de sympathie pour un groupe, avoir été un des premiers à chroniquer leur opus éponyme (25.08.95) et louer les vertus rafraîchissantes de leur mélange de noisy de pop et de hip hop ; il faut se rendre à l'évidence, leur nouvel opus est décevant. Première raison : la voix de Shirley. Son timbre autrefois gouailleur, chargé de nuances et de feeling, est devenu terne, comme aseptisé. Et si le disque avait été uniquement constitué de chansons comme le single (" Androginy "), l'inconsistant " Cherry lips (Go baby go !) " ou encore l'insipide " Untouchable ", nous aurions pu le ranger dans le bac des Destiny's Child, Aqua, All Saints et pourquoi pas Madonna. Seuls, cinq fragments tentent de sauver les meubles. En l'occurrence " " Til the day I die " et " Silence is golden ", tramés sur un schéma proche de Boss Hog, le noisy, réminiscent de Curve, " Parade ", l'indolent, hanté par Mazzy Star, " So like a rose " et le fragment pop, presque prog, mais abordé dans l'esprit de Propaganda (NDR : Hooverphonic me rétorqueront ceux qui pratiquent un langage plus contemporain), " Nobody loves you ", que je considère comme le meilleur titre de l'elpee. Pour le reste, rideau. Un an pour pondre un tel album me paraît quelque peu indécent. Ce qui n'empêchera pas ce disque de bien se vendre. La machine promotionnelle est en route. Bien huilée, elle a déjà réussi à soudoyer une bonne partie de la presse non spécialisée. Et si vous êtes tombé dans le panneau avant de prendre la peine de lire ces lignes, tant pis pour vous…
Tony Galla est originaire de l'Etat de New York, dans la bonne ville de Buffalo. Au cours des 60s, il monte sa formation, the Rising Sons, puis rejoint un peu plus tard Raven, un groupe talentueux qui attirera l'attention de deux grands de la musique rock, Jimi Hendrix et George Harrison. Raven a sorti à l'époque deux albums "Live at the Inferno" sur Discovery et le mythique "Raven" sur Columbia. A la dissolution du groupe, Galla a entrepris une carrière plus personnelle quoique discrète. Il commet successivement les albums "For all the right reasons" (Orchard), "Doin' it" (Mark) et "From my heart to you". Amateur de blues, mais aussi de chanson italienne et d'opéra, Galla a plus d'une corde à son arc. Le dernier album cité était chanté en italien et recèle quelques canons comme "O sole mio" ou "Volare".
"ASAP" constitue donc le 1er album sérieux pour les amateurs de blues. Merci à Provogue d'en avoir assuré une distribution internationale. Ce sigle signifie bien entendu "As soon as possible" (NDR : traduction, aussi vite que possible). Tony aborde "The blues would slip right in" sur un rythme exotique, proche du mambo. Il possède une voix chaude et volontaire. Sa guitare est allègre. La plage générique est un blues au tempo enlevé. Mark Le Vang est au piano, Galla reste autoritaire au chant. Sa voix, en moins ravagée, fait d'ailleurs penser à celle de Joe Cocker, sur les plages lentes. Et notamment sur "The jealous kind" et un She's all I'll ever need", appuyé par une superbe guitare. Ou même à celle de Gary Brooker sur "Take a giant step". Pour être complet, sachez que cet opus recèle un slow blues chatoyant intitulé "Worried mind blues". Si " Asap " se révèle un bon petit album sans grande ambition, il parvient quand même à mettre en exergue la voix envoûtante de Tony Galla.
Aussi surprenant qu'excitant, ce dernier opus de Buddy Guy manifeste son retour vers le Sud profond ; et plus précisément vers le pays des collines du Nord du Mississippi. La ville d'Oxford doit bien vous dire quelque chose… Fat Possum, vous connaissez? "Sweet Tea" aurait pu s'intituler "Buddy Guy chante Fat Possum". Sept des neuf plages émanent de la plume d'artistes appartenant à ce label. Et en particulier Junior Kimbrough, Robert Cage, T-Model Ford et Cedell Davis.
Personnellement, j'estime que cet album est remarquable. Probablement un des meilleurs de Buddy depuis bien longtemps. Il est entouré du guitariste rythmique Jim Mathus, des Squirrel Nut Zippers, et d'un bassiste d'Oxford qui répond au nom de Davey Faragher. Les percussions sont partagées entre le vétéran Sam Carr, Spam du T-Model Band et l'ex-Attractions d'Elvis Costello, Pete Thomas. Nous assistons bien à un retour de Buddy vers le Sud. Et pas seulement parce qu'il est né en 1936, en Louisiane.
"Sweet Tea" s'ouvre par le "Done got old" de Jr Kimbrough. Une plage acoustique au cours de laquelle la voix de Buddy est bien mise en avant. Un peu comme s'il voulait nous mettre dans la confidence. Même si elles appartiennent au répertoire de Kimbrough, les 1ères notes de "Baby please don't leave me" nous plongent dans l'univers de Fat Possum. Les percussions sont lourdes, mises à l'avant plan ; mais la guitare est bien celle de Mr Guy. Elle vit, bouge et se trémousse. Il est incontestable que Buddy a largement influencé Jimi Hendrix, au cours des 60s. Il revisite encore 2 autres plages de Junior. "Stay all night" tout d'abord. Et puis "I gotta try you girl". Un long trip hendrixien entouré de mille démons. Les percussions constituent un pilier majeur de cet album. Sèches, implacables, elles édifient une rampe de lancement rêvée pour l'artiste. Quelques moments superbes et décapants défilent. : "Look what all you got" et le shuffle extraterrestre, "She's got the devil in her". Sa vision du "Tramp" de Lowell Fulsom est terrifiante. Les cordes sont en perpétuel dérapage contrôlé. Buddy maîtrise la manœuvre et réalise un travail extraordinaire sur le sujet! "Sweet tea" s'achève par "It's a jungle out there". Une compo de Guy dont les cordes dialoguent avec le piano de Bobby Whitlock ; une compo qui me donne des frissons dans le dos... Géant!
Le troisième album de ce duo briton, à qui l'on doit déjà quelques perles house, est décevant. D'abord parce que Tom Findlay et Andy Cato ont tenté de se départir de l'étiquette baléaric qui leur collait à la peau en proposant des morceaux plus downtempo (mais n'est pas 4 Hero qui veut). Ensuite parce que les morceaux qui justement leur ressemblent, sont moins bons qu'avant : le premier single, " Superstylin' ", s'emmêle ainsi les pinceaux dans un ragga- 2 step un peu lourdingue, tandis que des titres comme " Healing " hésitent entre la furie du dance-floor et le repos du chill out. Seuls quelques titres nous rappellent leurs débuts alors prometteurs, comme " My Friend ", comptine soul-électro tout en finesse où la voix radieuse de Celetia Martin fait des miracles, ou encore " Little By Little ", mariage réussi du groove de Spearhead et du spleen de, au hasard, Zero 7. En fait, ces titres appartiennent à la première partie du CD, qui se gâte surtout par la suite, avec comme seul phare dans ce brouillard le dernier morceau, " Join Hands ", au cours duquel Tim Hutton chante avec une rare élégance. " I see you baby, shaking that ass ", nous disaient-ils il y a deux ans… Mais depuis, Groove Armada a pris du bide et ça s'entend.
Bien que fondé en 1989, ce trio californien (NDR: de Bekerley, très exactement), a dû attendre la sortie de " Dookie " pour décrocher la timbale. Et l'année suivante, il récidivait en commettant " Insomniac ". Depuis, l'étoile de Green Day a fortement pâli. Une impression corroborée par la sortie de ses deux derniers opus. Leur hardcore juvénile, fougueux et enthousiaste, qui naviguait à la croisée des chemins des Ramones, de Jam et de Hüsker Dü n'est plus dans l'air du temps. Et les nouvelles perspectives musicales qui hésitent entre la ballade et les orchestrations cuivrées font un peu tâche d'huile dans l'ensemble. Bref, il ne nous reste plus qu'à réécouter leurs hits. Qu'on retrouve sur cette compile. Vingt et un fragments dont les inévitables " Basketcase ", " Brain stew ", " Time of your life ", " Minority ", " Hitchin' a ride " ou encore " Geek stink breath ", répertoriés par ordre chronologique, ainsi que deux inédits, " Maria " et " Poprocks and coke ". Dommage que la période antérieure à 1994 n'ait pas été revisitée. On aurait ainsi pu hériter d'un double album ; et en même temps se rendre compte qu'à contrario de leur période post " Insomniac ", la formation a connu une évolution plus qu'intéressante, au cours de ses cinq premières années d'existence…
Gorillaz a tout pour plaire : un visuel ‘cool’ décalé, soigné mais surtout calibré, une petite histoire pleine de mystère et une belle brochette de guests ( parmi lesquels on retrouve quand même le chanteur de Blur, Damon Albarn et le rapper Del the Funky Homosapien) qui crédibilise le tout. Je ne m'amuserai pas à décortiquer chaque titre de cet album. Sachez seulement que potentiellement n’on est pas prêt de ne plus entendre parler de Gorillaz. Jamais franchement désagréable, ce premier album éponyme ratisse large : hip hop à la Beastie Boys, fausse lo-fi, bidouillages et scratches maîtrisés. Bien dans l'air du métissage et du mariage des genres improbables ou tout au moins anachroniques, je demande à voir ce qui restera de cette hype une fois le soufflet retombé. Car tout me laisse à penser que c'en est une. Et je me méfie toujours un peu des hypes. Le rendez-vous est donc pris pour le deuxième album…
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