" Juliet on the boulevard " est un maxi cd découpé en deux morceaux. Deux fragments qui figurent sur " Park bench serenade ", le septième opus de Michaël De Jong. Les deux morceaux choisis ne sont pas les plus représentatifs de l'album et du style musical pratiqué par cet artiste. Le blues domine ses compositions, des compositions basiques dans ses rythmes, mais soutenues par une voix incroyable, émaillée d'un accent néerlandais. Les deux chansons ne manquent pas de dynamisme, mais isolées de l'album, elles perdent de leur charme. Commercialement, la sortie de ce maxi-cd, précédant l'album, semble compréhensible ; musicalement, l'apport de ces deux morceaux séparés de leur contexte est plus difficile à cerner, surtout que personnellement ce ne sont pas les morceaux les plus réussis. Enfin… rien ne vous empêche de consulter la critique du dit album, et pourquoi pas de l'écouter !
Richard Davies n'est pas un illustre inconnu, puisque non seulement il vient de commettre son troisième album solo, mais en outre, avant d'entreprendre une carrière individuelle, il a sévi entre 89 et 92 chez la formation post punk australienne The Moles ; puis, lorsqu'il s'est exilé aux States, a collaboré avec l'arrangeur Eric Matthews chez le sous-estimé Cardinals. Ce qui frappe d'abord sur " Barbarians ", c'est la pureté du son. Un son unique, duveteux, cristallin qui vous flatte instantanément l'oreille. Etonnant lorsqu'on sait que l'écriture de Richard se veut minimaliste et aux harmonies basiques. Mais un phénomène qui peut s'expliquer lorsqu'on sait que les sessions d'enregistrement se sont déroulées aux célèbres studios de Fort Apache de Boston, dans le Massachusetts. Et comme les compositions sont sculptées dans une rétro pop aussi contagieuse qu'élégante, on tombe rapidement sous le charme. Tour à tour acoustique ou électrique, les chansons réverbèrent cependant une sensibilité mélodique qui n'appartient qu'aux Australiens. Et je pense ici tout particulièrement aux Go Betweens, même si le timbre vocal ténu, velouté, fatigué, de Richard, approche plutôt celui de Dean Wareham de Luna (NDR : encore que ce dernier soit Néo-zélandais) Bref, un chouette opus à côté duquel il serait vraiment dommage de passer…
Jean-Louis Daulne réussit le tournant du 2ème album. Cette fois, ce n'est plus une surprise mais une confirmation des espoirs placés en lui. Vous connaissez déjà certainement "Je mets les voiles", belle chanson d'amour déçu, que les radios francophones passent très souvent (NDR : ne vous laissez pas uniquement bercer par la douce mélodie, écoutez bien les paroles, ça vaut la peine). Vous avez sans doute déjà entendu la version très personnelle du "Vesoul" de Brel, dans laquelle Daulne assure l'essentiel de la musique avec sa bouche et son corps. Vous devriez maintenant découvrir "S'aimer tissés", une chanson écrite par Bruno Coppens (NDR : ça se reconnaît au jeu de mot du titre) et qui décrit astucieusement les amours en noir et blanc, la ‘vie en ethnicolor’ qui sied si bien à Jean-Louis Daulne. Tout l'album n'est pas du même tonneau mais il s'écoute sans lassitude, grâce au timbre de voix original et à quelques trouvailles musicales ou littéraires.
"I'm alive and on fire" compile des titres de ce band suédois, éparpillés entre 1996 et 1999. Majoritairement stoner, mais aussi parfois très punky dans l'esprit, Danko Jones devrait un jour partager les mêmes labels que leurs maîtres à penser. A savoir : Man's Ruin (peu importe le groupe...), Alternative Tentacles (Pachinko) ou encore Amphetamine Reptile Records (Feedtime). Cependant, la formation a signé sur un label...suédois. Pour en revenir à des considérations plus musicales, je soulignerai l'efficacité 100% de chaque morceau (très plug and play) et des lyrics empreints d'american way of life (surtout texan). Bref, le candidat parfait pour participer à un concert organisé dans le cadre d'une concentration de motards. Sans oublier le strip tease de circonstance...
Soit j'ai rien compris, soit la presse (spécialisée ou non, belge, française et même insulaire) se paie la tête du peuple ; mais franchement, encenser avec autant de zèle un disque aussi banal relève de l'indécence. J'ai dit banal, pas nul ! Nuance. Parce que si la forme est plus que parfaite et essentiellement de nature " dance ", le contenu est principalement destiné aux ados de 13/14 ans (NDR : ou du même âge mental si vous préférez !). Vous avez certainement déjà eu l'occasion d'entendre (NDR : qui a dit écouté ?) le single " One more time ". Une composition qui ouvre le deuxième album du duo parisien. Et bien le reste est aussi fouillé (!?!?!). C'est à dire le résultat d'un bidouillage de house, de funk, d'ambient, de funk et de techno produit à l'aide de toute une panoplie de gadgets électroniques particulièrement sophistiqués, de synthés de la première vague, ainsi que de vocodeurs, de filtres, de samples et de bruitages aussi spirituels que ceux de jeux vidéos ou de dessins animés nippons. Le plus intéressant pour les fanas procède de la présence d'une ‘daftcard’, pass qui permet aux acheteurs potentiels de télécharger sur le web des inédits, des remixes et autres avantages…
Remis en selle par Daniel Lanois, à travers les albums "Oh mercy" en 89, et "Time out of mind" en 1997, Bob Dylan pète la forme. Non content d'être reparti en tournée, il en a profité pour enregistrer un nouvel album. Flanqué des musiciens qui l'accompagnent tout au long de ce périple. En l'occurrence les guitaristes Larry Campbell et Charlie Sexton, le bassiste Tony Garnier et le drummer David Kemper, équipe que l'organiste de Sir Douglas Quintet, Augie Meyers, est venu rejoindre en studio. En outre, le Zim produit également ce " Love and theft ".
Soyons honnête, ce nouvel opus n'a ni l'intensité, ni l'intemporalité des deux œuvres produites par Lanois. Cinq titres sur les douze de ce disque paressent même dans une sorte de jazz/music hall désuètement nightclubbien et font un peu tâche d'huile dans l'ensemble. Mais le reste tient la route. " Mississipi " est une composition de Sherryl Crow. Une ballade que Bob reprend majestueusement. Autre ballade, mais plus intimiste, " Sugar baby " est étoilé d'accords de guitare légèrement reverb. Robert tâte du rockabilly, avec talent. A l'instar de " Tweedle dee & tweedle dum " et de " Summer days ". Il n'a pas non plus oublié ses racines country folk et nous le rappelle à travers " High water ", un fragment tellement dépouillé et sale, qu'il en devient poignant. Mais Dylan se révèle le plus efficace dans l'exercice du blues rock ou du rock blues, si vous préférez. Impossible de ne pas bouger les doigts de pied sur les irrésistibles " Lonesome day blues " et " Honest with me ", ce dernier enrichi d'une slide. On sent même l'ombre du Fabulous Thunderbirds qui plane sur ces deux compositions. Quant à " Cry a white ", plus classique dans son approche de ce style musical, il mêle avec beaucoup de feeling cordes de guitare acoustiques et électriques. A se demander si Robert Zimmerman n'aurait pas intérêt à sortir, tout simplement, un album de blues. Mais là, je cèderais volontiers la plume à Jean-Claude, notre spécialiste en la matière…
Mr Duffhues est le multi instrumentiste maître à penser de ce "Piranesi's Rome". N'y allons pas par quatre chemins, cette plaque n'est pas moins que l'ultime synthèse de Nick Cave, Tom Waits, Léonard Cohen et John Frusciante…Cave d'abord : pour le timbre de voix, mais aussi pour les lyrics, sombres et à la limite dépressifs; Tom Waits ensuite, pour l'aspect fébrile, alcoolisé et le ‘triturage’ de la voix; Cohen pour la poésie pure et les titres plus "acoustiques"; Frusciante enfin pour ceux bricolo-fi et le désespoir… Evidemment tout ça ne baigne pas dans la joie de vivre. Reste à savoir que tout l'album, composé de 3 parties ("Nine songs", "Triptych", et la plus expérimentale "The earth's origin and evolution of mankind"), toutes hautement recommandables, ne souffre à aucun moment d'une baisse d'intensité. L'écoute religieuse et respectueuse de ces recueils devrait être rendue obligatoire dans toutes les caves du royaume… ou de la république… Brillant !
Originaire de New-York, Dry Kill Logic sévit depuis 1995 dans les clubs branchés de la capitale du hard core américain. Fort d'un mini LP paru sur le label indépendant Psychodrama Records, le groupe s'est forgé une solide réputation dans le milieu underground et a peaufiné son art en tournant incessamment avec des groupes aussi divers qu 'Exodus, Tool, Flotsam and Jetsam, King Diamond et Pro-Pain. Aujourd'hui signé sur un des plus gros labels indépendants du globe, Dry Kill Logic prend le train en marche et distille un métal proche de Slipknot, Coal Chamber ou Machine Head. Pas vraiment notre tasse de thé, mais les amateurs du genre devraient accueillir cette galette sans fioriture à bras ouverts.
Premier album pour ce trio amstellodamois responsable d'une musique plutôt sombre, glacée, ténébreuse même. Une sorte de noisecore qui puise essentiellement son inspiration chez Placebo, Slint, Sonic Youth et pour son climat filmique, Mogwai. Vous ne serez donc pas étonnés d'apprendre que leurs chansons soient particulièrement mélancoliques. Et que le sens mélodique des chansons en soit très affecté. Au point même de susciter une certaine morosité au fond de votre être. C'est d'ailleurs ici, à mon humble avis, que le bât blesse. Ce qui n'empêche pas cet opus de receler deux superbes compositions qui répondent au nom de " Portrait of a painter " et " Search for one ". Mais deux titres sur un album, c'est un peu maigre à mon goût…
Double Trouble n'est autre que l'ancienne section rythmique de Stevie Ray Vaughan ; en l'occurrence Chris Layton et Tommy Shannon. Pour pouvoir enregistrer cet album, ils ont dû solliciter des tas d'invités. Et croyez-moi, ils se sont bousculés au portillon texan d'Austin. Superbe ballade introductive, "Cry sky" lorgne vers la country.
Ami de toujours, Malford Milligan est venu prêter son excellente voix. Reese Wynans est à l'orgue, Kenny Wayne Shepherd et Charlie Sexton aux guitares. Charlie passe au chant, mais en duo avec Doyle Bramhall II, pour interpréter "Turn towards the mirror". Une ballade évoquant un certain Neil Young. Pas au niveau du timbre vocal, mais dans le phrasé de guitare de Doyle. Ce dernier revient gratter et chanter avec conviction une version saisissante du "She's all right" de Muddy Waters. La claque aussi agréable que cinglante nous vient de la reprise du "Rock and roll" de Led Zeppelin. La charmante et agressive Susan Tedeshi a pris le rôle de Robert Plant. A charge de Shepherd, Sexton et de Van Wilks de conjuguer leurs guitares. Susan chante aussi l'une de ses compositions, "In the garden". Les grandes retrouvailles entre Jimmie Vaughan et Lou Ann Barton sont un autre tout grand moment. Ils se partagent le chant sur "In the middle of the night" de Johnny Watson. Caractérisée par cette tonalité qui ne peut que lui appartenir, la guitare de Jimmie fait merveille. J'attribuerai également un bon point au très jeune Jonny Lang. Il chante de manière imparable "Grounghog day". Une chanson écrite en hommage à John Lee Hooker, par le canadien Gordie Johnson (remember Big Sugar!). Et c'est ce Gordie qui gratte en compagnie de Denny Freeman. La surprise nous vient de la finale, lorsque Dr John s'assied derrière le piano et chante de sa voix de fausset, "Baby, there's no one like you"…
Apparemment de nouvelles archives de concerts des Doors ont été exhumées. Ce qui risque de nous valoir quelques (nouvelles ?) plaques dans les prochains mois, voire d'ici quelques années. Tout bénéfice pour le trio survivant, qui vivent des royalties de leur ex groupe, depuis le décès de leur chanteur. Trente ans déjà qu'il s'est éteint dans des circonstances obscures à Paris. C'était le 3 juillet 1971. Et aujourd'hui encore, son ombre plane encore sur la musique pop et rock… Dans le même temps, Krieger, Densmore et Manzarek ont sorti (ou réactivé la sortie d') un bouquin consacré à la vie de leur ex-leader. Encore de quoi se faire du flouze, allez-vous me rétorquer. Oui, d'accord. Mais il faut bien qu'ils vivent de quelque chose : parce que depuis qu'ils sont orphelins de Jim, hormis les droits hérités de cet illustre passé, ils se sont tous royalement plantés. Que ce soit à trois ou en solo ! Et pourtant, Rob, John et Ray étaient d'excellents musiciens. On peut s'en rendre compte sur ce disque, dont la plupart des enregistrements ont été immortalisés en 1970, soit quelques mois avant sa mort. Parce que justement, sur cet opus découpé en 14 fragments, hormis le classique " Light my fire ", un " Love me two times " qui vire au medley " Baby please don't go/St James infirmary ", et la version impressionnante de " The End ", le reste met surtout en exergue le talent des trois instrumentistes qui compense, en quelque sorte, le manque de punch d'un Morrisson déjà sur la pente descendante… Un document !
" Zen ", cet album l'est parfois. Par contre c'est bien à DJ Krush que l'on a à faire, même si on retrouve un invité différent sur 11 des 12 titres qui composent ce dernier album. Qu'ils soient MC (Black Thought sur " Zen Approach ", Company Flow sur "Vision of Art ") ou musiciens (Questlove à la batterie sur "Endless Railway " ou Kazufumi Kodama à la trompette sur "Day's End "). Chaque morceau de cet album épingle donc une collaboration, mais le maestro nippon n'est pas en reste : la patte du DJ est incontestablement présente, et on comprend mieux à l'écoute de ce disque que cette pléiade d'invités n'a d'autre but que de montrer combien les compétences de DJ Krush sont variées. Le tout balaye donc rap, acid jazz, hip hop, r&b et trip hop avec cohérence, et constitue un bon complément au DJ mix album "code 4109 " sorti l'an dernier. Bref, cette dernière livraison de celui qu'on surnomme le ‘godfather of abstract hip hop’ est une valeur sûre, avec en prime une très belle pochette, ce qui ne gâche rien…
Dans la série "Blues legends of the sixties - Live", cet opus fait suite à celui consacré à T-Bone Walker. "Big boss man" est un des plus gros succès de Jimmy Reed, alors que Willie Dixon fut sans conteste un ‘Big Boss’ du blues, et le plus grand compositeur du Chicago blues de la bonne époque. Les deux hommes se partagent cet album avec comme lien commun le fait d'avoir été enregistrés live à Houston au tout début des 70s.
Dixon est né à Vicksburg, dans le Mississippi, en 1915. Il est décédé en Californie. Très exactement à Burbank, en 1992. Plus de 76 années de bonheur pour le blues. Il avait fondé fin des 60s, les Chicago All Stars en compagnie de Johnny Shines, Sunnyland Slim, Walter Horton et Clifton James. A Houston, il était toujours accompagné des derniers cités. Clifton James avait succédé à Shines à la guitare. Bien que la notice de la pochette ne le mentionne pas, mais le pianiste Lafayette Leake et l'albinos texan Johnny Winter étaient bien présents, lors de l'enregistrement Le disque démarre par le très doux "Sitting and crying the blues" et embraie sur deux canons ; "Spoonful", introduit par l'immanquable harmonica de Big Walter, et "I just want to make love to you. Johnny Winter entre en piste pour "Tore down". Il chante aussi son "Roach stew". Malheureusement le son devient progressivement chaotique. James Reed est né en 1925 à Leland, dans le Mississippi. Il fut le bluesman le plus célèbre de la fin des 50s. Il a aligné quelques hits commerciaux tels que "Don't have to go", "Bright lights, big city", "Honest I do" et "Big boss man". Il pouvait compter sur le concours d'Eddie Taylor. Jimmy jouait de la guitare et de l'harmonica. Malheureusement, en plus d'être analphabète, épileptique et alcoolique, il avait un caractère imprévisible. En 1972, il est en fin de carrière. Il parvient quand même à convaincre le guitariste texan Johnny Winter, d'enregistrer avec lui. Il n'était plus au sommet de son art, même si les traitements ralentis opérés par Winter, sur "You don't have to go" et "Bright light Big city" ne manquent pas de charme. Reed devait disparaître d'un arrêt respiratoire en août 1976. Il y a déjà 35 ans !
Bénéficiant de la collaboration d'une pléiade de collaborateurs, dont un orchestre symphonique, le précédent opus de Divine Comedy naviguait quelque part entre ‘easy listening’ et démesure baroque. Un exercice de style inspiré par l'admiration que porte Neil Hannon à des gens comme Bacharach, John Barry, Gene Putney ou encore Scott Walker. Ce qui avait valu à cet opus, une volée de bois vert de la part de la presse insulaire (NDR : ça rime !). Faut dire que l'attitude de dandy BCBG, affichée par l'Irlandais n'arrangeait pas les choses… Pour enregistrer " The regeneration ", Neil a fait appel à Nigel Godrich (Radiohead, Travis) pour assurer la production. Et vu la notoriété du personnage, vous vous doutez bien qu'il y a laissé sa griffe. Bien qu'omniprésents, les arrangements et les orchestrations sont beaucoup plus souples et surtout moins envahissants. L'instrumentation basique est mieux mise en évidence, le tempo énigmatique et le climat propice à la mélancolie. Ce qui permet à la musique de Divine Comedy de renouer avec la forme consommée par " Libération " et " Primeval ", mais avec plus de profondeur et d'émotion ; même si Neil a parfois tendance à remettre une couche de son baryton bien timbré. Pas systématiquement heureusement. En outre, le tempo imprimé est souvent énigmatique, les accords de piano limpides, la conjugaison de cordes de guitares, acoustiques et électriques, structurée en crescendo. Ce qui donne un aspect ‘britpop’ aux compositions. Et lorsque une brume légèrement psychédélique, technologique envahit l'espace sonore, on frôle l'univers de la trip hop insulaire…
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