Tous les amateurs de blues contemporain sont unanimes : Kim Wilson est l'un des tous meilleurs, sinon le meilleur harmoniciste contemporain. Il est aussi un chanteur puissant au timbre vocal riche. Il affiche une présence de scène imparable. Bâti littéralement comme un athlète bodybuildé, il s'est désormais taillé le crâne comme un œuf. L'ancien Fab-T a enfin enregistré live, non pas pour son label Blue Collar, mais pour MC. Le tout a été immortalisé lors de deux concerts. Le premier accordé en février 99 à Phoenix, en Arizona ; et l'autre en décembre 2000, au Café Boogaloo de LA. Point commun à ces deux concerts, la fidèle section rythmique composée des anciens du Hollywood Fats Band. En l'occurrence Larry Taylor à la basse et Richard Innes à la batterie. A Phoenix, deux gratteurs au talent confirmé complétaient le line up : Rusty Zinn et Billy Flynn.
A LA, nous le retrouvons en compagnie de 2 autres guitaristes : le coloré Kirk Fletcher et l'inconnu Troy Gonyea. Le claviériste Mark Stevens complétant l'équipe. Et vous vous en doutez, la solution sonore vole à très haut niveau tout au long des 7 titres de Phoenix et des 6 autres provenant de Los Angeles. Vu la nature live de ce disque, les plages sont naturellement tirées en longueur, laissant ainsi l'espace aux solistes pour s'exprimer. Les deux blues lents sont bien connus. "Early in the morning", tout d'abord. De sa slide, Billy Flynn parvient à ne libérer que les notes nécessaires. Une intervention exceptionnelle ! Ensuite un "Telephone blues" adressé en forme de clin d'œil au maître de Kim, George Smith. Kim parvient sans difficultés à faire swinguer toute cette machine. A l'instar de "I stay in the mood". Et puis surtout de "Got to let you go". 9 minutes de bonheur procurées par les interventions de Wilson, de Fletcher et de Gonyea. Réponse immédiate de la paire Zinn/Flynn sur "Tomorrow night". Instrumentale, la plage titulaire libère un shuffle pas possible ! Kim doit avoir plusieurs poumons ! Il reste aussi toujours inspiré par le Chicago blues. Comme sur l'impeccable "High and lonesome" de Jimmy Reed, qui met Billy Flynn à l'honneur. Aux dernières nouvelles, Kim aurait enregistré un album à Memphis. En duo. Avec la vedette du label MC, Big Jack Johnson. Un disque de Delta Blues sur lequel Pinetop Perkins est venu donner un coup de piano sur deux titres. Il devrait paraître début 2002.
Robbie Williams souhaite élargir son répertoire musical. Franchement inspiré par Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Junior et autres crooners, Robbie Williams a voulu rejoindre ce cercle fermé, en commettant cet elpee. Pour y parvenir, il a réuni tous les éléments nécessaires : grand orchestre, duos de charme (notamment avec Nicole Kidman), quelques reprises des maîtres ainsi que quelques compositions personnelles. Le problème est que rationnellement, il ne suffit pas toujours de désirer, même très fort une chose pour qu'elle devienne réalité… La musique est grandiose. Enrobée de violons, pianos, trompettes et autres instruments, elle nous invite au rêve et à l'évasion. Et je pense tout particulièrement à la première chanson écrite par Robbie. On y croit jusqu'à ce qu'il se mette à chanter. Sa voix est trop aiguë, sans chaleur ; elle ne dégage pas la sensualité des timbres chauds et vibrants des crooners du temps passé. Au cours de ces exercices de style, il n'est pas difficile d'imaginer le l'image d'un gentleman tiré à quatre épingles dansant et chantant sur une scène illuminée. Il est par contre très désagréable d'y voir apparaître un vilain garçon déguisé en pingouin…
Fille de la chanteuse des Vernon Girls, Joyce Smith, et de Marty Wilde, adaptateur de succès du rock'n roll américain, qui connut la notoriété à la fin des années 50, Kim a aligné toute une série de hits entre 1981 et 1986, avant de disparaître dans un relatif anonymat. Des tubes qui, à l'instar de " Kids in America ", " Cambodia ", " Love blonde " et la reprise des Supremes, " You keep me hangin' on ", ont flirté avec les sommets des charts. Jolie, sensuelle, parfois même provocante, elle a constitué, au cours de cette brève période, la réponse insulaire à Debbie Harry. Qui ne manquait pas de charme, non plus, il faut le souligner. Bref, je dois avouer ne pas avoir boudé mon plaisir en réécoutant la voix acidulée de Kim. Dommage que le booklet soit un peu terne…
Et un petit belge signé chez Roadrunner, un ! Au delà des ces simples considérations nationalistes, Wicona Airbag a, selon moi, le désavantage d'ouvrir la voie. Ce qui explique sans doute pourquoi le disque est un peu passe-partout. Les premiers intéressés par la musique du membre d'un groupe qui a écumé mon plat pays (Hoodoo Club), ne devraient pas se tourner naturellement vers ce label qui, c'est bien connu, est un vivier d'artistes brutaux et écervelés. Preuve d'ouverture d'esprit d'une major ou récupération des sonorités bien dans l'air du temps ? La question mérite d'être posée. Car Wicona Airbag marche plutôt sur les pas d'un Evil Superstars séduit par une touche plus mécanique que passionnelle dans sa musique. L'ennui c'est que Wicona Airbag doit être moins drôle et plus coincé sur scène. Maintenant, ce "Up with people" ne manque pas de chansons vraiment sympas et pourrait trouver son lot d'auditeurs. De là à les transformer en cohorte de fans…
Après avoir commis six albums, dont la ligne de conduite reposait essentiellement sur la guitare, Chris Whitley a décidé de changer radicalement de style. Oh bien sûr, son timbre vocal éraillé, tendre et viscéral est toujours capable d'enflammer à lui seul les mélodies. Et puis la guitare n'a pas pour autant été rangée au placard. Ni le piano spectral. Mais ces instruments doivent composer avec un tas d'arguments technologiques. Samples, boîtes à rythmes, synthés et autres accessoires se fondent ainsi parfaitement au sein de l'instrumentation basique. Mais pour réaliser cette symbiose, Chris a fait appel à DJ Logic. N'imaginez cependant pas que la solution sonore soit passée pour autant au rap, au hip hop ou à un rock convulsif, réminiscent de Rage Against The Machine. Non, elle baigne dans une sorte de trip hop à forte coloration blues, trip hop ondulant au rythme de vibrations tribales, urbaines ou krautrock. Libérant même très souvent un groove aussi lisse que menaçant. Un peu comme si Howlin' Wolf et Tricky avaient décidé de faire une jam. Côté collaborateurs, Chris n'a pas lésiné sur les moyens. On y retrouve ainsi sa sœur Trixie sur deux fragments. Les vétérans Dave Mathhews et Brune Hornsby, également. Et puis surtout Tony Mangurian, à la production. Un musicien qui a autrefois joué en compagnie de Dylan et de Willlie Nelson. Ce qui, ma foi, est une fameuse carte de visite. Un must !
La Vallée de la Mort est cet endroit cauchemardesque sis au fond du désert américain, coincé entre les Rocheuses, Las Vegas et Hollywood, où il ne fait pas bon se promener sous peine de mourir piqué par un scorpion ou bouffé par les vautours. Ecouter Death Valley du groupe Zeke procure la même sensation : en 28 minutes de riffs acérés, de grosse batterie et de chant névrosé, l'envie vous prend de tout péter dans les alentours, manche de balai en main (pour le côté rock'n'roll) et rictus de dément sur la figure. D'ailleurs, les 4 rednecks de ce groupe originaire de Seattle joignent le geste à leurs paroles (assez débiles d'ailleurs) au dos du livret, exhibant fièrement haches et tronçonneuses au cas où l'auditeur énervé par le rythme trop soutenu des morceaux aurait envie de… euh, ben oui, tout péter. Et puis le chanteur, Mark of the Beast (sic), nous le martèle assez dans les chansons : pas question ici de se la jouer à la Mercury Rev, trip écolo et angélisme de bon teint, c'est du rock'n'roll pur jus, 100 % gras et lourd, dédié à la baise et à Satan (Evil Dead, Eyes of Satan), bref à notre bon vieux côté bestial (Animal). En d'autres termes, Death Valley est un album qui vous saute à la gueule comme un pit-bull en manque de chair fraîche. A réserver en particulier aux fans de Motörhead, Judas Priest et Nashville Pussy.
Que ce soit chez Dangerous Birds, Uzi, Live Skull ou Come, au sein duquel elle sévit toujours, Thalia Zedek s'est toujours évertuée à tordre le rock 'n roll conventionnel pour en récupérer une solution ténébreuse déchirée entre convoitise, malice et désir perverti. Faut dire que son timbre vocal écorché, âpre et nicotiné possède toutes les propriétés pour créer un tel climat. Pour enregistrer son premier opus solo, elle a reçu le concours de son band habituel. Pas pour y injecter leur dose d'électricité habituelle, aussi redoutable que sulfureuse ; mais tout simplement pour accompagner Thalia à l'aide de l'instrumentation la plus dépouillée et la plus sobre possible : piano, guitare acoustique et violon tzigane apportant ici la pierre à cet édifice avec beaucoup de subtilité et d'efficacité. Un violon qui atteint même le sommet de sa charge émotionnelle sur le remarquable " Desanctified (full circle) ". A vous flanquer des frissons partout ! Et à l'instar d'une Mariane Faithfull, dont elle semble se rapprocher de plus en plus du timbre vocal, Thalia se lance également dans l'exercice de la reprise. En l'occurrence, le " Dance me to the end of love " de Léonard Cohen, exercice qu'elle accomplit avec beaucoup de maîtrise. Dans le style, Zedek vient de commettre un superbe album !
Trois versions du morceau maître sur le nouveau maxi de cette formation italienne drivée par un certain Matteo Agostinelli. Alors que " The blue experiment " et la bossa nova contemporaine " Boat on swim " figuraient sur leur dernier album, " Hollow beep ", présenté sous la forme d'un bonus track, " 1967 " est un inédit. Si vous appréciez les paysages sophistiqués, élégants et visionnaires de Mercury Rev, la musique de Yuppie Flu devrait vous botter. Même les parties vocales sont aussi éthérées ! Seule différence, tout en sculptant leurs mélodies dans les cordes de guitare acoustiques, la formation péninsulaire a presque exclusivement recours à la musique électronique, et en particulier aux synthétiseurs analogues, pour tirer parti au maximum des oscillations sonores. Et, je dois avouer que sous cette forme hybride, la musique est vraiment séduisante !
Yum, c'est avant tout Lennard Busé et Reinert D'Haene. Hollando-canadien, le premier chante et écrit les lyrics. Membre d'Ashbury Faith, le second est anversois et se charge des drums. Tous deux jouent également de la guitare acoustique, instrument qui sert de base à leurs chansons, avant qu'ils ne les enrichissent de sonorités électroniques.
Pour enregistrer " Monikid ", ils ont quand même reçu le concours de quelques collaborateurs. Le guitariste d'Ashbury Faith, Matthias Van der Hallen, tout d'abord. Le frère de Reinert, également. Geert. Préposé aux bips et aux loops. Mais surtout Gary Langan à la coproduction et au mixing. Pour ceux qui l'ignoreraient, Langan était le bras droit de Trevor Horn. Fondateur d'Art Of Noise, il a travaillé pour ABC, Yes, Frankie Goes to Hollywood, The The, Scritti Politti, McCartney, Mick Jagger, Michael Jackson et PIL. Excusez du peu !
Le premier album de ce duo semble, en tout cas, particulièrement contaminé par la new wave et l'électro pop des eighties. Peu convainquant dans ses ballades post A-ha, sub Yazoo, ou calquées sur Sting, il devient franchement séduisant lorsqu'il embrasse le sens mélodique minimaliste du Depeche Mode circa " See you " ou " Never let me down again ". A l'instar de l'excellent " Day one ". Et même étonnant sur l'électro-industriel " Break your hands ". Une composition frénétique, dont le tempo viscéral et les vocaux écorchés me rappellent le défunt Poésie Noire…
Pour enregistrer son nouvel album, Yes a purement et simplement décidé de remplacer les claviers par un orchestre symphonique. Et ce, sous la direction de Larry Groupe, mieux connu pour la composition de ses musiques de films. Un personnage qui s'est, en outre, occupé des arrangements. Il y a bien, ça et là, un zeste de piano, dispensé par le drummer, Alan White. Mais pas de claviériste. Le groupe n'avait plus eu recours à une semblable formule depuis 1970. Pour l'enregistrement de " Time & a word ". Une formule qui était alors, bien dans l'air du temps, mais qui n’a pas été couronnée de succès. N'empêche, la période la fructueuse du groupe s'étale de 1969 à 1975. Lorsque sa musique à la fois belle et complexe, originale et intellectuelle, souvent fracturée mais également lumineuse, était capable de nous plonger dans un univers autant visionnaire que majestueux. Une symphonie des temps modernes recherchant, au delà du swing, de l'obsession rythmique, des tangages éphémères, une sorte de sublime. C'est également au cours de cette époque que Yes est devenu un des flambeaux de la musique dite progressive. Il y a bien eu un sursaut en 1983, consécutif à la sortie du hit " Owner of the lonely hearts ". Mais depuis, il faut reconnaître que la musique de cette formation n'a plus guère progressé (!?!?!)… Pourtant, ce " Magnification " ne devrait pas trop déplaire aux nombreux aficionados du combo. Squire, Howe et White y rivalisant de virtuosité, pendant que Jon Anderson, de son timbre falsetto, presque androgyne, filtre la solution sonore. M'enfin, on est encore loin des " Close to the edge ", " Fragile " et du " Yes album ". Pour nostalgiques uniquement !
Interprète/compositeur et multi-instrumentiste capable de passer de la guitare à la batterie ou de l'harmonica à la basse, avec une facilité déconcertante, Sacha Toorop a acquis son expérience au fil des tournées en jouant de la basse pour Dominique A tout d'abord. Et puis aujourd'hui comme batteur pour Françoise Breut, la copine du natif de Provins. Il lui arrive, de temps à autre, de penser à lui. Et d'enregistrer sous le patronyme de Zop Hopop, le nom d'un personnage BD qu'il avait conçu, à l'époque où il tâtait du 9ème art.
" Western " constitue son deuxième album. Un disque qui nous propose un voyage musical éclectique, mélange de sérieux, de poésie et de douceur, mais aussi de douleur contenue, que Sacha souligne de son timbre vocal légèrement nasillard et éraillé. Un périple qui nous entraîne du paso doble (NDR : le titre maître !) au drum 'n bass spectral " The teller ", en passant par la petite musique de chambre (" What I ought to do "), le country blues minimaliste (" Right and wrong "), la world antillaise (" Coumba "), le r&b intello " Ain't no good " (NDR : imaginez une rencontre hypothétique entre Isaac Hayes circa " Shaft " et Tuxedo Moon), la valse lente " Burned up with desire " et le jazz cuivré, fiévreux, sur fond de mélodie pop, " Goggy ". Sans oublier les 9'18 de " Here is a place " qui s'ébrouent au rythme de bruitages psychédélico-obsessionnels, réminiscents du Whole World de Kevin Ayers, avant de s'enrober de cordes, pour finalement virer à la mélodie mélancolique. Pensez à Sophia. Et un morceau caché corrobore cette dernière impression, mais sous son aspect le plus intimiste.
"Every day I wear a greasy black feather on my hat", premier album de Moondog Jr et "I paint pictures on a wedding dress", le précédent opus de Zita Swoon, observaient une ligne de conduite plutôt roots, très expérimentale, fortement hantée par l'esprit de Captain Beefheart. Pour celles ou ceux qui l'ignorent encore, Zita Swoon est le groupe de l'ex bassiste de dEUS, Stef Kamil Carlens. Il avait d'ailleurs participé aux albums " Worst case scenario " et " In a bar under the sea ". Sur " Life = a sexy sanctuary ", le spectre de Don Van Vliet a été balayé par celui de Bowie. Seule la composition " Teacher " est l'exception qui confirme la règle. Pour le reste, hormis Josiewitchgirl ", alimenté par des contre mélodies dignes de Peter Hammill, le premier fragment " Fun for free ", découpé dans la pop capricieuse et contagieuse de dEus, et le funk/hip hop " The banana Queen ", l'opus grouille de références à la trilogie Low/Heroes/Lodger. On a même droit sur " People are like slamming doors " à des harmonies vocales glamoureuses. Mais n'imaginez pas que Zita Swoon se contente de décalquer ces illustres références. Non, il les resculpte dans son univers baroque, au sein duquel richesse et sophistication n'ont peut-être jamais fait aussi bon ménage…
Avant d'enregistrer ce premier album, ce quartette a certainement dû beaucoup écouter Alice In Chains et Soundgarden. Puis décidé d'injecter dans son expression sonore une bonne dose d'acoustique et quelques samples ; histoire de mieux faire passer la pilule. Personnellement, ce type de métal, qui bénéficie pourtant ici de la mise en forme impeccable de Paul Ebersold (Sister Hazel) et de Toby Wright (Alice In Chains, Korn) aux manettes, me reste sur l'estomac…
Quintet Breton, Grubby interpelle. Enregistré grâce au tremplin Rock n' solex de Rennes, ce maxi 4 titres nous propose une musique plutôt calme, évoluant entre pop et post rock (NDR : selon la bio). Partagé entre 2 titres instrumentaux et 2 chantés, ce disque nous offre un large panorama de la culture rock que nous balayons. Et en particulier la new wave (Cure) et le noisy rock (Ride, Mogwai). Pourtant, toutes ces influences semblent parfaitement digérées. D'ailleurs, la formation ne s'en tient pas aux classiques guitare-basse-batterie : un piano vient souligner, enrichir la mélodie de manière fort à propos, alors que l'un ou l'autre bruitage électro pénètre tout aussi facilement cet univers sonore. J'ai quand même un faible pour le titre final, " Madame sait tout ". Un fragment de 8 minutes construit sur un schéma lancinant et hypnotique. Un morceau qui conclut en beauté le maxi et qui devrait causer tout autant de dégâts sur scène.
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