Afin de célébrer ses dix années d’existence et après avoir édité 60 rondelles, le label berlinois Monika Enterprise a décidé de sortir sa première compilation. A première vue, rien de bien extraordinaire pour fêter un anniversaire. Sauf que pour la circonstance, Gudrun Gut, pion majeur de l’entreprise, a exigé des divers artistes hébergés, de concocter un titre original, afin de ne pas tomber dans le piège de la compile-bateau.
Surfant sur une vague électro prédisposée au minimalisme et à l’acoustique, « Monika Bärchen: Songs for Bruno, Knut & Tom » nous invite à découvrir ses artistes, pour la plupart féminins. Pourtant, il revient à Robert Lippok d’ouvrir l’opus en offrant un petit bijou électro très rythmique. Et puis à Max Punktezahl (The Notwist, Jersey, Contriva) de donner du « Dashes » à son cocktail expérimental opéré entre cordes de guitare acoustiques et beats électro hypnotiques. Une pure merveille ! Hormis ces deux artistes masculins, le reste de l’elpee est consacré aux dames. Et à l’accessibilité ainsi qu’à la mélancolie douce ! Bien entendu les dames qui font les beaux jours de Monika Entreprise. Masha Qrella reprend très sérieusement et rigoureusement le « Goodnight Lovers » de Depeche Mode. La voix câline d’Eglantine Gouzy ressemble à celle d’une Uffie en cure de désintox. Enfin, Gudrun Gut se lâche complètement sur un titre sculpté dans une sorte de polka électro. Et c’est tout à la gloire de Monika !
En une décennie, ce label s’est forgé une identité propre : discrétion, efficacité et classe semblent baliser leur ligne de conduite. Et les 15 fragments de ce recueil en sont la plus belle illustration.
Après un hiatus de quatre années, Daytona refait surface. Ce laps de temps semblerait une éternité aux yeux d’un public avide d’immédiat et de consommation rapide, mais il reflète parfaitement la philosophie de ce groupe atypique, très peu concerné par les conventions.
D’abord, il y a l’identité propre de ce combo hexagonal à géométrie variable. Truffées de références anglo-saxonnes souvent assumées, toujours revendiquées et ancrées dans une démarche sans concession, les compos font depuis le départ l’amour à la langue française.
Ensuite, l’expérience, accumulée au fil du temps érige les compositions au-delà de la simple chanson.
L’album est porté par un single (« Morceaux De Lune ») dont les échos radio-cérébraux se mêlent aux arpèges noirs d’un certain désir, offrant à l’écoute des évidences Pop teintées d’audace.
Et c’est bien là tout le talent du band lyonnais que d’offrir sous le vernis de plages certes, bigrement bien composées, de la matière à digérer. Ainsi, au fil des écoutes, les subtilités se découvrent comme autant de charmes agissant derrière un voile léger. De cette pseudo évidence qui masque si bien tant de richesses, ressort une œuvre dense et fichtrement bien ficelée.
Servi par une production léchée mais certainement pas figée, les onze pistes s’offrent généreusement tout en se gardant de se dévoiler trop vite.
Cajoleurs certes, mais loin d’être putassiers, en somme.
Réussissant la gageure de rester iconoclastes, touchants, révérencieux et subtils d’un bout à l’autre de cet excellent long playing, le band pourrait se targuer de défendre pour leitmotiv : loin du mainstream mais proche des étoiles…
Laissez tomber ce que vous faites. Octroyez-vous quarante minutes, le temps de partir en voyage strictement instrumental en compagnie de Thisquietarmy. Sur vos papiers de vol figure « The Body and the Earth », la mystérieuse thématique accompagnant ce trajet. Aux manettes, Eric Quach, un Canadien qui compte pas moins de 50 albums au compteur. L’homme, qui a l’habitude de naviguer seul, s’est ici adjoint l’aide de Charly Buss (à la basse et à la trompette) et de Marc-Olivier Germain (aux synthés et à la batterie). L’itinéraire a prévu quatre escales, le tout sous les auspices d’airs psychés, de drone, d’électro, de post-rock et peut-être encore d’autres appellations mais qu’il serait vain ici d’énoncer. En effet, cet opus est signé chez Consouling Sounds, un label qui se refuse de voir ses artistes étriqués dans un style musical bien particulier. Il suffit peut-être de se mettre en condition afin de vous lancer dans une exploration contemplative.
Démarrage en douceur par « Cometh » sous un ronronnement de drone, de grincements électro et de quelques notes de trompettes perdues au loin, conférant à la composition un air vaguement oriental. Une lourde basse s’invite sur la pointe des pieds avant d’être rejointe par une batterie palpitante et des distos de guitare. Passage de l’intime obscurité vers l’éclatante lumière, totalement à nu, survolant le paysage. Retranchée, la trompette marque davantage de sa présence « Sixth Mass », poursuivant le sillon laissé par huit notes hypnotiques perdues dans un flou lointain, telle l’annonce dans l’aube glaciale d’une bataille sanglante la nuit précédente. L’âme se noie dans la mélancolie, avant de se remettre sur pied et affronter « Seismic Waves ». Face à de rapides notes de basse saturant l’air, la trompette joue une fois de plus son rôle de phare dans l’océan, où la première partie contemplative de la composition fait ensuite place à une réelle lutte acharnée ; un malstrom psyché d’émotions niché entre le spleen et l’utopie. L’exploration tend doucement vers sa destination finale : « Algal Bloom » (NDR : efflorescence algale en français, à savoir ce phénomène qui voit en un lieu particulier apparaître une rapide concentration d’algues). Un morceau particulièrement long (NDR : un peu plus de dix minutes quand même !) et peut-être le plus atmosphérique de cet LP. Tel un engin propulsé, il traverse graduellement les différentes couches de l’atmosphère pour en définitive atteindre l’infini de l’exosphère. Et imploser !
Après plus de 25 années d’une carrière riche en succès et plus de trois millions d’albums vendus, Isabelle Marie-Anne de Truchis de Varennes, alias Zazie (en référence au personnage de roman Zazie, dans Le métro de Raymond Queneau) vient d’enregistrer son dixième LP, humoristiquement baptisé « Essenciel ».
Le titre traduit à lui tout seul l’ambiguïté d’un ouvrage presque littéraire fait d’une légèreté et d’une profondeur à la fois naturelle et paradoxale.
D’aucuns auraient misé sur une parfaite révolution dans l’approche artistique, en sachant qu’elle avait signé sur une nouvelle maison de disques (NDR : celle de Pascal Nègre). A contrario, la belle a opéré le choix de rester dans une zone de confort relative et glisse assurément vers ce qu’elle sait faire de mieux !
Bénéficiant de la collaboration d’Edith Fambuena, compositrice et réalisatrice, l’artiste nous sert des compositions opulentes, à la rondeur certes parfois excessive, mais qui mettent en exergue une plume exceptionnelle.
Comme souvent d’ailleurs ! Ce talent inné lui a d’ailleurs permis de la prêter à des artistes de variétés populaires comme Florent Pagny, Johnny Halliday et Patricia Kaas.
Entre acoustique et synthétique, le format plutôt de bonne facture laisse entrevoir un rayon davantage coloré que certains de ses précédents essais, tout en abordant, en filigrane et quasi de manière obsessionnelle, le temps qui passe.
Posés sur un écrin musical le plus souvent doucement sucré, les textes s’imprègnent d’une expérience vécue et d’un regard introspectif pour s’enrichir d’un vent libérateur de créativité, sans emprunter une prose exagérément égoïste. À commencer par la plage d’ouverture, « Speed », qui accélère crescendo pour nous emmener tout droit vers une forme jouissive d’onirisme.
Comme souvent, ses chansons s’analysent plus qu’elles ne s’écoutent ; chacune d’entre elles regorgeant de syntaxes suffisamment incisives pour que l’on prête une oreille attentive, comme ce « Waterloo », abordant en filigrane l’attentat terroriste du 13 novembre 2015.
Les jolies ballades ne sont pas en reste non plus à l’instar de « Nos âmes sont », sublimant la douceur et la mélancolie d’une voix un tantinet éraillée.
Bref, un opus somme toute sans grandes surprises, mais que l’on prend plaisir à (re)découvrir !
'A chilly night' au Nijdrop d'Opwijk, une maison des jeunes s'improvisant presque toutes les semaines salle de concert. Au programme de cette soirée à l'ambiance résolument feutrée : Nona Mez, alias Geert Maris, de Leuven, et Windsor For The Derby, combo américain à géométrie variable, lointain cousin de This Heat, PIL et Tortoise.
Nona Mez et son « Songs of Leaving » nous avait scotchés fin de l'année dernière, avec une recette pourtant maintes fois ressassée : une guitare acoustique, un clavier et une voix vaporeuse, susurrant de mornes complaintes sur l'amour et ses dérives. De dérives, il en était fortement question ce soir, à cause d'une maladresse qui fit perdre la patience de notre jeune ami, puis, rapidement, la nôtre. Une guitare qui tombe, et voilà que le tatillon Maris s'énerve et bâcle ses compos, pourtant fort belles… Et la méticulosité, en concert, ça saoule : à force de vouloir réaccorder sa guitare pendant une plombe à chaque fin de morceau (pire : pendant), Nona Mez nous aura fait oublier l'essentiel : que son disque est fort joli. Comme quoi, le live n'est pas une cure pour les timides et les maniaques.
Heureusement, Windsor for the Derby était là pour sauver la mise, avant que la soirée ne soit rebaptisée « A boring night » : leur post-pop entre L'Altra et The Sea & Cake au placard le temps d'une heure, c'est sous les traits soniques de chevaliers de l'Apocalypse noisy-punk-funk que l'on a pu apprécier, ravis, ces Américains au look impeccable. Une tornade de rythmes binaires hypnotiques, de riffs en boucles, de paroles ânonnées avec grâce : Windsor for the Derby nous aura cloués sur place. Comme l'acid rock à la Grateful Dead, le minimalisme à la Terry Riley et le punk incisif à la Wire, Windsor for the Derby nous aura embarqués dans une quatrième dimension que seuls les grands groupes arrivent à traverser, sans se brûler les ailes. Une fois les dernières notes retentissant dans la salle, le choc avec la réalité fût rude : la marque des grands groupes, assurément.
Il revenait à la formation Sheetah et les Weissmuller d'ouvrir la soirée. Un ensemble issu de l'Hexagone qui ne manque pas d'enthousiasme. Enturbanné, le chanteur ne tient pas en place et arpente constamment la largeur de la scène. La plupart du temps, il chante dans la langue de Molière. Mais le plus dérangeant procède de sa voix, dont le timbre est un peu trop proche de celui de Claude François, à mon goût. Le drummer et le percussionniste semblent prendre leur pied. Ce dernier a même suspendu des crânes en caoutchouc sur le support de son tambourin, crânes qui agitent la mâchoire lorsqu'il frappe sur la toile. Et le bassiste, qui arbore un superbe et immense badge du « Prisonnier » soutient parfaitement ce tandem déchaîné. Plus discrets, le guitariste et le claviériste (NDR : physiquement on dirait un hybride entre Arno et Dave Formula) canalisent les mélodies. Reste un deuxième claviériste, perdu à gauche de la scène qui passe la plupart de son temps à frapper sur un tambourin. La musique de Sheetah et ses Weissmuller est coincée quelque part entre garage (normal), yé-yé, twist et rock 'bleu blanc rouge'. Et si lors de leur set, l'ombre de Gainsbourg (la reprise de « Conctact »), de Dutronc (NDR : le final « Je cherche, mais je ne trouve pas ») ou de Bijou planent sur les meilleurs titres, le manque de relief des compos finit par lasser.
Le Fifty Foot Combo remplaçait au pied levé les Seeds, qui avaient déclaré forfait quelques jours plus tôt (NDR : problème de santé du chanteur !). Une formation basée à Gand qui compte en son sein un guitariste espagnol et une claviériste française (NDR : issue de Marseille, pour être plus précis). Un sextuor dont la réputation de groupe de scène a envahi toute l'Europe. Dès que l'ensemble monte sur les planches, l'attention est immédiatement focalisée sur la claviériste. Si son physique lui aurait sans soute permis de jouer dans « Pulp fiction » de Tarantino, ses gesticulations et ses poses semblent le fruit d'un cocktail d'humour, d'extravagance et de sensualité. On a même parfois l'impression qu'elle atteint l'orgasme sur son clavier (…) Un clavier fluide qui infiltre toutes les compos du combo. Des compos qui mélangent allègrement garage, soul, punk, rock, surf et psychédélisme. Dans l'esprit des Trashmen, de Link Wray, des Ventures ou encore de Question Mark & The Mysterians. Une seule règle : la musique est exclusivement instrumentale. Enfin, presque. Puisque un des guitaristes vient quand même chanter de sa voix rocailleuse un blues crapuleux. Ce sera l'exception qui confirme la règle. Ce gratteur et le soliste espagnol (NDR : en cours de set, il présente les musiciens dans la langue de Cervantès !) se complètent à merveille, même si ce dernier semble davantage privilégier les accès de funk. A l'arrière, le drummer et le percussionniste (NDR : il est coiffé du même chapeau que John Mc Crea) impressionnent par leur virtuosité. Ils nous réservent même un petit exercice de style tribal, en terminant leur prestation sur la même caisse de batterie. Et finalement, c'est le bassiste qui déménage le plus. Il est également le leader du groupe. Pétillante, sauvage, exaltante et stylisée, leur prestation sera à la hauteur de leur réputation ; le groupe nous accordant même une cover exquise du « Banana split » de Lio. Et s'il est vrai que la présence d'un vocaliste pourrait apporter un plus à leur musique, il faut admettre qu'ils sont vraiment uniques en leur genre. D'autant plus qu'en concert, ils se produisent en compagnie de go-go girls. Qui étaient absentes à Lille. Dommage !
Pas de balances pour les Fuzztones. Le montage du matos, les quelques réglages et le rapide soundcheck sont effectués quelques minutes avant l'entrée en scène des musiciens. Une technique plutôt inhabituelle, lorsqu'on sait que certains artistes ont souvent besoin d'un temps infini pour être et parfois même ne pas être au point, le moment voulu. Faut dire que les Fuzztones sont nés en 1982, et que nonobstant quelques pauses survenues depuis, la scène n'a plus de secret pour eux. Le temps de jeter quelques 'set lists' sur le sol, et le concert peut commencer. Le quintet monte sur les planches en affichant un look plutôt gothique. Rudi Protrudi n'a pas changé depuis 20 ans. Sa longue chevelure de jais retombe sur les épaules de son immense carcasse. Lunettes noires, t-shirt à l'effigie de Love, il empoigne le micro d'une main et le pied de micro dans l'autre pour poser le baryton profond de sa voix. Un pied de micro qui va en voir de toutes les couleurs le temps de deux morceaux. Il harangue la foule, s'approche du bord de la scène et se penche vers le public, qui essaie de toucher son idole ( ?!?!?). A sa droite et à sa gauche, le guitariste et le bassiste exhibent une drôle de gratte. Sculptée dans une caisse à la forme plus ou moins hexagonale, elle répond au nom de Vox Phantom. A l'arrière, le drummer assure sobrement et efficacement, pendant que la claviériste toute de noir vêtue (NDR : très jolie !), se tient en station debout, les jambes écartées (NDR : évidemment, il y en a encore qui vont comprendre de travers, hein ! Bande de polissons…), derrière son orgue, instrument qui lui permet de napper les mélodies de ses fameuses sonorités rognées. Passé les deux premiers titres, au cours duquel un inconscient est parvenu à jeter le fond de sa bière sur une des pédales de disto (NDR : bonjour les grésillements !), Rudi ôte ses lunettes et empoigne sa guitare. Et le répertoire des Fuzztones peut déferler. La plupart des titres de son dernier album (« Salt for Zombies ») se succèdent, entrecoupés de standards comme « Strychnine » ou « Cinderella ». Pratiquement pas le temps de respirer, puisqu'un véritable tourbillon de psyché garage croustillant, rafraîchissant, parfois trempé dans le feedback, se met à déferler. Et le public ne s'y trompe pas, puisqu'il réagit en pogotant frénétiquement sur le devant de la scène. Episodiquement, Rudi sort un harmo de sa poche, pour y souffler des poussières de blues. Et probablement pour rendre un hommage à feu leur ami Screamin' Jay Hawkins. Un set ténébreux, hanté par le spectre du célèbre bluesman, sans la moindre faille et terriblement excitant (NDR : quel groove !) qui trouvera un prolongement à travers deux rappels. Au cours du premier, les Fuzztones vont nous servir une longue compo sculptée dans le bruit blanc. Du psychédélisme à l'état pur ! Et puis une chanson au cours de laquelle le soliste abandonnera ses six cordes pour un theremin. Un seul regret : l'assistance : 350 à 400 personnes pour assister à la prestation d'une légende comme les Fuzztones est totalement incompréhensible. D'autant qu'ils ne se produisent pas souvent chez nous. D'ailleurs, suivant la formule consacrée, les absents ont eu tort !
Né Richard Wayne Penniman, Little Richard est décédé ce samedi 9 mai 2020, des suites d’un cancer. Il avait fêté ses 87 ans en décembre dernier. Il a été un des rares musiciens du rock’n’roll de couleur noire (NDR : citons également Chuck Berry, Fats Domino et Bo Diddley), à avoir été reconnu par le grand public aux States. Ce pionnier a eu une existence particulièrement tourmentée et ambiguë. Son credo ? ‘Sex, drugs, alcool & rock’n’roll !’. Enfin, presque !
Il chante le gospel et apprend le piano à l’église. Faut dire que son grand-père et deux de de ses oncles prêchent chez les Adventistes du Septième Jour. Mais à 13 ans, son père, le soupçonnant d’homosexualité, le chasse de la maison familiale. Bien que recueilli par un foyer blanc, un an plus tard, il part sur les routes et commence à chanter au sein de différentes formations. Il a 20 ans quand son père, qui vend du whiskey de contrebande, est abattu devant son établissement. Il revient alors aider sa famille, en acceptent un emploi de plongeur dans un bar de la gare routière. Mais il a déjà rencontré du monde au sein du secteur musical, et un impresario le pousse à reprendre le collier, soit les tournées et les sessions d’enregistrement. Pas de quoi cependant soulever l’enthousiasme. Mais en 1956, alors qu’il est invité à enregistrer un album de blues, en fin de séance, il attaque « Tutti Frutti », un morceau qu’il a quasiment improvisé. Et c’est l’étincelle. Ce titre, sont les paroles sont au départ explicitement homosexuelles (NDR : il va devoir les modifier pour qu’il puisse être diffusé sur les ondes), va littéralement cartonner. Sa carrière est lancée. Elle devient même sulfureuse. Pas tellement à cause de son look (chemises excentriques, coiffure banane et fine moustache) mais des orgies qu’il organise dans les chambres d'hôtel. Les succès s’enchaînent: “Good Golly, Miss Molly”, “Long Tall Sally”, “Lucille”, "Rip It Up"…
Coup de tonnerre, en octobre 1957, alors qu’il est en tournée avec Gene Vincent, Eddie Cochran et Alice Lesley, Little Richard a une vision dans son sommeil : damné, il brûle dans les flammes de l’enfer. Il abandonne la musique et part suivre des cours de théologie, au bout duquel il décroche un diplôme de prêcheur baptiste. Son label tente d’étouffer l’affaire en publiant des titres enregistrés auparavant. Il se marie en 1959, devient révérend et ne chante plus que le gospel. Tout un temps, puisque poussé dans le dos par le secteur musical, il reprend le collier, d’abord anonymement, puis publiquement. En 1963, il se produit en supporting act des Rolling Stones qui reconnaissent alors l’artiste comme une influence majeure. Tout comme les Beatles. Même David Bowie avouera avoir été influencé par Little Richard. Sans oublier qu’il a été le modèle pour de nombreux chanteurs soul comme James Brown ou Otis Redding. Mais début des 70’s, il s’enfonce dans la drogue et l’alcool. En 1976, son frère décède, victime des mêmes excès. Il retourne alors à la foi chrétienne. Il reviendra cependant, encore à la musique, accordant même encore des shows dignes de sa réputation.
Il a progressivement commencé à se faire plus rare à partir des nineties. Son dernier concert en Europe date de 2005, sa dernière scène de 2014…
RIP
Alexandre Desplat est connu et reconnu au travers d’une centaine de compositions pour des longs métrages de Jacques Audiard à Peter Webber, du cinéma français au cinéma hollywoodien. Il a été une dizaine de fois nominé et reçu quelques récompenses (pour « The Queen », « De battre mon cœur s’est arrêté »…) Flanqué de Traffic Quintet, groupe partagé entre deux violons, un alto, un violoncelle et une contrebasse, Alexandre Desplat prend le pari de retranscrire 14 musiques de film datant de 1961 à 2001, thèmes qui, à l’origine, étaient écrits pour des orchestres de plus grande envergure. Et cet album, à mi-chemin entre musique classique et musique de films nous donne à écouter une interprétation juste des mélodies. Mais là où il y a un respect des compositeurs, on pourrait reprocher trop de rigueur au directeur musical, pas assez d’impertinence dans son parti pris. Un consensus qui efface la personnalité de ce Quintet virtuose, trop sage pour désarticuler les thèmes et dialoguer entre eux. Les mélodies peuvent alors à longueur d’écoute paraître linéaires et répétitives.
Il faut dire également que l’insolent Alexandre Desplat à travers son hommage à la nouvelle vague, et le présentant comme tel, fait la part belle à ses propres compositions bien plus récentes. Ce qui ne nous empêche pas d’apprécier les superbes mélodies du grand Georges Delrue (« Le mépris », « Jules et Jim », « Garde à vue », « La peau douce »…), A. Duhamel (« Pierrot le fou »), G. Barbieri (« Dernier tango à Paris »), M. Jarre (« Passage to India ») et E. Morricone (« Peur sur la ville ») et d’estimer le travail bien fait, un choix absolu d’Alexandre Desplat de respecter les compositeurs et une excellente interprétation par les musiciens de Traffic Quintet.
Récente signature du label bruxellois Pias, Headphone nous propose son premier single “Ghostwriter”, un morceau téléchargeable gratuitement sur leur site. Composé de Ian et Nico, le duo gantois es parvenu, après plusieurs années de labeur dans leur studio, à pondre un morceau qui sonne, ma foi, plutôt bien. Depuis, tout s’enchaîne assez rapidement pour eux. Ils annoncent déjà leur premier album pour la nouvelle année 2008. Entouré de trois autres musiciens pour les performances live, Headphone risque fort bien de devenir la révélation pop/électro en Belgique.
« Ghostwriter » c’est un tranquille petit moment de détente sur des ondes mélodiques relaxantes. Et pour être franc, dommage que le projet n’ait pas débouché sur un Ep ! Basé sur une ligne de beats électro, des notes aigues de claviers viennent se fondre sur la voix parfois nonchalante du chanteur. Une petite douceur d’un peu moins de 4 minutes. C’est vraiment trop court ; et c’est dommage ! Espérons que les futures compos seront de la même trempe. Et là on pourra dire que ces petits gars du nord, ont déjà beaucoup compris de la musique électro !
Lénine Renaud évoque inévitablement la révolution, la contestation et les chants de partisans. Mais il raconte, avant tout, nos moments d'égarements. Pourtant, en le choisissant comme patronyme, les musicos voulaient également adresser un clin d’œil gauche à Mademoiselle from Armentières, Line Renaud… Parce que ce sont aussi des gars du Nord, parmi lesquels on retrouve deux figures emblématiques des ex-Marcel et son Orchestre : Franck Vandecasteele et de Cyril Delmote, ex-chanteur des VRP, Nonnes Troppo et Suprême Dindes. Dans cette aventure, ils sont soutenus par des compères joviaux : Sonia à l’accordéon, Gauthier à la basse, ainsi que JB et Guillaume aux grattes.
Il a donc fallu trois longues années à ce combo, pour donner suite au précédent opus, « Rue Brûle Maison ». Entretemps, les musiciens ont pris le temps de voyager à travers le monde et de s’imprégner de différentes cultures.
Ces joyeux lurons analysent la vie de tous les jours, un peu comme Renaud ou Bénabar, en affichant un vécu certain, mais aussi en maniant l’humour potache ou tragique. Selon. A l’aide de textes riches en mots, en rimes, en rebondissements, sur fond de piano à bretelles, de guitares manouche ou carrément punk. Quand ce ne sont pas les rythmes balkaniques, le swing ou la valse qui mènent la danse. Le tout dans une ambiance digne des troquets et des guinguettes du temps passé. Cependant, on peut être déconneur, titiller les zygomatiques, et avoir envie de toucher le cœur des gens, à la manière des Têtes Raides, l’engagement militant revient chaque fois à la surface. A l’instar de « Mon petit doigt m’a dit » qui nous parle des religions. ‘Mon petit doigt m’a dit, si Allah est grand, Jésus l’est aussi, Yahvé a tout compris, Bouddha est un visionnaire et moi je suis le missionnaire de mon auriculaire’.
Un disque à écouter en sirotant une bonne bière et devant un bon feu au charbon, en pensant pourquoi pas, à Emile Zola et Victor Hugo…
« Why me ? Why not. » constitue le second elpee solo de Liam Gallagher, un disque qui a reçu le concours de Greg Kurstin et Andrew Wyatt (production, instrumentation), qui avaient déjà participé à la confection du premier, « As you were », en 2017.
Première constatation, la moitié de l’opus est hanté par les Beatles. Si le spectre de John Lennon plane tout au long de la valse mélodramatique « Once », et le titre maître campe un hybride entre le Plastic Ono Band et une future et hypothétique B.O. d’un film de James Bond, celui de George Harrison rôde sur le très pop « Alright nbow » (NDR : cette Rickenbacker !) ainsi que « Meadow » (NDR : ces cordes en slide !), un morceau tapissé d’orgue vintage et aux effluves sixties réminiscentes de « Strawbery fields Forever ». Et même l’enlevé « Halo » est tramé sur un piano martelé comme sur « Ob-la-di ob-la-da ». Chœurs et orchestrations de cordes soulignant la plupart de ces compos. Des orchestrations de cordes qui enrichissent également « One of us », une ballade mid tempo empreinte de mélancolie, pour ne pas dire de nostalgie, qui aurait pur figurer sur l’album « Urban hymns » de The Verve. Mais aussi la superbe finale « Gone ». Abordée dans le même esprit, cette valse cinématographique met davantage en exergue une guitare surf ou acérée. Une très belle chanson, par ailleurs. Probablement la meilleure du long playing. Sans quoi, même si la voix de Liam est plus douce, elle reste nasale et rocailleuse ; et puis l’empreinte d’Oasis transparaît encore comme sur l’excellent et redoutable « Shockwave », le très électrique, bien rythmé mais mélodieux « Be still » ainsi que le flamboyant et luxuriant « The river », une plage alimentée par un orgue tourbillonnant et traversée de cordes de gratte crépitantes ou gémissantes. On n’en oubliera pas la mélodie accrocheuse de l’allègre « Now that I’ve found you » pour un album, ma foi réussi, dont les lyrics manifestent davantage d’introspection ou traitent des relations familiales (son frère Noël, sa fille, …), mais pas vraiment révolutionnaire.
Art of Empathy, c’est le projet de Jef Janssen, dont le précédent elpee, « Posthuman Decadence », remonte quand même à 10 longues années. Et « Art of Empathy » constitue son troisième opus. Si la structure des compos est fondamentalement folk, elle est régulièrement enrichie de synthés, d’orchestrations symphoniques solennelles, d’arrangements délicats, de percussions martiales et de chœurs. Des chœurs, en général de ténors (Laibach ?), qui plongent les compos au sein d’un climat austère et ténébreux. Et puis il y a la voix de Jef, souvent chuchotée ou déclamatoire, parfois même échantillonnée (s’exprimant dans différentes langues), mais quand même capable de s’extraire de son cocon pour afficher toute l’étendue de son timbre et de ses inflexions. Comme sur le titre maître, la berceuse « Legion », une plage atmosphérique, ensoleillée malgré des lyrics plutôt moroses, et enrichie de sonorités d’orgue d’église, qu’il chante en duo avec Nina Van der Auwera. Ou encore « Revelation of ignorance », une valse enchanteresse soulignée de superbes harmonies vocales, que traverse quelques cris d’oiseaux (hibou, corvidé). Le premier morceau du long playing s’ouvre d’ailleurs par des bruits de la nature. Enfin, l’album s’achève par le titre le plus pop et le plus accrocheur auquel ont participé ses filles Liv et Finne. Une sorte de B.O. pour western spaghetti (Ennio Morricone ?), mais allègre, que sifflote Jef, tout en jouant de la sèche en picking ou du banjo. Enfin, on épinglera encore ses textes très contemporains qui stigmatisent le consumérisme et le capitalisme.
Tous les albums d’Art of Empathy sont téléchargeables gratuitement sur son site web (voir ici) mais une édition Collector, en édition limitée (100 exemplaires), a été mise en vente. Elle contient 32 pages d’illustrations et de paroles dans un Media Book numéroté à la main.
Ce concert de Loreena McKennitt était pour moi la toute première occasion de me rendre au Colisée. Cette salle est nichée dans un dédale de petites rues et son accès n'est fléché que dans un périmètre fort réduit.
Concernant Miss Mc Kennitt, je la voyais également pour la première fois. Et j'avoue avoir été attiré notamment par la curiosité : que procurait donc sur scène l'univers particulier de cette artiste assez atypique? Et je n'ai pas été déçu. Loreena, qui passe du piano à la harpe et enfile parfois un accordéon, est entourée de neuf musiciens. Batteur et bassiste assurent une assise rythmique des plus classique. Mais la guitare électrique n'intervient que très rarement, et les autres intervenants ne brandissent que des instruments acoustiques : percussions diverses, hurdy gurdy, bouzouki, lyre, luth, violoncelle, violon,…Tous parfaits dans leurs rôles respectifs. Ceci dit, seuls deux d'entre eux trouveront l'espace pour l'un ou l'autre solo : Caroline Lavelle au violoncelle et le très honorable Hugh Marsh au violon. Le band restitue à merveille cette World Music Celtique avançant souvent au pas du dromadaire. Et le son irréprochable permet de déguster pleinement la finesse et la richesse des arrangements. Du triangle à la harpe, tout est admirablement restitué. Le décor évoque l'Orient et le light show, classique mais de très bon goût, alterne les bleus, mauves et rouge/oranges au gré des ambiances musicales.
Le show privilégiera les deux derniers CDs. Bref : le dépaysement total. Certes, Loreena McKennitt n'est pas ce que l'on pourrait appeler une bête de scène. Elle séduit plutôt son public par ses fréquents messages de sympathie. Sans oublier son chant, qui vaut à lui seul le déplacement. La bonhomie du personnage, accentuée par le rapport un peu mystique qu'elle entretient avec sa musique et sa carrière, sorte d'éternelle quête initiatique, tranche fort avec une organisation qui ne laisse rien au hasard : play list fixée et communiquée préalablement au public, dépliant de bienvenue, image surprotégée (pas d'autorisation de photographier) et marketing redoutable,… De quoi nous ramener très vite à la réalité après la torpeur néo-baba-cool dans laquelle le show nous plonge. N'empêche, le public ravi aura ovationné l'artiste debout pour ses trois rappels. Moi y compris.
Org : France Leduc Productions
Ah ce public lillois, toujours chaleureux, éclectique et enthousiaste. Le concert d’Olivia Ruiz, programmé au Zénith en ce milieu de semaine, ne le décourage même pas après un long week-end. Pour preuve, l’accueil réservé à la première partie : Bertrand Louis, un artiste plutôt inconnu malgré la confection de trois albums dont le dernier signé chez Universal. L’artiste n’est d’ailleurs plus tout jeune. Il semble d’ailleurs à l’aise, seul avec sa guitare, et nous propose ses ballades et chansons à texte, abordant notamment les thèmes de l’amour, de la paresse ou même du renoncement au tabagisme…
Malgré un accueil cordial, une partie du public commence à s’impatienter. Et de nombreux enfants présents dans la salle manifestent cette impatience en scandant ‘Oliviiiaaa’. Elle devrait d’ailleurs penser à entamer ses concerts un peu plus tôt, afin qu’ils n’aillent pas se coucher trop tard… Enfin (pour eux surtout), les lumières finissent par s’éteindre, et les musiciens montent sur les planches. Le concert démarre en force, mais on ne distingue pas immédiatement Olivia Ruiz, car elle reste au fond du podium, sur une sorte de mini piste de danse, où elle retournera régulièrement au cours du show. Plutôt sexy dans sa (courte) robe noire à pois rouges, elle est plutôt en forme et secoue sa longue chevelure. Ses deux albums « J’aime pas l’amour » et « La femme chocolat » seront parcourus tout au long d’un set intense, entrecoupés par quelques impros. Et elle est plutôt bavarde la Ruiz ! Les titres sont retravaillés à la sauce rock/folk, teintés parfois de jazz/twist, au cours duquel la chanteuse (et ses musiciens) s’autorisent divers pas de danse. Le track list implique également quelques reprises, dont une de Los Carayos (pour rappeler son côté rock alternatif ou ‘nouvelle chanson française’ comme on le taxe aujourd’hui) et même du « Requiem pour un con » de Gainsbourg.
Le spectre de Mathias Malzieu hante son dernier opus, mais également la scène. On en oublierait presque ses débuts opérés lors d’une émission de téléréalité dont on tira le nom ; car elle mérite bien mieux… Reste toutefois une partie de ce public composé d’enfants et de jeunes parents accompagnant leur progéniture ; mais bon, cette situation change des auditoires traditionnels !
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