Quel plaisir : on retrouve Sttellla en pleine forme, avec un bon paquet de chansons qui nous ferons rire, danser et déconner pendant de longues soirées : " Je suis amoureux de la fille de la météo ", " Les filles pom-pom "… Dans ce registre, notre préférence ira à " Un weekend avec Emilie Dequenne ", aussi entraînant que le fameux " Brigitte Bardot danse le tango ", et qui semble conçu pour que la comédienne vienne retrouver Jean-Luc sur scène un jour ou l'autre. Aux Francofolies, peut-être ? Jean-Luc Fonck agrémente son disque de quelques sketches irrésistibles, comme l'interview de Youri Gargarisme ou l'anniversaire de la vache folle. Et puis, oh surprise, Sttellla se fait quasiment politique en détournant les contes de fées : " Robin vit dans les bois, depuis qu'ils ont fermé toutes les usines/ le petit prince fabrique en Asie des ballons de football/ Pinocchio a une jambe artificielle à cause d'une mine anti-personnel/La petite sirène est morte dans le goudron et la pollution ". Jean-Luc se lance même presque dans un traité de philosophie, nous dévoilant sa vision personnelle de l'existence : " La vie est une table de ping-pong ", avec ses moments ping (rouler en limousing) et ses moments pong (coincez dans les bouchong). Vieux nostalgique des premiers Sttellla, je me dois quand même de vous confier un regret. Pourquoi diable Jean-Luc ne construit-il plus une chanson toute entière sur des jeux de mots autour d'un thème donné, comme pour " Aglaé ", " Balaika " ou " Odile " ? Il en trouve toujours d'excellents (" Faut pas prendre légendes pour des contes " ou " Décime-moi un mouton ") mais ne les décline plus sur plusieurs couplets. En dépit de cette remarque, ne vous méprenez pas, ça reste nettement plus drôle que Serge Lama (même en le prenant au troisième degré).
Les fans de Stratovarius vont jubiler! A peine sorti de la tournée triomphale organisée dans le cadre de la sortie de l'album "Infinite", et avant de s'octroyer un break pour s'attacher ensuite à l'élaboration d'une nouvelle plaque (sortie prévue en 2003), Stratovarius, la référence ultime en matière de métal pure souche, offre à son public une compile digne d'intérêt. Et pour cause, puisqu'elle est constituée de titres inédits ou rares pour la plupart, et même de quatre nouvelles chansons tubesques qui ouvrent cet "Intermission" bien nommé. On épinglera d'emblée la qualité des trois reprises proposées : "Bloodstone" de Judas Priest, "Kill the King" de Rainbow et "I Surrender" de Russ Ballard. Des titres qui retrouvent une seconde jeunesse grâce à la fougue et à la témérité des cinq Scandinaves. "What can I Say", "Dream with me", Why are we here?" et "When the night meets the day" sont issus des versions japonaises de l'album "Infinite", tandis que "Keep the flame" figurait en bonus du pressage français du même album. Enfin, la version live du hit "Hunting high and low", constitue un superbe témoignage de toute l'énergie dégagée par le combo "on stage".
Bien qu'issu de San Diego, Stone Temple Pilots a longtemps été assimilé à la vague grunge. Faut dire que ses deux premiers albums en affichaient toutes les propriétés. Pourtant, dès le troisième opus, "Tiny music…songs from the Vatican gift shop ", la formation californienne s'est débarrassée de son étiquette ‘seattlenesque’ pour embrasser un style plus original, plus riche ; réalisant en quelque sorte un exercice de style au sein de la musique alternative. Malheureusement, cette aventure est demeurée sans lendemain, et le groupe en est revenu au métal de ses premiers pas… Un retour en arrière qui s'est conjugué à des déboires autant relationnels que judiciaires ; le chanteur, Scott Weiland, ayant même été arrêté, condamné, puis incarcéré pour détention et consommation d'héroïne. Depuis, Scott s'est quand même assagi. Il a fondé une famille (femme, enfant, etc.) et a pris du recul par rapport à l'existence. A un tel point que ses lyrics sont aujourd'hui empreints de cette nouvelle philosophie, de sa nouvelle vision de la société contemporaine, qu'il contemple avec une grande tristesse. " Shangri-la dee da " constitue le cinquième opus de STP. Un disque qui renoue avec le métal, le grunge, le post grunge ou quelque chose dans le genre. Enfin presque, puisqu'il concède quelques ballades aussi mielleuses qu'inconsistantes. Passe encore le single beatlenesque " Days of the week " ou le sophistiqué " Hello it's late " (Todd Rundgren ?), mais une bonne moitié des titres ne volent pas plus haut que les Scorpions. Encore que des Scorpions qui volent (NDR : niark, niark, niark…) Heureusement l'opus recèle quelques petites perles. Et en particulier un " Dumb love " découpé dans des riffs de guitare croustillants ; le sulfureux, frénétique, presque progressif " Regeneration ", sorte de croisement improbable entre le King Crimson et Porno For Pyros, " Hollywood bitch ", dont la mélodie est aussi contagieuse que " Big bang baby ", l'explosif " Coma ", traversé de scratches hip hop et le glamoureux " Transmissions from a lonely room ", abordé dans l'esprit des New York Dolls. Et pour être complet, sachez que c'est l'incontournable Brendan O' Brien qui assure la production…
Kelly Jones, leader, chanteur, guitariste et surtout compositeur de Sterophonics a rompu avec sa girlfriend. Ce qui explique sans doute pourquoi le troisième opus du trio gallois est essentiellement peuplé de ballades. Des ballades tendres mélancoliques, contagieuses, écorchées par le timbre vocal rocailleux de Kelly et découpées dans une instrumentation basique, parfois légèrement countryfiée. Hormis le sémillant premier titre, " Vegas two times ", qui renoue avec la rage incendiaire du premier elpee, ainsi que le final " Rooftop ", plus généreux dans la diffusion de son intensité électrique, les neuf autres fragments séduisent plus qu'ils ne stimulent. Et c'est sans doute là le plus grand reproche qu'on pourrait faire à ce " Just enough educationto perform ", dont le climat navigue à la croisée des chemins des Black Crowes, de Bryan Adams et des Manic Street Preachers circa " This is my truth, tell me yours "…
De tous les combos affiliés à la nouvelle scène métal américaine, on n'attendait plus que Static X. Enfin un groupe de néo métal qui ne cherche pas à tout prix à vampiriser le son de Korn, de Limp Biskit ou de Soulfly ! Static X déménage fort et plaira aux ados fanas du genre, mais foisonne d'idées, en évitant soigneusement les clichés et le recyclage des tubes qui cartonnent dans les charts Outre Atlantique. Au fil des écoutes se profilent, sous une couche de métal ultra brutal, une parfaite cohérence dans un brassage d'influences qui vont de Ministry aux Young Gods, et de Warrior Soul à Deftones. Après avoir commis un premier album en 1999, passé totalement inaperçu en Europe, ce " Machine " devrait lui donner les moyens de s'imposer sur le globe. Considéré par certains comme le digne successeur de Ministry, Static X présente également l'avantage d'utiliser les samples avec parcimonie. Une technique qui s'explique, sans doute, par les influences très variées des musiciens qui composent le groupe. Avant de rallier Los Angeles, où ils rencontrèrent le bassiste Tony Campos, grand fan de Death métal, et le guitariste Koichi Fukuda, passionné de sons technos, Wayne, l'homme à la coupe de cheveux "les doigts dans la prise", et le batteur Ken Jay évoluaient jadis dans le milieu gothique de Chicago. En l'espace de deux albums, le groupe est devenu l'un des plus prometteurs de sa génération. Coup de génie musical, "Machine" va réconcilier les détracteurs du néo métal avec un style que d'aucuns jugent trop insolent pour être honnête.
Premier album pour ce quatuor issu de Chorley, dans le Lancashire, dont le patronyme a été emprunté au titre d'un elpee de feu Tim Buckley. Pourtant, hormis l'intensité émotionnelle libérée par les compositions et les acrobaties vocales accomplies par le timbre de James Walsh, la musique de Starsailor n'a guère de similitude avec celle de Buckley. Echafaudée sur une structure acoustique, elle se rapproche davantage de celle d'Unbelievable Truth. Mais un UB qui aurait accueilli au sein de son line up, un claviériste/pianiste. Et un chanteur à la voix aussi ample que celle de James. Découpé en onze fragments, " Love is here " reprend les 3 morceaux qui figuraient sur l'EP " Fever ". Onze ballades hymniques, mélancoliques, dont les lyrics traitent de l'amour, de l'espoir et de la rédemption. Onze chansons dont la force mélodique est vraiment impressionnante. Dommage que toutes ces chansons adoptent un profil mélodique aussi uniforme. L'une ou l'autre composition un peu plus musclée, aurait donné davantage de relief à l'opus…
Ce quatuor du nord est de l'Angleterre est sur le point de sortir son premier album. En attendant, voici le single " Fever " que vous avez certainement déjà eu l'occasion d'écouter ou d'entendre sur l'une ou l'autre station radiophonique. Et ma foi, si l'elpee est de la veine des trois titres composent ce disque, on risque fort de revivre un remake à la Coldplay. Trois balades dont les mélodies contagieuses baignent au sein de claviers ouatés, fluides. Trois chansons enrichies par le vocal remarquable de James Walsh. Trois compositions qui auraient pu naître d'un croisement hypothétique entre Muse, Embrace, The Verve et Unbelievable Truth. Bien vite l'album !
Début des années 90, Onyx a posé les bases du rap hardcore sur lesquelles sont venus broder Wu Tang Clan et quelques autres. Tapi dans l'ombre depuis un bon bout de temps, le groupe envisage de sortir son quatrième opus dans le courant de l'année 2001. En attendant, c'est Fredro Starr, membre fondateur du groupe, qui nous propose son opus solo, " Firestarr ". Un disque qui nage en plein dans la tendance hardcore actuelle : on parle de la rue, des gangs, etc.…La majorité des titres ne volent vraiment pas haut, et frôlent même la misogynie sur "Perfect bitch " et "One night ". Seul "What if " sort véritablement du lot. A cause des lyrics, un peu plus recherchés. Par rapport aux sorties douteuses du même genre la production est quand même efficace. DaVinci est aux commandes et nous offre quelques beats très entraînants. Malgré des paroles dont j'ai presque honte, " Dyin' 4 rap " et " One night " font la différence. Je reste personnellement allergique au son futuriste des claviers. A l'instar de ceux auxquels il a recours pour "Thug warz " ou "Soldierz ". Mais, c'est peut-être une question de goût. En résumé, ce disque s'intègre parfaitement au mouvement hardcore contemporain pratiqué aux USA ; mouvement caractérisé par des paroles pompeuses et banales. Seule la musique, dans l'ensemble bien produite, sauve la mise. Et en bénéficiant d'une bonne promo, elle devrait permettre au produit, de bien se vendre. C'est souvent l'image que reflète le hip hop ; et c'est très dommage, car en cherchant un peu on peut trouver de vraies perles. Mais malheureusement pas ici !
Les Soft Boys ont donc décidé de se reformer 20 ans après leur séparation et de partir en tournée. J'ignore totalement sous quel line up cette reformation a été opérée, mais une chose est sûre, Robyn Hitchcock en fait partie. Et ça, c'est une bonne nouvelle. D'autant plus que ses albums commis en solo ou flanqués de ses Egyptians sont pour la plupart remarquables. Mais paradoxalement, ignorés du grand public. Pour bien planter le décor, des artistes aussi incontournables que REM, Flaming Lips ou Yo La Tengo reconnaissent les Soft Boys comme une de leurs influences majeures. Alors que Robyn a surtout été marqué par le psychédélisme mystérieux, sinistre et pathétique de Syd Barrett.
" Underwater moonlight " n'est pas un nouvel opus des Soft Boys, mais la réédition de leur dernier elpee studio. Sorti en 1980, il incluait le single " Kingdom of love ", et puis surtout la cover de Barrett, " Vegetable man ". Petite aubaine pour les collectionneurs, la nouvelle version est double et recèle des inédits, des raretés et d'autres bonnes surprises. Soit un total de 36 compositions ! En (ré)écoutant ces chansons, nonobstant une qualité de son pas toujours irréprochable (surtout sur le bonus CD), on se rend compte de la richesse torturée et élégante produite par la musique des Soft Boys. De l'énergie et de l'intensité alternatives qu'elle dégageait. De la raison pour laquelle, cette formation mérite le statut de groupe culte. Quant à savoir si ce come-back est judicieux, c'est une autre histoire. Seul l'avenir nous l'apprendra…
La bande sonore du dernier film de Claire Denis, "Trouble every day", a donc été réalisée par Tindersticks. Un long métrage qui a suscité la controverse, lors de sa projection, au dernier festival de Cannes. En cause : son thème central qui gravite autour du sexe et du cannibalisme. Pour enregistrer cette musique, Tindersticks s'est entouré d'une bonne vingtaine de collaborateurs ; et en particulier de nombreux violonistes, quelques violoncellistes et des cuivres. Une sorte de mini orchestre symphonique, si vous préférez. Il faut cependant attendre le morceau final de ce disque (NDR : et également titre maître) avant que l'œuvre ne sorte d'une certaine torpeur. Un fragment qui s'inscrit d'ailleurs dans la lignée du blues claustrophobe dispensé tout au long de " Curtains ". En fait, sans son support visuel, les longs développements minimalistes finissent par nous plonger dans un profond ennui. Pour inconditionnels seulement !
Il existe des groupes qu'on ne voudrait jamais voir changer. "Simple pleasure" (1999) nous proposait une définition personnelle d'une certaine musique pop. Pour un résultat mitigé. Peu habitué à de tels penchants ‘guillerets’, Tindersticks se taillait, selon moi, un costume dépareillé, certainement pas étroit, après 3 albums trempés dans une certaine langueur et une mélancolie affirmée. "Can our love..." est un véritable retour aux ambiances qui ont installé le groupe. Pour quel résultat ! Cet album est maîtrisé de bout en bout, c'est une évidence. Tout est dosé, placé avec parcimonie, élégance et discrétion. Voici donc la synthèse parfaite (ultime ?), reprenant les différentes lignes de force de toutes les précédentes plaques. Que se soit dans les cordes, les cuivres, les guitares ou encore le chant, tout ce qui caractérise Tindersticks est ici présent. Du véritable travail d'esthète.
Jimmy est né à Pittsburgh en 1953. Sa vie a changé lorsqu'à 17 ans, il est allé voir un concert de Buddy Guy. Dès 1974, il rejoint les célèbres Nighthawks de Washington DC. Fatigué des 300 concerts annuels, accordés par le groupe à l'époque, il les quitte en 1987. Il forme alors les Assassins. Mais après avoir commis 3 albums, la formation splitte, en 91. L'année suivante, il fonde son trio, les Drivers, et signe chez le label Blind Pig. Il aligne alors successivement les elpees "Empty arms motel" en 92, "Trouble man" en 94, "Wild night out" en 95, "Drive to survive" en 96 et "Switching gears" en 98. " Sinner street " constitue donc le 6ème album des Drivers, pour lequel la production a de nouveau été confiée à Jim Gaines.
Jimmy est aux commandes, Mark Stutso à la batterie, Ken Faltinson à la basse et Jimmy Carpenter au saxophone. L'opus s'ouvre de manière royale par "Grab the rafters". La voix éraillée et puissante de Thackery domine son sujet. Le R&B puissant est appuyé par une section rythmique sans faille, pendant que le sax est suspendu aux riffs de la guitare. "Bad news" swingue avec beaucoup de retenue. Jim y signe un superbe solo. La plage titulaire est instrumentale. Une page de surf music, sur laquelle guitare et sax s'entrelacent avec bonheur. Elle aurait pu figurer sur une bande musicale des Blues Brothers. "Lovin' my money" est un rock accrocheur. Le riff funky et dévastateur de "Chained to the blues line" emporte la mise. Thackery y joue de manière très relax des lignes de guitare d'une pureté étonnante ; une performance lorsqu'on sait que l'homme est plutôt du style extraverti. Dans le même registre, "Never enough" se révèle tout aussi séduisant. Au cours de cette claire invitation à la danse, l'homme rocke et rolle comme un dieu sur ses cordes. C'est d'ailleurs le moment qu'il choisit pour négocier l'instant le plus dur du disque, "Detroit Iron". L'acier de Detroit, n'inspire guère la douceur, n'est-ce-pas? "Hundred into ones" consomme un blues pur, délicatement rythmé. Toute bonne composition, "Havin' a heart" autorise le retour d'une grande guitare en fin de parcours. Cet opus s'achève dans la chaleur langoureuse de l'instrumental "Blues 'fore dawn", un titre qui pu figurer au répertoire de Ronnie Earl. Un très bon album!
Fait rare pour une production électro française, les lyrics de cet opus ont été composés dans la langue de Shakespeare. En outre, on n'y trouve aucune trace de ce que les spécialistes appellent la " French Touch ". Bien que touchant à la trip hop, au hip hop, à l'électro et à l'acid jazz, sans pour autant tomber dans le ‘patchwork’, le disque manifeste une homogénéité assez surprenante, vu le mélange de styles. Un opus qui oscille des ambiances downtempo, cultivées sur " Breathe ", " Love can damage your health " ou encore " Smile ", à l'électro pur et dur, entretenu sur "Dance me " et " Genetic world, en passant par des exercices de style plus rythmiques, dominés par le hip hop, tels que " Animal man " ou " Let's go again ". Et le titre maître qui fourmille de sonorités électro-organiques, illustre parfaitement l'environnement sonore au sein duquel Télépopmusik navigue. Pas de quoi crier au génie cependant, les bidouilleurs frenchies ayant simplement eu le nez creux pour tirer parti au maximum des expérimentations de ses contemporains et accoucher ainsi, d'un disque, ma foi fort agréable à écouter…
Solex, Throwing Muses, les Slits, Nico et les Cranes constituent probablement les principaux fils de références nécessités pour tisser la toile sonore de ce quatuor batave, de Deventer très exactement. Une toile sonore complexe, originale, solide, étrange, tendue par une instrumentation minimaliste mais hétéroclite, oscillant de la contrebasse au xylophone, en passant par les guitares (acoustique et électrique), l'orgue (au son pourri), le piano, les drums et l'harmonica. Sans oublier les samples, boucles et autres bruitages, histoire d'accentuer l'aspect expérimental des compositions. Une toile sonore brodée par les voix féminine de Simone Pieters Holsbeek et surtout d'Esther Sprikkelman, dont les timbres clairs, limpides, serpentent au cœur même des mélodies. Rafraîchissant !
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