L’illustre saxophoniste Manu Dibango est décédé ce mardi 24 mars, à l'âge de 86 ans, du coronavirus. Il s’est éteint dans un hôpital de la région parisienne. Premier musicien international à perdre la vie des suites d'une contamination au COVID 19, il était le responsable d'un des plus grands tubes planétaires de la musique world, "Soul Makossa" (NDR : certains médias le considèrent cependant comme le premier morceau disco), un morceau gravé en 1972 (NDR : il avait été immortalisé lors d’une session TV et on peut le voir ou le revoir ici). Ce n'était au départ que la face B d'un 45 tours, dont le titre-phare servait d’hymne à l'équipe nationale de football camerounaise, enregistré dans le cadre de la Coupe d'Afrique des Nations. Repérée par le DJ new-yorkais David Mancuso, la compo a connu une multitude de variations et de recyclages. Manu Dibango avait même entamé une procédure judiciaire contre Michael Jackson pour s’en être un peu trop servi pour alimenter son « Wanna be startin'somethin' », une plage qui figure sur son elpee, "Thriller". Finalement, un accord financier sera conclu. Rihanna dans « Don’t Stop the Music » (2007) et Jennifer Lopez pour « Feelin’ So Good » (2012) se sont également largement inspirées de la chanson.
Né le 12 décembre 1933 à Douala, au Cameroun, ce musicien formé au jazz et aux rythmes tropicaux était l’un des grands ambassadeurs de la musique africaine, à travers le monde. Il est même considéré comme l’Instigateur de ce qui allait devenir la ‘World music’…
Il a côtoyé des tas de meusiens réputés en compagnie desquels il a, pour la plupart, joué. Comme Herbie Hancock, Bill Laswell, Peter Gabriel, Sinéad O’Connor, Jacques Higelin, CharlElie Couture, Tom Novembre, Dick Rivers, Nino Ferrer, Papa Wemba, Bob Marley, Stevie Wonder ou Carlos Santana ; et la liste est loin d’être exhaustive. Sa musique a été samplée comme aucun autre artiste ne l’a jamais été, et tout particulièrement dans l’univers du funk et de l’acid jazz. Il a touché à la soul (of course) au reggae, à la musique cubaine, aux sonorité urbaines contemporaines (hip-hop, électro), sans jamais oublier le jazz, fil rouge de ses 60 longues années de carrière.
Surnommé ‘Papa manu’ par ses fans ou encore ’Papa groove’, ce multi-instrumentiste (outre le saxophone, il était aussi capable de jouer du piano, du vibraphone, du marimba, de la mandoline et du balafon) était également chanteur, arrangeur et chef-d’orchestre
Enfin, on n’en oubliera pas son investissement pour plusieurs associations philanthropiques.
R.I.P.
William ‘Jazz’ Gillum est né en septembre 1904 à Indianola, dans le Mississippi (NDR : tout comme plus tard un certain BB King). Très jeune, il apprend l'harmonica au contact de ses frères. En 1923, il part à Chicago. Puis on perd sa trace. Peu d'informations filtrent d'ailleurs à son sujet jusqu'en juin 1934, lorsqu'il entre pour la première fois en studio en compagnie du guitariste Big Bill Broonzy. Il y enregistre un elpee qui réunit des compositions écrites entre les années 38 et 49. Il disparaît ensuite pour réapparaître à New York en 1961, en compagnie de Memphis Slim. Il retourne à Chicago, où il est assassiné en mars 1966. Durant les années 30, il a connu une certaine popularité auprès du public noir. A l'instar d'un certain John Lee ‘Sonny Boy’ Williamson, lui aussi, disparu de manière violente dans une rue de Chicago. Les plages de cet album ont été enregistrées pour le label Bluebird avec lequel il a collaboré durant 14 années ; et 9 d'entre elles ont été commises en compagnie du réputé Broonzy.
Nous le retrouvons en juin 38. Il est flanqué de ses Jazz Boys, parmi lesquels figuraient Big Bill et Washboard Sam à la planche. Deux témoignages illustrent cette période : "You're laughing now" et surtout "I'm gonna get it". Jazz se révèle instantanément un instrumentiste inventif, capable de swinguer avec une facilité déconcertante (NDR : ce qui explique son surnom). Il arrache des phrases écorchées de son harmo, un peu comme Snooky Pryor le fait dans l'exercice du boogie. Le piano effectue son entrée lors de la session suivante, "Let her go". Celle de décembre 41 est superbe. Le son est très bien restitué sur "War time blues" ainsi que sur le boogie "You are doing me wrong". Il interprète également le "Down south blues" de son ami Sonny Boy I. En 42, il reprend le célèbre "I'm gonna leave you on the outskirts of town", mais aussi les titres rythmés "I counldn't help it" et "Tell me mama", flanqué de Blind John Davis au piano et pour la dernière fois, de Mr Broonzy. En 1946, la guerre est finie. Big Maceo Merriweather au piano et un tout bon Leonard Caston à la guitare participent au blues bien accompli, "Long Razor blues". Pour les toutes dernières sessions menées de 46 à 49, le climat est au beau fixe. On remarque ainsi la présence du brillant bassiste Ransom Knowling sur "The blues what am" et celle du jeune pianiste Eddie Boyd, pour "Take a little walk with me" de Robert Lockwood. Jazz Gillum est un bluesman qui mérite votre reconnaissance.
Issus de Handforth, dans le Cheshire, les Doves ne sont plus tout jeunes. Même s'ils n'en sont qu'à leur premier album. Ils ont vécu la scène new wave du début des 80's aux côtés des Smiths ou de New Order. A Manchester. Mais c’est en 1991 que leur carrière a vraiment débuté. A l'époque, ils répondaient au patronyme de Sub Sub et avaient même décroché un hit intitulé « Ain't no love, ain't no use ». Outre les frères jumeaux Jez (batterie et chant) et Andy Williams (guitare et chant), le groupe implique Jimi Goodwin. Et ce dernier, préposé au chant et à la basse, n'est sûrement pas un nostalgique de cette époque, car il ne verse même pas une larme sur la mythique ‘Hacienda’, l'endroit de ralliement à l'époque, qui a été transformé en appartements.
« C'est peut-être triste, mais tout a une fin. L'Hacienda n’était pas éternelle et en plus, il ne faut pas s'imaginer que c'était un paradis! Le club était confronté à des problèmes de violence et de drogue. On y a vécu de bons moments, mais aujourd'hui, il faut regarder vers le futur... » Les Doves n’aiment d'ailleurs pas trop les références à leur ville d'origine et encore moins l'évocation de la scène ‘Madchester’... « Ni les Happy Mondays, ni les Charlatans n'ont eu la moindre influence sur nous. On les a adorés, il y a dix ans, mais c'est tout. D'ailleurs, on n'a jamais cru à l'existence de cette scène baggy. Elle a était montée de toutes pièces par la presse. Il n'existe aucun groupe de chez nous qui passe son temps à regarder dans l'assiette de son voisin : New Order ne sonne pas comme les Smiths, les Smiths pas comme les Buzzcocks, les Buzzcocks pas comme The Fall et les Doves n'ont rien à voir avec Joy Division. La scène de Manchester n’a jamais existé… »
Pour en revenir au style du groupe, on dira qu'après avoir digéré des références house, les Doves en sont revenus à une instrumentation rock, influencée par la dance, mais qui va beaucoup plus loin... L'enregistrement de ‘Lost Souls’ a duré trois ans dans un studio... qui ne comportait aucune fenêtre! « Tout simplement pour éviter que les cambrioleurs ne viennent dérober le matériel… » De leurs contemporains, les Doves affirment apprécier Baldly Drawn Boy, avec lesquels ils sont partis en tournée. « On a participé à l'enregistrement de leur album et on est même devenus amis. » Ils estiment également Shack, mais davantage pour des raisons de sensibilité musicale. Enfin Embrace les a beaucoup impressionnés, en ‘live’. Mais Jimi respecte aussi une foule de groupes issus du passé. Il avoue ainsi un faible pour le King Crimson de l'époque ‘Discipline’ et ne s'en cache pas. « Je ne suis pas du style à brûler ce que j'ai adoré. Et tous ceux qui adoptent cette attitude sont des hypocrites… »
(Article paru dans le n° 89 du magazine Mofo de Février 2001)
Tout comme Arena et Pendragon, IQ est un des groupes les plus représentatifs de la scène anglaise néo-progressive, qu'il engendra dans les années 80 en compagnie d'autres grands noms du style tels que Pallas ou The Enid. Ce nouvel opus n'échappe pas à la règle du rock progressif, dont la particularité se détermine par la conception d'une musique qui se révèle au fur et à mesure des écoutes. "The seventh house". Digne successeur du grandiose "Subterranea", "The seventh house" demeure difficile d'accès pour les non initiés. Breaks, rythmes impairs, envolées aériennes, mélodies superbes, la finesse d'interprétation toute anglaise des six nouvelles compositions à tiroirs, constituent une invitation au voyage. Mike Holmes a toujours ce don pour accoucher de parties de guitares splendides et touchantes ; alors que la voix de Peter Nicholls réussit encore à remplir l'espace sonore avec une rare maestria. Chaque composition repose sur des bases solides et possède cette flamme qui fait toute la différence. IQ demeure la référence en matière de prog, depuis que son frère d'arme Marillion a pris une direction définitivement différente. A découvrir d'urgence!
Après le fameux concept et double CD « Subterranea », grande réussite artistique et succès critique et public, nous étions perplexes : qu'allait nous proposer IQ ? Le groupe allait-il à nouveau exploiter les mêmes recettes, ou s'écarter radicalement des sentiers déjà empruntés ? Les deux voies n'auraient pas manqué de provoquer pleurs et grincements de dents. Très intelligemment, IQ nous offre « The seventh House », CD tout simplement irréprochable, empreint à la fois de maturité et d'audace. C'est toujours bien du IQ ; les fans ne seront donc pas déroutés. Peut-être auront-ils un peu de mal à appréhender cet opus à cause de sa complexité. Pourtant, dès qu'on lui accorde l'attention qu'il mérite, il révèle toute la richesse et la beauté sophistiquée de ses six plages ; toutes passionnantes, en définitive. On est loin de la fluidité de Subterranea : ici, tout est plutôt grave et mélancolique, voire torturé. Rythmes alambiqués, contrastes, séquences qui semblent ne mener nulle part, sonorités de guitare non dégrossies, sont quelques-uns des ingrédients qui participent à la révolution douce. Chaque musicien semble en pleine forme. On a droit à un peu de saxophone. Les claviers de Martin Orford sont impériaux. Mike Holmes nous délivre plus d'un de ces soli de guitare assassins dont il a le secret. Paul Cook aux fûts et John Jowitt à la basse tissent une rythmique solide et pêchue. Et la belle mais fragile voix de Peter Nicholls n'est ici jamais prise en défaut. Les arrangements sont somptueux, la production étincelante …CD irréprochable, vraiment ! Et la moindre des qualités du groupe n'est sûrement pas cette volonté affichée de continuer à évoluer et à nous surprendre. IQ se pose ainsi en groupe majeur de ce début de millénaire. A nous de ne pas passer à côté !
Désolé pour la carte de visite de Scumbucket, mais ils viennent de me replonger inopinément dans la vague grunge. Post grunge, pour être plus précis ! Encore que je me demande si ce mouvement a vraiment existé. Nanti de qualités mélodiques et de riffs inévitablement bien sentis, leur registre n'évolue pas plus haut que celui des Foo Fighters, mais en un peu moins punk, ou de Weezer, en un peu plus rock. Les membres de Scumbucket ne sont pourtant pas des manchots. Ils ont produit et mixé ce " Finistra ". Et pas de doute, c'est du beau boulot. Ils sont même prêts à passer en division supérieure. Celle qui leur permettrait de les propulser hors de leur Allemagne natale, de les voir s'envoler vers des cieux plus étoilés. En attendant, ils devraient faire les beaux jours des médias ‘alternatifs’ américains. Good luck, guys !
Deuxième maxi CD pour cette formation bruxelloise drivée par Cloé Defossez, chanteuse, guitariste, pianiste et compositrice du groupe qui avoue puiser son inspiration dans ses voyages au bout du monde, ses rencontres et ses nuits blanches partagées avec sa guitare. Ce qui frappe d'abord dans la musique de Clover's Cloé, c'est la structure classique de la chanson qui enrobe le format pop. Il y a bien une batterie, quelques samples et puis deux guitares. Une acoustique et une électrique. Sans oublier la contrebasse aux accès paradoxalement jazzy. Mais la présence du piano, d'une clarinette et surtout d'un violon (NDR : tenu par Jean Richelet, premier prix de conservatoire) balise inévitablement cette structure. Ce qui n'est pas un obstacle en soi. Au contraire. Et se révèle même agréable au contact légèrement new wave de " Fast fast (the lovers of the sky) ", ou encore du mélancolique " Out of time ", réminiscent de l'album intimiste de Kristin Hersh, " Strange angels ". Les deux derniers titres de ce maxi CD épousent, cependant, un profil beaucoup plus minimaliste. Presque lo fi, à l'instar d'une Mary Timony, voire d'Ani DiFranco. Comme sur " Bay-fall ", lorsqu'elle colle sa voix douloureuse aux accords plaqués, écorchés, de sa guitare et aux drums tribaux. Et lorsque pour " No matter ", elle accompagne uniquement sa voix intimiste, chargée d'émotion, de son piano sonore, c'est alors à Tori Amos que l'on se met à penser. Dommage que la production soit un peu terne ; sans quoi, avec un peu plus de maturité, Clover's Cloé pourrait, d'ici quelques mois, devenir la bonne surprise de la scène pop/rock belge…
Si Gomez a bien l'intention de sortir tout prochainement un box de 25 titres partagés entre inédits, raretés, faces B de singles, prises live et reprises, il a repoussé à l'année prochaine l'idée d'enregistrer un nouvel album. A la place, il nous gratifiera de deux EP ; et ce " Machismo " en est le premier. Découpé en cinq titres, il recèle en " The Dajon song " un psyché blues de plus de 13 minutes digne des trips les plus acides pratiqués sur la West Coast au début des seventies. Et on pense ici plus particulièrement à Grateful Dead, Jefferson Airplane et à Quicksilver Messenger Service. Beaucoup plus étonnant, le titre maître tente une diversion dans la dance, sans pour autant convaincre. Nous lui préférons le groove acoustique de " Do's and Don'ts " et surtout la très jolie et luxuriante ballade, " Touchin' up " qui bénéficie, pour la circonstance, du concours du London Session Orchestra. Seul " Waster " correspond au profil r&b bien spécifique à Gomez. Un titre qui aurait d'ailleurs pu revendiquer un statut de hit, s'il était sorti au cours des sixties...
Quel obscur objet. Trip hop, electro, techno pop, indus, on ne sait sur quel pied danser. Enfin un disque intéressant me direz vous, sortant des sentiers battus. Détrompez vous, car même eux ne connaissent apparemment pas le à chemin emprunter pour arriver à leurs fins.
Plus collection de titres rapidement ficelés qu'albums à part entière, on est parfois surpris, souvent agacés. Surpris par la façon où sont amenées les influences, samplées ou imitées pour le plaisir, tel un jeu de pistes pour mélomanes cultivés (guitare Pixies sur « Talk too loud », Nine Inch Nails pour « Stepping up to the mic » ou Quantize, New Order pour « I knew Them »). Agacés parce que passés l'effet de surprise, elles ne nous permettent pas de décoller, prenant alors des allures de voix sans issues. Bien qu'effectivement l'énergie subsiste, on s'ennuie ferme, sauf sur un ou deux tracks un peu plus surprenants, comme « Quantize », exercice d'expérimentations incongrus, ou le détonnant « I/E », jungle au mélodica qui gagnerait à servir de B.O.F.
Et si leur générosité devait s'accomplir dans cette direction, plutôt que dans le recyclage indélicat de références écrasantes ?
Au moment de lire ces lignes, cet elpee est peut être déjà posthume. En effet, le guitariste et co-compositeur, Paul Jones, est sur le point de rejoindre Elastica. Et je vois très mal comment Linoleum pourrait se remettre d'un tel départ. Ce qui est vraiment dommage, car ce disque est vraiment intéressant. Leur deuxième. Datant de 1996, leur premier avait été enregistré sous la houlette de Paul Kolderie et de Sean Slade (Radiohead, Hole, Pixies). C'est dire si le célèbre duo de producteurs avait beaucoup d'estime pour eux. Mais venons en à cet opus. Qui alterne compositions atmosphériques, vaporeuses, abordées dans l'esprit d'un Mazzy Star, mais en moins sinistre ; chansons angulaires, fouettées par une conjugaison de cordes de guitares bringuebalantes et bourdonnantes, réminiscentes de Drugstore ; et puis titres carrément post new wave, insidieusement contaminés par le virus gothique. Pas pour rien d'ailleurs qu'on y retrouve une cover du célèbre " I'm in love with a german film star " des Passions. Une seule constante : les lyrics de Caroline Finch, qu'elle décrit comme l'antithèse de l'archétype de la chanson d'amour. Des lyrics qui reflètent la paranoïa, la folie et la désillusion…
A première écoute, la musique de Marineville nous fait penser à The Orb. A cause de ces pulsions électroniques qui font battre le cœur de la solution atmosphérique, pour ne pas dire intergalactique. Mais au fil de l'écoute, on y découvre d'autres perspectives. Jazzyfiantes surtout. Elaborées par un saxophone ou un piano électrique. Hip hop, également, mais ici, elles sont beaucoup moins évidentes. Ce " Realpath house " n'est cependant pas un album studio, mais une sélection d'enregistrements " live ", commis lors d'une tournée américaine qui s'est déroulée entre septembre 96 et juillet 97...
Fans de Godspeed You! Black Emperor, attention! Tant dans la configuration (10 membres) que par les structures des morceaux, beaucoup de choses nous rappellent notre groupe canadien préféré. Ne nous y trompons pas, il y a des différences, heureusement. Mais arrêtons-nous d'abord aux ressemblances. Mariant le noisy-rock et l'instrumentation classique (violons, trompettes et tutti quanti), les morceaux sont articulés en actes. L'aspect visuel et narratif tient également une place importante dans la philosophie de Nøught. A tel point que certains titres illustreraient à merveille des superproductions hollywoodiennes 70's. Un peu comme Jimi Tenor l'a démontré lors de son concert avec " Ensemble ", accordé Nuits du Botanique cuvée 2000. Richesse de l'instrumentation, surenchère, théâtralité et grandiloquence. Les différences maintenant. D'abord Nøught est un groupe rock, pas éthéré. Le ton est plus dur, moins vaporeux. Alors que GYBE structure son expression sonore un crescendo, Nought rentre frontalement dans le sujet et maintient une pression (quelques breaks jazzy quand même) jusque dans une explosion finale. La place de l'instrumentation classique ensuite. Ici les sections de cuivres et de cordes (violons à la " Dirty Three ") ne servent pas à appuyer, à renforcer un mur du son. Elles sont autonomes et participent activement à la construction des " mélodies ". A tel point que l'on pourrait se demander qui, des instruments classiques ou rock, sont les invités des autres. Assurément une très bonne découverte. Pour ceux qui n'ont pas froid aux oreilles.
" Dealin' " constitue donc une nouvelle messe à son intention. Douze titres sont interprétés par autant de vocalistes différents. Une seule constante, le trio de base: Corey Harris à la guitare et une section rythmique ‘de luxe’ composée de Mudcat Ward à la basse et de Per Hanson à la batterie.
C'est d'ailleurs Corey qui inaugure la collection par le très célèbre "Walkin' blues". L'homme nous a déjà prouvé tout son savoir-faire sur ses albums parus chez Alligator. Pas moins de trois chanteuses sont présentes. Debbie Davies reprend avec ferveur "When You got a good friend", en s'accompagnant de sa Telecaster discrètement amplifiée. La moins connue, Kris Wiley, chante avec autorité, respect et passion "Ramblin' onmy mind". Enfin, la rouquine Sue Foley prête sa délicieuse voix de fausset pour s'exercer sur "From four until late", tout en nous confessant que c'était là le premier blues qu'elle ait jamais interprété. Quelques seigneurs sont aussi présents. A commencer par le vieux, mais toujours sémillant pianiste, Pinetop Perkins. Il nous propose ce canon du blues, "Sweet home Chicago" (mais qui donc l'a réellement composé?). Kenny Neal a ramené guitare et harmonica pour chanter "I'm a steady rollin' man". Parmi les meilleures apparitions sur cet album, soulignons celle de Josh White Jr. Ce fils d'un des pionniers du Delta s'exerce sur un bottleneck bien subtil, tout au long de "Come on in my kitchen". Guy Davis prête sa voix graveleuse à "Stones in my passway". Eddie Kirkland joue de manière experte de la guitare acoustique sur ce bon vieux "Dust my broom". On se retrouve, au cœur des Appalaches, pour un curieux et peu connu "Last fair deal". Dave Van Ronk y chante et joue du banjo. Et pour conclure, le chanteur guitariste canadien Colin Linden nous flanque le frisson dans sa version minimaliste et dramatique de "Preachin' blues".
Sur fond de mythologie consacrée à l'Atlantide et aux légendes puisées dans l'Egypte ancienne, Symphony X dispense une musique technique mais jamais stéréotypée. Un groupe américain conduit par le guitar-hero Michael Roméo qui réalise la parfaite alchimie entre speed métal et rock progressif. On lorgne du côté de chez Dream Theater pour la construction des morceaux, chez Stratovarius pour les arrangements ainsi que chez Rainbow et Malmsteen pour la haute volée guitaristique. Symphony X s'offre tantôt une touche jazzy, tantôt une envolée mélodique arabisante ; et même l'utilisation parcimonieuse de cuivres renforce ses influences néoclassiques. Enchanteresse, magistralement orchestrée, " Rediscovery ", longue plage de plus de douze minutes, vient boucler ce cinquième opus en guise de démonstration parfaite de tout le savoir-faire d'un groupe aujourd'hui au sommet de son art. On ne se lasse pas de " V " ; et chaque écoute révèle son lot de surprises, à l'image du dernier Dream Theater auquel il n'a pas grand chose à envier. Remarquable!
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