Depuis Machiavel et Now, il ne s'est rien passé de vraiment révolutionnaire dans le paysage du rock progressif belge. C'est donc à bras ouverts que nous accueillons le premier mini-cd (quatre titres) d'une formation verviétoise qui cite Rush comme principale influence. Bien que sa solution sonore s'oriente davantage vers le hard FM américain des années 80 que vers le néo-prog de formations telles IQ ou Pendragon, Quantum fait preuve d'un grand professionnalisme. Mieux encore, son " Initium " n'a rien à envier aux grandes productions du genre. Le chant de Philippe Boudron constitue sans aucun doute un apport peu négligeable pour le quatuor ; et le titre " Believe " pourrait même faire un hit tant son potentiel mélodique est énorme. Habitué de la scène du Spirit of 66 et glorifié dans le magazine Prog Resiste, Quantum ne demande qu'à sortir de l'anonymat. Un espoir est né!
Janiva est originaire de Detroit, mais elle a essentiellement administré sa carrière depuis Los Angeles, où elle s'est fixée. " Blues ain't pretty " constitue son 3ème album. Il fait suite à "It takes one to know one" (sur FatHead) et "My bad luck soul" (sur Blues Leaf). Janiva est une chanteuse aussi à l'aise dans le blues que dans la soul music. Ses influences naviguent quelque part entre celles d'Etta James et de Memphis Minnie. La collaboration qu'elle mène en compagnie de Jeff Turmes est toujours d'actualité, puisque l'ancien bassiste/saxophoniste du James Harman Band continue d'apporter sa collaboration à l'instrumentation et à la composition.
La ballade swamp, "Blues ain't pretty", ouvre le bal. Légèrement rythmé, "Nobody loves you like me" campe un excellent blues. La guitare de l'ami fidèle Kid Ramos entre en lice. Nouveau parfum louisianais, swamp et voodoo à travers l'hypnotique "It's your voodoo working". Kirk Eli Fletcher propage de la réverbération dans ses cordes. Jeff Tumes souffle dans le sax baryton. "The more I keep on losin" est un blues lent, inspiré par T-Bone Walker. David "Kid" Ramos y est comme un poisson dans l'eau. Janiva possède une voix souple qui s'adapte facilement à toutes les situations. Elle le démontre tout au long du swing "Act right" et de la cover Memphis R&B de Ray charles, "Tell me how do you feel". Autoritaire, elle se montre sous son meilleur jour sur le Chicago blues "Help me to find my love". Face à l'orgue Hammond de Brother Red Young, elle se révèle sensible et suave. A l'instar de la ballade indolente "I don't know". Composé par Marcia Ball, la cover du très lent "St Gabriel"Ramos est remarquable. Ramos se montre parfaitement à son avantage dans un style qui n'est pas habituellement le sien. Faut dire qu'Eli Fletcher est un fameux soutien à la rythmique. L'opus aborde également du West Coast blues plus classique. Comme sur "I'm gonna play the honky tonks" et la cover de James Brown, "Tell me what I did wrong", au cours duquel un grand Fletcher et Steve Marsh au sax tenor démontrent toute l'étendue de leur talent. "Every dog has his day" s'ébroue comme un instrumental de Freddie King. Fletcher est au sommet de son art. Et c'est dans le swing que s'achève ce très bon album de la très sensuelle Janiva; une composition enrichie d'un piano et d'un sax baryton qui s'intitule "Heartbreaker".
En 1983, le soir des funérailles célébrées à l’occasion de la disparition de leur premier groupe, répondant au patronyme ‘Bérurier’, François et Laurent se méconduisent ‘une dernière fois’ sur les gravats d’une usine désaffectée, empruntant pour l’occasion un nouveau patronyme : Bérurier Noir. Noir pour le sale et le deuil. Issus de la culture ‘squat’ et défenseurs d’une action ‘autonome’, les deux larrons y projettent ce soir-là le théâtre funeste de la vie en donnant forme, sous la noirceur de leur musique et de leurs paroles, au reflet d’une vérité dérangeante. Ne se doutant pas à l’avance de l’impact qu’ils occasionneront, le groupe pourfend de sa rage et de ses textes, la politique, les hôpitaux psychiatriques, et le bien fondé de pas mal d’institutions. Le succès immédiat les poussera à poursuivre la route du rock dit alternatif. Les Bérus (pour les intimes), harangueront sans relâche, une masse de jeunes et moins jeunes (le ‘troupeau d’rock’…) à faire valoir leurs droits, les poussant à se rebeller et à créer des structures libres. Structures où l’indépendance et la prise de conscience sont les seuls maîtres. Six ans après le début de leur hérésie sociale, rattrapés par les mass médias, poursuivis par les majors qui les guettent comme des vautours et subissant les pressions de toutes parts, ils se suicideront scéniquement. En 1989. Sur les planches du Zénith.
Dix-huit ans plus tard, paraît ce ‘tribute’. « Manifest Electronique » est un salut, un hommage aux ‘guerriers’ qui ont ouvert la brèche, non négligeable, des artistes dégoûtés des grosses maisons de production, du nucléaire, de la famine ou de la délinquance politique. Peuplées de guitares aux distos lancinantes et de battements répétitifs produits par une boîte à rythmes (baptisée Mémé), les chansons des Bérus semblaient inviolables. Les quelques artistes participant à ce manifeste ont décidé d’activer de nouvelles machines lors d’un exercice de remix, afin de traiter sous une forme électronique ces vieux souvenirs, et proposer une version décalée de l’histoire du rock libre. De la reprise de « Mineurs en Danger » par Le peuple de l’Herbe, en passant par « Les Rebelles » adapté par Manu Le Malin ou « L’Empereur Tomato Ketchup » version Micropoint, on s’aperçoit de la complexité à demeure crédible sur des compositions aussi sulfureuses. Souvent surprenantes, les reprises n’effacent absolument pas le cachet de la provocation, mais peinent à l’égaler dans la simplicité d’expression. L’ensemble assez indigeste est trop complexe pour en profiter pleinement. Les Bérus, c’était simple à écouter et à comprendre. C’est peut-être la raison pour laquelle je suis un fan de la première heure. A noter le surprenant « Vivre Libre ou Mourir » de Popf & Josselyn Sillard qui transforme en slow cette ode à la liberté. En mentionnant ‘volume 1’ sur la pochette, on doit s’attendre à une suite des hostilités.
Il y a deux ans sortait « Homesongs » d'Adem, les histoires domestiques d'un Anglais habitué aux bruits lancinants du frigo, et de son 'autoharpe' achetée aux puces. Aujourd'hui c'est à plus grande échelle que notre homme compte émouvoir le quidam, même si la recette n'a pas changé d'un poil. Une voix, une guitare, du bidouillage en mode veille pour ne pas réveiller le voisinage : Adem est le gendre idéal. Rencontre, bis.
J'ai lu sur ton site que tu considères « Love And Other Planets » comme un album-concept sur l'espace, la chose cosmique…
Oui, tout à fait. A l'instar de « Homesongs », c'est de nouveau un disque conceptuel : je l'ai remarqué après avoir écrit 4/5 titres, qui parlaient tous de la même chose. Au début je pensais que c'était juste de la parano, mais il faut croire que j'avais envie d'en parler ; alors j'ai décidé d'explorer davantage ce thème… Et je me suis rendu compte que c'était déjà présent sur « Homesongs », dans « These Are Your Friends » par exemple, où je parle d'espace. Faut croire que c'est quelque chose qui trottait dans ma tête depuis un bon bout de temps, donc…
Et tu sais pourquoi ?
Je ne sais pas, c'est une question qui m'a toujours interpellée ! (rires) Et puis après « Homesongs », qui est un disque composé d'un point de vue très personnel, j'avais envie d'emprunter dans d'autres directions, d'expérimenter de nouvelles perspectives. Sur cet album-ci le point de vue est quasi démiurge, comme un regard jeté sur la Terre à partir de l'univers, même si j'y parle toujours d'amour… Sauf qu'ici je voulais insister sur le fait qu'on est tous pris dans un mouvement bien plus massif qu'on ne l'imagine, et qu'en même temps de petits détails peuvent changer le cours de nos existences. Peu importe le contexte global dans lequel on baigne, une poignée de mains peut avoir autant de conséquences sur nous que deux galaxies qui entrent en collision !
N'est-ce pas flippant, en tant que terrien, de se savoir si minuscule ?
C'est clair, mais cette peur de l'immense nous encourage aussi à nous serrer les coudes. Parce que rester seul fout forcément la trouille. Mais nous ne sommes pas seuls dans ce monde : nous sommes tous là les uns pour les autres.
Et ce titre, « Love And Other Planets » : signifie-t-il aussi que l'amour est une planète à part entière, qu'il nous faut explorer ?
Oui, bien sûr. Cela signifie, entre autres, que l'amour est comme un astre que tu peux regarder à l'aide d'un télescope : tu sais qu'il existe, mais tu ne peux pas l'atteindre. Ou que c'est mécanique, comme une planète : ses mouvements s'avèrent régulés, répondent à certaines lois, comme celle de la gravité.
Euh, et les hommes sont issus de Mars et les femmes de Vénus ?
(rires) Ouais, je connais le bouquin (NDR : signé John Gray) mais je l'ai jamais lu ! En fait je pense que les hommes et les femmes viennent de la planète Terre, et peu importe qui habite Mars et Vénus ! On a déjà assez de problèmes à résoudre ici-bas…
As-tu produit ce disque de la même manière que son prédécesseur ?
Sur « Homesongs » les silences étaient très importants. Ici je ne voulais pas reproduire la même chose, mais au contraire pondre un disque plus dense, avec plein de choses qui se passent en même temps… Quand tu écoutes « Homesongs » encore et encore, ça roule, ça tient en place. Ce que je voulais pour « Love And Other Planets », c'est qu'à chaque écoute l'auditeur découvre de nouveaux détails : il y a bien plus d'instruments et d'arrangements sur celui-ci, et tout s'y trouve pour une raison précise. Ecoute-le donc au casque !
Il t'a demandé plus de boulot, je suppose, surtout au mixage.
Et que tu as enregistré une nouvelle fois tout seul, ou presque ?
Oui, chez moi, comme pour « Homesongs ». Avec cette fois l'envie d'avoir un son plus massif, plus ouvert, capable de suggérer l'univers, l'immensité qui nous entoure. Il y a davantage de tension qui sous-tend l'écriture, parce que mes textes parlent d'espoir, du potentiel en chacun de nous, de ce qui peut nous arriver. Ou pas. C'est l'un des thèmes de l'album. J'y parle aussi d'amour, d'humanité, mais pas forcément dans le bon sens du terme : l'espoir peut s'avérer un sentiment très pathétique… Il ne sert à rien, par exemple, d'espérer quand la situation est sans espoir. C'est le sujet du dernier titre de l'album (NFR : « Human Beings Gather Round ») : la fin du monde arrive, mais il reste des hommes qui espèrent être sauvés, alors qu'ils vont y passer comme tout le monde… (un ange passe) Mais ça n'a rien de cynique. Il reste de l'espoir. Je crois en l'être humain.
En live tu joues quasi en sourdine, sans trop d'amplification. S'agit-il d'un choix mûrement réfléchi ?
Oui, mais rien ne dit que mon prochain album ne sera pas électrique ! J'aime laisser toutes les pistes ouvertes… Pareil pour ce disque, même s'il est clair que je ne voulais pas de sons qui émanent d'instruments amplifiés. Je n'ai pas fini mon exploration de la chose intimiste.
La musique acoustique symbolise-t-elle pour toi le genre suprême pour traduire une certaine idée de l'intime, de l'intérieur, du profond ?
Peut-être… Mais j'ai récemment écouté le « Master & Everyone » de Bonnie Prince Billy, et c'est le même genre d'émotion, avec une basse et une guitare électriques ! Je ne sais pas… Moi je préfère ce qui n'est pas amplifié, c'est ainsi. Et les instruments que j'utilise, l'autoharpe, le glockenspiel, le clavecin, vont dans ce sens. Je pense que beaucoup de musiciens qui jouent de la musique intimiste le font avec des instruments acoustiques parce qu'ils y sont habitués, point barre. Mais s'ils se mettaient tout d'un coup à la guitare électrique, ça marcherait toujours, j'en suis sûr !
Tu sais de toute façon de quoi tu parles : tu jouais dans Fridge ! Rien à dire à ce sujet ?
On y travaille. On espère sortir un nouveau disque début 2007. C'est très excitant parce qu'on se connaît depuis qu'on a 12 ans (NDR : Sam Jeffers, Kieran Hebden et lui), mais ces dernières années on n'a pas eu le temps de se voir, et le fait de relancer la machine va nous permettre d'y remédier. C'est vraiment cool. Et c'est une bonne excuse pour reprendre contact !
C'est amusant : on parle de musique acoustique, et ton pote Four Tet (Kieran Hebden) vient de sortir un disque en compagnie de Steve Reid (« The Exchange Session ») sur lequel on trouve un morceau intitulé « Electricity And Drum Will Change Your Mind »…
Oui c'est vrai, et d'ailleurs j'aime beaucoup ! Il y a plein de trucs hyper électriques qui me touchent, de la musique de laptop qui me fait fondre en larmes… L'important n'est pas l'instrument, mais la sensibilité avec laquelle on en joue !
Que pensent Kieran et Sam de ta musique ?
Ils me soutiennent depuis le début, et ils l'aiment beaucoup. Kieran m'aide au mixage, parce que je suis sourd d'une oreille.
Vraiment ?!?
Oui ! Je n'entends rien de l'oreille gauche, donc la stéréo… Je ne sais pas ce que c'est ! C'est pourquoi lors du mixage de mes disques, j'ai fait appel à Kieran ; car il est très difficile pour moi d'appréhender le son en tant qu'espace, les balances…
S'agit-il d'un accident ?!?
Penses-tu que ta carrière de musicien, ton amour de la musique, en est la conséquence ?
Je ne sais pas… Il y avait bien un piano à la maison, mon père était pianiste… Mais je pense que ma passion pour la musique vient surtout de ma rencontre avec des gens comme Sam et Kieran, à l'adolescence… Ils m'ont beaucoup inspiré, et vice-versa : on traînait tout le temps ensemble à écouter des disques, à s'exciter les uns les autres à propos de tel ou tel artiste qu'on venait de découvrir, ce genre…
Donc, tu entends, si je puis dire, en mono ?
Si on veut, oui, mais c'est même encore pire puisque quand j'écoute de la musique au casque, je n'entends que d'un côté ! Je ne reçois que la moitié de l'information, en somme.
Et sinon, comment s'est passé ta rencontre avec Vashti Bunyan ? Tu as collaboré à son deuxième album, « Lookaftering », sorti l'année dernière…
En fait je la connaissais depuis un certain temps déjà, mais quand elle a découvert qu'elle était devenue la nouvelle icône de la coolitude et qu'elle allait devoir donner un gros concert à Londres, elle a eu un peu peur. C'était son premier spectacle en 45 ans, à peu de choses près, et elle m'a demandé de l'accompagner sur scène, avec Kieran. Quand on s'est rencontrés elle était très timide, et vraiment apeurée. Elle est venue chez moi, on a discuté. Elle nous a raconté son histoire, c'était incroyable ! Je me rappelle qu'elle ne voulait pas quoique ce soit ; puis à la fin de la soirée elle a quand même changé d'avis, et c'était grandiose : imagine, Vashti Bunyan qui chante dans ta cuisine ! Depuis lors on est devenus amis, on discute beaucoup de l'industrie du disque, parce qu'elle n'a pas beaucoup d'expérience en la matière. Quand elle m'a demandé si je voulais jouer sur son disque, j'ai accepté directement, évidemment ! Ce qu'elle a fait avec Max Richter (NDR : à la prod) est vraiment brillant, d'autant qu'il y a plein de stars qui ont participé, Devendra Banhart, Joanna Newsom,… Ils sont arrivés malgré tout à garder le contrôle et à faire sonner le disque comme un disque de Vashti Bunyan.
De là, la discussion prend des allures de débats à la Nick Hornby… Où il est question de Grizzly Bear, d'Alice in Chains, de Jeff Buckley (sa cover de « Mojo Pin », sur l'album-tribute « Dream Brother – The Songs of Tim & Jeff Buckley »), de Hot Chip (« Leur premier album est bon aussi »), de The Verve, de musique sérielle, de Quickspace Supersport, de Stereolab, de Nirvana, de l'Elysian Quartet, d'Alexis Murdoch (« Un songwriter à suivre ! ») et de ses disques d'île déserte. Il y en à quatre, et ce sera le mot de la fin :
« Blue » de Joni Mitchell, « Music For 18 Musicians » de Steve Reich, « A Love Supreme » de John Coltrane et « Gish » des Smashing Pumpkins !
C'est dans une ABBox clairsemée que la Brésilienne Cibelle est venue présenter son deuxième album. Intitulé « The Shine Of Dried Electric Leaves », il devrait bientôt atterrir dans les bacs des disquaires. Le single « London London », auquel a participé Devendra Banhart, commence à se frayer un chemin dans les playlists des radios nationales. Il est chargé de faire connaître un peu plus du grand public une chanteuse qui n'a jusqu'ici touché que les amateurs de nouvelle pop brésilienne.
Trois musiciens accompagnent la donzelle habillée de noir pour l'occasion : un batteur et deux guitaristes. L'un d'eux n'est autre que Mike Lindsay, préposé aussi à l'électronique et coauteur (avec Cibelle) de la majeure partie des titres du nouvel album. Certains d'entre vous en ont peut-être déjà eu un avant goût à l'écoute du quatre-titres « About A Girl », paru il y a quelques mois. Le concert débute par ce mélange d'avant-garde électronique et de bossa nova propre à la chanteuse, qui pour ce soir semble avoir du mal à entrer dans son concert. La faute peut-être à une salle un peu trop grande pour sa musique intimiste ou alors à l'éclairagiste de l'AB qui devait s'être endormi sur sa table pour ne laisser qu'une bien triste lumière blanche éclairer une bonne partie du concert, avant que Cibelle le prie gentiment de varier ses effets. La chanteuse lance des boucles vocales dans un de ses micros et se sert de ce tapis pour poser sa voix sur des chansons vaporeuses qui se disloquent aussi soudainement qu'elles sont apparues, renforçant l'atmosphère rêveuse déjà présente sur les disques. Les musiciens ne semblent pas être tout à fait à l'aise lorsqu'ils jouent sur les bandes pré programmées de Mike Lindsay. C'est quand l'électronique passe à l'arrière plan que la magie opère. La musique se simplifie alors dans des structures plus pop qui permettent à la magnifique voix de Cibelle de s'imposer, moments malheureusement un peu trop rares dans ce concert en demi-teintes…
Après un rappel expédié en vitesse, Cibelle laisse la place au groupe du percussionniste cubain Miguel 'Anga' Diaz. L'homme possède un solide cv : Irakere, Afro Cuban All Stars, et d'innombrables collaborations. Il vient défendre son album « Echu Mingua », paru en 2005 chez World Circuit. Une œuvre hybride où l'homme touche au funk et le marie aux éléments latins. Plus chaleureux et visiblement contents d'être là, les musiciens livrent une première partie de concert irréprochable. Dee Nasty, dj symbole du hip-hop français, est aux platines et balance des scratches inspirés tout au long du concert. Il en va de même pour les autres musiciens (chant, contrebasse, trompette, instruments traditionnels africains et congas joués par Baba Sissoko) qui se lanceront pendant une heure dans des joutes musicales jamais gratuites et pratiqueront du latin jazz de tout premier ordre. Seulement voilà les personnes présentes sont quand même là pour danser et le groupe finira par se sacrifier à jouer des titres un peu plus accessibles ; loin d'être indignes, mais quand même beaucoup plus convenus.
Moins de monde que prévu pour cette belle affiche programmée par ' Rock it Mourcourt', une organisation particulièrement dynamique issue de la région de Tournai. Fondée début 2004, sa programmation privilégie la mouvance punk rock garage 60's/70's. Et la configuration du Centre culturel de Mourcourt se prête très bien à ce type d'évènement. Par contre, pas mal de spectateurs (dont plusieurs médias) découvraient pour la première fois cette petite salle. Et il ne fait aucun doute, qu'ils auront apprécié la convivialité de cet espace perdu au beau milieu de la campagne tournaisienne.
Les Lunar Tiki's, vous n'en avez probablement jamais entendu parler. Et pourtant, hormis la chanteuse, ce quintet est composé de vétérans de la scène rock. On y retrouve ainsi le claviériste Simon Rigot (ex- Bernthøler), le bassiste Philippe 'Flupke' De Clercq (il a milité chez les Moonshades et The Nervous Shakes), le guitariste Roland Bettenville (fan de surf music, cet ingénieur en électronique s'est illustré au sein de diverses formations locales au cours des nineties) ainsi que le drummer Michel Zylbersztajn. Alias Michel Z, il a enregistré un album sous le patronyme NOH MASK, sévi chez les Streets et surtout les Names. Pour ceux qui s'en souviennent encore, The Names s'était produit en première partie de A Certain Ratio, à Manchester en 1980, avait commis un single remarquable l'année suivante (« Calcutta ») et un excellent album en 1982 (« Swimming »), sur le label 'les Disques du Crépuscule' et sous la houlette de Martin Hannett. La chanteuse n'a que 18 ans. Mais sa voix est puissante, claire, sensuelle et bien timbrée. Et quoique de petite taille elle possède une véritable présence sur les planches. Musicalement, les Lunar Tiki's pratiquent un rock/garage/psyché/surf assez efficace. Surtout lorsqu'ils interprètent leurs compos personnelles. Une solution sonore délicieusement rognée par l'orgue Hammond. Un regret : le choix de deux reprises : « L'aventurier » d'Indochine et « Tainted love » de Soft Cell, enfin immortalisée par Soft Cell. Pas assez revues et corrigées suivant le code garage. Donc pas assez originales. Mais dans l'ensemble, cette entrée en matière s'est révélée plutôt réussie…
Fort d'un premier album épatant (« Hellelujah »), dont les ventes ne décollent toujours pas (un phénomène invraisemblable !), The Experimental Tropic Blues Band est donc reparti en tournée. Après leur set, le trio devait filer sur Mons pour clôturer un mini festival. Ce qui explique pourquoi, en début de prestation, on avait l'impression qu'il en gardait sous la pédale. Par rapport aux concerts auxquels j'ai pu assister du combo, Dirty Woolf semble plus effacé. C'est Boogie Snake qui se charge davantage des vocaux. Il s'agite, se secoue la longue chevelure blonde et dirige les débats. Il se laisse même porter par le public. Bien équilibré, le tracklist alterne compos bluesy et titres plus trash. L'électricité fait rage. A un tel point que Dirty Wolf, commence enfin à se réveiller et empoigne le fil alimentant les loupiotes pendues au dessus de la scène. L'effet est immédiat : une panne de courant. Mais le groupe en a vu d'autres et Boogie Snake se lance dans un show improvisé au milieu du public, le temps de remettre le jus. Faut croire que cet incident a eu le don de survolter Wolf, puisqu'il s'est enfin lâché, se laissant, à son tour, porter par le public, et se déchaînant à son tour sur scène. L'intensité est alors maximale ; mais le groupe doit encore prester 50 km plus loin. Et en un éclair, remballe le matos, remercie vivement le public et prend la clef des champs. Dommage, car on a eu l'impression de n'avoir eu droit qu'à un échauffement. Question quand même : pourquoi une guitare rectangulaire (elle me rappelle celle de Bo Diddley) est demeurée dans son rack ?
C 'est dans leur combinaison intergalactique que Two Star Hotel avait décidé de se produire. Sous cet accoutrement, la formation de Al et Ben Plastic n'a jamais été aussi proche de Devo. Même dans l'attitude. Robotique, mécanique, hypnotique, son funk blanc me rappelle même parfois Gang Of Four, mais sans les breaks. C'est sans doute ce qu'ils appellent du plastic-avant-rock. Fatalement, mis sur orbite par une musique semblable, on a envie de danser. Un excellent chanteur, une énergie sidérale, un jeu de scène bien en place, il ne manque plus à Two Star Hotel que de baliser ses compos de ruptures pour s'extraire d'une certaine linéarité mélodique et peut-être le concours d'un clavier pour donner davantage d'amplitude à leur odyssée sonore. C'est un avis que partageaient bon nombre de spectateurs lors de ce rendez-vous cosmique. Et sans doute une condition pour que T.S.H. s'extirpe de la zone nébuleuse de l'underground (encore que vu les costumes on se serait cru catapulté dans un épisode de la 'Guerre des étoiles'). Faut-il encore qu'il le veuille…
Au cours de cette soirée, on a eu droit au show théâtral d'Interlude. Dans les chiottes, dans le public et même sur le podium. Quatre types habillés comme des agents secrets du KGB (devait faire chaud là-dessous) qui chantent –notamment– des comptines de Noël pendant que l'un d'entre eux gratte un ukulélé. Le spectacle est très humour second (voire troisième) degré et s'achève par le strip-tease d'un des membres tournant sur lui-même, la tête surmontée d'une bougie et exhibant des boules (de Noël, bien sûr) accrochées à la taille. Apparemment, le sexe féminin a beaucoup apprécié l'effeuillage…
Curieux ! Marble Sounds est un groupe belge qui jouit d’une énorme popularité à travers le monde, notamment grâce à Facebook et Youtube : depuis l’Australie à la Chine, en passant par le Mexique, le Japon, l’Azerbaïdjan et le Kazakhstan. Mais en Belgique, il reste calé au stade d’espoir. Probablement encore le résultat d’un problème linguistique belgo-belge. Ce qui explique, sans doute, pourquoi, il se produit rarement en Belgique. Huit concerts sont cependant prévus au sein du Royaume, dont la release party du nouvel opus, « The Advice To Travel Light » (NDR : il vient de paraître ce 21 septembre), qui se déroule à la Rotonde du Botanique.
Le supporting act est assuré par Moonbeat, une formation fondée par le chanteur/guitariste Michaël Lamiroy, mieux connu pour son implication chez Tin Fingers et School Is Cool. Après avoir bossé pendant des années avec Thomas Jillings (saxophones, reeds, synthés, électronics), le line up s’est enrichi de quatre nouveaux musicos, dont Laurens Dierickx (Hammond, piano), Sep François (percussions), Gerben Brys (basse) et Alfredo Bravo (drums).
Ce soir, le combo est réduit à un trio. Soit Michaël, Laurens Dierickx et Thomas… Si le band reconnaît pour influences majeures Talk, Talk, Kate Bush, Sufjan Stevens et Loney Dear, enchaînés, les trois premiers morceaux évoquent davantage Yes, Alan Parson’s Project ou encore Genesis, avant que Steve Hackett et Peter Gabriel ne quittent le navire. Casquette en pied de poule retournée sur le crâne, Michaël se sert d’une semi-acoustique et chante d’une voix qui rappelle tantôt feu Mario Guccio (Machiavel) ou Gabriel Sesboue (Beautifull Badness), des morceaux le plus souvent atmosphériques, paisibles même, mais surtout empreints de délicatesse et de mélancolie. Cependant, lorsque l’instrumentation s’emballe, le spectre du Queen originel se met alors à planer.
Setlist : « Breeze », « Suller Rain », Shelter », « Walls (Absynth) », » Stone In The River », Sun Drops ».
La Rotonde est presque pleine lorsque Marble Sounds débarque, soit Pieter Van Dessel (voix, gratte électrique ou acoustique) Gianni Marzo (guitare, chant et pedal steel), Frederik Bastiaensen (basse), Mattijs Vanderleen (drums) et Brecht Plasschaert (claviers). Ce soir, le line up est enrichi de trois musicos dont la violoniste Stefan Wellens, la vocaliste Renée Sys et le préposé aux cuivres, Niels Van Heertum (trompette, saxophone, bugle, …) Votre serviteur avait découvert ce groupe, lorsqu’il s’était produit, en première partie d’Hooverphonic, à l’Ancienne Belgique, en janvier 2011.
Baignant dans un light show de couleur bleue, « Fire In The Lake » ouvre le set, un morceau sucré, acidulé, transpercé par les interventions du violon, qui remue instamment les tripes, alors que la voix charismatique de Pieter, destinée à faire fondre les chœurs, semble hantée par Chris Martin (Coldplay). Déjà la magie opère ! D’autant plus que la dernière partie de la compo s’évade dans le post rock. Lorsque Gianni opte pour la pedal steel et que les cuivres deviennent classieux, on ne peut s’empêcher de penser à Beirut. Pieter salue le public en français et en néerlandais. Il dédie le très beau « Speeches » à sa fille. Il nous signale également que la Rotonde lui a permis de rencontrer son épouse. Moment d’émotion. Caractérisé par sa mélodie soignée, beatlenesque même, « In Time » met en exergue les superbes échanges entre les voix de Pieter et Renée. « 39 » constitue manifestement le sommet du show. Les cordes sont délicatement talonnées par les ivoires. Le glockenspiel de Mattijs accentue cette impression de pureté sonore à coloration orientale… Des ivoires vaporeux baignent alors « Leave A Light On », un titre caressé par le souffle du bugle.
Lors du rappel, Pieter revient seul pour chanter « Keep Repeating », en s’accompagnant à la semi-acoustique. Et le concert s’achève définitivement par « One Last Regret », un dernier regret que traduit cette absence incompréhensible de notoriété dont est victime Marble Sounds, en Belgique…
Setlist : « Fire In The Lake », « The Advice To Travel Light », « In Time », « Speeches », « The Summer Of The Sun », « Smoking Was A Day Job », « The Little Lows », « My Friend », « 39 », Anyhow (Even Now) », « Leave A Light On »
Rappel : « Keep Repeating », « One Last Regret ».
(Organisation : Botanique)
Opwarmers van de avond waren de onstuimige rockers V8 Wankers. De op basis van hun groepsnaam niet al te slimme Duitsers kwamen op de proppen met een portie extreem luide en vrij hersenloze ram-rock waar wij weinig boodschap aan hadden. In hun thuisland komen ze er misschien mee weg, maar hun poging om een zaal te doen meezingen op de woorden “We Are Wankers” kon in De Kreun niet bepaald op veel bijval rekenen. Meer dan een stel tuitende oren hebben we hier niet aan overgehouden. Bestond het genre ruk-rock al ? Bij deze.
Het Australische Rose Tattoo heeft door de jaren heen nogal wat groepsleden zien komen en gaan. Het boegbeeld van deze band, de kleine kaalkop Angry Anderson, is op vandaag de enige overgebleven krijger uit de originele bezetting die in 1978 de legendarische debuutplaat ‘Rose Tattoo’ uitbracht.
De huidige bezetting is wel volop trouw gebleven aan de rauwe spirit en rock’n’roll-oerkracht van dat onevenaarbare debuut. De fans die vanavond uit waren op een potje stampende en harde rock’n’roll-nostalgie kwamen volledig aan hun trekken. Rose Tattoo putte uitvoerig uit die plaat en dat was maar best ook want al die onsterfelijke rock’n’roll beestjes deden de rest van de setlist verbleken. Het waren vooral krakers als “One Of The Boys” en “Rock’n’roll Outlaw” die het vuur deden knetteren en met de geweldige blues “The Butcher and Fast Eddie” bracht Rose Tattoo de vlam er helemaal in. Angry Anderson had een beetje de tekst en zijn stemintonatie aangepast, maar het hield die onvergankelijke bluesparel niet tegen om uit te groeien tot één van de hoogtepunten van de avond.
De rauwe strot van Anderson, die nota bene al de 70 voorbij is, was trouwens ook nog altijd even indrukwekkend en intact. De zwaar getatoeëerde dwergrocker genoot nog evenzeer als vroeger van zijn podiumstekje. Hij wist zichzelf en zijn publiek aardig te entertainen met een uitgebreid gamma aan smoelengetrek en ondertussen dronk en spuugde hij er naarstig op los. Het leek ons best wel een sympathieke kerel, hoewel we weten dat de kleine klootzak er extreem rechtse sympathieën op nahoudt, maar daar bleef de Kreun vanavond gelukkig van gespaard.
Hoe verder in de set, hoe meer de ouwe rockers op dreef kwamen en hoe heviger en sneller de pure rock’n’roll uit de speakers spatte. “Remedy”, “Bad Boy For Love”, “Astra Wally” en natuurlijk “Nice Boys Don’t Play Rock’n’Roll” zetten De Kreun op zijn kop en maakten eens te meer duidelijk : Rose Tattoo is in de eerste plaats een pur sang rock’n’roll band, waarbij die rock’n’roll in zijn ruigste vorm de zaal wordt in gekwakt. Rauw, hard, smerig en potig.
Neem gerust een kijkje naar de pics
http://www.musiczine.net/nl/fotos/rose-tattoo-14-09-2018/
http://www.musiczine.net/nl/fotos/v8-wankers-14-09-2018/
Organisatie: Alcatraz Music – Rock Tribune
Composé de membres de The Electric Soft Parade (Tom White et Alex White), Brakes est un quatuor comptant aussi en ses rangs un certain Eamon Hamilton (ex-chanteur de British Sea Power). Auteur en 2005 d'un premier album assez bien accueilli, ce groupe originaire de Brighton n'a pas attendu plus d'un an pour ajouter une ligne à sa discographie puisqu'il revient sur le devant de la scène accompagné d'un sympathique deuxième album... Taillé dans une veine pop/rock légèrement punk, «The Beatific Vision» offre quelques bons moments, même s’il ne se révèle pas à la hauteur du battage médiatique, organisé autour d'une formation présentée, par son propre label Rough Trade, comme la révélation de l'année 2005...
Au gré des écoutes, on retiendra ainsi particulièrement « No Return », un morceau dont l'ambiance funéraire se révélera fort à propos, en plein mois de février, lorsque l'absence de soleil commencera à se faire douloureusement sentir. « Beatrice », titre folk mélancolique, méritera aussi que l'on y pose une oreille attentive tandis que « Beatific Visions » devrait ravir les fans de Belle & Sebastian. Pour le reste, l'ensemble des compositions est de facture très honnête sans pour autant mériter qu'on lui allume un feu d'artifice. Un petit album de fin de saison, agréable, mais qui laisse un arrière goût de trop peu...
La Scandinavie n´a pas fini de livrer ses bonnes surprises. Après avoir essuyé la tornade garage des Hives, qui s’était abattue voici quelques années sur la planète garage, le sixième elpee des Diamond Dogs vient de nous tomber sur la cafetière. La parenté avec le Thin White Duke est cependant faible chez ce combo suédois : on est face à du pur rock & roll juteux, dans la droite lignée des Status Quo et des Faces. « Generation Upstart » ouvre la galette en fanfare et ça ne se relâche pas avant la fin. La moindre ballade (« Where Were You Tonight ? ») est portée par une rythmique puissante, un clavier jamais mièvre et une voix déchirante à faire rougir de honte Rod Stewart. Cerise sur le gâteau, la présence de l´ex-guitariste des Hellacopters, Bobby Lee Fett. Epaulé par Lars Karlsson, il nous gratifie de sonorités de guitare particulièrement bien senties. Une paire de six-cordes puissantes et jamais trop bavardes.
39 minutes sans temps mort pour un disque bien produit et automatiquement emballant, sauf peut-être pour les allergiques congénitaux au rock & roll ! Ca se joue et s´écoute pour le plaisir.
Fondé à l’aide de 3 bouts de ficelle, ce collectif nantais s’était proclamé, à l’origine, ‘fabrique de disque’. FRVsens15 (NDR : prononcez effervescence) nous propose ce double album anniversaire pour fêter ses 5 années d’existence. Une compile réunissant quelques bons éléments tels que The Patriotic Sunday, Audiopixel ou encore Domotic ; des artistes qui s’associent sur certains morceaux ou se remixent les uns les autres.
Des reprises plutôt surprenantes et parfois même amusantes ouvrent ce patchwork musical. A l’instar de l’improbable « Billie Jean » de M. Jackson Opera par The Patriotic Sunday ou « Running Up That Hill » de K.Bush par Thomas Mery & The Desert Fox. Retranscrits de manière fort agréable, ces exercices de style devaient être la base du concept de cette œuvre. Tantôt acoustiques, tantôt folk, les adaptations s’enchaînent et ne se ressemblent pas. L’écoute de ce premier volume du cadeau d’anniversaire, « Pain Perdu», passe très vite, comme tout bon moment que l’on souhaiterait prolonger.
Les associations ne se séparant pas si facilement, le deuxième disque, « Pot Pourri », épingle davantage de travail personnel en proposant des échantillons hétéroclites reliant le hip hop (stuntman5 + Moot & Lisp) à l’électronique (Motenai + l’Orchestre Fantôme). Certaines interventions de cordes (This Melodramatic Sauna) croisent agréablement des mélodies plus synthétiques sans empiéter l’une sur l’autre.
Chacun son laboratoire pour les expériences et tous dans le même lors de l’enregistrement. Un esprit généreux qu’on aimerait revoir plus souvent. Découpé en 20 morceaux, ce double cd vous est destiné si vous aimez l’esprit d’équipe et de partage.
Responsable du lancement de Dave Clarke et Miss Kittin, le label anglais Resist nous propose sa compile ultra bouillante « Sex, Drums and Rock’n’rave », un recueil réunissant les meilleurs groupes, DJ’s et producteurs de l’année 2007 en matière d’électro. Bref, un grand cru… Autant vous dire que les semelles de vos ‘shoes’ risquent de fondre sur les dancefloors, tant ce disque est dansant, vibrant et extasiant.
Un album entièrement mixé et remixé pour une durée d’écoute de plus d’une heure qui vous procure une euphorie totale, vous fait tourner la tête et remuer le popotin. Un seul désir après avoir écouté ce disque : l’arrivée rapide du samedi soir pour se rendre dans une boîte électro bien branchée. Tous les plus grands du moment y figurent ! J’épinglerai cependant une version étonnante d’« Around the world » de Daft Punk et un remix des frères Dewaele du « Standing in the Way of control » de Gossip au sein duquel milite la sulfureuse chanteuse Beth Ditto. Goose, Justice, Fatboy Slim et le superbe remix opéré par MSTKRFT pour le « Two more years » de Bloc Party.
Partagé en 18 titres, cette compile est incontournable pour les accros de l’électro. Et en ce début de mois de septembre qui annonce la fin des vacances, la rentrée scolaire et aussi le retour des ‘Parties’ entre amis, on ne pouvait pas mieux rêver ! Merci Resist ! Et tu nous offres quoi à Noël ?
Soucieux de faire connaître les artistes de leur région, le collectif Star(t)inpop remet le couvert pour la troisième fois en proposant une compile des valeurs montantes de la Cité Ardente. Neuf groupes, rien que ça, viennent poser leurs créations sur la galette. Quelques acteurs étaient déjà de la revue précédente (Virgil, San Remo, Six Is Down, 7evenpm et Championship Manager figuraient en effet sur « Star(t)inpop 2 »). D’autres apparaissent plein de vernis et semblent avoir faim d’expression (Jakob Maersk, 14 Weeks, The Vogues, Bellevogue). Chacun des artistes s’inflige le même exercice : proposer 2 morceaux et le défendre tour à tour en deux salves distinctes. D’influence pop (Virgil, Six Is Down, 7evenpm et Championship Manager), l’album recèle cependant une bonne dose de rock, desservie admirablement par Jakob Maersk et The Vogues. Bellevogue, quant à eux, se démarquent plus dans la douceur d’une folk enivrante. San Remo décollant carrément comme un ovni en proposant une frenchpop un peu à l’écart de l’esprit général de l’album. Au premier passage des neufs groupes, apparaissent déjà quelques petits bijoux (« Smash », « Bedtime Story », « Simplify », « Don’t Love Me »…) Ils creusent l’écart avec d’autres concurrents qui peinent à faire éclat lors de leur premier tour. « Hey Girl », « In and Out » et « Hybrid », entre autres, viennent confirmer la bonne impression que l’on s’était faite lors de la première proposition et laissent présager un futur prometteur aux auteurs. Un peu moyen au premier tour, certains artistes se perdent en fin de peloton et essayent d’émerger tant bien que mal, face au talent indéniable d’une bonne partie des protagonistes. Il y a du bon, du moins bon, du prometteur et de l’excellent. Chacun en tout cas, y trouvera son compte.
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