Patrick Delabie n'en est pas à sa première plaque, bien au contraire : The Acorns, Diablos Innocentos, Bad Influence, sont autant de groupes à inscrire sur son cv de musicien multi-instrumentiste. Roulant sa bille dans le circuit alternatif hollandais depuis une quinzaine d'années, il sort cette fois-ci un album solo, où ses talents de guitariste, batteur et producteur s'entremêlent dans un joyeux capharnaüm digne des artistes les plus fêlés du ciboulot (John Frusciante, Stephen Jones, Syd Barrett, ce genre). Son titre, évidemment, annonce la couleur : on est ici en terrain punk accidenté, entre les déflagrations sonores de Minutemen et les grosses gueulantes de Black Flag. Mais bien plus qu'un simple album à réminiscences " No future ", " I Wanna Be Your Dog " emprunte aussi des chemins de traverse, louchant parfois vers la pop (à la Hüsker Dü) et le planant, et tout cela avec seulement deux bras et deux jambes. Une chose est sûre : cet Hollandais volant est un spécimen rare.
En quatre albums, la musique de cet ensemble insulaire s'est profondément métamorphosée. En outre, le line up du combo est passé d'un quatuor à un quintette. Disparues les références à New Order, Pulp et Mink Deville. Digérées les influences exercées par Scritti Politti, Style Council et les Smiths. Avec pour résultat un nouvel opus essentiellement constitué de ballades mélancoliques, empreintes de quiétude et de tendresse. Des chansons parfois légèrement teintées de soul, de jazz ou de bossa nova, soulignées par le vocal limpide, mais un peu mièvre de Shirley Lee. Seuls les allègres " Scottish pop " et " Julie Chrisitie ", ainsi que le très électrique " The Flaming Lips " (NDR : un hommage ?), démontrent que le groupe n'a pas totalement perdu son dynamisme. Pour enregistrer " A different lifetime ", Spearmint a reçu le concours de Pete Hofman (Gene, Black Box Recorder) à la production. Il est également responsable des arrangements de cordes. Des arrangements qui accentuent la charge émotionnelle des mélodies, dont la nature semble naviguer à la croisée des chemins du Travis contemporain, de l'Everything But The Girl originel et de Trash Can Sinatras…
Combien de groupes peuvent se vanter de faire entrer à nouveau leur excellent premier album (1998) dans les charts à la sortie du deuxième ? Peu. System of a down l'a fait. Tant de monde était passé à côté en son temps ? Ou SOAD est-il réellement la ‘next big thing’ ? Il y a fort à parier. Partant de l'adage : ‘on ne change pas une équipe qui gagne’, " Toxicity " est de nouveau produit par Rick Rubin ; mixé par Andy Wallace, le tout supervisé par Daron Malakian, guitariste de son état et par Serj Tankian, chanteur du combo. Résultat des courses, SOAD vient peut-être de commettre l'attentat bactériologique tant craint. En tout cas toujours engagé politiquement, " Toxicity " est hautement contagieux : pas un moment faible (allez, si : " Chop suey " et j'apprends que c'est un single) ; vocaux toujours aussi délirants, alternants furie, lyrisme et mélodie rendent au final cette plaque exemplaire en de nombreux points. Que se soit au niveau de la cohérence et de l'imprévisibilité des morceaux ou dans une intensité jamais mise en défaut. La plaque coule, harmonieuse, d'une traite. Et que ceux qui les attendaient au tournant aillent se rhabiller, non seulement SOAD confirme sa (son) (in)différence au genre (néo-je sais plus quoi en l'occurrence), mais en profite également pour affirmer la paternité de son style propre. Bref, pour tout ceux qui découvrent : à écouter à plein tubes ; pour les autres, la touche repeat s'use certainement déjà. ‘Jump, pogo…’ ! Hop, Cd de la semaine.
Du line up initial, il ne reste apparemment plus que David Freel, chanteur, compositeur, guitariste et par la force des choses multi-instrumentiste. Pour enregistrer " Everybody wants to know ", il a bien reçu le concours d'un drummer, mais uniquement sur quelques morceaux. Ce sixième opus de Swell est bourré de contrastes. D'abord, il est beaucoup plus électrique. Pas que la guitare acoustique ait été négligée, mais elle est moins présente ; et puis elle n'est plus la seule à sculpter les mélodies, comme à l'époque de " 41 ", dont l'empreinte slo fi était devenue une référence, mais également l'antidote du mouvement grunge. Une bonne moitié des fragments du nouvel opus produisent un groove lancinant, obsessionnel. Et en particulier " Try me ", qui ne dépareillerait pas dans le répertoire d'un combo de néo baggy. " Feed " également. Pulsant, hanté par l'esprit de Dylan (NDR : et son " Lay lady lay ", en particulier) et gorgé de boucles et de samples, il est surtout terriblement excitant. Mais dans le style, c'est " …a velvet sun " qui demeure à mes oreilles le fragment le plus efficace. A cause des injections particulièrement savoureuses de piano sonore et de claviers fluides administrées dans un funk hypnotique digne de MC 900Ft Jesus. Swell n'a cependant pas perdu son art à traduire la complexité de la mélancolie dans une certaine élégance déchiquetée. Et puis de nous envoûter par ses sonorités étranges, ténébreuses, rampantes, brumeuses, écorchées par le timbre vocal de David, capable d'osciller du sardonique au dérangé en passant par le limpide et le fatigué, sonorités qui vagabondent au rythme du battement de cœur…
Drivé par le chanteur/harmoniciste Wally ‘Sweet Daddy’ Greaney, ce quartette implique également le guitariste Mark Easton, le bassiste Lee Kullkowski, et le drummer Barry Easton. Greaney a joué en compagnie de Matt ‘Guitar’ Murphy et au sein du John Kay & Friends (NDR : dont le leader n'était autre que le célèbre vocaliste de Steppenwolf).
Cet elpee a été enregistré live au Theodore's Night Club de Springfield, dans le Maryland. Le 26 août 2000. L'harmonica mène le tempo devant une section rythmique qui libère une fameuse dose de groove. Wally avoue pour références James Cotton et Paul Butterfield. Heureux choix! Et il ne fait guère de doute qu'il soit également un fervent admirateur de Rod Piazza. Ce qui explique ainsi pourquoi il ouvre le feu par "Chicken Boogie", du même Piazza. Composé par Kim Wilson, "Don't bite the hand that feeds you" dégage beaucoup d'énergie. La voix n'est pas charismatique, mais s'inscrit dans le style propre au Cool Breeze, qui enchaîne par une bonne version du classique "Crosscut saw". Ce groupe comptait déjà deux albums à son actif : "Don't pass me fly" paru en 1993, et très curieusement, un "Live in France" (NDR : enregistré à Poitiers et Cahors), en 97. Le rythme ralentit pour aborder "Evil". Un blues lent signé Muddy Waters. Il vire ensuite au funk dès "Somebody" de …Rod Piazza, au cours duquel les cordes de Mark s'échauffent. Le guitariste semble bien à point pour engager "Teach me how to love you". Le rythme persiste tout au long de "Boogie man" de Leon Russell. L'inspiration sait aussi se faire proche de Chicago. A l'instar de "Hook", de "Party all alone" et de la finale, " Cross my heart", une reprise funky de la composition de Sonny Boy Williamson.
Susperia n'est autre que le groupe de l'ancien batteur de Dimmu Borgir. Une référence qui aura incontestablement un certain poids sur sa carte de visite. "Predominance" s'inscrit donc en toute logique dans la tradition des groupes de black métal mélodiques et symphoniques. Ici, comme sur le dernier Dimmu Borgir, l'alternance entre les parties brutales et mélancoliques se fait sans le moindre heurt ; et plus encore, apparaît d'un naturel incontestable. On pense souvent également à Immortal ou à Satyricon. Alors que le groupe alterne vocaux hurlés et chant clair dans un contexte où le break est prédominant, des riffs inhabituels surgissent quelquefois au beau milieu de cette furie black métal. Discrètes, les interventions de claviers donnent une petite touche moderne au son de l'ensemble, renforçant le côté mélodique des dix compositions qui méritent d'être saluées, sans pour autant détenir le potentiel réservé aux classiques du genre. "Predominance" sort d'une certaine convention par une furieuse envie de convaincre, mais est loin d'être absolument indispensable. Un bon album tout simplement.
Un titre d'album pareil est une aubaine pour le critique blasé qui trouve que les punks font toujours la même chanson : en deux phrases bien torchées, le tour est joué, et les Supersuckers sont relégués au fond du bac à soldes, puisque leurs chansons " se ressemblent toutes ", et n'ont donc aucun intérêt. Seulement voilà : les Supersuckers n'ont rien d'un groupe à la formule facile, copiant leurs aînés Sex Pistols et Buzzcocks en changeant deux ou trois accords pour le principe. En lorgnant parfois du côté du hard rock eighties un peu bourrin mais fort jouissif, ils arrivent ainsi à tenir tête à Lemmy et à sa bande, dont ils reprennent d'ailleurs ici le faramineux " Sex & Outrage ". Mais là où ils surprennent tout le monde, c'est en donnant leur version rageuse et décalée du " Burnin'Up " de… Madonna, le silicone en moins mais la testostérone plein les poches. Les Supersuckers n'ont donc aucun scrupule, et cela fait plus de dix ans que ça dure. Ce CD contient en fait les premières démos du groupe, sorties à l'époque (circa 1990) sur différents petits labels et aujourd'hui rassemblées sur une seule galette, pour notre plus grand plaisir. On y décèle déjà les ingrédients qui ont fait leur succès à travers les années 90 ; c'est à dire du son bien garage aux mélodies accrocheuses. Seul bémol à cette entreprise de réévaluation (en attendant leur live, " Must've Been Live ") : le dernier morceau, " Razzmanazz ", se résume à une longue suite de larsens susceptible de dégoûter même les fans du " Metal Machine Music " de Lou Reed. C'est peu dire !
Si vous êtes un nostalgique de la musique des eighties ; et en particulier de sa new wave électronique qui a donné naissance aux Human League, Duran Duran, Ultravox, Depeche Mode, Scritti Politti, New Musik et consorts, vous apprécierez le deuxième opus de ce sextuor danois, de Skive pour ne rien vous cacher. Un album qui fait la part belle aux synthés analogiques, aux mélodies accrocheuses et aux beats imparables ; le tout dominé par la voix haut perchée de Thomas Troelsen. Certaines compositions incorporent même des accès d'électricité bien saignants, presque noisy, histoire de donner encore davantage de tonus à cette néo new wave plutôt kitsch mais tellement rafraîchissante…
A l'instar de Guided By Voices, Superchunk est probablement une des formations les plus brillantes et les plus méconnues de la scène indépendante yankee. Ce qui ne l'a pas empêché d'enregistrer la bagatelle de huit albums ainsi qu'une flopée de singles et d'Eps, en onze années d'existence. Pour produire ce " Here's to shutting up ", le groupe de Chapel Hill (NYC) a eu la bonne idée de rappeler Brian Paulson (Uncle Tupelo, Wilco, Jayhawks); c'est à dire le même personnage qui avait mis en forme " Foolish " en 1993. Une œuvre qui coïncidait justement avec leur changement d'orientation musicale. Sans pour autant tomber dans la country (hormis peut être " Phone sex ", sur lequel John Neff de Japancakes vient donner un coup de pedal steel), il est parvenu à donner un feeling beaucoup plus acoustique à ce disque, tout en apportant davantage de soin aux arrangements. Et la présence de Heather McIntosh (également de Japancakes) au violoncelle et de la violoniste de White Light, Anna Balka, y sont également pour quelque chose. Sans oublier les claviers qui créent une véritable toile de fond à cette tapisserie sonore assez complexe, où s'entremêlent fils mélodiques et sensibilité pop contagieuse, entretenue par le timbre vocal limpide de Mc McCaughan. Indispensable si vous aimez Grandaddy, Yo La Tengo et bien sûr Guided By Voices…
James ‘Super Chikan’ Johnson est âgé de 50 ans. Il est né dans le Mississippi et y vit toujours. A Clarksdale, très exactement. Il a toujours été fasciné par les poules que ses parents élevaient. C'est ainsi qu'il fut baptisé Chikan Boy. Il réserva la plus grosse partie de son existence à conduire des taxis, des camions et à labourer les champs sur un tracteur. Aujourd'hui, James chante, joue de la guitare, du piano, de l'harmonica, et puis surtout compose avec beaucoup d'humour, des chansons dont les lyrics traitent le plus souvent de ses chères poules. Il est accompagné par Dione et Harvell Thomas des Fighting Cocks, à la section rythmique.
Son 1er album remonte à 1997. Il est sorti sur Rooster Blues, et s'intitulait "Blues come home to roost". Le second, "What you see" est paru en 2000, sur Fat Possum. Les compositions sont imprimées sur un rythme obsessionnel. James chante d'une voix bien assise et distille des phrases découpées au couteau. Sans être trop amplifiée, la guitare possède suffisamment d'écho et de réverbération. Elle donne d'excellents résultats sur "Guilty man" et "Don't mess with the blues". "Mennonite blues" concède une 1ère pause dans le rythme. Un blues lent assez déroutant. "Bus-train-rain" n'est pas vraiment un blues. La batterie reproduit le tempo du train. Les interventions de guitare sont assez surprenantes. Le rythme hypnotique, légèrement funky, envahit "Staingy wid it". Les petits motifs gallinacés reviennent régulièrement. A l'instar de "Could have been me" ou de "Junky trunk". Super Chikan passe au piano sur "Marry me". Un changement judicieux qui traduit la variété de l'album. Il chante ainsi le rock'n'roll boogie, seul devant son piano, à la manière d'un Jerry Lee Lewis. Pour aborder "Wrong to sing the blues", il souffle dans son harmonica. La basse dessine un motif simple. Elle soutient la guitare qui peut ainsi libérer des motifs très bien construits. L'album se referme par plus de 8' de boogie. C'est également la plage titulaire…
Tout comme R.E.M., les B52's et Magnapop, Summer Hymns nous vient d'Athens, en Georgie. Un quintette responsable d'une musique fort originale, vaguement psychédélique, fruit d'un subtil mélange de pop, de jazz, de folk, de country, de rock, de gospel, de garage et de muzak. Imaginez un peu un Grandaddy qui aurait beaucoup écouté " Ruth is stranger than Richard " de Robert Wyatt, " Harvest " de Neil Young et " Another green world " de Brian Eno. La voix de Zachary Greshan possède même un timbre aussi plaintif et sudiste que celui de Jason Lytle. En outre, les deux formations manifestent un feeling rural typiquement yankee. " A celebratory arm gesture ", constitue le deuxième opus de Sumer Hymns. Un disque à la beauté austère et à la magie brumeuse, dont les mélodies tissées dans une instrumentation luxuriante (xylophone, trombone, clarinette, banjo, violon, flûte, lap steel, harmonica, piano, claviers aux sonorités pourries, guitare électrique et acoustique, basse, drums, percussions, samples, synthés, etc.) et raffinées par les arrangements impeccables, ondoient et tourbillonnent sans fin… Superbe !
Quel philanthrope ce Mike Muir ! Voilà donc sa conception d'une compile : une dizaine de titres de ses différents projets (Suicidal bien sûr, Infectious Groove, Sarsipius), complétés par 10 autres plages partagées entre d'obscurs groupes, se réclamant d'une manière ou l'autre de Suicidal Tendencies et de ses dissidences. Au risque de me faire fusiller par Muir, on ne m'enlèvera pas de la tête l'inutilité d'une telle démarche (tout au moins avec ce résultat). En effet, Suicidal ne nous réserve qu'un seul véritable inédit ; le reste ayant été puisé au sein de travaux antérieurs. Quant à ceux qui partagent l'affiche, aucun ne sort concrètement du lot (Missil Gul Scoot, Zen Vodou, My head, Creeper). A l'évidence le punk énergique de Suicidal inspire différemment tout ces artistes, chacun abordant un style de musique différent (punk, ska, indus…). Mais bon, pas de quoi sauter au plafond. On préférera donc nettement les originaux.
Jim est un solide guitariste de la banlieue de Dallas. Un spécialiste de la slide. Il compte déjà plusieurs albums à son actif : "Radio Mojo" en 93 et "Shake" en 95 ; sans oublier deux œuvres issues de collaborations différentes. La première menée sur "Let the dogs run", en compagnie de Mike Morgan. Et tout dernièrement celle qu'il a réalisée avec Alan Haynes, sur "Live at Blue Cat Blues". Il est également devenu, depuis plusieurs années, le 2ème guitariste des Destroyers de George Thorogood. Il a d'ailleurs participé au "Live in '99". Et cela s'entend !
La production est signée Jim Gaines. Suhler débute par "Deja Blue". La présence de l'accordéon de Tim Alexander, invité de marque, lui confère un son très tex-mex. Dopée par une rythmique qui porte le tout, ce titre fait mouche. "Don't do it" donne un coup d'accélérateur. Tim est passé au piano prodiguant des accents boogie à cette solide composition. La rythmique du Monkey Beat est en acier. Paul Hollis, qui a joué dans le Crawl de Mike Morgan, est aux drums, et Carlton Powell (un ancien du Smokin' Joe Kubek Band) est à la basse. "Bad stretch of road" manifeste une même intensité de rythme. Jim a enfin sorti son bottleneck. La slide commence à rugir. Sa manière de jouer la slide est assez violente, le plus souvent sur un rythme élevé. Son chant dialogue avec les glissements du bottleneck. Une technique qui me rappelle le regretté Irlandais Rory Gallagher, et qu'il applique sur "Restless soul". Je n'ai donc pas été surpris de voir mentionner que cette plage est effectivement dédiée à la mémoire de Rory, sur les notes de pochette. Tout au long de "Scattergun", la slide arrache. Primaire, elle dégage tout sur son passage, rappelant au passage le grand Hound Dog Taylor. Un exercice de style parfaitement réussi ! Jim a réalisé un album varié. Le côté tex-mex se rappelle à notre bon souvenir sur "Evangeline". Il est aussi capable de ralentir son tempo. Comme sur la ballade "Prayin' for rain" et surtout sur le superbe blues lent, "Sure as the sun rises". Un titre mené à la manière du Stevie Ray Vaughan des grands jours. Cet opus s'aventure également dans la rock music. Notamment sur le percutant "Lover's curse" qui, trempé dans l'orgue Hammond, ne navigue pas tellement loin du monde de Carlos Santana. "Bad Juju" se referme par "I.O.U". Un blues acoustique typiquement delta. Jim Suhler vient de commettre, à ce jour, son meilleur album. Et rien que sa maîtrise à la slide sur "Under the gun", vaut le détour ! Aux dernières nouvelles, il aurait mis en boîte un album acoustique…
Le Stud est de retour ; mais il a changé de label. John Grimaldi est né en 52 à Chicago. Tout jeune, son plus grand plaisir était de manger les véritables sandwiches au corned beef dans Maxwell Street. C'est là aussi qu'il tombe sous le charme du blues, à l'écoute de l'harmoniciste Big John Wrencher. Sa 1ère voiture est une Studebaker Lark. Vous aurez donc facilement deviné l'origine de son surnom.
Il y a bientôt 30 ans qu'il mène son groupe ; et " Holin'the wolf " constitue son 8ème album. Un disque qui ne réunit que des compositions personnelles. Sorti sur Blind Pig, son dernier opus, "Time will tell", date déjà de près de 4 ans. Inspiré par Hound Dog Taylor et J.B Hutto, John se partage entre l'harmonica et la slide guitare.
En ouverture, "Burned by love" fait immédiatement mouche. L'orgue de Pat Brennan colle à la section rythmique pendant que John sort un bijou de solo sur sa guitare. Tout d'abord de manière classique, puis en finale lorsqu'il ajoute son fidèle bottleneck. "End to the lies" s'inspire de l'une de ses références, Otis Rush. A la rythmique, Joe Zaklan donne un maximum de réverbération à ses cordes. Stud sort enfin son harmonica chromatique pour entamer son "Juke joint jump". Un fragment largement inspiré par Little Walter. Très jump dans la démarche, l'exercice est brillant. Sur "Nothing to nothing", la section rythmique trace un tempo ralenti, menaçant. John y libère un harmonica tout à fait ravagé. "Harpology" est un excellent exercice instrumental, une nouvelle fois abordé dans l'esprit des grands souffleurs de Chicago. Il est décidément insatiable sur "Don't take it", un morceau délicieusement rock'n'roll, au cours duquel Brennan est passé au piano. Mais c'est sans aucun doute à la guitare que l'artiste fait la loi. Nouvelle occasion donnée à la slide de s'extérioriser, "Rich man" adopte un son très métallique, inspiré par Hound Dog. Une rythmique très rock parraine le très dense "Don't know what you do". Tous les doigts de pied frétillent d'aise ! Le paresseux "Lock & chain" laisse transpirer l'émotion des grands sliders d'hier. J'apprécie beaucoup Studebaker John ; et ce n'est pas ce nouvel album qui me fera changer d'avis.
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