Ne pas confondre Him et Him. La première formation, et la plus intéressante, a été fondée par Doug Sharin en 1995, un musicien qui avait sévi chez Codéine, June of 44, Rex et collaboré au projet " Direction in Music " de Bundy K Brown. La seconde, et celle qui nous concerne, nous vient de Finlande. Un quintette qui a certainement dû beaucoup écouter Sisters Of Mercy, Mission et consorts, pour concocter une telle musique. Sous sa version limitée, l'opus propose un disque supplémentaire enregistré " live ". Six titres extraits de leur set accordé lors de la dernière édition du festival de Werchter. L'album studio en recèle douze. Douze compositions qui, nonobstant certains accents métalliques empruntés à Madrugada ou à Kent (NDR : Scandinavie oblige !), manquent d'originalité et surtout de relief. En outre, à l'instar du dernier opus de Placebo, son architecture sonore est beaucoup trop gothique à mon goût…
Ce n'est pas moi qui le dit, mais la bio de ce groupe : ‘For fans of : Sleep, Godflesh, Iron Monkey, Eyehategod, Sabbath...’ Que du léger, n'est-ce pas ? Pour ma part j'ajouterai Melvins. Pour le chant surtout. Car la voix du leader de High On Fire ressemble à celle de Buzz Osbourne. Une voix lointaine, plaintive, étouffée. Une voix emprisonnée par une section rythmique où il est inutile de chercher le salut. Le batteur martèle inlassablement ses fûts, sans le moindre ménagement. Le bassiste enfonce le clou, encore et encore. La lourdeur est devenue le remède ultime ! Et pour mieux compléter cette vision d'apocalypse sonore, le guitariste ne réussit apparemment pas à s'échapper de l'incessante furie qui se dégage de ces 6 (longs) titres. Il n'existe aucune échappatoire, excepté la ‘self defense’, extraite du titre de cet Ep. La musique comme miroir, comme adversaire, comme double. Comme quelqu'un dont il faut se protéger en retournant contre lui-même ses propres armes, High On Fire pousse sa musique - et se pousse - dans ses derniers retranchements. La question est de savoir qui flanchera le premier ?
José Angel Hevia est un musicien espagnol qui jouit d'une solide réputation en Hongrie, en Italie et bien sûr dans son pays. Il joue de la flûte, siffle, programme, mais surtout souffle dans toute une série de cornemuses, dont une électronique. Pour enregistrer cet opus, il s'est entouré d'une véritable armée de collaborateurs. Qui se partagent instrumentation conventionnelle, mais également ethnique. Sans oublier la participation ponctuelle de l'Orchestre Symphonique de Prague avec chœurs slaves et tout le saint tremblement. Bref, un contexte idéal pour permettre la confection d'une œuvre de world music intéressante. On est loin du compte ! Pire, on a parfois même l'impression d'avoir déjà entendu ce genre de soupe sonore, dans un supermarché…
Lorsque Alan Mc Gee a quitté le label Creation, on se demandait bien ce qu'il avait derrière la tête. D'autant plus qu'il en était le patron. Et que son entreprise était plus que florissante. En fait, il ne pouvait plus supporter que des objectifs purement financiers brident l'initiative artistique. Que sa vocation de dénicheur de talents soit sacrifiée sur l'autel de la rentabilité commerciale. Ce passionné de musique indie a donc décidé de remonter un nouveau label : Wichita. Débauchant au passage ses deux plus fidèles acolytes : Dick Green et Marc Bowen.
Les premières signatures, il les a recueillies aux States. En Californie, dans la région de San Francisco, pour être plus précis. Bright Eyes et Space Holiday ont ainsi rejoint sa toute nouvelle écurie. Et croyez-moi, Alan a encore tapé dans le mille. Her Space Holiday est avant tout le projet de Marc Bianchi. Normal, puisqu'il y fait pratiquement tout. Avant de se lancer dans cette aventure, il avait cependant sévi au sein de plusieurs ensembles hardcore. Et notamment Kong et Indian Summer. Ce n'est que depuis 1996 qu'il s'est mis en tête de faire table rase du passé et de travailler en solitaire. Lui, sa guitare, sa voix et ses machines.
" Home is where you hang yourself " constitue le résultat de ses expérimentations. Un album, ma foi, plus que réussi. Dont les lyrics, à la fois existentiels et poétiques, traduisent son mal de vivre. Ou plus exactement les problèmes relationnels et affectifs qu'il rencontre avec sa copine, Keely. Et en acceptant qu'elle participe à son projet, il a encore compliqué les choses. Doit être maso le mec ! Ou alors nous sommes en présence d'un être qui a besoin d'être torturé pour trouver l'inspiration… Côté musical, HSH nous entraîne, à l'instar de Spiritualized, dans un univers atmosphérique, cosmique, psychédélique, au sein duquel l'instrumentation électronique et acoustique (NDR : chic !) se mêlent sans jamais se heurter. Un univers tapissé de climats tour à tour tendres, mélancoliques, pulsants, hypnotiques, opiacés, et empreint d'une grande profondeur émotionnelle…
Et une compilation de plus consacrée à Jimi Hendrix! Double de surcroît. Enfin, sous son édition limitée. Et c'est justement l'opus à la disponibilité réduite qui me paraît le plus intéressant, puisqu'il recèle deux versions ‘live’ inédites : " I don't live today " et " Purple haze ". Evidemment, tout aficionado du mythique et défunt guitariste possède déjà ces enregistrements. Réalisés sous d'autres cieux, c'est vrai. Et qui ne diffèrent guère de ceux qu'il détient. Gravés sur vinyle, il est plus que probable. D'accord, le premier morceau de plastique contient vingt morceaux et le bonus CD des fragments plus difficiles à se procurer. Et en particulier la cover du " Gloria " du Them. Mais franchement, je vois mal les inconditionnels de Jimi se trouer le cul pour deux morceaux (Merci à Le Lim pour la formule !)
Bugs Henderson est une légende vivante. Mais chez lui, du côté de Dallas au Texas. Bugs a, sans nul doute, plus l'âme d'un rocker que celle du bluesman. Au cours des 60s, il avait d'ailleurs drivé un petit rock band qui répondait au nom de Mouse & the Traps. Mais, avant toute chose, Bugs est un guitariste, un magicien de la six cordes. Il est d'ailleurs capable de s'exprimer dans tous les registres. Bugs a déjà sorti un nombre imposant d'albums live, dont le meilleur demeure, à mon humble avis, "American Music".
Ce double live a été enregistré au Meisenfrei Blues Club de Brême, en Allemagne. Il est entouré de sa jeune section rythmique. C'est à dire, Keith Jones à basse, et son fils, Buddy Henderson, aux drums. Il parcourt ici le contenu de nombre de ses albums studio. Comme je vous le disais plus haut, la part est belle aux instrumentaux. A l'instar de sa version du célèbre "Hide away". Ou de medleys réservés à des figures mythiques de la guitare, telles les Ventures et Link Wray. Et puis et surtout ses propres créations, sur lesquelles il peut faire rugir de plaisir ses cordes dans des registres aussi variés que "Daredevils of the red guitar" ou "Big D shuffle". Bugs chante aussi, crie souvent de sa voix de Bad Boy. Son blues rock puissant est capable de colporter des versions pas piquées des vers. Telles que le blues de Freddie King "It ain't nobody's business", le surprenant et agressif "Got my mojo working", sans oublier "Outside woman blues" d'Arthur Reynolds que jouait The Cream à ses débuts. Certaines de ses compositions passent aussi très bien le cap de l'examen live. Par exemple "Heartbreak gumbo", "Lost in the shuffle", "Blue casino" et "Honey Mama".
Enregistré à Tenerife, le Helloween nouveau marque une rupture totale avec les désastreux "Chameleon" et "Metal Juke box" ; confirmant que les musicos teutons ont retrouvé cette envie de surprendre, comme à la glorieuse époque des deux "Keepers of the seven keys". Mais qui se souvient encore aujourd'hui du groupe à la citrouille qui marchait dangereusement sur les plates-bandes d'Iron Maiden au beau milieu des années 80 ? Précurseur de la vague ‘true metal’ revendiquée par les Angra, Stratovarius et autre Hammerfall, Helloween n'avait d'autre choix que de sortir un album innovateur et irréprochable sur le plan de la créativité. Pari réussi ! Surtoutaprès un passage à vide qui aura duré près d'une décennie. Pour opérer cette métamorphose, Andi Deris et compères ont fait appel à deux spécialistes de la production et du mixage du rock lourd. Roy Z (Maiden, Halford) et Charles Bauerfeind (Motorhead, Saxon) ont effectué un travail de titan ; si bien que cette nouvelle livraison possède un réel potentiel. Et si on laisse à Helloween la chance de le développer en toute sérénité, la citrouille allemande ne sera plus sujet à plaisanterie dans les mois à venir. Album aux multiples facettes, "The Dark Ride" pourrait bien renvoyer toute une flopée d'imitateurs à leurs études.
Trois albums ont suffi à The Hellacopters pour s'imposer en leader incontesté de la nouvelle génération des groupes scandinaves de rock n' roll sauvage (Gluecifer, Backyard Babies, Entombed...). Influencés par MC5, les Stooges, Motorhead et les Ramones, les déjantés de Stockholm, grands amateurs de disques vinyles, ont voulu rendre hommage au rock, au vrai, dans le respect des traditions, mais avec folie et sauvagerie. Pourtant, "High Visibility" laissera un goût amer dans la bouche des fans hardcore du combo furieux. A l'instar d'un Paradise Lost, Hellacopters a perdu un peu de son âme en signant avec un major. Mais là où le groupe gothique avait réussi sa mutation avec une certaine classe, Hellacopters se plante lamentablement. Le son crade, garage et agressif, qui faisait tout le charme des trois premiers albums, a fait place à une production lissée, insipide et beaucoup trop propre pour le rock turbo de cette formation suédoise qui avait embrasé le public du Dour festival en 99. Pas une seule des treize nouvelles compositions n'arrive à se démarquer de ce tristounet "High Visibility". Quelle déception !
La sortie du douzième album studio d'Iron Maiden affole la terre entière ! Celui-ci marque le retour officiel du chanteur Bruce Dickinson, après sept ans d'absence, et un virage solidement pensé pour permettre à la vierge de fer de passer le cap de l'an 2000, comme si rien n'avait changé depuis le split de 1993. Car Blaze Bailey, malgré sa bonne volonté, n'est jamais parvenu à faire oublier le beau Bruce. Si " Brave new world " ne possède pas la force d'un " Number of the Beast ", il n'en demeure pas moins le meilleur effort de Maiden depuis " »Seventh Son of a Seventh son ". Alternant les titres ultra heavy (« Ghost of the Navigator », « The Mercenary ») et les longues plages épiques, parfois proches du rock prog si cher à Steve Harris (« The Nomad »), la nouvelle plaque bénéficie d'une production énorme qui renforce encore l'impact des quelques vrais classiques qui jalonnent ce ‘meilleur des mondes’. Et même si l'emblématique mascotte Eddie se fait de plus en plus discrète sur les artworks du groupe, l'objet bénéficie d'une somptueuse pochette cosignée par Derek Riggs, géniteur du plus populaire zombie de toute l'histoire du rock. Quant à Dickinson, dont le timbre vocal a influencé toute la nouvelle génération de la scène dite de ‘true métal’, on peut légitimement se poser la question de savoir s'il a déjà aussi bien chanté. Un retour avec panache, sur le plan artistique du moins, sans aucune contestation possible. Le british heavy métal, moribond dans les années 90, sort aujourd'hui la tête haute ! Qui oserait parier que Rob Halford ne rejoindra pas les ‘Gods of métal’ de Judas Priest dans les mois à venir ?
Une basse ronflante, une batterie répétitive, des guitares discrètes mais acérées et une voix déclamée sur un ton relativement neutre constituent l'ossature des morceaux de cette plaque. S'il fallait classer Ink dans une catégorie, les possibilités seraient réduites. Post rock ? Rock délicat ? Une chose est sûre, on s'y énerve très peu. Tous les ingrédients d'une musique contemplative et rêveuse sont ici réunis. Les paysages traversés seraient à coup sûr désertiques. Ou alors jalonnés de rencontres décalées et toujours hors du commun. On cherchera l'originalité majeure dans l'utilisation judicieuse de cuivres qui colore l'ensemble d'une dimension de voyage, d'un éternel va-et-vient géographique. Je recommanderai donc cet opus à ceux qui ne se sont toujours pas remis du split de June of 44' et qui jugent Tarwater trop abyssal et hermétique.
Si vous aimez la britpop, et en particulier Radiohead, Muse et Coldplay, vous ne pouvez passer à côté du premier album de JJ72. Un trio irlandais qui possède, bien évidemment, un excellent chanteur : Mark Greaney, dont le timbre est capable d'osciller du rugissement le plus furieux, le plus guttural, au falsetto le plus pur, le plus angélique. Dans cette voix, il y a un peu de Thom Yorke, de Jeff Buckley, de Feargal Sharkey, d'Andrew Montgomery (Geneva) et de Matthew Bellamy. Excusez du peu ! Il joue aussi de la guitare. Acoustique ou électrique. Du bout des doigts, il est ainsi capable de sculpter des accords tellement fragiles, tellement délicats, qu'ils parviennent à se fondre dans les orchestrations de cordes. Mais aussi et surtout de libérer une intensité émotionnelle âpre, dévastatrice, infernale, en s'appuyant, il est vrai, sur le drumming opulent, explosif de Fergal Matthews. A charge de Hilary Wood de ramener tout ce beau monde sur terre, à l'aide de ses accès de basse glacées, joydivisionesques. Un véritable cocktail d'innocence, d'instinct et de sauvagerie qui palpite avec passion, colère et désespoir au cœur de mélopées versatiles, torturées par la poésie post adolescente de Mark. Et pour être complet, sachez que la production a été assurée par Ian Caple, personnage qui avait notamment travaillé sur l'album " Pe-Millennium Tension " de Tricky, en 1996.
Originaire de New York, ce bluesman est basé au Texas depuis 1977. Il est surtout connu pour son blues largement acoustique. Je lui connaissais 4 albums dont l'excellent "Art & grit" en 96 et "Two track mind" en 97, sortis sur Antones. Pour enregistrer ce nouvel album, il s'est entouré d'une brochette de musiciens venus d'univers bien différents. Certains sont largement connus comme le guitariste/mandoliniste Alvin Youngblood Hart et l'harmoniciste Gary Primich. D'autres beaucoup moins. Notamment le bassiste Mark Rubin ou Cindy Cashdollar d'Asleep At the Wheel, au dobro et à la guitare hawaïenne.
Steve respire le blues pur. On s'en rend compte dès les premières notes de "Galway station blues". Il joue superbement de la slide, comme le démontre l'instrumental "The Gina reel". La majeure partie de l'œuvre exhale une certaine quiétude. Faut dire que la musique de James évolue bien dans l'esprit du country blues. Et dans le style, j'aime "Country fool" de Bo Carter et "Saturday night in jail", abordée sous la formule du jug band. Avec slide, mandoline, guitare hawaïenne, harmonica et le tuba de Mark Rubin (des Bad Livers) qui trace les lignes de basse. Plus agressif, "Sonny Payne" est chanté de manière autoritaire, alors que l'harmonica de Primich ne tient plus en place. De bonne facture, cet album plaira à ceux qui aiment Furry Lewis, Mississippi John Hurt, Bukka White, Skip James ou Son House.
Bleu est chanteur, guitariste et compositeur. Il crèche à Johnson City, dans l'Est du Tennessee. Il a écrit pour Johnny Winter, Sonny Burgess et Sam Lay. La série "Good whiskey blues" de Taxim nous avait permis de le découvrir. Et notamment sur "Gone this time", "Tennessee tango" et "Blue Highway". Sorti en 1995 sur Taxim, ce dernier opus avait d'ailleurs été enregistré en compagnie de Billy C. Farlowe. Il est ici secondé de la célèbre bande à Freddie James, un autre illustre pensionnaire de Nashville, Tennessee.
La voix chaude et graveleuse de Bleu nous entraîne dans "I gotta leave this rown". Les accents basiques et dramatiques du blues nous annoncent "Got that feeling", théâtre d'escarmouches entre les cordes de Bleu et de Fred, avec une slide tranchante, mordante. Le prix de la mélodie ; une bonne louche de sirop à la clef est remporté par "I believe in your love" Serrez bien votre partenaire! Réaliste, efficace et réconfortant! La sonorité est plus roots, sans amplification, sur "Back into the blues". Même ambiance, mais avec l'électricité raccordée au dobro, pour "Where have you been so long?". Et toujours un bon bottleneck pour présider l'ambiance sereine de "Bedrock bottom". Le climat est assez sudiste sur "I need you". L'orgue Hammond donne son parfum. La voix assurée de Bleu porte cette plage très laidback. Même scénario pour "Bringin' the blues to you", avec une intensité plus dramatique! L'empreinte de Fred James est totale sur "Feel that thrill". C'est le frisson électrique qui assomme ! J'aime beaucoup cet album qui se termine par "500% more man" de Bo Diddley, une composition qui emprunte le célèbre riff d'"I'm a man". La musique est sans prétention mais bien ficelée. L'ennui, c'est que Fred James, le producteur, a une très sérieuse tendance a faire sonner tout musicien comme ... Fred James...
Six titres sur le mini album de June of 44, formation qui cherche à combiner le rock aventureux, le jazz expérimental et l'ambient évanescente. Six titres exclusivement instrumentaux qui naviguent à la croisée des chemins de Tortoise, Tangerine Dream et de Trans Am...
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