Bob ne nous avait plus donné de nouvelles depuis 7 ans, lorsqu’il avait enregistré un album (« The evangelist ») en hommage à Grant McLennan, son fidèle compère chez les Go-Betweens, décédé d’une crise cardiaque en 2006.
Pour enregistrer cet opus, il a reçu le concours de deux membres du John Steel Singers, mais aussi de son épouse, en compagnie de laquelle il partage notamment le chant (« Songwriter on the run »), un peu à la manière d’Amanda Brounsch, fin des 80’s, chez les Go-Betweens ; et puis de son fils, préposé au violon. Un violon qui communique une belle allégresse à la chanson qui ouvre cet elpee, l’entraînant « Learn to burn ». Un LP enregistré sous la houlette de l’ingénieur du son Jamie Trevaskis, en analogique, et dont le titre (« Song to play ») adresse, bien sûr, un clin d’œil à Léonard Cohen. Si l’opus propose des titres plus mélancoliques, au sein desquels l’instrumentation acoustique est davantage mise en exergue, il recèle également des compos bien moins conventionnelles. A l’instar de l’épique « A poet walks », une piste balayée de cuivres mariachi et des violons gémissants. Puis de « Love in where it is », un morceau entraînant, imprimé sur un rythme de bossa nova. Sans oublier le final ‘velvetien’ « Disaster in motion », caractérisé par ces cordes de gratte acoustiques dispensées sur une tempo hypnotique, et infiltré par un filet de clavier vintage.
Un coup de cœur quand même : « Let me imagine you », une romance lumineuse, fragile, contagieuse, qui mêle habilement instrumentation acoustique et électrique.
On n’en oubliera pas pour autant la voix chaude et empreinte de sensibilité de Robert Forster qui donne ici vie à des textes ironiques, riches en métaphores…
Fondé en octobre 1993, K's Choice est un groupe issu du Nord de la Belgique. Sarah et Gert Bettens sont frère et sœur et constituent sa colonne vertébrale. Son premier opus remonte à 1994 et s’intitule « The Great Subconscious Club». En 2002, l’aventure a été mise entre parenthèses, pour laisser place à des projets solos. Et elle a repris son cours en 2009. « The Phantom Cowboy » constitue ainsi son treizième elpee studio. Un disque qui a bénéficié de la mise en forme d’Alain Johannes (Queens Of The Stone Age, PJ Harvey, Artic Monkeys, Them Crooked Vultures). Des sessions qui se sont déroulées au studio d'Asheville (NDR : c’est dans les Appalaches, en Caroline du Nord) et dans des conditions proches du ‘live’.
Dès « As Rock And Roll As It Gets » on retrouve les guitares saturées et les drums puissants qui alimentent le grunge/garage/rock spécifique à la formation. Mais si le son est bien rond, certaines mélodies se distinguent par leur âpreté. D’une durée de moins de deux minutes, « Come Alive » doit autant aux Ramones qu'aux Stooges. Groovy, « Woman » lorgne à la fois vers Lenny Kravitz et Aerosmith.
Balayé par de soli de grattes, « Perfect Scar » pète littéralement des flammes. Des cordes graisseuses, réminiscentes d’AC/DC, bitument « Gimme real ». Paru en single, « Private Revolution » a précédé la sortie du long playing. « The Phantom Cowboy » macère dans le blues. Terriblement efficace, « Down » est déchiré entre punk et métal. Un titre plus pop quand même : « We Are The Universe ».
Si vous appréciez le rock pur et dur, sans la moindre fioriture, « The Phantom Cowboy » devrait vous botter…
« Drones » constitue le septième elpee de Muse, un disque qui a été coproduit par le trio et Robert John ‘Mutt’ Lange (NDR : c’est lui qui a mis en forme le dernier opus d’AC/DC). Une empreinte qu’on ressent très fort sur le franchement heavy « Reapers », une piste caractérisée par des accords de guitare bourrés de testostérone. Découpé en 12 pistes, l’LP recèle bien sûr le single « Dead Inside », paru en mars dernier. C’est le morceau qui ouvre l’opus.
La musique de Muse est taillée pour les stades et les grands festivals. Un concept qui agace ses principaux détracteurs. Le combo avait promis un retour aux sources. Un style plus métallique, nerveux, explosif même. Des lyrics sombres et engagés, également. Faut dire que Matthew est convaincu qu’il existe des conspirations, des sociétés secrètes et souscrit à la théorie du complot. Des thèmes qui l’inspirent pour écrire ses chansons.
Caractérisé par ses riffs de gratte sauvages et le vocal de Matt au bord du délire, « Psycho » écrase tout sur son passage. Une voix qui lorgne carrément vers Marilyn Manson sur « Dead Inside », un choix pas nécessairement judicieux et qui peut même s’avérer irritant en fin de parcours. Elle devient opératique sur « Defector » et s’identifie à Freddy Mercury sur « Revolt », se convertissant même au chant grégorien sur « Drones ».
Dominé par le piano, « Mercy » est un titre radiophonique au refrain entêtant. « [JFK] » reproduit un discours prononcé par feu John Kennedy traitant de l'esprit humain, la liberté et l’indépendance.
« Aftermath » oscille entre blues, prog et rock. Plus atmosphérique, « The Globalist » s’étale sur plus de 10 minutes et recèle de longues parties instrumentales, dont certaines nous entraînent au cœur d’un univers cinématographique, proche des westerns d’Ennio Morricone. Et lorsque les ivoires et les vocaux entrent dans la danse, ils sont en parfaite synergie.
Muse se produira au Palais 12 de Bruxelles les 12, 13, 15 et 16 mars 2014 ; mais les 4 concerts sont déjà sold out.
De son véritable nom Marcus Füreder, Parov Stelar est compositeur de musique électronique et Dj. De nationalité autrichienne, il est considéré comme un maître de l’électro swing et n’hésite pas à teinter son expression sonore de house ou de jazz, tout en l’enrichissant de cuivres et de samplings.
Pas facile de chroniquer un tel opus, quand on n’est pas vraiment un fan de ‘tchack tchack boum’ ; cependant, il faut reconnaître que Parov Stelar est plutôt doué pour faire danser le peuple.
« The demon diaries » est un double album. Particulièrement excitante, la première plaque mêle –le plus souvent– charleston et deep house. Parfois aussi elle se teinte de reggae, dub ou de folklore balkanique. Un thème ? Le années 30 ou si vous préférez les années folles. Certains titres y font même carrément référence, à l’instar de « Josephine (1930 Version) » et « Josephine (Candlelight Version) », qui figure sur le deuxième cd. Une seconde plaque sur laquelle on retrouve de nombreux featurings aux vocaux ; et puis dont le climat est davantage ‘nightclubbien’, un climat entretenu par quelques slows plus que langoureux…
Sans quoi ce disque est idéal pour faire la fête…
Sans doute responsable des riffs les plus purement ‘métalliques’ de la scène punk californienne, Strung Out semble ne pas avoir modifié son ADN d’un chromosome, depuis sa naissance, au cours des années 90. Les aficionados ne risquent donc pas d’être déboussolés, à l’écoute de son 8ème elpee studio, « Transmission.Alpha.Delta ». Avec la douceur qui la caractérise (?!?!?), la bande de Rob Ramos et Jason Cruz continue de faire fondre ses compos dans le métal, qu’elle recouvre ensuite de mélodies presque pop.
Dès le titre d’entrée, « Rats on the Wall », le combo américain appuie sur le champignon. Et embraie par toute une série d’uppercuts ‘old school’, des crochets décochés par des guitares tranchantes, à la vitesse de drums supersoniques et boostés par une ligne de basse trépidante, même s’ils sont amortis par des chœurs ultra mélodiques… Une technique impressionnante puisée au sein de références ‘trash’ (« Tesla »), ‘prog’ (« Black Maps ») ou même hispaniques (« Spanish Days »). L’expression sonore évolue donc à des années-lumière de l’univers basique des Sex Pistols, leurs déjà trop lointains aïeux ! Peu de surprise au générique –c’est une constante chez les groupes punk estampillés Fat Wrecks– mais un savoir-faire et une efficacité démontrés par d’excellents artisans, fidèles à leur engagement politique ! Vous pouvez donc signer les yeux fermés, ce « Transmission.Alpha.Delta » est bien ficelé…
En 2010, un an seulement après sa formation, Surfer Blood publie son premier album, « Astro Coast ». A ce moment, on imagine que le futur lui appartient. Il fait d’ailleurs le buzz. Ainsi, Pitchfork sélectionne plusieurs de ses compos pour figurer parmi les meilleures de l’année. Il se produit dans tous les plus grands festivals américains et est même invité par les Pixies pour assurer le supporting act de leur périple baptisé ‘Doolitle tour’. Et dans la foulée, il signe chez Warner Music. Tous les signaux sont alors au vert…
Malheureusement, dès 2012, les événements se bousculent. Le chanteur/guitariste John Paul Pitts (NDR : c’est également un des fondateurs de la formation) est accusé de coups et blessures sur sa compagne. S’il n’est pas inculpé, cette aventure donne un coup de frein à la sortie du deuxième elpee, « Pythons ». D’ailleurs, le band est prié de se chercher un nouveau label. Mais les soucis ne s’arrêtent pas en si mauvais chemin. Alors qu’il trouve refuge chez Joyful Noise (Half Japanese, Joan Arc, Lou Barlow, Why ?, …) et annonce la publication d’un troisième LP, la faculté diagnostique une forme de cancer rare chez Thomas Fekete, le second gratteur. Les autres musicos lancent alors une plateforme afin de récolter des fonds pour financer les interventions chirurgicales…
« 1000 Palms » constitue donc le quatrième long playing du combo de West Palm Beach. Les morceaux ont été enregistrés dans la chambre du drummer, Tyler Schwartz et le mixing a été confié à Rob Schnapf (Elliott Smith, Beck, …)
Pourtant, malgré les conditions d’enregistrement, le résultat est paradoxalement lustré. Trop lisse diront sans doute les mauvaises langues. Bref, quoique s’inscrivant dans un même style que les opus précédents, l’expression sonore a perdu de sa spontanéité. Pourtant, les harmonies vocales sont toujours aussi luxuriantes et les riffs de grattes limpides. Malheureusement, les interventions de synthé édulcorent toutes ces bonnes dispositions. Quoique efficace, le sens mélodique est un peu mièvre, ne montrant que trop rarement les dents. Parfois on pense à Weezer ou The Shins, mais en moins convaincant.
Bref, si « 1000 Palms » demeure agréable à l’écoute, il risque fort de passer inaperçu. Malgré des mélodies sympathiques on attend vainement l’étincelle ! En outre, l’existence du groupe commence tout doucement à être remise en question. Ainsi, récemment, le bassiste a quitté le navire…
Outre son rôle de chanteuse/guitariste au sein du band garage féminin La Luz, Shana Cleveland compose également ses propres chansons pour son projet solo. Lorsqu’elle est seule, l’Américaine débranche la prise et son répertoire baigne alors au cœur d’un climat plus intimiste.
Pour concocter ce premier elpee, Shana a reçu le concours The Sandcastles ; un groupe dont la plupart des musicos sont issus de la scène de Seattle. Ainsi, après avoir écouté cet opus, on peut affirmer qu’elle s’est sacrément bien entourée !
Tout au long des douze plages de cet « Oh Man, Cover the Ground », l’instrumentation folk est remarquable. Des compos délicates dont les lyrics traitent du monde qui nous entoure et que chante Mrs Cleveland d’une voix douce et inspirée. Chaque morceau évolue au sein d’un univers distinct. On n’a d’ailleurs pas le temps de s’ennuyer, à l’écoute de cet LP.
Une ‘songwritice’ de talent dont on devrait entendre beaucoup parler dans le futur…
Pour votre serviteur, l’âge d’or du Pink Floyd s’est achevé en 1973, lors de la sortie de « Dark side of the moon ». Enfin, quand on aborde l’aspect créatif. Il y a bien eu encore « Wish you were here » et « Animals » et puis la bande sonore cinématographique de « The wall », qui vaut surtout pour le film ; mais franchement, on ne peut pas dire que la suite ait été transcendante. En fait, le groupe s’est alors davantage focalisé sur la qualité du son plutôt que l’innovation. C’est un avis personnel et je l’assume.
Une philosophie qui a sans doute permis de fidéliser les fans de la deuxième heure. Et ils sont bien plus nombreux que ceux de la première. Quant aux albums solos des différents musicos, ils ont adopté ou adoptent encore (NDR : pour les survivants) un concept similaire. Donc pas de panique, si vous ne jurez que par les envolées de guitare atmosphériques, donc spécifiquement ‘floydiennes’ de Gilmour, vous serez comblés en écoutant ce « Rattle that lock », un disque co-produit par le guitariste de Roxy Music, Phil Manzanera, et pour lequel il a reçu le concours de quelques invités de marque, dont Robert Wyatt, qui se réserve le cornet sur le plus jazzyfiant « The girl in the yellow dress », ainsi que David Crosby et Graham Nash, préposés aux harmonies vocales, sur l’hommage à feu Rick Wright, « A boat lies waiting ». Sans oublier, parmi d’autres, celui de son fils Gabriel, de Jools Holland ou de Roger Eno (le père de Brian) au piano. C’est son épouse, la romancière Polly Samson, qui signe la moitié des textes de cet opus, dont le thème est censé retracer un jour de la vie. Pour l’anecdote, figure également sur cet LP, la compo coécrite en compagnie de Michaël Boumedil, qui met en exergue le jingle qui prélude les communiqués, dans les gares de la SNCF. Pas vraiment folichon.
Bref, un disque qui s’adresse avant tout aux nostalgiques d’une certaine époque, et pas nécessairement ceux des sixties…
Les lads d’Outfit auraient-ils décidé de faire l’éloge de la lenteur sur « Slowness », leur second album (NDR : il fait suite à « Performance », gravé en 2013) ? Le quintet de Liverpool tisse en effet des textures pop langoureuses en se servant généreusement de claviers aquatiques, métaphore qu’illustre parfaitement l’artwork de l’opus. Raffinées et atmosphériques, les mélodies ne deviennent cependant addictives qu’après quelques écoutes. Outfit marche ainsi sur les traces d’esthètes pop modernes, comme leurs compatriotes Wild Beasts ou Dutch Uncles. Bien maîtrisée, la voix d’Andrew PM Hunt sert cependant de fil rouge à ces compositions complexes mais enivrantes (« New Air »), même si elle manquent parfois d’instantanéité (« Smart Thing ») ou se révèlent inutilement alambiquées. Les jeunes Anglais ont sorti leur plus bel ‘Outfit’ (=costume), mais il ne plaira qu’aux fans de pop tourmentée et sophistiquée… bien loin du format FM.
Une soudaine envie d’un menu encore plus copieux que celui de Noël ? Ruez-vous sur le 8ème volume des compilations estampillées ‘Fat Wreck’ ! Il vous offrira un aperçu exhaustif de 25 morceaux –dont 6 inédits– du meilleur de la scène punk américaine contemporaine pour fêter les 25 ans de l’écurie chère à Fat Mike (NOFX).
Entre vieux briscards toujours verts, brillamment revenus aux affaires récemment (Lawagon, Good Riddance, Leftover Crack, Strung Out), et formations ska-punk (les autres vétérans Mad Caddies et Less Than Jake), punk très rock (Banner Pilot), punk/pop (le mystérieux Mask Intruder ainsi que CJ Ramone, le plus jeune membre du glorieux combo new-yorkais) et country/folk/punk (Old Man Markey, Darius Koski) ; mais aussi les nouvelles promesses escomptées par les ‘anthémiques’ PEARS ou les Night Birds, adeptes du surf/punk, la satiété est promise et sera d’ailleurs décrétée, après avoir avalé l’inédit de NOFX !
On épinglera encore Get Dead pour son infernal « Welcome to Hell », Western Addiction, un combo californien coupable d’un hardcore particulièrement nerveux (« Ex-humans ») et le Bad Cop/Bad Cop –en plein « Nightmare » chargé de testostérone– de Stacey Dee (NDR : par ailleurs préposée au micro pour un extrait de la comédie musicale montée par Fat Mike, ‘Home Street Home’). De quoi encore varier l’étonnant éclectisme de cet instantané de la scène punk US, loin d’être en perte de vitesse…
C’est à l’initiative des fils de Frank, Gail et Ahmet, ainsi que de Jeff Stein que ce dvd est enfin sorti ; soit 42 ans après avoir été filmé. Soit lors des concerts accordés du 8 au 10 décembre 1973, au Roxy de Los Angeles. A l’époque, quatre caméras avaient filmé ces spectacles en 16mm. Bénéficiant de la technologie moderne, ces images ont été restaurées et le tout a été mixé en Surround 5.1. Pour un résultat épatant !
Frank Zappa y est entouré de ses Mothers, soit le tromboniste Bruce Fowler, le bassiste Tom Fowler, les drummers/percussionnistes Ralph Humphrey et Chester Thompson, la percussioniste/xylophoniste Ruth Underwood, le saxophoniste, flûtiste Napoleon Murphy Brock et le claviériste George Duke, ces deux derniers se consacrant également circonstanciellement au micro. Le maître se réservant bien sûr la guitare et certaines parties vocales (NDR : on n’a pas dit le chant !)
Votre serviteur se demande quand même, encore parfois, qu’est-ce qui pouvait le pousser à écouter une musique aussi complexe à cette époque. La savourant même en ‘live’ ; comme à l’AB de Bruxelles, en 1974. Sans doute, parce qu’elle était dans l’air du temps… et puis aussi car elle était produite par des musiciens exceptionnels…
Il ne faut cependant pas oublier le rôle important que Zappa a joué dans l’évolution de la musique contemporaine, l’artiste puisant dans le rock’n’roll, le classique (Varez et Stravinsky, en tête), le funk, le r&b, le jazz, la new age, le blues, le doo-wop, le be-bop et même la world, pour créer un style unique en son genre, au sein duquel parties écrites et improvisations faisaient bon ménage, un style qu’il saupoudrait généreusement d’humour, d’ironie et d’expression corporelle, parfois teintée d’érotisme (NDR : la fin du show, au cours duquel des spectateurs montent sur l’estrade, en est un parfait exemple).
Un véritable testament qui s’adresse bien sûr aux inconditionnels de Zappa.
En 2013, ce duo avait publié un premier Ep baptisé « How it feels to Plant a knife ». Depuis, il a gravé quelques singles, dont une cover de Nirvana, et un autre album intitulé « Paedophil Daffodil ». « Traps » constitue donc son premier elpee. Et il est généreux, puisqu’il propose 15 titres. Ce tandem réunit un chanteur/bassiste et un drummer. Enfin, c’est ce qui est renseigné dans la bio. Car la musique implique également des synthés, de l’électronique, des bruitages et des sonorités de guitare (?!?!). Une musique sombre et tourmentée. Cependant, canalisées par les vocaux légèrement ‘reverb’, dispensés à la manière de Wire, et la ligne de basse, les mélodies sont souvent accrocheuses. Si les musicos qualifient leur expression sonore d’‘Horror pop’, non seulement elle navigue à des années lumières du grand guignol Marilyn Manson, mais elle lorgne plutôt du côté de l’indus et de l’électronica, un peu comme si elle cherchait à créer le chaînon manquant entre Nine Inch Nails et Notwist. Encore que parfois, c’est le tempo qui adopte un profil post punk, à l’instar de « Warm Gun (Die My Friends) », sur lequel plane à nouveau le spectre de la bande à Colin Newman. Encore que l’LP recèle des moments plus atmosphériques, dont « Horrorville », une plage presque tramée en boucle, que traverse une flûte égarée.
Le long playing s’achève sans doute par ses deux meilleures compos. Soit l’abrasif « Evermore » et « Carbonized In The Sun », une plage dominée par des claviers vintage. Finalement, ce qui manque le plus à cette musique, ce sont de véritables guitares…
C’est Yves Barbieux, mieux connu comme leader d’Urban Trad, qui a lancé le concept des Déménageurs. Une équipe dont les musicos ne manquent certainement pas d’expérience. Sensible à des thèmes comme l’ouverture, la mixité et le multiculturalisme, elle a décidé de donner le goût à la musique (pop, rock, world, folk, chanson française, etc.) à nos petites têtes blondes. En utilisant des mots et des images adaptés à leur âge, afin de les éveiller avec douceur et par paliers. Tout en se servant de l’humour, de la danse et de l’expression corporelle ; le tout au sein d’un climat propice à l’imagination et dans la bonne humeur.
Au sein de cette équipe, Yves est entouré par la pétillante et charismatique danseuse Lili (Marie-Rose Mayele, préposée à la harpe et au violoncelle), le timide George (Jonathan De Neck, Pierre-Yves Behrin ou Didier Laloy), le curieux Nelson (Perry Rose ou Pascal Cahardonne) et le consciencieux Stoul (Thierry Hercod).
S’adressant au enfants de 3 à 8 ans, mais également aux parents et grands parents, ce concept est développé depuis bientôt 15 ans, et vient donc de bénéficier d’une compile. Intitulée « Bonjour Tout Va Bien - Le Meilleur Des Déménageurs », elle est découpée en 16 titres, des plages extraites de « Lili Et Les Escargots » (2002), « Le Grand Carton » (2005), « Le Patamod » (20096) et « Danse Avec Les Gnous » (2014).
« Bonjour tout va bien », la journée débute en chanson. On vient de se lever, mais on est encore fatigué. Cordes de guitare et de banjo remplissent ce qui est « Caché Dans Mon Bol » ; ce qui provoque une réaction qui reflète déjà un sacré tempérament du gosse. Une flûte égaie le plus folk « Prends Un Oeuf ». « Le Téléphone Mobile » baigne dans la musique celtique ; une compo propice à la danse. Tout comme « Mon Orteil Amoureux », une chanson courtisée par fifres et tambours. Dans le même esprit, « Scottiche De La Brosse A Dents » invite également sonorités de gratte et mélodica. Manger des légumes est bon pour la santé, donc procédons à l’ouverture des portes de l'Orient ; mais l’excès nuit en tout et peut entraîner « La Danse Du Ventre ». Le soleil en a parfois marre d'éclairer la terre, alors il doit se reposer et s’autorise « La Grasse Matinée ».
La voix de Lili est particulièrement douce tout au long du paisible « C'est pas dans la poche ». « Si Ton Escargot Est Lent », booste sa coquille sur un air d’accordéon et dans un climat country. « Petit Lionceau » fait tourner la vielle à roue. « Danse Avec Les Gnous » adopte le rythme de la polka. De nombreuses percus africaines dynamisent « Le Tam-Tam Ou Mon Ventre ». « Autour De Moi » invite à respecter l’environnement.
Bonus track, « Bonjour Tout Va Bien-Live 2013 » a été enregistré en ‘live’. Et pour regarder la vidéo, c’est ici
Auteur/compositeur/interprète, Selah Sue avait publié son premier long playing en 2011. Un disque qui s’est écoulé à 120 000 exemplaires en Belgique et plus d’1 000 000 à travers le monde. Ce qui lui a permis de décrocher 6 disques de platine.
A ses débuts, l’artiste puisait ses sources tant dans la soul, le ragga, le folk, le rock, le rap que le trip hop. Une expression sonore qu’elle mettait au service d’une voix soul aux multiples facettes.
Pour enregistrer « Reason », son second opus, elle a bénéficié du concours de deux producteurs notoires, en l’occurrence le Danois Robin Hannibal (Little Dragon, Kendrick Lamar) et le Suédois Ludwig Göransson, mieux connu pour avoir bossé auprès du trio pop HAIM ou encore du rappeur américain Childish Gambino. Les sessions se sont déroulées au sein de différents studios. D’abord en Belgique, mais également en Angleterre (Londres), en Jamaïque et aux States (Los Angeles). Un disque qu’elle a voulu davantage radiophonique, tout en se tournant vers la pop urbaine…
Subtilement funk, « Alone » rend hommage à feu Whitney Houston. « I Won't Go For More » en revient aux sources. « Reason » s’autorise quelques touches d’électro, alors que « Together » adopte insidieusement un profil drum&bass. Tout comme pour « Feel ». « The Light » et « Falling Out » nous entraînent dans la house. Childish Gambino vient poser sa voix sur « Together », une plage r’n’b aux relents hip-hop. Ivoires, synthés et chœurs alimentent « Alive », une compo au cours de laquelle la voix de Selah semble plus écorchée que jamais. Et pourtant elle demeure constamment accrocheuse, à l’instar de « Fear Nothing ». « Daddy » est dédié à son paternel qui lui a donné le goût à la musique.
Ragga et soul ‘motownesque’ alimentent « Sadness », une plage enregistrée en Jamaïque. « Right Where I Want You » nous parle d'amour. Jolie ballade mélancolique, « Always Home » est enrichie par des arrangements de violons ; un morceau aux accents bossa nova sculpté par les cordes de gratte semi acoustiques et les ivoires et que chante Sue d’une voix chargée de swing et de soul. Plus riche, « Falling Out » est dominé par les percus.
L’œuvre propose en bonus cd, quatre plages, dont le funk « Gotta Make It Last », le trip hop « Stand Back », un « Direction » de toute beauté et une version acoustique d’« Alone ».
Nederlands 
Français 
