En déclenchant un buzz conséquent, suite à la promo –toujours aussi efficace– assurée par le label Domino, une certaine pression devait fatalement s’abattre sur les épaules du Sud-Africain, Petite Noir (sans ‘e’)…
Né à Bruxelles, d’un père congolais et d’une mère angolaise, Yannick Iluga déménage à Cap Town dès ses 6 ans, grouillante métropole où il forme le groupe Popskarr en compagnie de Spoek Mathambo avant d’embrasser une carrière solo, dans un style qu’il décrit comme de la ‘Noirwave’, sorte de transposition africaine de l’expression sonore adoptée en son temps par Joy Division, donc…
« La Vie est Belle/Life is Beautiful » confirme sa description. Comme si ressuscité, Ian Curtis était soutenu par un backing group contemporain, puisant allègrement dans les références des froides cités anglaises… A la fois ‘cold’ et ‘soul’, cette musique est canalisée par la voix puissante d’Iluga. En outre, quoique concédant des accents hip-hop (« La Vie est Belle » en duo avec Baloji) ou empruntant des rythmes africains (« MDR »), sa ‘Noirwave’ ne vire jamais en world, recelant même de véritables hits quasi post-punk, tels que « Best », morceau qui ouvre l’LP… Bref, en gravant ce disque, Petite Noir est parvenu à se construire un univers pop-rock unique en son genre et complexe, tout en le rendant accessible. Bref, ‘La Vie est Belle’ pour lui!
Mike Schermer est un guitariste de blues notoire. Il chante et compose également. Au cours de sa jeunesse il apprend à jouer de la guitare, la trompette et la clarinette. Mais il succombe au blues à l’écoute du ‘Master of the Telecaster’, le Texan Albert Collins! Ce dernier le guide vers T-Bone Walker. Ce qui provoque un nouveau déclic chez l’artiste. Aujourd'hui, à l’instar de Duke Robillard et Roy Gaines, on le considère comme celui qui a le mieux assimilé le style de Walker. Il développe son univers sonore, en y intégrant du r&b et du jazz. Il monte The Soul Drivers, une formation californienne qui se forge une solide réputation, à la fin du siècle dernier. Il fonde ensuite son Mighty Mike Schermer Band. Le combo publie "1st Set" en 2000, "Next Set" en 2005 et "Live Set" en 2008. En 2009, il quitte la baie de San Francisco pour se fixer à Austin, au Texas. Rapidement, il rejoint le backing group de la chanteuse/pianiste louisianaise, Marcia Ball. Ce qui ne l’empêche pas de mener en parallèle, une carrière personnelle. Pour concocter "Blues in good hands", il a reçu le concours de ses musicos. Soit le drummer Paul Revelli et le bassiste Steve Ehrmann. L'enregistrement a été réalisé au sein du studio Greaseland de Kid Andersen, à San José, en Californie. Des sessions au cours desquelles, il a bénéficié de la participation d’invités talentueux. Schermer signe pratiquement seul, les treize plages.
Soutenu par l'orgue de Tommy Stead, le piano d'Austin Delone et des chœurs féminins, "Baby don't stop" ouvre la plaque. Le rythme est entraînant. Terry Hanck se réserve le premier envol, sur son sax ténor. Il est rapidement relayé par les cordes de Mike. "Heaven's on the other side" est un funk blues qui tourne au ralenti. La section rythmique épaule parfaitement Schermer. Les accords de gratte sont parcimonieux mais efficaces. La voix de Mike est très expressive, tout au long d’"It's a pleasure", une ballade à la mélodie particulièrement riche. "One tear at a time" opère un petit détour par le reggae. Blues aux inflexions jazzyfiantes, "World gone crazy" lorgne vers l’atmosphère d’un Steely Dan. Soul/blues, la voix fait mouche devant le saxophone de la charmante san-franciscaine Nancy Wright. Avant que la piste ne tourne au délire. Le titre maître est un bon blues. Impeccable, la voix bénéficie des excellentes répliques féminines formulées par Shelley King et Carolyn Wonderland, avant que ne débarque le honky saxophone de Terry Hanck qui prépare la plus belle sortie de cordes de l’opus. Lorsque l'harmonica montre le bout du nez, le blues n'est jamais bien loin. A l’instar de "Wait on me woman" et "Take my hand", deux plages au cours desquelles Greg Izor (NDR : il est issu d’Austin !) souffle admirablement dans sa musique à bouche. Et il apporte une coloration texane à la compo portée par une section rythmique particulièrement efficace, assurée par Damien Llanes et Johnny Bradley du Gary Clark Jr Band. Elle apporte encore son concours sur "Stop crying", un autre blues brûlant au cours duquel les guitares de Mighty Mike et Tommy Castro s’échangent de superbes échanges, au cœur d’un climat Chicago Westside. Balisé par les ivoires d’Austoin Delone, "Most people" baigne dans une ambiance davantage néo-orléanaise. Comme "Barkin' up the wrong tree", un morceau qu’enrichissent les pianos de Delone (électrique) et son amie, Marcia Ball (conventionnel). Un régal pour les oreilles ! Shuffle texan, "Baby be kind" est un autre sommet de l’LP. Et c’est le talentueux Californien John Nemeth qui souffle classieusement dans son harmo. D’excellente facture, ce long playing s’achève par le plus cool "Hear me calling him Baby"…
Kevin Selfe est originaire de Virginie, aux States. A l’âge de 23 ans, il intègre le Fat Daddy Band qui décroche une place de finaliste à l'International Blues Challenge de Memphis. Nous sommes alors en 1997. Le band grave trois albums. En 2003, Kevin rejoint Little Rodger and The Cheap Thrills ; puis, en 2005, fonde son propre groupe, Kevin Selfe and The Tornadoes. L’équipe publie "Selfe Contained", en 2006. En 2007, Mr Selfe émigre au bord du Pacifique, du côté de Portland, dans l'Oregon. Il monte une version locale des Tornadoes, et publie "Playing the game", en 2009. Ce chanteur/compositeur/guitariste/harmoniciste signe sur le label Delta Groove en 2013. Et dans la foulée, il grave "Long walk home", un disque qui rencontre un franc succès chez les passionnés de blues. Faut dire que pour concocter cet opus, il a notamment reçu le concours d’invités de marque, dont le pianiste Gene Taylor, l'harmoniciste Mitch Kashmar et le claviériste Doug James. Un LP paru sur l’écurie dynamique, Vizztone. Tout au long de ce long playing, il se réserve le chant et la gratte. Lors des sessions il a, en outre, bénéficié de la participation du drummer notoire Jim Bott, et de son pote Allen Markel –un ex-Tornado– à la basse. En outre, de nombreux guests ont participé aux sessions, qui se sont déroulées au studio Roseleaf Recording, à Portland.
"Picking empty pocket" ouvre l’LP. Une plage rythmée soutenue par une section de cuivres. Brad Ulrich s’autorise un premier billet de sortie sur son saxophone baryton, suivi rapidement par un envol de Selfe, particulièrement saignant sur ses cordes. Jim Bott (drums), Willie J. Campbell (basse acoustique) et Mitch Kashmar (très inspiré à l'harmo) dominent le shuffle entraînant, "Fixed it til it's broke". Enrichie par la section de cuivres, "Buy my soul back" concède des accents soul proches du Memphis blues, un blues enlevé au cours duquel James Pace siège derrière l’orgue et Lisa Mann (NDR : issue de Portland, cette chanteuse n’est autre que l’épouse du bassiste, Alan Markel) participe aux chœurs. Parcimonieuse, l’approche de Kevin sur ses cordes lorgne vers Robert Cray. La voix devient autoritaire sur le bluesy "Digging my own grave". La sonorité de la slide est impeccable. R&B lent, "All partied out" est le théâtre d'une superbe envolée de Selfe. Excellent, "Keep pushing or die trying" est encore imprimé sur un tempo soutenu. Steve Kerin se consacre au piano, alors que transcendé, Kevin se déchaîne à la manière d'un Jimmie Vaughan au sommet de son art ! "Bluesman without the blues" est une autre tranche de Memphis Blues. Orgue et cuivres tirent leur épingle du jeu ; mais surtout la gratte lumineuse réminiscente d’Albert King. "I'm on fire" est sculpté dans la roots. Une piste ‘unplugged’ à laquelle participent Kevin à la slide, Mitch Kashmar à l’harmo et Don Shultz à la batterie. Les ivoires de Gene Taylor sont jazzyfiantes tout au long de "Don't tear me down". Sa guitare, hantée par Omar Dykes, nous entraîne dans les bayous louisianais. Impressionnant ! Davantage roots, "Virginia roots" permet à Kevin de nous rappeler ses racines. Après l’instrumental "Pig Pickin'", le long playing s’achève par "Staring up at the Bottom", un morceau souligné par les chœurs gospel et tapissé par l’orgue…
L’univers particulier de The Tallest Man on Earth est très souvent un terreau fertile pour la confection de disques magnifiques. Mais dans un même style. Et depuis ses débuts, Kristian Matsson semble s’y conformer. Alors, question existentielle, allait-il tenter de se renouveler en publiant « Dark Bird Is Home », son –déjà– 4ème essai ? Changer de direction est souvent un pari risqué, quand ce n’est pas carrément casse-gueule… Et susciter l’ennui est parfois préférable que carrément décevoir…
Bref, le Suédois n’est pas encore prêt pour la révolution. Ce clone vocal de Bob Dylan a quand même le bon goût de varier subtilement ses compos et même d’étoffer l’instrumentation ; à l’instar des quasi pop « Timothy » et « Sagres », d’un « Darkness of the Dream » enrichi de cordes ou du plus léger « Darkness of the Dream ». Entre ces petites récréations, l’autoproclamé ‘Plus Grand Homme du Monde’ propose des morceaux folk classiques et intemporels, comme d’habitude. Orfèvre en mélodies pastorales, ce véritable chantre parvient une nouvelle fois à faire fondre les cœurs, à l’aide de ses compositions bouleversantes et introspectives, dans la plus pure tradition ‘dylanienne’, à l’instar de « Beginners » ou « Singers ». Au lieu de retourner sa maison de fond en comble, Kristian Matsson a plus sagement décidé de la rafraîchir… et c’est dans doute bien mieux ainsi !
Dave Weld est né à Chicago, en 1952. Avant de succomber définitivement au blues, ce guitariste écoutait surtout les Rolling Stones, Eric Clapton et John Mayall. Puis, il s’est intéressé aux légendaires Howlin' Wolf, Lightnin' Hopkins et BB King ! Mais la claque, il la prend en découvrant Hound Dog Taylor, le maître incontesté de la slide primaire et sauvage. Dave fréquente de plus en plus le quartier Westside, à Chicago. Un autre grand de la slide locale, J.B Hutto, le prend sous son aile. Son neveu, Little Ed, monte alors sa propre formation, les Blues Imperials. Il y intègre Weld comme second guitariste. Quelque temps plus tard, Dave fonde son propre groupe, Dave Weld and The Imperial Flames. Il a publié son premier elpee, "Roughrockin' in Chicago", en 1988, sur le label brugeois, Parsifal. Il a également participé aux sessions d’enregistrement d’autres artistes. Son LP personnel, "Burnin' love", remonte à 2010. Le line up de ses Imperial Flames réunit le drummer Jeff Taylor, le bassiste Dave Kaye, le pianiste Harry Yaseen et la chanteuse Monica Myhre.
"Slip into a dream" entre immédiatement dans l’univers du Chicago Westside. Nous ne sommes pas loin de Magic Sam. Flamboyante et plutôt agressive, la guitare colle parfaitement au style. La voix est rejointe par celle de Miss Monica Myrhe. Le rythme s'affole sur le très rock'n'roll "Sweet rockin' soul". Boosté, le piano de Yaseen pousse la slide dans ses derniers retranchements. Monica signe et chante "Too bad, so bad" et "Looking for a man", une piste qui adopte un style semblable. Mr Bobby Rush souffle dans son harmonica. Weld est toujours aussi déchaîné sur sa slide. Son bottleneck est au bord de la combustion. Dynamique, "Take me back" baigne dans le R&B cuivré. "May be right, may be wrong" opère son retour au cœur de Chicago, un shuffle puissant au cours duquel le Canadien Graham Guest (Sue Foley Band) –invité pour la circonstance– siège derrière le piano, alors que Dave nous a pris à la gorge et ne semble pas prêt à desserrer son étreinte. Monica chante devant les cuivres et le piano de Guest, sur l’intermède soul, "Sweet love (Dulce amor)". Encore une plage frénétique. "Louise" est un boogie rock'n'roll furieux. Miss Mihre est très excitée. Piano, slide et le saxophone de Sax Gordon accentuent cette frénésie. Gordon demeure aux cotés de Weld pour alimenter un nouveau brûlot, "Tremble". Monica est au micro pour le blues lent attendu, "Walk on down". Et le batteur Jeff Taylor lui succède sur "Dorothy Mae", un funk au cours duquel Graham Guest se consacre à l'orgue et Sax Gordon prend son envol sur son sax ténor. Dave cède le poste de soliste à Greg Guy, le fils d'un certain Buddy Guy ! "20% alcohol" est une plage empreinte d’émotion. Et pour cause, elle est issue de la plume du mentor de Weld, J.B Hutto ; et c'est Bobby Rush qui se charge de l’harmo. En finale, on a droit à une version différente de "Slip into a dream", titre qui ouvre le long playing. Dave Weld déborde d’énergie, à l’instar de Hound Dog Taylor et Little Ed, dynamisme qui manque quand même au blues contemporain…
Auteur/compositrice/interprète, Heather Allison Frith est née aux Bermudes, en juillet 1967. Ses influences majeures oscillent des Beatles à Jimmy Cliff, en passant par Neil Young, le Zim, Joan Baez ainsi que Simon & Garfunkel. C'est en 2002 que « Someone New », enregistré en compagnie du groupe Eskobar, décroche un hit. Ce qui va permettre à Heather de lancer sa carrière internationale. 600 concerts et 2 millions d'albums vendus plus tard, elle nous propose son 9ème elpee studio. Intitulé « The Way It Feels », il baigne au sein d’un climat folk/americana, mais ténébreux. Elle se produisait donc ce jeudi 29 octobre à l’Ancienne Belgique. Et pour accueillir cette artiste, la fosse est bien remplie.
Mishka n’est autre que le frère d'Heather Nova. Il assure le supporting act. Il est seul, armé de sa gratte acoustique amplifiée, ainsi que d’un tambourin, qu’il agite de son pied gauche. Il a une belle voix et ne manque pas de créativité. Il va même oser une incursion dans le reggae. Parfois, il me fait penser à Garland Jeffreys. Un hic, la foule couvre son set d’un brouhaha irrespectueux. Quand on a envie de tailler une bavette, surtout à l’AB, deux bars s’y prêtent à merveille. Les mélomanes ont aussi le droit de pouvoir librement apprécier –ou pas– l’une ou l’autre découverte. Tout en manifestant du respect à un artiste, surtout quand il a du talent. C’est dit !
A 20h45, les lumières s'éteignent. Heather Nova monte sur l’estrade flanquée de deux musicos. En général, la jolie blonde chante en s’accompagnant à la semi-acoustique. Mais suivant les circonstances, elle se consacre également aux claviers, au piano, au banjo, au ukulélé ou encore au mélodica.
Le drummer/percussionniste est assis sur un cajon. Il est barbu et chevelu ! Il se sert d’un tom basse, d’une caisse claire, de cymbales et d’une grosse caisse. Arnold, le troisième larron est préposé au violoncelle, à la guitare électrique et à la contrebasse. En outre, il participe aux backing vocaux.
« Threehouse » ouvre le show. C'est un extrait de son dernier opus, « The Way It Feels. Pour « Girl On The Mountain », Arnold troque son violoncelle contre un clavier. Miss Nova en profite pour changer de gratte. Et empoigne celle de son frère Mishka, restée sur l’estrade. La voix d’Heather est claire, cristalline, mais également puissante. Le sens mélodique de ses chansons est unique en son genre. Authentiques, chargées de feeling, elles sont tour à tour empreintes de mélancolie ou évoquent les grandes plaines du Far West. A l’instar de « Lie Down In the Bed You'Ve Made », morceau au cours duquel Arnold utilise sa gratte électrique à la manière d'une pedal steel. Plus nerveux, « London Rain (Nothing Heals Me Like You Do) » est cependant davantage sculpté dans le rock. Heather aborde seule « The Archaeologist », une ballade folk consacrée à Pompéi, en mode guitare/voix. Arnold siège derrière les ivoires pour « Fool For You » et « Winterblue » (« Wonderlust »), tout en participant aux vocaux. Le set s’achève par « Sea Change »…
En rappel, elle interprète « Still Got Love » en compagnie de son frangin Mishka, également préposé à la gratte semi-acoustique. « Sugar » et « Heart and Shoulder » couronnant ce spectacle ma foi fort sympathique… et ponctué d’une (n)ovation bien méritée…
(Organisation : Live Nation)
C’est la deuxième fois que votre serviteur se rend chez les chtis, cette semaine. Depuis l’aménagement (?!?!?) du piétonnier à Bruxelles, il est plus facile de se rendre à Lille, quand on veut assister à un concert. Pourtant, à l’instar de l’Ancienne Belgique, l'Aéronef soutient 'Liveeurope', la première initiative paneuropéenne destinée à promouvoir les artistes émergents. 'Liveurope' est un label de qualité européen attribué aux salles de concerts dont les critères d’excellence et de diversité déterminent la politique artistique. Coordonné par l'AB, ce projet est destiné à stimuler les jeunes talents issus du Vieux Continent, tout en leur permettant de se produire devant un nouveau public. La soirée a été baptisée 'Chez Ti, Chez Mi' (NDR : je vous le disais qu’on était chez les chtis !) La salle est bien remplie pour accueillir Crows et Metz.
Des groupes répondant au nom de Crows, il doit y en avoir une brouette. Celui-ci est londonien. Et reconnaît pour influences majeures Queens Of The Stone Age et The Brian Jonestown Massacre. Ce quatuor réunit Steve Goddard, Jith Amara, Lawrence Rushworth et le chanteur James Coxde. Ce dernier se sert de deux microphones aux tonalités différentes. On dirait qu’il est en perpétuelle recherche d’équilibre. Il s’appuie sur ses pieds de micros comme s’il s’agissait de béquilles. Il est chaussé de godasses élimées. Elles sentent (?!?!) le vécu…
Dès le début, on en prend plein des oreilles. Les riffs de grattes sont lourds, distordus, hargneux, puissants. Excellent showman, James déborde de dynamisme. Il entre facilement en communication avec l’auditoire. Féroce, sa voix semble habitée. Les drums sont percutants. Le batteur fait même littéralement exploser ses cymbales. Et la basse vous remue les tripes. Elle est même le fil rouge du single « Crawling ». Les haut-parleurs crachent leurs décibels. Ils vous transpercent le corps avec un bonheur certain. Quoique forgée dans le métal, l’expression sonore demeure cependant mélodieuse. Une belle découverte !
Metz ne nous vient pas de Lorraine, mais du Canada. De Toronto, très exactement. Le line up implique le guitariste Alex Edkins, le batteur Hayden Menzies et le bassiste Chris Slorach. Le combo est hébergé chez Sub Pop. Pour rappel, c’est le premier label de Nirvana. Le trio compte deux albums à son actif : « I » et « II ». Ce dernier est paru en mai 2015. Ces deux elpees ne comptent qu’une trentaine de minutes. Et les sets ‘live’ dépassent rarement les trois-quarts d’heure.
Metz pratique un punk/rock burné, malsain, furieux, animal, tourmenté, instinctif dont les sonorités évoluent à la limite de la saturation. Et pourtant, même si des bouchons sont indispensables pour vous protéger les tympans, le volume ne dépassera jamais les 95db. Mais la musique libère une telle intensité, suscite une telle excitation, qu’on ne peut que vibrer. Et puis, l’ingé son semble maîtriser parfaitement son sujet, ne laissant jamais le concert sombrer dans la cacophonie, privilégiant un confort d'écoute idéal.
Le set s’ouvre par « Headache », l'intro du premier album. Hystérique, le chanteur/guitariste est déjà en nage dès le premier morceau. Sa voix est âpre et gutturale. Le drummer défonce frénétiquement les peaux de ses fûts, à la manière d'un Dave Grohl ; la basse de Chris (NDR : on dirait qu’il est monté sur ressorts) vrombit comme celle de Krist Novoselic. On se croirait revenu au début des 90’s. Le spectre de Nirvana plane même parfois. L’ampli ‘Orange’ d’Alex crache des riffs de gratte poisseux, dévastateurs. Les titres –de véritables brûlots– dépassent rarement les 3 minutes. Il n’y a aucun temps mort entre les morceaux. Bruts de décoffrage, bruitistes, il sont également susceptibles de tremper dans le garage ou la noise.
« Eraser » communique une véritable décharge de punk viscéral. « Acetate » nettoie vos neurones, à l’aide d’acide sulfurique. Brutal, spasmodique, mais minimaliste, « I.O.U » lorgne davantage vers Steve Albini. « Wasted » vous retourne les tripes. Et les cordes, tant de la basse que de la guitare sont volontairement désaccordées pour achever le concert (NDR : le spectateur ?) Ce « We blanket » ponctue ainsi ce carnage jouissif… Car si cette musique te vide la cervelle, elle te donne la banane. Pas de rappel. Littéralement sur le cul, la foule accuse le coup et semble médusée. Après 45’, la Metz était dite !
Les Sex Pistols, Clash et consorts on baigné ma tendre jeunesse. Ma seconde jeunesse, je l’ai vécue à l’écoute de Pearl Jam, Nirvana, Alice In Chains et d’autres combos qui émargeaient au mouvement grunge. Lorsque trois ans plus tôt, j’ai découvert Metz, j’ai eu l’impression d’être à l’aube d’une troisième jeunesse. C’est d’ailleurs la cinquième fois que votre serviteur assiste à un de leurs shows. Et puis, il faut croire que le Canada sera la nouvelle terre promise des amoureux du larsen jubilatoire. Après le spectacle, deux chtis me confessaient avoir les tympans en compote, mais avoir passé un très bon moment. Ben, faut savoir que pour les rapports sexuels, il est indispensable de se protéger. Mais qu’il existe aussi des protections pour les tympans… Qu’on se le dise !
(Organisation : Aéronef)
Lynyrd Skynyrd est très probablement le groupe de southern rock le plus populaire de la planète. Sa naissance remonte à 1964. A Jacksonville, dans le Nord de la Floride. Il se produit alors sous le patronyme de My Backyard. C'est en 1969, que le band opte pour Lynyrd Skynyrd, en s’inspirant du nom d'un de ses professeurs! En août 1973, il publie son premier long playing : "Pronounced Leh-nerd Skin-nerd", sur lequel figure le titre fétiche, "Free bird". L’année suivante, il grave "Second helping", un LP qui recèle son plus grand succès commercial, "Sweet home Alabama". Un accident d'avion va malheureusement changer le destin du groupe. En 1977. Il fait six victimes, dont le charismatique chanteur, Ronnie Van Zant, l'un des trois guitaristes, Jim Gaines, et sa sœur choriste, Cassie Gaines. Un drame qui s’est déroulé trois jours après la sortie d’un nouvel opus intitulé "Street Survivors". Dix longues années seront nécessaires avant que Lynyrd Skynyrd ne revienne à la surface. Il implique alors le jeune frère de Ronnie Van Zant, Johnny, au chant, les quatre survivants et le guitariste Ed King. Le sixcordiste originel, Gary Rossington, a bien réintégré le combo ; mais pas le second gratteur, Allen Collins. Moralement et physiquement atteint, il allait décéder début 1990. Depuis, la formation passe la majorité de son temps sur la route. Ce qui ne l’empêche pas de graver des disques ; mais également de connaître régulièrement des changements de line up. Seule constante, le front des trois gratteurs : Gary Rossington, Ricky Medlocke (ex-Blackfoot) et Mark Matejka. Ce nouveau long playing est destiné à remercier les très nombreux aficionados, une œuvre au cours de laquelle L.S. réunit ses plus grands succès, interprétés en compagnie de nombreux amis musiciens. Pour la plupart notoires. Double cd, "One more for the fans" a été immortalisé ‘live’ au Fox Theatre d'Atlanta, en novembre 2014. Au grand complet, Lynyrd Skynyrd implique également ses deux choristes, les Honkettes, Dale Krantz Rossington et Carol Chase.
Les meilleures plages du répertoire peuvent commencer à défiler. Et "Whiskey Rock-a-roller" ouvre les hostilités. Un blues/rock nerveux vivifié par le chanteur country, Randy Houser, et enrichi d’une une section de cuivres. L’instrument de Robert Randolph (NDR : leader de son groupe de soul/funk The Family Band, c’est un spécialiste de la lap steel) gémit pour amorcer "You got that right". Jimmy Hall, leader de Wet Willie (NDR : il est issu de l'Alabama), se consacre au chant. Les sonorités métalliques dispensées par Randolph sont brillantes. Le chanteur de nu metal, Aaron Lewis, est aux commandes pour "Saturday night special". Les guests se succèdent : Blackberry Smoke (NDR : un combo de southern rock qui sévit à Atlanta), sur "Workin' for MCA" ; O.A.R. (NDR : le jam band du Maryland) pour "Don't ask me no questions" ; et grosse surprise, les vétérans Cheap Trick, lors d’une adaptation musclée de "Gimme back my bullets". John Hiatt chante autoritairement et majestueusement "The Ballad of Curtis Loew", épaulé par le jam band de Buffalo, Moe. Un grand moment ! Autre sommet : un des titres majeurs de Lynyrd Skynyrd, "Simple man", adapté par Gov't Mule ; et bien sûr, Warren Haynes est préposé au chant et à la guitare. Il est d’ailleurs encore au poste pour attaquer "That smell". Ex-Drive-By Truckers, Jason Isbell (NDR : toujours un Alabamien) chante et se consacre à la slide sur "I know a little". La deuxième surprise nous vient de Grande-Bretagne. Peter Frampton pose la voix sur le "Call me the breeze" de JJ Cale ; et il s'en tire parfaitement ! Le légendaire Charlie Daniels et le frangin du chanteur, Donnie Van Zant, participent à l’interprétation de "Down South Jukin'". Autre légende vivante, Greg Allman siège derrière l’orgue et se réserve le micro sur "Tuesday's gone". Enfin, Lynyrd Skynyrd occupe seul le podium pour deux titres, "Travelin' man" et l’incontournable "Free bird". Avant de se retirer, tout ce beau monde se retrouve sur la grande scène du Fox Theatre, pour enfin exécuter le hit éternel, "Sweet Home Alabama". Plus de 100' de bonheur pour les fans.
Chanteur/compositeur, Reverend Freakchild a longtemps vécu à New York City. Il est né dans l'île d'Hawaï. Son blues, il le teinte volontiers de country et de psychédélisme. Il a décroché un diplôme en philosophie et théologie, à l'Université de Boston. Mais c’est surtout un musicien qui s’intéresse à la scène alternative. Du blues, mais pas seulement. En 2001, il publie un album solo, "Blues & Spirituals". Et embraie par deux autres. Il faut cependant attendre 2010 pour qu’il donne une suite à sa discographie. Il grave alors "God shaped Hole", et en 2013, "Chaos and Country Blues". Il se serait aujourd'hui établi à Boulder, dans le Colorado, où il étudie le bouddhisme ; mais confesse que sa religion, finalement, c'est la musique. Et comme il aime surprendre, en risquant l'irrévérence, il nous propose ce "Hillbilly Zen-Punk Blues" ! Les sessions d’enregistrement se sont déroulées à New York, au studio Excello, dont le propriétaire n’est autre que son ami Hugh Pool, par ailleurs responsable de la coproduction. Les notes mentionnées sur la pochette renseignent pourtant un certain Sal Valentine, à la mise en forme, mais finalement, il s’agit d’un des pseudos du Révérend (NDR : parmi les autres, on relèvera ceux de Fleetwood, Birdham ou encore Bhoomi Sparsha). Il chante et se consacre à la guitare Resonator. Il est soutenu par le batteur Chris Parker et le bassiste Tugboat Eustis. Sans oublier Hugh Pool, qui se réserve la lap steel et l'harmonica. Particulièrement homogène, cet elpee ne manque finalement pas de charme…
Dès "All I got is now", une constatation s’impose : le timbre vocal de notre Reverend est agréable à l’oreille. La section rythmique soutient un ensemble, parcouru par la lap steel de Pool. Spectrale, atmosphérique, elle traverse l’expression sonore, au gré de son inspiration. "Angel of Mercy" nous entraîne sur les pistes poussiéreuses et désertiques de l’Ouest profond. Une plage instrumentale dont les cordes véhiculent des accents roots, alors que l'harmonica se complait dans les gémissements. "It's gonna be alright" relève le tempo. Le Reverend Gary Davis s’enfonce davantage dans le folk. Les Mulebone Singers, Hugh Pool et John Ragusa assurent les choeurs. Freakchild chante "Keep on trucking", en glissant nerveusement son bottleneck le long des cordes de sa Résonator. Parker dirige la manœuvre depuis ses drums. Pool souffle discrètement dans sa musique à bouche. Autre instrumental, "Lullaby" est une plage instrumentale dépouillée à l'extrême ; elle se fond ensuite dans "Moonlight messages", une chanson plutôt folk, parcourue par les interventions de flûte de John Ragusa. Signé Hugh Pool, "She wants my name" nous replonge dans le blues du Delta, une plage caractérisé par les sonorités de la Resonator et de l’harmo, authentiques. Encore un instru : "Soul transforming realization". Les percus balisent ce morceau au cours duquel cordes amplifiées et acoustiques se conjuguent à la perfection. Et "Tears of fire" nous entraîne encore plus profondément au cœur du Delta. Un titre dont l’expression sonore primaire est alimenté par les cordes amplifiées et les fûts de Parker, alors que la voix du Reverend monte en puissance avant qu’elle ne finisse par cracher ses mots. La compo finale est superbe. Les accents métalliques de la slide véhiculés par Mississippi Fred McDowell oxydent judicieusement la voix caverneuse de Freakchild, tout au long de "I wish I was in Heaven sitting down". Original et excellent !
A l’origine, The Beat Daddys était un duo réunissant Tommy Stilwell et Larry Grisham. Ils sont nés à Evansville, un patelin sis au bord de l'Ohio, dans l'Indiana. Fin 1981, ils militent chez The Phonz. En 1986, le duo fonde The Beat Daddys. Début des 90’s, il signe chez Waldoxy, label qui relève de Malaco. Leurs deux premiers elpees, "No, we ain't from Clarksdale" et "South to Mississippi", ont été enregistrés au célèbre studio Muscle Shoals (NDR : c’est dans l'Alabama). Stillwell entame alors une carrière solo en 1995. Mais dès 2000, il opère son come-back. Larry chante, se consacre à l'harmonica et la guitare rythmique ; Tommy se réserve la guitare solo et assure les backing vocals. "Hoodoo that we doo" constitue déjà leur 9ème opus. Pour l’enregistrer, ils ont reçu le concours d’une section rythmique composée de John Gillespie à la basse et David Parks à la batterie.
"These chains", morceau qui ouvre l’LP, restitue bien l'atmosphère des blues ancestraux ; des ‘work songs’ qui reflétaient la misère des noirs, dans le delta du Mississippi. Les percussions sont lourdes. "Sorry" est une plage grave et mélancolique. L'accent est posé sur les voix. En arrière-plan, l'harmonica accentue le climat lugubre. Quant aux percus, elles sont toujours à l’avant-plan, même si la gratte amplifiée de Stillwell occupe progressivement le terrain. Le tempo est aussi nonchalant sur "You made me cry", une très belle compo, subtilement parfumée de southern blues, au cours de laquelle la voix de Grisham devient autoritaire face au riff de guitare et aux interventions discrètes de Patrick Preston, à l’orgue. "The moment" adopte un même tempo. La voix grave de Larry est chargée d’émotion, alros que son ami, Tommy, égrène des notes empreintes d’une grande sensibilité, sur ses cordes. Le tempo s’élève légèrement pour "Pie or cake", une piste tracée sur la ligne Memphis – Chicago. Larry entrecoupe son chant de brèves mais judicieuses interventions à l’harmo ; Preston enrichissant le tout au piano. Dynamisé par ses rythmes exotiques et syncopés, élaborés par David Parks, "Hoodoo woman" est sans aucun doute un moment fort de l’opus. Stillwell se réserve un excellent solo sur sa gratte en reverb destiné à rendre l’atmosphère spectrale. Tommy exécute un autre solo sur "DUI Love". Parcimonieux, il monte progressivement en intensité tout au long de cet autre blues lent. Cool, "Been thinkin'" est coloré par les voix soul. Et l’orgue favorise un envol de cordes. Et c’est un régal ! Changement de style pour "Luck's got to change". Une plage plus solennelle, légèrement teintée de country et de soul. Douce, la voix est éraillée. L’orgue, dense et chaleureux. La sèche imprime le rythme alors que la gratte amplifiée se révèle paradoxalement majestueuse. Shuffle, "The blues can heal Ya" bénéficie d’excellentes harmonies vocales et se distingue par de bonnes sorties d’harmonica et de six cordes. En intro d’"I need a woman", on perçoit des craquements, comme si on voulait reproduire les sonorités d’un 78trs. Mais le ton change rapidement, et le morceau se révèle bientôt agressif, tant dans la voix, la slide que les drums…
Originaire de Louisiane, Heather Crosse s’était établie tout un temps dans l’Arkansas, où elle drivait son propre formation, Heavy Suga' & The Swee Tones, avant de s’installer à Clarksdale, dans le Mississippi. En 2008. Objectif ? Vivre au cœur du blues. Depuis, elle est soutenue par des musiciens locaux ; en l’occurrence son compagnon, Lee Williams, à la batterie, Mark Yacovone aux claviers et Dan Smith aux guitares. Miss Crosse chante et se consacre à la basse. Début 2015, elle a participé au projet de la de la ‘Blues Caravan’, organisé par Ruf, pour y tourner en Europe. Elle a également collaboré à la confection de "Girls with guitars", en compagnie d'Eliana Cargnelutti et de Sadie Johnson.
Heather possède une bonne voix. Elle passe bien le cap sur l'ouverture "My man called me". Une compo signée par Don Robey, fondateur du défunt label Peacock. Les interventions aux ivoires de Mark sont empreintes de délicatesse et sont rapidement relayées par celles aux cordes de Lee. Heather amorce, à la basse, "Why does a woman need a bass guitar". Une question existentielle pour une jolie ballade soul. Elle poursuit dans un même registre le "Rockin' chair" de Clarence "Blowfly" Reid. Son "Clarksdale Shuffle" élève le tempo. Swee Tones et Sandy Carroll (NDR : il a coécrit la chanson) reprennent le morceau en chœur ; alors que gratte et piano sont à nouveau mis en exergue. "Hurryin' up to relax" opère un retour à la soul. La voix de Miss Crosse est chargée de passion pour commenter ses impressions féminines. Yacovone double à l'orgue et au piano électrique. Elle chante "Walkin' in their shoes", un blues séduisant enrichi par les interventions de Dan Smith à la slide et de Mark au piano. Indolent, "Damn your eyes" bénéficie d’arrangements judicieux. Miss Cross force quelque peu la voix pour libérer ses émotions. Dan Smith dispense un solo tout en finesse, alors qu’impeccables, les claviers tapissent l’ensemble. "Steppin' up strong" est caractérisée par la voix enflammée de Heather. Une solide compo au cours de laquelle les musicos excellent. Une des meilleures plages de l’elpee. Dan est au sommet de son art, sur ses cordes, sur "Bad boy kiss", un soul blues qui déménage. Et il est tout aussi brillant tout au long de "Call on me", une piste balisée par les claviers de Yacovone. Rythmé, le "You don't move me no more" de Roscoe Robinson se signale par ses accents syncopés. Les variations de tempo opérées par Dan Smith et les sonorités des ivoires alimentent ces effets. Et pour que votre info soit complète, c’est le notoire Jim Gaines qui assure la production.
Lara Price est née au Vietnam en 1975. Victime de la guerre, c’est une orpheline. Elle a acquis la nationalité américaine. Et est devenue chanteuse de blues. Depuis 1997, elle vit dans la baie de San Francisco. Elle y a fondé son Lara Price Band qui compte déjà cinq albums à son actif ! Hyperactive, elle multiplie les projets. Ainsi, elle se produit tour à tour en duo unplugged (NDR : en compagnie de la talentueuse guitariste Laura Chavez, qui a rejoint, il y a quelques années, le backing band de Candye Kane), au sein du Velvet Plum (NDR : un combo qui propose une musique réminiscente de années 40) ou une formation de cali reggae, quand elle ne dirige pas sa Blues Revue, impliquant dix musiciens. Sans oublier le Girls Got The Blues, une formation exclusivement féminine. C’est son dernier dessein ! Ce nouvel opus a été enregistré au sein du studio de Kid Andersen, Greaseland. Ce dernier assure, par ailleurs la mise en forme. L’opus recèle douze plages, dont sept ont été écrites ou co-écrites par Lara. Lors des sessions, elle a reçu le concours du drummer Derrick Martin, du bassiste Steve Evans ainsi que de Mighty Mike Schermer et Kid Andersen aux guitares. Et d’une section de cuivres, drivée par le saxophoniste Michael Peloquin.
"Get it when I want it" ouvre l’elpee. Un R&B puissant, dansant et séduisant, balisé par les cuivres et les voix féminines. Turbulente, la gratte de Kid Andersen s’autorise de brèves interventions à l'avant-plan. Ballade r&b, "Cryin' over you" est issu de la plume de Mighty Mike Schermer. Elégante et accrocheuse, la voix est soulignée par un orgue Hammond (NDR : celui de Jim Pugh ?) Dansant et plus rythmé, "Undone" met davantage en exergue le vocal autoritaire alors que Schermer s’impose à la six cordes. Les cuivres se retirent, les lumières s'éteignent et Lara interprète d'une voix suave et captivante, "Moon in the mirror", bien soutenue par le piano électrique et les cordes empreintes de sensibilité de Mighty Mike. La voix de Miss Price devient impérieuse tout au long de "Happy Blue year", une plage flemmarde, particulièrement dépouillée, au cours de laquelle Schermer ne dispense que des notes raffinées, chargées de feeling, dans un style digne d’un Ronnie Earl au sommet de son art. Un feeling qu’on retrouve sur le plus serein "Happy Blue Year". Lara est alors secondée de voix douces et charmantes. "Pack it up" est un r&b subtilement funky. Légèrement cuivré et entraînant, il met en exergue la voix de Lara, alors que Kid est omniprésent à la gratte. Indolent, "Time" constitue certainement la meilleure plage de l’elpee. Le chant est singulièrement expressif. Les cordes sont généreuses et bouleversantes. Les vocaux illuminent le titre maître. Lara est épaulée par les choristes, tout au long de ce rockin' R&B déchaîné, qui trempe dans le gospel. L’orgue Hammond s’y libère, alors que Chris Cain –invité pour la circonstance– se distingue à la guitare. Nerveux, "One tear at a time" est la piste la plus blues. Schermer s’excite sur ses cordes, alors que bien en place, la section rythmique et les cuivres balisent l’ensemble. Et l’opus de s’achever par "Love lost", une ballade soul au cours de laquelle Kid Andersen se réserve une dernière sortie remarquable sur ses cordes…
Inhabituel, le premier concert, ce soir, débute à 18h00 précises. Enfin, c’est un horaire courant, le dimanche, à l’Aéronef. La salle est en mode Club. C’est-à-dire qu’elle est divisée en deux parties et que le premier étage n’est pas accessible. Plus ou moins 300 spectateurs se sont déplacés pour assister au spectacle. Au programme !!!. Dites ‘Chk, Chk, Chk’. Fondé en 1995, le combo est responsable d’une musique qui mêle funk, disco, dance et électro. En outre, ses prestations ‘live’ sont particulièrement déjantées…
La première partie est assurée par Eric Dune. Producteur renommé et dénicheur de talent, il nous propose un dj set. Il est installé tout simplement sur un petit podium, coincé entre la scène où va se produire !!! et le bar. Plutôt distant, le personnage semble surtout absorbé par les vinyles qu’il ajuste sur ses platines ou réinsère dans leurs pochettes respectives. La musique proposée pendant ses 75 minutes de prestation est particulièrement éclectique et incite le public à danser. C'est le but non ?
!!! est un quintet californien (Sacramento) drivé par le chanteur/showman Nic Offer. Depuis sa naissance, le combo a connu plusieurs changements de line up ; et notamment en 2009, suite au décès accidentel de son batteur, Jerry Fuchs.
Le show commence par un nouveau titre, « Sick Ass Moon ». La chevelure bouclée, Nic est vêtu d’un short de couleur bleue. Et sur les planches, il est déjà intenable. Véritable contorsionniste, il exécute des mouvements incroyables, à l’aide de ses bras, comparables à des ciseaux. L’estrade a beau être étroite, il la parcourt de long en large, comme un joggeur. Ses déhanchements bien cadencés incitent à la danse. Il se dandine tellement que parfois, on a parfois l’impression qu’il est rivé derrière un 'go go dancer'. Et focalise tous les regards. Il invite la foule à danser, et plonge régulièrement dans la fosse. Singulière, sa voix est légèrement androgyne. Et c’est rapidement le boxon au sein des premiers rangs. Car la musique est festive et jouissive. Certains la taxent d’afrobeat/disco ; d’autres de punk/funk. Qu’importe ! L’essentiel est l’ambiance qui règne dans la salle. Et elle est endiablée ! Parmi les influences majeures du combo, je parierai sur Blondie, Tom Tom Club, LCD Soundsystem, Nile Rodgers, Mickael Jackson et Mick Jagger. Il doit y en avoir d’autres, mais je vous laisse le soin de les détecter…
La set list recèle quelques nouveaux titres, au cours desquels la voix est vocodée. Dont le single « Freedom '15 », qui va littéralement mettre le feu. Après « One Boy One Girl », « Slyd » clôt le show.
Lors du rappel !!! s’attaque à « Kik Free ». Un brûlot qui va transformer l’Aéronef en piste de danse. Dans l’auditoire, votre serviteur a remarqué la présence de jeunes têtes blondes ; et ils ont l’air de bien s’éclater. En famille, la musique c'est tellement mieux…
(Organisation : Aéronef)
C'est en compagnie de High Tone, groupe de référence dans l’univers de la vague electro-dub française que Bruxelles avait rendez-vous ce samedi. Une vague née au début des années 2000, alors que la scène dub était alors principalement sous hégémonie anglaise ; mais c'était sans compter sur la créativité, l'ouverture et le métissage sonore de formations d'outre-Quiévrain telles que Brain Damage, les excellents Kaly Live Dub et bien évidemment High Tone…
Votre serviteur a débarqué pendant le set de Wonky Clock ; il n’a donc pu assister à celui de Nö-Mad, qui assurait la toute première partie.
Wonky Clock est un duo qui réunit un ‘machiniste / scratcheur’ (virtuel?) et une charmante flûtiste. Ils ont revêtus leurs habits de soirée (NDR : comprenez robe et smoking). Leur objectif demeure assez simple : coller à des morceaux de musique classique, des arrangements modernes et electro à tendance ‘dubisante’.
Si le principe est assez ludique et inattendu, le résultat n'en est pas pour autant passionnant et laisse un peu dubitatif. En effet l'exercice de style auquel ils se livrent conviendrait probablement à merveille aux animations des Jeunesses Musicales afin de faire découvrir, de manière originale, les oeuvres de Schubert, Tchaïkovski et leurs pairs aux jeunes oreilles. Mais de là à animer le dancefloor de clubs enfumés... Pourtant quelques dizaines de spectateurs semblent apprécier et se lassent moins vite que le reste de l’auditoire. Perso, je ne suis pas mécontent quand la paire annonce son dernier morceau.
Les Lyonnais commencent ensuite à s'installer. On remarque la présence d’une batterie, basse et guitare, mais également de nombreuses machines. Mais pas d'ordi visible pour ce véritable groupe de dub live. Pour ceux qui préfèrent les triturations de boutons propices aux gestes amplement exagérés, les mains en l'air, faudra repasser!
On comprend assez vite qu'ils sont attendus. Et pour cause, certains fans commencent déjà à se positionner dans la salle ; et finalement je décide d'en faire autant, histoire d'en profiter à fond. Mais après 2 ou 3 morceaux cette tactique s'avère assez peu efficace, le gros des troupes rappliquant dare-dare pour se masser dans la chaleur qui commence à monter (aussi bien au sens propre que figuré). Rapidement, l'ambiance devient tropicale et les corps se serrent, je choisis alors de battre en retraite, histoire de bénéficier de davantage de liberté de mouvement et d'un peu d'oxygène.
Le groupe tient son public et ne le lâche plus, revisitant son répertoire à l’aide de vieux classiques tels "The Orientalist" –qui figurait sur "Bass Temperature"– ou encore les imparables "Freakency" et "Driving Fast", issus de ce que je considère comme son meilleur LP, "Underground Wobble". Dire que les basses sont rondes et puissantes serait un euphémisme. Le son est très bon sans être assourdissant (NDR : petit détail amusant pour ceux qui aiment les chiffres, un ordi communiquait le niveau de db à la régie ; et ce soir il s’élevait à 102.9 de moyenne).
Et dans ces conditions tout invite à la transe. L'ambiance monte d'ailleurs encore d'un cran quand High Tone entame l'hymne "Rub A Dub Anthem" reboosté dans une version du plus bel effet! Le "Dirty Urban Beat" fait mouche lui aussi grâce à sa rythmique lourde aux accents post-industriels. Ce qui me dérange un peu, c'est quand cet aspect musical est exagérément mis en avant au détriment de celui envoûtant, que j’apprécie davantage. On a alors l'impression d'être au milieu d'une free party dans un hangar désaffecté plutôt qu'à une soirée electro-dub ; ce qui plaît bien sûr à la frange la plus jeune du public mais laisse les vrais dub addicts un peu perplexes.
Hormis ce détail, ce très bon live s’est conclu par 1 ou 2 morceaux en rappel sous les applaudissements d'une foule ravie, mais qui en aurait souhaité encore un peu plus.
(Organisation : Hold Dub Party & VK concerts)
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