Le Festival des Libertés accueillait l’un des groupes contemporains les plus en vue, tant en Belgique qu’à l’étranger. Après cinq années d'absence, Ghinzu est remonté sur les planches, à Bruxelles, pour accorder un concert décapant et électrisant. Les murs du Théâtre National ont tremblé durant une heure et demie. Les fans inconditionnels du combo ont attendu impatiemment le retour des gladiateurs du rock alternatif ; et le résultat est à la hauteur de leurs espérances. Les héros de cette odyssée nocturne et éphémère sont acclamés comme il se doit. Retour sur une soirée décoiffante !
Le set s’ouvre par une bande sonore digne des génériques des salles obscures. Dantesque, le « Once upon a time in the West » d’Ennio Morricone retentit dans l’enceinte de ce théâtre classieux. Les cinq protagonistes s’avancent tels des conquistadors à la recherche de nouveaux territoires. Ce soir, c’est une scène qu’ils avaient déjà conquise la veille. Mais, dans la lumière des projecteurs et pour leur dernière représentation dans la cité qui les a vus naître, le band espère faire mieux. Beaucoup mieux. Autant dire que la température va monter crescendo.
Le chanteur, John Stargasm (NDR : Descamps de son vrai nom), s’installe au clavier et dispense quelques accords parfaits, suivi par ceux d’un autre claviériste, Jean Waterlot, alias Jean Montevideo. L’un des morceaux du nouvel opus ne convainc pas. L’utilisation du falsetto ou voix de tête dans ce fragment musical, appelé « Face », peine à s’harmoniser avec les autres instruments, même si l’artiste reprend son timbre plus grave à la fin de la chanson.
Tandis que le public s’impatiente, la troupe entame son irrésistible ascension. Les jambes, tant des musiciens que du public, se délient. La température monte d’un cran. Les fans de la première heure se frayent un chemin pour être au plus près de leurs idoles. Les fauves sont lâchés, au grand dam des petits gabarits. Les ‘slammeurs’ osent la planche. Ils sont portés par un auditoire qui a compris que le spectacle a véritablement débuté. Le guitariste, Greg Remy, a enlevé le haut et on y contemple ses muscles saillants, typiques des sportifs de l’escalade. Le chanteur est debout sur son clavier. Il bascule dangereusement son pied de micro. Après plusieurs titres, une des cordes de la guitare de Jean Montevideo lâche. Il demande l’intervention d’un technicien. La chaleur grimpe encore.
La force du groupe est de varier les plaisirs auditifs mais aussi physiques. Le corps, en transe, a aussi besoin d’un temps de repos. C’est ainsi que les compos se suivent mais ne se ressemblent pas. Après des extraits issus de leurs anciens elpees, tels que « Mirror Mirror », « Dream maker » ou « 21st Century Crooners », l’artiste de quarante-deux balais (NDR : il a fêté son anniversaire ce 1er octobre), propose de nouveaux titres, plus calmes, mais aussi parfois davantage ‘noisy’, comme le doucereux « Forever » ou un « Out of Control », manifestement inspiré par les Beatles…
Le public a bien compris. Il n’est pas venu pour écouter la totalité du nouvel LP. En fait, il n’est pas encore prêt. Néanmoins, la troupe est parvenue à redonner goût à des compositions que l’auditoire a aimées, comme « Take it easy », « Do you read me » ou le très mystérieux et détonant « Blow ».
Le bonheur est présent et se lit sur les visages des mélomanes/danseurs. A tel point que la foule les rappelle à deux reprises. Mission accomplie pour Ghinzu. De nouveaux horizons sonores s’ouvrent pour le groupe. Qui cultive le secret comme il est parvenu à si bien le garder jusqu’à présent. Mais espérons qu’il ne tardera pas trop jusqu’au prochain long playing ; car les aficionados aimeraient continuer à danser jusqu’au bout de la nuit…
(Organisation : Festival des Libertés)
On ne peut pas dire que votre serviteur ait pris son pied, la dernière fois qu’il s’est rendu à Forest National. C’était la semaine dernière pour le concert de Fall Out Boy, gâché par un volume sonore trop puissant. Ce soir, la salle est presque sold out. Il doit rester une centaine de places de libres, dans les gradins. Belle ascension pour Imagine Dragon, qui en 3 ans est passé du Witloof Bar à la Rotonde (NDR : vu l’engouement) ; puis s’est offert l’AB et le Cirque Royal, avant d’investir Forest National…
Le supporting act est assuré par Sunset Soons, un quatuor réunissant un guitariste, un bassiste, un drummer et un claviériste/chanteur. Quoique établis à Hossegor, en France, les musicos sont issus de pays différents (NDR : Royaume-Uni et Australie). Le combo s’est formé en 2010. Il jouit d’une solide réputation en ‘live’. D’ailleurs le Times lui a attribué un quatre étoiles, lors de sa prestation accordée au ‘Hoxton Bar and Kitchen’ de Londres. Et il figure également dans la prestigieuse shortlist du ‘BBC Sound of 2015’. Son nouvel elpee, « The Fall Line », est paru en mars 2015. Imagine Dragon a choisi ce groupe pour assurer le supporting act de sa tournée européenne et insulaire.
Sur les planches, le combo remue plutôt bien. Appréciable ! La voix du chanteur est limpide. L’instrumentation recherchée et efficace. Les refrains sont accrocheurs. Parfois, son indie rock me fait penser à U2. Mais le son est pitoyable. En outre, en observant les vumètres, je constate qu’il atteint parfois 110 db. Est-ce vraiment nécessaire ?
Imagine Dragons a vu le jour en 2008, à Las Vegas ; et a été bombardé ‘Winner Of The Week’ par le magazine Rolling Stone, lors de la sortie de son premier elpee, « Night Visions », disque qui a longtemps trôné au faite du hit-parade américain sur ITunes. Aux States, le band s’est forgé son expérience en assurant notamment les premières parties de Garbage, Hot Chip, Weezer, Interpol et The Killers. Et il a été battu de justesse par Coldplay, dans la catégorie ‘Best Rock Video’, aux MTV Music Awards 2012. Son deuxième opus a encore bénéficié, comme le précédent, de l’excellente mise en forme du producteur et compositeur Alex Da Kid (Eminem, Dr. Dre, Rihanna et Nicki Minaj).
Responsable d’un pop rock indie chargé de groove, mais aussi contaminé par le dubstep et le hip-hop, ce quatuor implique le chanteur charismatique Dan Reynolds, le guitariste (NDR : un chevelu !) D. Wayne Sermon, le drummer Daniel ‘Z’ Platzman et le bassiste Ben McKee. Pour la tournée, le line up a recruté un multi-instrumentiste, préposé aux claviers, à la gratte et aux chœurs.
Huit écrans réfléchissants sont installés tout en longueur, en arrière-scène. Une avancée a été aménagée au centre du podium, afin de permettre au leader de se rendre, le plus près possible, de son auditoire. Devant les drums, on remarque la présence d’un énorme tambour. Des lumières blanches entourées de couleur bleue illuminent la scène pour accueillir le quintet. Et ce light show à l’américaine va nous en mettre plein les mirettes.
Puissant, « Shots » (NDR : c’est un extrait du nouvel opus) ouvre les hostilités. Les premiers rangs sont essentiellement occupés par de très jeunes filles. La compo s’achève sous un tonnerre d’applaudissements.
Les ivoires envahissent « Trouble », une chanson empreinte de douceur. Dan R. salue le public et crie 'Brussels' en levant les bras. C’est la folie dans la salle. Dan Wayne a changé de gratte, et dispense ses premiers riffs à l’aide d’une semi-acoutique. Et ils sont incisifs ! Plus sauvages, les accords de piano balisent cependant l’ensemble. Dans les gradins, les spectateurs sont debout. La reprise du « Forever Young » d'Alphaville est chantée presque a capella. Magique ! Dan Wayne a empoigné sa mandoline pour attaquer « It's Time ». La pression monte. La foule reprend le refrain en chœur et entre en communion avec le band. Le maître de la six cordes passe sa sèche au-dessus de l’électrique ; ce qui ne l’empêche pas de déambuler sur les planches.
Le batteur tire son épingle du jeu tout au long de « Polaroïd », une compo soulignée par des sonorités de clochettes, qui suscite le délire dans la foule, alors que les ‘Ho-Ho’ fusent aux quatre coins de la fosse. Qu’une multitude de smartphones illumine (NDR : le temps des briquets semble révolu !)
Dan nous parle brièvement des réfugiés. Il semble quand même préoccupé par leur destin.
Au cours du set, le combo va nous proposer deux pots-pourris épinglant quelques-uns de ses tubes. D’abord, « Bleeding Out / Warriors / Demons ». Puis « Amsterdam / Tiptoe / Nothing Left to Say / Smoke and Mirrors », qui met alors en exergue la superbe voix de Dan.
Pour « Gold », l’imposant tambour a été déplacé à la droite de Dan. Et des tom basses sont installés, près de chaque musicien. Mais pas du drummer. De quoi permettre à la compo de se frotter au dubstep et à la drum’n’bass. Daniel ‘Z’ Platzman nous réserve un solo de batterie hypervitaminé. Et en apothéose, « Radioactive » achève le concert ; un hit qui a fait connaître le groupe. Un morceau au cours duquel le tambour et les toms basse constituent de nouveau la source principale du groove…
« The Fall » sert de bref mais intense rappel. Une chanson contagieuse qui trotte encore dans ma tête au moment d’écrire ces quelques lignes. Ce soir Imagine Dragons a joué du tambour, mais surtout décroché la timbale…
(Organisation : Live Nation)
Voir aussi notre section photos ici
Henry Gray, n'est plus un vétéran, mais une légende vivante. D'origine louisianaise, il affiche aujourd’hui 90 balais ! Il s’était installé à Chicago, dès ses 21 ans, où il épate le grand pianiste local, Big Maceo Merriweather. Henry se forge alors une certaine notoriété ; et en 1956, il devient le pianiste du mythique bluesman, Howlin' Wolf. Il le côtoiera pendant 12 années. A cette époque, il se charge également des ivoires lors des sessions d’enregistrement des studios Chess. A la mort de son paternel, en 1968, il retourne vivre aux côtés de sa mère, en Louisiane, près de Baton Rouge. Il devient alors le pianiste référence du swamp blues. Il se produit toujours en ‘live’ et dirige son propre groupe, Henry Gray and The Cats.
De couleur blanche, Bob Corritore est harmoniciste. Il est né à Chicago, en septembre 1956. Il s’est établi à Phoenix, en Arizona, en 1981. Il y est propriétaire du célèbre club de blues, ‘The Rhythm Room’. Son premier opus, "All Stars Blues Session", remonte à 1999. Il est paru sur le label Hightone. En 2010, il coproduit l'album de Kim Wilson, "Smokin' joint". Au cours de sa carrière, il a décroché de nombreuses citations, sur la scène musicale.
Ce nouvel LP constitue le premier volume d’une collection. Il épingle des collaborations opérées en compagnie d’Henry Gray, au cours des 19 dernières années. On y retrouve cependant une flopée d’invités célèbres, issus de l’univers du blues contemporain…
Henry chante "Let's get high" devant une section rythmique impériale qui lui donne la réplique vocale. Le morceau est imprimé sur un tempo enlevé que balisent le bassiste Bob Stroger et le drummer Willie ‘Big Eyes’ Smith. Corritore s’autorise quelques billets de sortie, brefs mais incisifs. "Blues won't let me take my rest" est un blues lent somptueux. La voix de Gray est à la fois autoritaire et tellement expressive. Ses interventions au piano impressionnent par leur spontanéité. Bob Margolin, l'ex-partenaire de Muddy Waters, se consacre à la gratte. Les quatorze plages de ce long playing sont vraiment exceptionnelles. La cover du "I'm in love again" de Fats Domino baigne au sein d’une atmosphère néo-orléanaise. Doug James souffle dans son saxophone ; et pourtant, Bob parvient tirer son épingle du jeu à l’aide de son instru famélique. Le long playing aligne des adaptations de grands classiques du blues : le "Rambling on my mind" de Robert Johnson, qui bénéficie du concours de Robert Lockwood Jr au chant et à la six cordes ainsi que le "Worried life blues" de Big Maceo, que chante Nappy Brown, soutenu par un Corritore au sommet de son art. Henry récupère le micro pour chanter tout en puissance "They raided the joint", épaulé par Kid Ramos aux cordes. Chris James et Dave Riley se réservent les grattes, pour attaquer le nerveux "Ride your daddy tonight". Ce dernier assure également le chant. Le "Trouble blues" de Lowell Fulson" est un autre blues lent beau à pleurer. La slide de Bob Margolin nous restitue l'ambiance du Chicago southside, chère à Muddy Waters. Imprimé sur un mid tempo, "That ain't right" est issu de la plume de John Brim. Un moment d’émotion, car s’il chante et se consacre à la guitare, il est décédé depuis, c’est-à-dire en 2003. Inspiré, Bob souffle tout au long du shuffle "Can't afford to do it", épaulé par le Canadien Danny Michel, aux cordes. L’opus recèle bien évidemment un boogie woogie qui ne manque pas d’envergure : "Boogie woogie Ball". Gray est à la manœuvre. Chris James, Patrick Rynn et le sixcordiste Kirk Fletcher tirent leur épingle du jeu. Et Johnny Rapp (NDR : il est issu de Phoenix !), membre du Rhythm Room All Stars, s’y distingue également sur le "Honey don't let me go" de Jimmy Reed. Ce remarquable album s’achève par un blues lent chargé d’émotion, le "She don't move me no more" de BB King.
La naissance de Savoy Brown remonte à 1965. Du mouvement ‘British Blues Boom’ issu des sixties, cette formation est donc une des dernières encore vivante. Bien entendu, du line up initial, il ne reste plus –et depuis bien longtemps– que son fondateur, le guitariste Kim Simmonds. En outre, il y a aussi un bail qu’il s’est installé aux States, dans l'état de New York. Des dizaines de musiciens se sont succédés et près de quarante albums alimentent la carrière du groupe. Pour l'heure, Savoy Brown est réduit à la formule trio. Kim chante et se consacre à la gratte, Pat DeSalvo à la basse et Garnet Green à la batterie. Les sessions se sont déroulées au sein du studio Subcat à Syracuse (NY). Simmonds signe toutes les plages et assure la production.
Blues lent extrêmement dépouillé, "Ain't got nobody" brille par son originalité. Depuis quelques années, Kim a récupéré le micro. Ce n’est pourtant pas un chanteur extraordinaire ; mais sa voix est particulièrement harmonieuse. Une entrée en matière remarquable, au cours de laquelle il ne dispense que les notes nécessaires, tout en y injectant un max de feeling. Après une longue intro aux cordes, Kim passe aux vocaux sur "Bad weather brewing", une piste plus enlevée, judicieusement imprimée par la section rythmique. Et son ouverture de "Grew up in the blues" adopte un même profil. Kim chante sa passion pour le blues et sa gratte revient constamment à l'avant-plan. Evoluant sur un mid tempo, "When love goes wrong" démontre toute l’expérience du leader. Pas pour rien que le band compte un demi-siècle d’existence ! Il sort son harmonica et double la guitare sur "Oh Rosa", un blues/rock particulièrement subtil. Et ce même s’il n’est pas un souffleur exceptionnel. Caractérisé par ses accents country/blues, le titre maître nous entraîne dans le Mississippi. "Stop throwing your love around" replonge Kim Simmonds dans les 70’s, lorsque Dave Walker était le chanteur du combo. "Snakin'" est une plage instrumentale séduisante, réminiscente de Freddie King. "Got an awful feeling" campe un autre blues indolent, mais empreint d’émotion. Cette manière de créer son solo, de le développer et d’atteindre sa cible, tout en ne dispensant que les notes nécessaires, est un véritable art chez Kim. Armé de sa slide qu’il frotte frénétiquement de son bottleneck, il chante "I've been drinking". Secondé par sa section rythmique, il nous emmène dans le Delta. Kim se convertit au jazz pour attaquer un "Watch my woman". Et si sa technique est irréprochable, il n’en oublie pas pour autant le swing. Un style qu’il poursuit tout au long de "Whiskey headed baby", une piste singulière et créative. "Evil eye" clôt l’elpee. Une pièce de bravoure. Un blues subtilement teinté de rock. Kim est convainquant au micro. Sa guitare s’envole vers les sommets. Il la fait souffrir, mais plus rien ne peut l’arrêter…
Agé de 44 ans, Thorbjorn Risager est de nationalité danoise. Depuis ses débuts, en 2003, ce chanteur/guitariste/compositeur a gravé 8 albums. En compagnie de son backing group, The Black Tornado. Un septuor impliquant un guitariste, un bassiste, un drummer, un claviériste, une section de cuivres et deux choristes, les Tornadettes. Le dernier opus, "Too many roads", remonte à 2014. Il avait déjà été publié sur le label Ruf. Il a aussi sacrifié à la tradition instituée par l’écurie en participant à la série ‘live’ "Songs from the road", qui se traduit par la sortie simultanée d’un cd et d’un dvd. Un concert immortalisé dans la salle Harmonie de Bonn, en avril dernier. Pas moins de huit des douze plages de son dernier elpee sont ici reprises. Au regard du dvd, le concert s’étale sur près d'une heure quarante, et est partagé en dix-huit titres.
"If you wanna leave" ouvre l’opus. Un véritable brûlot ! Et une claque, en plus. La voix de Risager est remarquablement autoritaire. Armé de sa guitare, il est soutenu par Peter Skjerning à la slide. Hans Nybo s’autorise déjà un billet de sortie sur son saxophone ténor, alors que les charmantes Tornadettes donnent la réplique vocale. Soutenu par les cuivres, le pianiste Emil Balsgaard attaque "The straight and narrow line", un boogie frénétique. Mr Nybo se déchaîne sur son sax, relayé par le piano électrique. Métallique, la slide de Peter amorce l'excellent blues nerveux "Too many roads". Thorbjorn démontre qu'il est un excellent gratteur tout au long du rapide "I'm tired". Inspiré, il manifeste une aisance remarquable lors de la montée en crescendo. "China Gate" est un film datant de 1957. Victor Young en avait réalisé la bande sonore. Nat King Cole en était l’interprète. La version proposée par le Black Tornado est tout à fait remarquable. Dans un climat presque silencieux, la voix basse récite un texte face à une slide aux tonalités blafardes et douloureuses. Un très grand moment de l’opus ! "Rock'n'roll Ride" surprend par le chant. Et les voix finissent par se conjuguer sur cette piste rythmique. Rythmique comme le riff de "High Rolling" emprunté aux Rolling Stones, alors que toute la section de cuivres est sur le grill! Le leader exprime toute sa sensibilité à l’aide de sa gratte sur "Through the years", une ballade R&B indolente. Deux interludes country/roots : "Long forgotten track" et "On my way". Peter s'éclate à la six cordes tout au long d’"All I want". L’adaptation du notoire "Baby please don't go" de Big Joe Williams est originale et très réussie. La finale nous réserve une version big band de "Let the good times roll". Lors du rappel, Thorbjorn et une des choristes, Lisa Lystam, interprètent presque a cappella, "I won't let you down" ; Mr Skerning saupoudrant l’ensemble d’un chouia de cordes. Et le Black Tornado revient sur les planches pour attaquer le pur r&b, "Opener". Un concert épatant ! Et comme le plus souvent, le dvd recèle trois plages de plus que le cd.
Chanteur de soul et de blues, Ellis Hooks est né en Alabama. Son père était d’origine africaine ; sa mère, une cherokee. Il est le 13ème d'une famille de seize enfants. Après avoir roulé sa bosse entre Paris, et Amsterdam, il finit par s’établir à New York, où il fait la connaissance du producteur, Jon Tiven. Ce dernier met en forme son premier opus, "Undeniable", en 2002. Il publie alors cinq elpees chez Evidence, dont "Another Saturday morning", en 2007. Hooks possède une voix qui ne manque pas de charme. Elle est même susceptible de rappeler celle de Little Milton, Sam Cooke ou encore Otis Redding. "Needle in a haystack" a de nouveau reçu le concours de Tiven, à la production. En outre, ce dernier se consacre également à la guitare, aux claviers et au saxophone ténor. Ont également participé aux sessions d’enregistrement, l’épouse de Tiven, Sally, à la basse, et Todd Snare, aux drums. Les compositions sont signées Ellis Hooks, Jon Tiven et Stephen Kalinich, poète responsable des lyrics.
Le titre maître ouvre l’LP. Une plage plus rock, percutante, au cours de laquelle on se rend compte que Jo possède une voix exceptionnelle ; et qu’il n’a guère besoin de la forcer pour s’imposer. Il double également gratte et piano électrique. Sa voix constitue le fil rouge du long playing. "Live the day" et "Now you know" en sont les meilleurs exemples. "Train to train" adopte le rythme du chemin de fer. Les arrangements sont impeccables. Tiven se consacre à l’orgue et à la six cordes ; et il se révèle particulièrement créatif. Dylan Le Blanc, Muss Gillum et Mr Hooks chantent en chœur. "To you who have wronged me" est sculpté dans le soul/rock. Notoire, Steve Cropper (NDR : il est issu de Memphis), se réserve la gratte. Subtils, les arrangements intègrent parfaitement saxophone et claviers. Remarquable ballade soul, "Los Angeles" nous entraîne au cœur de la mégapole californienne. Les arrangements de cuivres sont impeccables. Un harmonica traverse cependant l’ensemble. Tout au long des ballades "Time is a mofo" et "Follow the seasons", on ne peut s’empêcher de penser à Sam Cooke. Même si la voix de Hooks est plus incisive et manifeste davantage de relief. "I stand I scream" trempe dans le pur R&B. Et le chant autoritaire d’Ellis évoque Don Covay voire Otis Redding, dans leur période northern soul. Rockin' R&B, "Shortcuts to infinity" est découpé par le riff de gratte de Tiven. Et les arrangements sont toujours aussi remarquables, autorisant un billet de sortie pour Jon au saxophone. Des accents dramatiques contaminent les vocaux tout au long du blues "Put down the needles". Et ils lorgnent vers Paul Rodgers (Free) voire Bad Co. Les percussions sont lumineuses. Tiven réalise son meilleur envol sur ses cordes. "Another Planet" est un r&b dynamique. D’excellente facture, cet LP s’achève par "America, I'm coming home", une piste tracée par le clavier de Fran Kowalski.
Le Witloof Bar est une salle superbe. Située au sous-sol du Botanique, la cave à chicons a été réaménagée afin d’offrir au public une expérience intéressante. Le style de musique doit bien sûr correspondre à l’ambiance des lieux. Et c’était le cas ce jeudi.
Il est en effet difficile de trouver meilleur décor pour savourer le post-punk fascinant de Girls Names. Pas de première partie ce soir ; nous sommes directement plongés dans le vif du sujet ! Le groupe de Belfast monte sur les planches, sans doute un peu déçu de la faible affluence (plus ou moins 75 personnes) ; mais ne se laisse pas décourager pour autant, et révèle en ‘live’ de nombreux morceaux issus de son dernier album, sorti quelques jours auparavant : « Arms Around a Vision ». La recette de Girls Names est simple mais diablement efficace. Un son lourd, parfois presque malsain, renforcé par la basse de Claire Miskimmin et le chant de Cathal Cully. Le Witloof Bar rajoute clairement un charme à la prestation du quatuor qui n’est pas venu faire de la figuration. Près d’1h15 de concert, ce n’est pas mal du tout ! Il faut dire que le groupe a déjà publié trois albums et a donc de quoi allonger ses représentations.
S’il est vrai que la tonalité des morceaux est assez linéaire, certains se démarquent quand même assez rapidement. Caractérisé par son refrain puissant, « Chrome Rose » décoiffe littéralement l’assistance alors que le rythme effréné de « A Hunger Artist » l’incite à se remuer. Le public que n’y trompe pas et votre serviteur remarque ne pas être le seul à prendre son pied. Et le meilleur est encore à venir. La formation nord irlandaise clôture son show par « I Was You », petite merveille de construction crescendo décrite par le chanteur comme la meilleure chanson jamais composée par « Girls Names ». Une claque !
Pas question d’en rester là pour l’auditoire qui réclame un rappel. Et il sera bien accordé. Terminer par « The New Life » est un coup de génie, car la chanson est l’archétype du titre addictif. Long de près de neuf minutes sur disque, il a été tiré en longueur en ‘live’, pour notre plus grand bonheur. Les trois petites notes au synthé sont très simples mais restent en tête longtemps. Pas seulement pour la soirée d’ailleurs, car je me suis surpris à encore fredonner l’air, deux jours plus tard.
Girls Names a offert au public belge une performance remarquable. Outre sa qualité scénique, le groupe s’est attardé de longues minutes dans la salle après le set afin de discuter avec ses fans. Une attitude très classe qui a définitivement convaincu les rares sceptiques !
(Organisation Botanique)
Archive se produisait à l’Aéronef ce lundi 19 octobre. Fondé en 1994, il compte donc aujourd'hui, plus de deux décennies d'existence. Un collectif à géométrie variable drivé par Darius Keeler et Danny Griffiths. Son style musical n'est pas facile à définir, puisqu'il emprunte aussi bien au rock, à l'electro, au trip hop, au psyché et à la prog. Un cocktail qui finalement s'avère très personnel.
Pas de supporting act. BRNS était prévu en première partie du band londonien –il a d’ailleurs été invité à assurer ce rôle pour la tournée française– mais son camion est tombé en panne, près de Troyes. En lieu en place, on aura droit à la projection du film « Axiom », sur un écran placé en bord de scène. Un court métrage tourné en noir et blanc, d’une trentaine de minutes. Il a également servi de bande-son à un album paru en 2014 qui porte le même titre. Il raconte, au fil des différents chapitres, l'histoire d'une île (Axiom), dont la ville souterraine est régie par une cloche qui en sonnant décide du destin de ses habitants. De superbes arrangements de cordes enrichissent cette musique particulièrement paisible. La bande-son a été enregistrée en moins de 10 jours par le band, et constitue, un témoignage de ses références majeures, dont celles puisées chez le Floyd, époque « The Wall ».
Darius et Danny se chargent des claviers. Ils occupent chaque extrémité du podium et se font face. Ce dernier se consacre également aux samplers et à la basse. Le line up implique 3 vocalistes. Holly Martin apporte la touche féminine. Et Dave Penny (machines, percus et guitare) ainsi que le chevelu Pollard Berrier, nous réservent la masculine. Ces deux musicos et Mike Bird sont également préposés aux grattes. Steve Barnard, alias Smiley, siège derrière les fûts.
Le band est venu défendre son nouvel et onzième elpee studio, publié ce 12 janvier 2015. Archive s’était déjà produit à l’Ancienne Belgique, en février dernier, soit un mois après avoir gravé « Restriction » ; et le 24 aoît à Bruxelles, dans le cadre du BSF (voir photos ici). Ce soir, le spectacle est sold out.
Dave et Pollard constituent les deux pôles d'attraction de la formation. Ils squattent à tour de rôle, l’avant-scène. Dave empoigne le micro et en balance le pied. Caractérisé par ses riffs de cordes incisifs et ses claviers pétillants, « Feel It » (« Restriction ») ouvre le set. Le début de parcours est d’ailleurs particulièrement énergique. La setlist embraie par « Fuck U », « Dangervisit » et « Finding It So Hard », de plus anciennes compositions. Le light show et les mouvements des musicos sont parfaitement synchronisés. Un caméraman filme le spectacle, et les images sont reproduites sur trois écrans, placés en toile de fond. Après 45 bonnes minutes, Holly Martin grimpe enfin sur l’estrade. Cette jolie blonde me fait alors penser à une fée vêtue d’une robe pailletée d’or. Et empreinte de sérénité, sa voix est propice aux ballades…
Tour à tour, Dave s'éclipse pour cogner en mesure ses toms basse et sa caisse claire, gratter sa six cordes ou triturer ses machines. Quant à Pollard, il alterne entre micro et guitare. Le band manifeste une belle cohésion ; et sa tournée est aujourd’hui parfaitement rôdée. La plupart des compos issues de « Restriction » baignent au sein d’un climat trip hop propice aux sonorités électroniques. Au fil du temps, les déhanchements de Holly deviennent de plus en plus saccadés et s’accélèrent lorsque l’expression sonore monte en crescendo. La voix de Dave se charge également et progressivement en intensité, et ce jusque saturation. Suivant un même rituel, Darius bat régulièrement la mesure de la main droite. Les cordes vocales de Pollard (il est coiffé d’un chapeau) sont cristallines, fragiles, lumineuses. Les jeux de lumières sont alors dominés par des couleurs qui oscillent du bleu au vert, en passant par le jaune et le rouge. En fin de parcours, Archive nous réserve « Distorted Angels » et « Baptism », deux extraits essentiels d’« Axiom ». Le spectre du floyd se remet à planer…
Et il est omniprésent tout au long du rappel ; en l’occurrence l’imparable « Lights ». Un titre de 15 bonnes minutes au cours duquel l’électronique prend pourtant le pas sur l’organique.
Birdpen, projet de Dave et Mike, se produira en concert à travers la Belgique, entre deux concerts d’Archive. Un planning, il faut le reconnaître, particulièrement chargé…
Setlist: Feel It / Fuck U / Dangervisit / Crushed / Conflict / Violently / Black and Blue / End of Our Days / Kid Corner / You Make Me Feel / Bullets / Distorted Angels / Baptism / Ladders / Numb. Rappel : Lights
(Organisation : Vérone Productions + Alias Production)
Royal Southern Brotherhood est en quelque sorte un super-groupe créé en 2011 dans la Crescent City de la Nouvelle Orléans. Quatre ans plus tard, il publie déjà son 4ème elpee. Il fait suite à un éponyme et un live ("Songs from the Road") gravés en 2012 et "Heartsoulblood", paru en 2014. Au fil du temps le line up a subi quelques changements. Cyril Neville, assure toujours le chant. L'extraordinaire section rythmique, constituée du batteur Yonrico Scott et du bassiste, est toujours en place. Les deux guitaristes ont été remplacés. Mike Zito a quitté le navire en 2014. Il a depuis embrassé une carrière solo qu’il mène avec succès. Il a cédé le relais à Bart Walker, issu de Nashville. Récemment, Devon Allman a été remplacé par Tyrone Vaughan, le fils de Jimmie Vaughan et neveu de Stevie Ray. Les sessions de ce dernier elpee se sont déroulées au célèbre studio Fame, à Muscle Shoals, dans l'Alabama. Il a été produit par Tom Hambridge.
Coécrite par Cyril Neville et les deux nouveaux gratteurs, "I wanna be free" est une plage puissante qui déménage au sein d’un climat southern rock. Les trois musicos se partagent le chant. Une véritable propagande pour la musique de ce band issu de New Orleans. Une même puissance alimente "Reach my goal". La voix de Cyril est toujours aussi superbe. Les percussions de Yonrico crèvent l'écran alors que la gratte de Bart Walker est toujours aussi brûlante. Ivan Neville siège derrière l'orgue Hammond. Funkysante, la basse de Charlie amorce "Don't look back". Walker est passé au banjo. L'attaque percussive adopte même un profil reggae. Plus funk encore, mais contaminé par la soul, "Hit me once" est issu de la plume de Danny Dugan, le leader de Sons of Soul. Tapissé par les sonorités du Hammond et caractérisé par des accès de basse insatiables, "The Big Greasy" baigne dans le même climat. "Hard blues" en revient au rockin' blues ; un titre séduisant signé par le producteur Tom Hambridge. Les riffs des deux grattes sont puissants sur cette piste southern rock. Ballade atmosphérique, "Better half" sert d’intermède pour les frangins Cyril et Ivan Neville. "Penzi" est une compo coécrite par Charlie Wooton et Cyril. Exotique, elle véhicule des accents cubains. Bart se consacre à la mandoline, face au percus entraînantes de Yonrico et Cyril. Paisible, "It's time for love" concède des inflexions jazz et country. La voix de Mr Neville est lumineuse et les sixcordes sont hantées par l’Allman Brothers Band. "Bayou baby" macère au cœur des bayous louisianais. Un blues imprimé sur un tempo indolent dont s’évade un harmonica, alors que Bart dispense des tonalités métalliques à l’aide de sa slide. Tyrone chante son "Poor boy", un blues nerveux légèrement teinté de funk. A la fois technique et chargé de vécu, son envol sur les cordes est brillant. En outre, il n’hésite pas à se servir de ses pédales. Il est aussitôt relayé par un Walker bien inspiré. R&B dynamique et dansant, "They don't make 'em like you no more" est enrichi de cuivres parmi lesquels le saxophone de Jimmy Hall s’autorise un billet de sortie, alors que les sixcordes entrent en effervescence. Devon Allman participe à l’écriture de "Come hell or high water", une compo luxuriante dominée par le chant et dont la ligne mélodique est à la fois accrocheuse et participative. Cyril Neville et Anders Osborne cosignent "Anchor me", une finale acoustique…
Ce jeune musicien est originaire de l'Ontario, au Canada. Depuis plusieurs années, il drive sa propre formation, The J-Tones. Son blues est largement teinté de soul et de R&B! Publié en 2009, son premier elpee, "Rhythm & Blues Experience", avait été bien reçu par la critique. Six années plus tard, il nous propose son sixième opus, disque qu’il a enregistré dans sa ville de Hamilton. Il signe neuf des dix plages et en assure la production. Lors des sessions, il a reçu le concours de nombreux invités.
"Left with the blues" ouvre l’opus. Un blues lent que chante André d’une voix passionnée, qui colle parfaitement au style. Jesse O'Brien se consacre au piano. Le front de cuivres fait la différence et tout particulièrement le saxophone ténor de Bill Holinaty. Sculpté dans le rock, "Borrowed time" est imprimé sur un tempo très soutenu. André joue nerveusement sur ses cordes et sa voix affiche énormément d’assurance devant les cuivres. Légèrement éraillée, elle est classieuse tout au long du r&b indolent "Play me a fool". Les ivoires entretiennent un climat nightclubbien alors que la sortie de cordes s’opère parcimonieusement au cœur du mur de cuivres. Musclée, proche du northern soul de la Tamla Motown, "All I need" est une plage qui ne manque ni de potentiel, ni de créativité. Une petite perle dans le genre! Le talentueux harmoniciste canadien Jerome Godboo communique une touche blues bien agréable à "Deepest kind of mean", une piste qui évolue entre Chicago et Memphis. Et Bisson se déchaîne sur ses cordes! Ballade dépouillée, "There for you" constitue sans doute une des meilleures compositions de l’LP. La voix d’André s’y révèle très expressive. Si le piano sert de fil conducteur, en arrière-plan, le violon de Crystal Lee parvient à se détacher. Morceau funk, "Daybreak" permet une sortie autoritaire du saxophone. "Ordinary day" est un titre lent et nightclubbien. Une seule reprise : le "Crosscut saw" de Tommy McClennan, une compo popularisée par Albert King. La version d’André baigne au sein d’une judicieuse ambiance Stax. Et le long playing s’achève par "Brand new day". Le climat y est gospel. André chante face aux voix féminines.
Blinddog Smokin' est un groupe de soul/funk/blues américain qui accorde plus de 200 concerts par an. Constamment sur les routes, il se produit aussi bien dans les festivals que les petits jukejoints et autres roadhouses. Le combo a été fondé en 1994 dans le Wyoming. Il est drivé par le chanteur/harmoniciste Carl Gustafson. Un personnage qui traîne une réputation d’aventurier et de raconteur. Le line up de la formation est à géométrie variable. Seul le drummer, ‘Chicago’ Chuck Gullens, est au poste depuis le début. Quant au bassiste, Roland Pritzker, alias Junior Bacon, il participe à l’aventure depuis pas mal de temps. Parmi les plus réguliers, on épinglera le claviériste Mo Beeks, le guitariste Chalo Ortiz, ainsi que Linda Gustafson et Chris White aux choeurs. Le précédent LP, "Decisions", était paru en 2014 ; il avait reçu le concours du remarquable chanteur de soul Bobby Rush, ainsi que de l'énigmatique Dr John. "High steppin'" constitue donc son 11ème long playing.
Dès les premières mesures, on pénètre dans l’univers du funk. La section rythmique balise le tout alors que le saxophone de Rex Arend participe aux arrangements. "Pimp shoes" célèbre les chaussures ‘flashy’ des musicos. La guitare d'Ortiz se réserve le premier solo en se servant judicieusement de la pédale wah wah. Les voix sont à la fois complexes et soignées. "Bayou lady" me botte davantage. Caractérisé par ses rythmes louisianais, ce morceau est enrichi par l’harmonica de Billy Branch, invité pour la circonstance. Nonobstant ses interventions trafiquées, Chalo se révèle très en verve sur ses cordes ; et surtout créatif. Les arrangements sont impeccables. Les voix superbes ; et l’orgue de Mo Beeks est épatant. Le meilleur morceau de l’elpee. Des accords de piano ouvrent l'étrange et complexe valse lente "Don't put no money on me". La voix est triturée à l'extrême, proche de l'asphyxie. Ivoires, violon et clarinette entretiennent ce climat. Les chœurs répondent à la voix au bord de l’agonie. Prolixe, le violon de Matt Rhody introduit "I caught her lyin'", une plage bluesy imprimée sur un mid tempo que souligne la voix singulière de Gustafson. La voix devient même surannée pour "Tell 'em shuffle", un shuffle excitant, très rythmé, au cours duquel le guitariste louisianais Shane Thériot (NDR : encore un guest !) malmène ses cordes, alors que Billy Branch communique une touche de Chicago blues. Propulsé par l’harmo, "If I died today" est une belle piste mélodieuse ; un blues indolent, dominé par le timbre du leader que tamise des chœurs empreints de charme. Branch démontre une nouvelle fois son talent sur sa musique à bouche, sur fond d'orgue et de piano. Légèrement funk, "Big behind" concède des accents country. A cause de la lap steel que se réserve Tommy Broderick. Un funk bien plus marqué sur "Lady 's playin", un morceau au cours duquel Gustafson rappe devant l'orgue et une section de quatre cuivres. Ortiz en profite pour dispenser une de ses plus belles envolées. Le long playing s’achève par une cover : "Tell 'em". Pas en mode shuffle, mais sous la forme d’un splendide chant gospel, face à l'orgue de Mo Beeks.
Chanteuse de blues et de soul, Deb Callahan nous vient de Philadelphie. Elle parcourt les routes depuis la fin des nineties. Son premier elpee, "If the blues had wings", est paru en 2002. Elle est alors comparée à la célèbre chanteuse/guitariste Bonnie Raitt.
"Sweet Soul" constitue déjà son cinquième opus, un disque réalisé au studio Ultratone de Los Angeles, sous la houlette du bassiste et producteur notoire, Tony Braunagel. Pour la circonstance, elle avait entraîné son fidèle guitariste, Allen James. Les autres participants ont été choisis parmi la crème des musiciens de studio de la Cité des Anges. Des musiciens qui ont régulièrement tourné et enregistré pour des artistes comme Bonnie Raitt, Etta James et Taj Mahal. Deb dédicace son album à son jeune fils de 4 ans, Elijah!
"Big Love" ouvre la plaque. L’ambiance est cool, décontractée. Très expressive et soutenue par des chœurs engagés, la voix de Deb est excellente, très expressive. L’ambiance est pourtant cool. La section rythmique est solide. L'orgue Hammond de Mike Finnigan chaleureux. Allen James opère déjà une première sortie sur les cordes. "I keep things burning" adopte un schéma semblable. La slide de Johnny Lee Schell introduit le saignant "Shackin up", une des meilleures plages de l’opus. Finnigan siège derrière le piano pour l’indolent "I am family", une ballade séduisante que chante classieusement Deb, face aux répliques vocales de la Texane Teresa James. Sculptée dans la soul, "Sweet feeling" est une chanson écrite à l'origine par Candi Staton, une spécialiste du style. La voix de Miss Callahan devient autoritaire sur "Born to love you", un R&B imprimé sur un mid tempo, alors que l’orgue et les chœurs apportent une coloration gospel. Bien que tout en retenue, la gratte de James prend un envol remarqué. Dansant, "Seven states away" est une autre plage soul. Surprise, Deb reprend une chanson de Tom Waits, "Way down in the hole" (NDR : elle figure sur "Franks wild years", un elpee gravé en 1987). Sa version est particulièrement réussie. Braunagel aux drums et Reggie McBride à la basse assurent une excellente assise rythmique. Et Jimmy Powers en profite pour souffler dans son harmo. Allen James et Mike Finnigan paraissent très en verve sur leur instrument. Superbe ballade lente, "Step back" véhicule des accents solennels, une plage caractérisée par l’intensité vocale de Deb. Roots, "You don't know your mind" est signé par les Louisianais David Egan et Buddy Flett. Et au sein de ce climat décontracté, James se réserve une bonne sortie. Un riff rythmique puissant prélude "Crazy 'bout you baby", une compo issue de la plume de Sonny Boy Williamson. Très rythmée, elle figurait au répertoire d'Ike et Tina Turner. Dépouillé, "Slow as molasses, sweet as honey" est un remarquable blues lent. Un instant de bonheur magnifié par l'orgue Hammond, le piano et les cordes limpides d'Allen. De toute bonne facture, cet LP s’achève par le "I been hoodood" de Dr John. Nous sommes alors plongés dans une atmosphère néo-orléanaise. Indispensables, les percus sont bien à l’avant-plan. L’orgue adopte un profil rythmique, la gratte est torturée, pendant que Teresa, Mike et Deb chantent à l’unisson. Et on soulignera encore le brillant travail de Braunagel à la mise en forme…
Samantha Fish est une jeune chanteuse/guitariste. Elle vient seulement de fêter ses 26 printemps. Et vit à Kansas City. En 2009, son album "Live Bait" séduit le producteur allemand Thomas Ruf qui la signe sur son label. Elle tourne depuis, souvent en Europe. Elle a également participé aux séries "Girls with guitars", en 2011 et 2012. Ses deux elpees publiés pour Ruf ont été produits par Mike Zito : "Runaway" et "Black wind howlin'".
"Wild Heart" a été enregistré au sein de différents studios, en Louisiane, au Tennessee et Mississippi. Luther Dickinson, chanteur et guitariste chez North Mississippi All Stars assure la mise en forme et participe à toutes les plages. Il apporte une nouvelle coloration à l’expression sonore de cette artiste issue du Missouri. La plupart des titres sont issus de la plume de Samantha ; et certains ont été coécrits en compagnie de Jim McCormick, qui partage son temps entre Nashville et la Nouvelle Orléans. Au départ, elle privilégie la formule trio, format qui est favorisé par le concours du drummer Brady Blade et du multi-instrumentiste Dickinson.
En ouverture, "Road Runner" est un parfait témoignage de la direction plus roots empruntée par Samantha, s’inspirant ainsi davantage de l’atmosphère du Mississippi. Luther Dickinson double la basse et la lap steel sur "Place to fall". Une lap steel qui communique une sonorité métallique troublante à cette jolie ballade empreinte de quiétude, enrichie par les chœurs de Shontelle Norma-Beaty et Risse Norman, alors que Miss Fish se révèle très créative sur ses cordes. Derrière ses fûts, Brady imprime le Diddley beat pour baliser "Blame it on the moon". Le tempo s’accélère. La lap steel de Luther gémit. Le rythme adopté par "Highway's holding me now" est davantage sculpté dans le blues/rock familier de Samantha. Epaulée par les vocaux de Shontelle et Risse, elle se réserve le micro sur la plaisante ballade acoustique "Go home". Elle creuse dans les racines pour interpréter "Jim Lee Blues Pt1", composé il y a bien longtemps par le légendaire Charley Patton. Luther Dickinson est préposé à la mandoline et Lightnin' Malcolm –invité pour la circonstance– à la sèche. Malcolm vit du côté de Holly Springs, dans le Mississippi et apporte régulièrement sa collaboration à la famille Burnside. La voix de Samantha est chargée de passion et d’énergie pour attaquer son "Turn it up". Son partenaire, Luther Dickinson, se réserve le solo sur les cordes qui nous entraînent au coeur des collines du Nord du Mississippi. Sans aucun doute, l'un des sommets de cette plaque! Samantha chante "Show me", dans un style plus familier. Et sa voix atteint la perfection sur "Lost myself", une plage paisible, traversée par les accords lugubre de la lap steel de Dickinson. D’excellente facture, ce long playing atteint son apogée sur le dynamique "Bitch on the run", un blues/rock plus conventionnel, théâtre d'un beau duel entre les guitares de Samantha et Luther. Une claque! Dickinson et Lightnin' Malcolm se partagent les sèches tout au long de la finale, "I'm in love with you", une plage très roots issue de la plume du regretté Junior Kimbrough, un des fleurons du North Mississippi hill country blues…
Omar and The Howlers est un groupe de blues texan fondé en 1973 par le chanteur/guitariste Omar Kent Dykes. Il s’est établi à Austin. Véritable force de la nature, il est cependant originaire Mississippi. A ses débuts, la formation était régulièrement comparée aux Fabulous Thunderbirds, issus de la même cité. Leur premier opus, "Big leg beat", date de 1980. Depuis le combo en a gravé plus d’une vingtaine.
Et "The kitchen sink", c’est leur dernier. Cette plaque est partagée en deux parties. Six compos sont nouvelles. Elles impliquent pour section rythmique, le bassiste Bruce Jones et le drummer Wes Starr. Les six autres rendent hommage à différents artistes disparus au cours des dernières années. Les nouveaux titres ont été enregistrés au studio Satellite, à Austin.
"That ain't it" est une excellente ouverture. La seconde guitare que se réserve Casper Rawls (ex-Leroi Brothers) est très aventureuse et écorchée. "The battle rages on" nous entraîne dans la country ; une superbe plage au cours de laquelle Tommy Spurlock se consacre à la pedal steel. Un processus qui est reproduit, et de fort belle manière, sur "Dixie's All night Bar" ; Omar, Rawls et Spurlock s’autorisant de superbes échanges. Blues indolent, "Fire and gasoline" est dominé par la voix puissante d'Omar. Il y affronte à la gratte, un des maîtres locaux de cet instrument, Derek O'Brien. Epatant ! Ce dernier participe également à "Dirty people", un chouette Texas shuffle. Autre surprise : "I'll keep on dreamin'". Country, cette piste est contaminée par du jazz suranné et chargée de swing. Le violon et le piano de Danny Levin (ex-Asleep at the Wheel) tirent ici leur épingle du jeu.
Les hommages s'adressent à quatre disparus, dont trois nous ont quittés en janvier 2014 : Efrain Ramos, président du Omar & The Howlers Fan Club, Gene Brandon, batteur des Howlers entre 1981 à 1994 et le DJ Larry Monroe. Sans oublier Jack Primich qui s'est éteint en juin de l’an dernier. C’était le père du remarquable harmoniciste, Gary Primich ; ce dernier, ami et ancien partenaire d'Omar, trop tôt disparu, est décédé en 2007. Gary participe à deux titres, le "Cutie named Judie" de Jerry McCain et le "Can't hold out" d'Elmore Jame. Ces deux morceaux bénéficient du concours de Kaz Kazanoff au saxophone. Gene Brandon siège derrière les drums pour trois titres : "Dust my broom", au cours duquel les interventions à la slide d’Omar sont remarquables ; le "Who do you love" de Bo Diddley, caractérisé par la présence de l'excellent Greg ‘Fingers’ Taylor à l'harmonica ; et enfin le "Hello Operator" d'Omar qui adopte le rythme de Jimmy Reed. La finale nous réserve une nouvelle composition : "Climb on board". Un épatant country boogie qui met en exergue les ivoires de Nick Connolly et, pour la dernière fois, la six cordes de Casper Rawls.
Nederlands 
Français 
