Andy Poxon est issu d'une famille de musiciens. Et notamment à cause de ses parents ainsi que ses grands-parents maternels. Il a choisi la voie du blues, après être tombé sous le charme de la musique de BB King! Issu du Maryland, ce chanteur/guitariste/compositeur est issu du Maryland ; mais il s’est établi dans la région de Washington D.C. Cet artiste aux cheveux roux est à peine âgé de 20 printemps ; et pourtant, "Must be crazy!" constitue déjà son troisième opus. En 2010, il était déjà considéré comme ‘meilleur nouvel artiste’. Son premier LP, "Red Roots" remonte à 2011. Et le deuxième, "Tomorrow", à 2013. Il avait bénéficié de la mise en forme de Duke Robillard et du concours de la section de cuivres du célèbre big band, Roomful of Blues. Pour concocter ce "Must be crazy!", il a reçu la collaboration du claviériste Kevin McKendree. Ce dernier et Andy coproduisent le long playing. Ils cosignent également cinq des 13 plages. Le reste relevant de la plume de ce dernier. La prise de son a été réalisée au studio Rock House, à Franklin, dans le Tennessee. Parmi les invités figurent le drummer Kenneth Blevins, le bassiste Steve Mackey et le saxophoniste Jim Hoke.
Un riff royal ouvre l’excellent "You must crazy". Tout est parfaitement en place : la guitare –autoritaire–, les cuivres et le piano. La voix d’Andy a bien mûri. De tout aussi bonne facture et caractérisé par les accords de piano sautillants de McKendree, "Living alone" baigne au sein d’une ambiance judicieusement néo-orléanaise. Le rythme s'emballe pour "Next to you", un jump épatant au cours duquel la section rythmique libère du swing alors que les cordes prennent leur envol et s’élèvent vers les sommets. Il a parfaitement assimilé ses maîtres, le jeune Andy ! Kevin double piano et orgue pour introduire "Give me the chance", une chouette ballade qui ne manque pas de rythme. La voix d’Andy est alors soutenue par les chœurs de McCrary Sisters et Chloe Kohanski. "Cold weather blues" est un blues lent somptueux. Dépouillé, abordé dans l’esprit de T-Bone Walker, il est parfaitement adapté à l'atmosphère des bars, fréquentés en fin de soirée. Les cordes de gratte sont belles à pleurer! La voix de Poxon affiche une grande maturité tout au long de la ballade "Don't tell your Mama", un r&b nonchalant qu’il interprète face à la section de cuivres. Devant cette même section, mais aussi l’orgue, le piano et les chœurs féminins, il entretient un climat à la fois discret et fiévreux sur le soul blues indolent "Harder every day". Baignant dans un climat jazz chargé de swing, "I want to know" est hanté par T-Bone Walker et Percy Mayfield. Poxon injecte énormément de sensibilité et de passion dans la voix pour interpréter "Already gone", une chanson soul languissante. Les percus de Kenneth Blevins et les ivoires de McKendree entretiennent des rythmes syncopés tout au long de "Making a fool" ; une piste au cours de laquelle Andy tire encore une fois son épingle du jeu au cœur d’une ambiance très néo-orléanaise. Dernière piste lente, "Don't tell me what to do" trempe au sein d’un climat paisible. Tapissé en toile de fond par l’orgue, l'accompagnement est minimaliste ; et la guitare ne concède que les notes nécessaires. La basse acoustique inocule le swing à "Too late", un titre qui mêle jazz et blues. L’LP s’achève par "Rebound", un instrumental. Le spectre de Booker T & The MG’s plane. Mais c’est Yates McKendree, le jeune fils de Kevin, qui se consacre à l'orgue.
Le Beursschouwburg propose une belle double affiche dans le genre 'dark wave', en ce samedi automnal : Dernière Volonté et Luminance. Dernière Volonté, c’est le projet de Geoffroy Delacroix, dit ‘ Geoffroy D’. Créé en 1998, il était à l’origine ‘dark ambient’, très bruitiste et caractérisé par son côté martial. En octobre 2012, l’artiste français nous avait accordé une interview traitant notamment de l’évolution de sa musique (voir ici)
Il revenait à Luminance d’ouvrir les hostilités dès 22h, dans une salle déjà bien remplie. Luminance, c'est DA, un musicien multi-instrumentiste, également issu d’outre-Quiévrain. Installé dans notre capitale, il est responsable d’une musique orientée synth-pop d’excellente facture. Pensez à Depeche Mode, John Foxx ou OMD. Caractérisée par ses touches très noires, elle est hantée par un chant mystérieux et parfois mystique… Luminance est venu présenter son tout nouvel elpee : « Sans Visage » (NDR : pour le commander, c’est là), paru il y a peu sur Die Blinde Records. Seul sur l’estrade, armé de ses synthés et sa guitare, le jeune artiste a offert une prestation en tous points convaincante, alternant nouvelles compositions et titres plus anciens. Enthousiaste, le public a même réclamé et obtenu un rappel, événement assez rare pour un 'supporting act'. (Les photos sont ici)
Après une courte pause, Dernière Volonté prend possession de la scène. Sur le podium, Geoffroy est accompagné par le percussionniste Andy Julia (le chanteur de Soror Dolorosa). L’expression sonore est sombre, martiale et hypnotique. Elle prend d'assaut un public déjà conquis d'avance. On est frappé par la puissance et la pureté du son. Geoffroy est, comme d’habitude, très discret, vêtu sobrement d'une veste militaire. Mais sa stature et son élégance constituent un point de focalisation naturel.
La setlist réunit, en majorité, les morceaux les plus connus, comme par exemple le superbe « L'Eau Froide » ou « Douce Hirondelle », mais recèle également quelques chansons inédites, issues du prochain opus, dont la sortie est prévue dans les prochaines semaines, sur le label autrichien Hau Ruck. La chanson « Prie Pour Moi » (titre à confirmer) se profile d'ores et déjà comme un hit ‘dark’ en puissance ! A noter également, la fantastique version ‘live’ du classique « Mon Mercenaire », qui emporte le public dans une farandole macabre. « L'Ombre des Réverbères », tiré de « Devant Le Miroir », est partagé en deux parties, comme c'est le cas pour les meilleurs morceaux du band. Après une accalmie prodiguée en milieu de parcours, une mélodie languissante et des paroles répétitives envoûtent nos sens et enflent jusqu'à l'orgasme auditif.
Geoffroy saisit ensuite le micro et imprime à son corps un mouvement de déhanchement : c'est « Mon Meilleur Ennemi », la plage titulaire du dernier LP en date du groupe. On monte d’un cran dans la puissance et l'intensité. Andy Julia frappe furieusement sur ses fûts, et l’auditoire ondoie de plaisir... Nos yeux se ferment pour mieux ressentir toute la force libérée par cette musique, qui prend toute sa dimension sur les planches. La voix, frêle et émouvante de Geoffroy nous fait frémir ; et lorsqu’il ponctue sa prestation d'un ‘Merci, bonsoir’, on sort d'un rêve éveillé, mais bien trop court.
Votre serviteur a déjà eu l’occasion d’assister à un set de Dernière Volonté, de nombreuses fois. Notamment à Waregem, Utrecht, Leipzig... Celui-ci a été de loin le meilleur auquel j’ai pu assister, sauf peut-être celui accordé en 2012 au Magasin 4. Il était encore meilleur. En sortant d'un concert de Dernière Volonté, on est toujours un peu bouleversé, comme si on avait participé à une messe noire, une cérémonie rituelle. Comme un éloge funèbre aux soldats morts au combat. (Pour les photos c’est encore ici)
(Organisation : Beursschouwburg, MAM & Elektrocution)
Photos : Emmanuelle Golenvaux
C’est bien entendu une salle comble qui accueille Big Flo & Oli, au Grand Mix de Tourcoing, ce vendredi 16 octobre 2015. Ce public est venu applaudir les nouveaux phénomènes et étoiles montantes du hip-hop hexagonal, adoubés par le grand Akhenaton en personne… Agés à peine de 19 et 22 ans, Florian et Olivio Ordonez sont parvenus à se faire une place au soleil grâce à une poignée de morceaux postés via YouTube qui ont rencontré un succès quasi immédiat. Ce buzz leur a permis de très vite enregistrer un premier elpee intitulé « La Cour des Grands », paru il y a maintenant quelques mois et déjà disque d’or !
Un public mixte et parfois très jeune, surchauffé, scande le nom d’un duo qui déboule sur l’estrade soutenu par un violoncelliste et un DJ. Comme d’habitude, la qualité du son au Grand Mix est à la fois optimale et puissante, permettant ainsi d’apprécier à sa juste valeur des morceaux ultra efficaces composés par la fratrie d’origine argentino-algérienne, responsable d’un flow presque parfait ! Et les frères se débrouillent également plus que correctement derrière les instruments. Flo aux claviers et Oli à la trompette ont d’ailleurs suivi une solide formation au conservatoire de Toulouse. La plupart des instrumentaux de leur opus sont d’ailleurs issus de leur plume. Cette instrumentation partiellement ‘live’ permet de varier les ambiances. Entre hip-hop et pop, l’expression sonore de Big Flo & Oli semble déjà bien rôdée et prête à affronter les plus grandes scènes… En outre, les deux lascars sont de véritables showmen et communiquent de manière incroyable avec un public tout aussi singulièrement réceptif. Entre ‘battles’, pures impros, mises en scène et autre salves solos, leur répertoire est large. Les tubes tels que « Comme d’Hab » ou « Gangsta » boostent un auditoire qui n’en demandait pas tant. Certains reprocheront au duo d’être trop gentil, mais la pertinence de leurs lyrics (« C’est pas du Rap… » ou « Le Cordon ») et leur maîtrise technique a convaincu les spectateurs les plus critiques ! Dans un esprit ‘old-school’ assumé, proche de celui de De La Soul, parfois sérieux mais sans négliger pour autant le sens de l’humour, Big Flo & Oli rendent des lettres de noblesse au hip-hop français trop souvent limité aux lamentables La Fouine et autres Sexion d’Assaut. Tant pis ou plutôt… tant mieux que leur musique puisse plaire au plus grand nombre. Les chanceux qui ont pu assister au rappel accordé lors de leur passage à Tourcoing, composé de « Nous Aussi » et « Aujourd’hui », comprendront aisément de quoi votre serviteur parle…
(Organisation : A gauche de la lune, Lille + Grand Mix, Tourcoing)
Il paraissait difficile de ne pas célébrer un quart de siècle d’existence pour Opeth. Et manifestement, la formation suédoise n’a pas lésé ses fans pour cet anniversaire : un peu moins de trois heures de concert, au cours duquel les figures de proue du Metal progressif ont tout d’abord interprété l’album « Ghost Reveries », avant de parcourir, dans un second temps, certains moments marquants de leur discographie.
La soirée n’avait pourtant pas commencé sous les meilleurs auspices. Arrosée par une fine pluie d’automne, la circulation au cœur de Bruxelles tourne, ce jeudi soir, au ralenti, frôlant la paralysie à certains endroits. C’est donc tant bien que mal que votre serviteur débarque à l’Ancienne Belgique, concédant un quart d’heure de retard au compteur. Rage et colère face à une situation incontrôlable, où je ne suis apparemment pas le seul à m’être empêtré dans ce magma urbain. A peine entré dans l’AB, on entend les basses vibrer au loin. Le show a déjà commencé... Je pousse les portes de la salle, me faufile et déniche finalement une place pas trop mal située, sur la droite.
Mikael Åkerfeldt, chanteur/guitariste de la formation, est planté au milieu du podium, sobrement vêtu de noir, le visage partiellement caché par sa chevelure ondulée. Il est entouré par Fredrik Åkesson et Martín Méndez, respectivement guitariste et bassiste. Les visages sont fermés, marqués par la concentration. Derrière eux, Martin Axenrot, décentré sur la gauche, jongle entre effleurements de cymbales et martèlement de ses fûts. Car il s’agit bien là d’une des facettes incroyables de ce groupe, aussi bien capable de s’exprimer à travers des passages lents, sentimentaux et atmosphériques que dans un climat propice aux rafales de blasts et riffs dévastateurs. La plume ou l’acier, la douceur ou le rouleau compresseur, oscillant constamment de l’un à l’autre, sans ambages. Joakim Svalberg parcourt de ses doigts les deux claviers, quand il n’imprime pas le tempo à l’aide de ses percus, dissimulés derrière ses synthés.
‘Nous allons maintenant commencer le troisième morceau de Ghost Reveries’, annonce Åkerfeldt. Bonheur, je n’ai pas manqué grand-chose, bien qu’il faille reconnaître que ceux d’Opeth sont toujours assez longs. ‘Oh mince, c’est quoi le troisième morceau ? J’écoute toujours en mode shuffle avec mon iPod’, se moque ironiquement le chanteur. Ce dernier est d’ailleurs le seul à véritablement entrer en contact avec la fosse, les autres membres préférant rester en retrait, comme absorbés par leur partition. Une ambiance qui par ailleurs semble avoir contaminé les spectateurs : les mines sont fermées et toute l’attention se focalise sur les musiciens. On n’est pas loin du recueillement. En dehors de quelques zélés pour qui tout rythme est propice à se déhancher dans tous les sens, les metalheads écoutent quasi religieusement les compositions envoûtantes des Scandinaves. Des candélabres sont disposés ça et là sur l’estrade, en référence à la pochette de l’elpee à succès « Ghost Reveries », paru il y a tout juste dix ans. Les titres se succèdent naturellement, soutenus par un triptyque d’écrans situés en arrière-plan, tantôt reproduisant des illustrations proches de l’artwork de l’album en question, tantôt affichant des animations dignes d’un fond d’écran Windows des années 90. Un petit bémol pour un combo qui, pourtant, a l’habitude de soigner subtilement le visuel. ‘C’est le dernier morceau de l’album. Ne vous en faites pas, on revient après le break’, annonce Åkerfeldt en fin de set, d’une voix chaude, colorée d’un très bel accent anglais.
Une petite mousse s’impose. Non pas pour avoir spécialement crié à tue-tête en compagnie du groupe, mais bien pour savourer ce moment qui, il faut le reconnaître, est assez atypique et plutôt agréable. Non seulement il n’est pas fréquent de voir et d’écouter une formation jouer un long playing dans son intégralité ; mais qu’il poursuive ensuite par un second set composé de grands moments de son existence est tout simplement jouissif.
Les lumières de l’AB s’éteignent, ne laissant allumés que les écrans en fond, affichant le logo du band, dominé par des teintes rougeâtres. Les musicos opèrent leur retour sur l’estrade. La disposition scénique est la même, candélabres en moins. C’est par « Eternal Rains Will Come », plage issue de son dernier LP, « Pale Communion », qu’Opeth débute son périple au cœur de son quart de siècle d’existence. L’ambiance monte d’un cran ; et pour cause, les titres sélectionnés sont parfois un peu plus pêchus que ceux dispensés en première partie. Ce voyage dans le temps va nous ramener en 2001, pour l’explosif « The Leper Affinity ». S’ensuivent « To Rid the Disease », « I Feel the Dark », « Voice of Treason » et « Master’s Apprentices ». Les intermèdes entre les compos sont parfois un peu particuliers, l’auditoire sollicitant certaines chansons et Åkerfeldt acceptant de jouer le jeu en interprétant la première partie de ces titres, en totale improvisation, suivi tant bien que mal par le reste de la troupe. Des moments de bonne humeur et d’échanges sincères entre le quintet et ses fans ; le frontman se fourvoyant quelquefois dans certains accords. Ou tout simplement se voit forcer de reconnaître qu’il les a tout simplement oubliés. Il confesse même : ‘Merde… je ne me souviens plus de celle-là…’ Il est même pris au dépourvu, juste avant d’attaquer le rappel, The Lotus Eater », lorsqu’il découvre une affiche déployée devant lui, le menaçant ni plus ni moins de mourir s’il n’offrait pas un guitar pick à sa fan. Tenant à sa vie, il n’a pu que s’exécuter.
Nul doute que cette soirée a marqué les esprits de l’auditoire, autant par la qualité acoustique du concert que par le choix des titres, permettant durant ces quasi trois heures de show de rencontrer pleinement les aficionados d’hier et d’aujourd’hui. Après autant d’années de parcours et d’expériences vécues, les Suédois n’avaient plus rien à prouver. Alors que certains se seraient servis de cet anniversaire à des fins commerciales, Opeth n’est pas tombé dans le piège de l’effet d’annonce et a offert à son public une très belle soirée, démontrant au passage que le Metal mérite tout autant ses lettres de noblesse que d’autres courants musicaux unanimement reconnus.
Setlist :
Première partie : ‘Ghost Reveries’ : Ghost of Perdition - The Baying of the Hounds - Beneath the Mire - Atonement - Reverie/Harlequin Forest - Hours of Wealth - The Grand Conjuration - Isolation Years
Seconde partie ‘Hits’ : Eternal Rains Will Come - Cusp of Eternity - The Leper Affinity -To Rid the Disease - I Feel the Dark - Voice of Treason - Master's Apprentices
Rappel : The Lotus Eater
(Organisation : Ancienne Belgique)
La répétition générale du set de Beautiful Badness s’était déroulée lors du ‘concert en appartement’ accordé ce 17 septembre dernier, au sein d’une jolie propriété, à Uccle. De quoi bien préparer une ‘release party’ destinée à défendre ce second Ep baptisé « Many Years ». Deux titres de ce disque ont d’ailleurs reçu le concours de Koen Gisen. Et quand on organise une ‘release party’ à la Rotonde, on met tous les atouts de son jeu. Cette salle est sans doute la plus performante en Belgique. Tout en bénéficiant d’une esthétique incomparable.
L’hémicycle est soldout et réunit les potes, la famille, des invités ainsi que les fans d’hier et d’aujourd’hui. Vu les embouteillages qui sclérosent les rues de Bruxelles, le spectacle sera retardé de 15 minutes. Pas de supporting act, le show débute à 20h30 précises.
Les musicos montent sur l’estrade, alors qu’une intro –ma foi– particulièrement emphatique est crachée par les haut-parleurs. Gabriel se consacre au chant. Olivier à la guitare (acoustique ou électrique). Ce dernier se place à l’extrême gauche, juste derrière Antoine Guenet, le claviériste/pianiste ; et à l’extrême droite, siège Gilles Servait, derrière des fûts imposants. Enfin, devant lui, Raphaële Germser est préposée à la basse (NDR : c’est la dernière qui a débarqué au sein du line up). Ses bottillons rouges se fondent avec le tapis, sous ses pieds. Le préambule terminé, le quintet attaque « Elders Choir », en polyphonie vocale corse (NDR : pensez à I Muvrini). Seuls quelques accords de gratte et notes d’ivoires soutiennent la voix de Gabriel, qui s’autorise déjà une belle démonstration, en passant du baryton profond au soprano. Et lorsqu’il la pousse dans ses derniers retranchements, on ne peut s’empêcher de penser à Boccelli, Freddie Mercury voire Matthew Iron ou Bellamy.
« I Will Hunt You Down » est parcouru d’accords de piano solennels mais incisifs. Gab les talonne au micro. Lyrique, sa voix est soutenue par des orchestrations empruntées à la musique symphonique. Et des cymbales tranchantes enrichissent l’ensemble. Un futur hit ? Alex Leroix (NDR : ingé son chez Puggy) est derrière les manettes : c’est l’assurance d’un son soigné aux petits oignons. Gabriel lève le poing et entame « It's Hard To Do It », un titre musclé au cours duquel piano et vocaux s’affrontent. Sans transition, le quintet aborde « Wasting Our Time », un morceau extrait du premier Ep, paru en 2013. Gab est armé d’une sèche pour accompagner sa voix qui prend son envol à la manière de Mercury, alors que les ivoires et les drums se conjuguent en puissance. Un sample amorce « The Line ». Gabriel est au piano. Oliver, Antoine et Raphaëlle assurent les backing vocaux. Gilles y participe plus discrètement, préférant se concentrer sur ses fûts. L’ambiance est au recueillement pour ce titre finalement visionnaire.
Pour « The Sand », Gab est à la gratte électrique et Olivier à l’acoustique. Antoine balise de son Hammond cette compo particulièrement appréciée par les aficionados. Gabriel opte pour la sèche quand il interprète « Slipping Away, une ancienne ballade qui figure sur une démo devenue aujourd’hui introuvable. Après avoir bu un coup, il l’abandonne et la formation se fend le plus rock « Run » (NDR : il figure sur leur premier Ep, éponyme), un titre qui a permis au band de se faire connaître.
« Everybody Knows » est un morceau très accrocheur. Repris en chœur par l’auditoire, il est ponctué d’applaudissement nourris. A cet instant, le contrat est rempli pour le band. C’est alors que les musicos invitent des tas d’invités sur l’estrade. Le temps de deux morceaux. En l’occurrence Cédric Van Caillie (Balimurphy), Karin Clercq, Yves Daloze ainsi que Jean-Philippe Risse (Stereo Grand), dont on attend impatiemment le prochain opus, Getch Gaetano, Voodoo Mama aka Bineta Saware (la voix féline de Dario Mars and The Guillotines), Laura Crowe et leur ex-bassiste Eric Renward. Ils vont former une chorale exceptionnelle. Yves et Jean-Philippe se réservent les sèches pour « One Step Forward ». Epaulé par Bineta, ce dernier prend le lead vocal. Gab est au piano. Epaulé par la chorale de luxe, ce dernier s’emballe sur l’instrument. Les trois guitares sont acérées.
Le concert s’achève par le brûlot radiophonique « Many Years ». Yves et Jean-Philippe déposent leurs grattes et rejoignent la chorale d'exception. Oli et Raphaële s'acharnent sur les toms basse placés devant eux.
Lors du premier rappel, Gabriel revient seul ; et au piano, entame « Goodbye ». Une ballade propice à la méditation. Ses cordes vocales exercent leur charme.
Les musicos le rejoignent pour attaquer, « A Sunny Morning », le remarquable single qui a précédé la sortie de l'Ep. C'est un peu, la cerise sur le gâteau.
Et on n’est pas au bout de nos surprises. « Tonight » est chanté a capella, au milieu du public. Qui entoure respectueusement la troupe. Et l’interprétation du morceau est digne de The Lumineers voire de Mumford And Sons ; la nouvelle version prenant alors une autre dimension. Beautiful Badness est un groupe qui bosse énormément. Et il récolte le fruit de son travail. En outre, son potentiel est énorme. Le futur leur appartient et le succès leur tend les bras… Il ne restera plus qu’à convaincre les plus sceptiques.
(Organisation : Le Botanique)
Dani Klein n’est autre que la chanteuse du défunt Vaya Con Dios, célèbre groupe belge qui a accordé son dernier concert à Bruxelles, en octobre 2014. Salvatore La Rocca est un contrebassiste qui milite dans l’univers du jazz. Au fil du temps, il s’y est forgé une certaine notoriété. Il a eu l’opportunité de se produire en compagnie de grands noms comme Toots Thielemans, Bruno Castellucci ou Philip Catherine. En 2007, il avait intégré le Vaya Con Dios. En outre, il compte à son actif deux albums solos, parus chez Igloo : "Latinea" en 2003 et "It could be the end" en 2012. Aujourd'hui Sal s’investit encore dans une multitude de projets alternatifs ; mais surtout milite au sein d’un quartet impliquant Dani Klein au chant, Tim De Jonghe à la trompette et William Lecomte au piano. Un combo qui a décidé d’interpréter les compos de Billie Holiday sur ce "Dani sings Billie".
Eleanora Fagan est née en 1915. A Philadelphie. Elle est âgée de douze ans lorsque sa mère la rapatrie à Harlem. Elle va y fréquenter le monde musical, et devient chanteuse sous le pseudo de Billie Holiday. Son premier enregistrement remonte à 1933. Benny Goodman y participe. C’est Lester Young qui lui attribue le sobriquet de Lady Day. Elle reçoit ensuite le concours des orchestres de Dizzy Gillespie et Count Basie. Elle récolte un énorme succès ; mais est en proie à de multiples démons : alcool, drogues et dépression. Elle est décédée en 1959. Elle n'avait que 44 ans.
L'enregistrement de "Dani sings Billie" a été opéré de mai à juillet 2015, au studio bruxellois ‘Elle’. Lors des sessions, le quartet a bénéficié de la participation du drummer Bruno Castelucci et circonstanciellement d’un guitariste, soit Alessio Menconi ou Victor Dacosta.
"Comes love" est un morceau extrait de "Body and Soul", publié en 1957. Il annonce immédiatement la couleur de l’opus. La voix de Dani cadre parfaitement à ce cocktail de jazz et de blues cabaret. L’instrumentation est impeccable. Tant les balais de Castellucci que les cordes de Menconi ; alors que la trompette de De Jonghe tire déjà son épingle du jeu. Titre bien plus ancien, "Do your duty" s'inscrit dans la même démarche. "Having myself a time" baigne profondément dans le jazz. Dani s’adapte parfaitement au swing généré par La Rocca et Castelucci. "Baby get lost" est un blues lent nightclubbien. Billie s’y révélait impressionnante dans cette atmosphère de club enfumée. Dani injecte énormément de feeling et de sensualité dans son chant. Menconi accorde un solo tout en délicatesse, proche des maîtres du style! Lady Day l'avait enregistré en 1949 ; mais c’est Dinah Washington qui l’a traduit en hit, la même année. "A fine romance" remonte à 1936 et "I'm gonna lock my heart" doit dater de la même époque. Deux morceaux qui épousent un profil swing jazz. Tim De Jonghe y brille de nouveau à la trompette. Dani chante passionnément et respectueusement le célèbre "Summertime", une compo signée par Gerschwin en 1935, et destinée à l'opéra "Porgy and Bess. Billie avait adapté ce titre l’année suivante. Bossa nova, la nouvelle version est dynamisée par La Rocca et Castellucci. Caractérisé par les accords de gratte subtils de Victor Dacosta, "Getting some fun out of life" opère un retour au swing jazz. Quoique jazzyfiant, "Weep no more" trahit des accents bien blues. Le traitement de la compo est à la fois élégant et raffiné. La voix de Dani est empreinte d’émotion. Une des meilleures plages de l’opus. "You let me down" est une composition qui a été écrite avant la seconde guerre mondiale. Elle figurait dans la B.O. du film "Stars on Broadway". En finale, William Lecomte double piano et mélodica pour l’indolent, tendre et profond "God bless the child". Une superbe chanson issue de la plume de Billie, écrite après s’être disputée avec sa mère pour une question d'argent !
Ce soir votre serviteur remplace un collègue, empêché. En espérant que le spectacle soit de bonne facture. Dehors, il pleut. Pas de bonne augure ; d’autant plus qu’à Forest National, le son est rarement au point. La salle est en mode Club. Le deuxième étage est fermé par des tentures, de manière à ramener sa capacité à 4 000 âmes. Et cet espace sera presque sold out pour la tête d’affiche. Le public est plutôt jeune. On y remarque quand même la présence de quelques quinquas et quadras. Fall Out Boy se produit à Bruxelles, dans le cadre de la tournée baptisée ‘American Beauty/American Psycho Tour’.
Le supporting act attaque son set à 19 heures. Baptisé Charley Marley, le band est londonien. Il est signé sur le label indépendant du bassiste de Fall Out Boy, Pete Wentz. A contrario de ce qu’on aurait pu penser, il ne s’agit pas d’un des nombreux descendants du grand Bob. Il pratique une musique ma foi fort conventionnelle, fruit d’un cocktail de pop, funk, hip hop et électro. Un seul titre disponible sur la toile : « Bad Things With Jamaicans ». En ‘live’, il se produit sous la forme d’un quatuor : un claviériste, un drummer, un guitariste et le chanteur. Ce dernier remue pas mal sur les planches. Et juvénile, l’auditoire est particulièrement réceptif. Il réagit d’ailleurs en conséquence. L’ambiance monte ainsi progressivement en puissance.
Le problème vient des infrabasses. Elles remontent par le siège et le sol et vous agressent les tripes. En outre, malgré les protections dans les oreilles, les tympans trinquent. Je décide alors de faire l’impasse. En espérant que le set de Fall Out Boy ne provoque pas les mêmes tourments.
Retour dans la salle de votre serviteur, lors du changement de matos. Une immense colonne formée d'écrans leds est descendue et occupe toute la largeur de la scène. Deux estrades ont été placées en avant. On remarque la présence d’une plus petite, entourée de barrières ‘nadar’, juste à l'entrée de la fosse, et sous la table de mixage.
Fall Out Boy a publié son sixième elpee, l’excellent « American Beauty/American Psycho », en janvier 2015 ; et il est venu le défendre.
Fondé par Patrick Stump (voix, guitare), Pete Wentz (basse), Joe Troham (guitare) et Andy Hurley (batterie), il est né début 2001. Joe et Pete militaient au sein de différents groupes punk/hardcore. Dans la région de Chicago. À ses débuts, les musicos n’avaient pas encore réussi à déterminer un patronyme. Lors d'un de leurs premiers concerts, un des spectateurs leur a suggéré Fall out Boy (NDR : un personnage des Simpson, Atomic Boy en VF). Deux ans plus tard, le quatuor publie son premier opus, « Take This To Your grave ». Les amateurs de jeux vidéos se ruent sur le disque, dès sa sortie ; et pour cause, le groupe y soutient GTA, jeu constamment vilipendé par les défenseurs de la morale américaine.
Un petit film défile sur l'immense toile disposée en avant-scène. Dès qu’il est terminé, il remonte doucement vers le plafond. Les deux guitaristes et le bassiste débarquent et s’installent à l’avant-plan sur une même ligne. Barbu et le corps couvert de tatouages, le batteur s’est planté sur une estrade surélevée. Les faces avant sont constituées de téléviseurs TV LCD, où seront projetés des films, et un immense écran est placé derrière lui. Cet énorme show à l'américaine sera amplifié par un light show imposant, partagé entre lumières et lasers, histoire de nous en mettre plein la vue…
« Sugar, We're Goin Down », issu de l’elpee « From Under The Cork Tree » (2005), ouvre le set en force. Un peu trop quand même à mon goût. A cause du batteur. La puissance libérée par ses fûts est trop bruyante. Chaque fois qu’il cogne sur ses toms basse et la grosse caisse, les retours d’infrabasses s’apparentent à des secousses sismiques. Et votre organisme en prend un coup. En outre, insupportables pour les oreilles, les accès de basse risquent de vous causer des acouphènes. Et pourtant, votre serviteur a enfoncé des protections dans ses feuilles de chou. Or, il est placé à proximité de la table de mixage, emplacement idéal pour bénéficier du son le plus parfait. En espérant alors qu’au fil du show, la situation va s’arranger. Car les instruments à cordes passent parfaitement la rampe.
Sur « Irresistible » –une nouvelle compo– les gratteurs se déchaînent. Dans la fosse, l’ambiance est hystérique. Je décide donc d’aller prendre l’air et revient dans la salle pour « Thriller » (« Infinity On High »). Pas d’amélioration. Pourtant, devant le podium, les aficionados mettent le souk ; mais ne se rendent sans doute pas du volume sonore plus que pénible à encaisser. La première partie s’achève par « This Ain't a Scene, It's an Arms Race », avant que l’écran ne redescende, pour permettre le défilement d’une vidéo. Soudain les jeux de lumières sont braqués sur la petite scène, sous la console du son. Les deux gratteurs et le bassiste sont assis l'un à côté de l'autre, en ligne, et nous proposent deux morceaux en format acoustique : « Immortals » et « Young Volcanos ». Sans batterie, le son est impeccable. Huit minutes en tout et pour tout à savourer. Avant que le drummer ne revienne pour un solo kilométrique, sous les lasers qui se croisent et s’entrecroisent. Les trois autres musicos réapparaissent sur le podium pour attaquer « Dance, Dance ». C’est aussi le retour des infrabasses. Je préfère jeter l’éponge. Dommage, car le light show était exceptionnel. Vu le prix des places, c’est cher payé. Pourtant, sans les drums, le son était irréprochable. Soit l’ingé son est un incompétent, soit le groupe cherche à assommer son auditoire. Pas encore votre serviteur, qui a préféré prendre la poudre d’escampette…
(Organisation : Live Nation)
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Sorte de chaînon manquant entre les Strokes et les Ramones, The Vaccines avait réussi à enthousiasmer les fans de rock, grâce à deux elpees flamboyants. Des long playings dont les compos étaient parvenus à capturer adroitement la morgue des premiers et les mélodies bubblegum des seconds. Ce qui avait permis au band de publier toute une série de tubes immédiats tels que « Teenage Icon » ou encore « Post Break-Up Sex ». « English Graffiti », leur nouvel opus, risque de décevoir les fans de la première heure ; mais aussi attirer de nouveaux aficionados. En fait, son pop/punk a été raffiné par Dave Fridmann ; alors que les intentions du combo ont été démultipliées… Oubliées les vignettes simples et efficaces et bienvenue aux morceaux ambitieux souvent très produits (« Want You So Bad »), gonflés par des claviers qu’on croirait piqués à Julian Casablancas (« Minimal Afflection ») et parfois dont les lyrics évoluent à la limite de la vulgarité (« Dream Lover »)… Bien entendu, il reste l’une ou l’autre petite perle cultivée dans le pop/rock ; à l’instar de « Handsome » ou « 20/20 ». Si, en général, un groupe ne gaspille pas toutes ses caractéristiques essentielles en deux temps trois mouvement, il faut reconnaître qu’à cause de ces métamorphoses, The Vaccines perd quand même un peu de son âme. Maintenant, il a peut-être envie d’atteindre une certaine maturité, susceptible de lui permettre de récolter un succès dans les stades, aux Etats-Unis… Davantage la démesure d’un « American Graffiti » qu’un « English Graffiti », sans prise de tête donc…
Alors que Wes Craven vient de nous quitter, quelle drôle de coïncidence de retrouver l’autre maître de l’horreur adolescente et des ‘slashers movie’, responsable entre autres de classiques comme ‘Halloween’ (1978), ‘The Thing’ (1982) et ‘Le Village des Damnés’ (1995). Il est donc de retour et nous propose de nouvelles compositions ; lui qui avait magnifié ses films de ces B.O., à ces débuts –car c’était bien moins cher qu’engager un compositeur– et foutu les jetons à des générations entières à travers ses sonorités glaciales…
Le vétéran américain regagne également le label de Brooklyn, Sacred Bones, pour nous présenter ses « Lost Themes », des morceaux composés dans la cave familiale en compagnie de son fils Cody et de son beau-fils Daniel Davies. Les claviers gothiques du maître de l’horreur réapparaissent tout en développant cette célèbre ambiance ‘creepy’, à travers des sonorités minimalistes entrecoupées de salves électriques. Impossible de ne pas se construire des images mentales liées au monde cauchemardesque de Carpenter à l’écoute de chaque vignette obsédante de ces « Lost Themes »… Mais les compositions du cinéaste ne s’avèrent pas être de simples gimmicks car elles révèlent des véritables qualités mélodiques (le christique « Obsidian ») et de compositions qui évoluent entre, électro, heavy et pop (l’efficace « Vortex »). Une excellente nouvelle que ces ‘Thèmes Perdus’ et déviants aient pu être exhumés….
C’est par quatre gros coups de basse bien lourds que les Bruxellois de The Fabulous Progerians vous accueillent. Après six années d’existence, le band publie (enfin !) son premier album studio. Un opus éponyme. Une sobriété qui s’étend jusqu’à l’artwork du digipack, visiblement centré sur le rôle que peut jouer le cerveau chez l’homme. En témoigne ce contour de visage dessiné de profil, au milieu duquel une météorite semble illuminer un paysage embrumé, irradiant particulièrement dans le bas une ombre qu’on pourrait prendre pour un chamane ou un druide. Le message est clair : cet LP va s’attaquer à votre psyché.
A n’en point douter, The Fabulous Progerians milite dans le Sludge. Rythme lent, voire indolent, caractérisé par une basse à l’avant-plan et une guitare lourde et grave, le tout saupoudré de parties vocales écorchées et languissantes. Tous les ingrédients du genre sont au rendez-vous. En pas moins de onze pistes, les artistes nous emmènent en balade. Détendez-vous, laissez-vous guider tout au long de ce périple alternant entre longues routes et chemins sinueux. A l’instar de « Black Storm », une agréable randonnée qui s’achève en course folle où guitare, basse et batterie rivalisent crescendo en rapidité.
Ce parcours au pays du rocailleux est également une occasion d’inviter quelques potes à faire un bout de chemin. C’est donc avec un plaisir non dissimulé qu’on retrouve Alain Vandenberghe, vocaliste de Goddog, apportant de la couleur et quelques envolées vocales jouissives à « God Speed ». Ou encore Danny M., chanteur de Deviate, formation qui a marqué le paysage Hardcore belge dans nineties, sur l’hypnotique « Out of The Abyss ». Les musiciens se permettent également d’introduire quelques sonorités particulières, communiquant progressivement à ce long playing, une identité atypique. Comme ces allusions robotiques et futuristes, typiques SF, amorcées par exemple sur « God Speed » et poursuivies sur « Stellar ». Ou encore l’introduction de ligne de trompettes (oui, vous lisez bien !) sur « Collapse » et « This Earth is Flat ». Judicieusement dispensées, elles apportent un bon bol d’air frais (NDR : et bien mérité) au sein de ces compositions lourdes et intenses.
Autant ne pas le cacher, même si le style musical au sein duquel s’inscrit le combo permet de se défouler sans grande prise de tête, il n’en est souvent pas moins souvent répétitif et linéaire. Mais The Fabulous Progerians parvient à tirer son épingle du jeu en osant certaines échappées, adressant dès lors un pied de nez à la monotonie qui le guette. On aimerait néanmoins que les grains de folie soient plus nombreux, afin de dépasser cette apparente retenue et finalement laisser exploser ce cocktail Molotov. Se consumant pendant 45 minutes, il finit par ne jamais vous sauter à la figure. Vous avez aimé cet album ? Sortez de chez vous et allez applaudir TFP en live ; vous y vivrez un bon moment de Rock grinçant et crasseux !
Près de deux ans après la sortie son dernier opus, Grave Babies nous propose son troisième essai. Issu de Seattle, le quatuor implique le drummer du défunt Blood Brothers. Méconnu sur le Vieux Continent, Grave Babies mérite pourtant une attention toute particulière.
La voix du chanteur est sombre et caverneuse ; et elle plane sur le titre maître qui ouvre l’elpee, une compo particulièrement morbide. Faut dire que les thèmes développés par Danny Wahlfeldt (nihilisme, humiliations humaines, ...) ne sont pas spécialement joyeux. Après avoir émargé au garage, le groupe a décidé de chercher ses influences au cœur des eighties, en adoptant un style qu’on pourrait qualifier de post-punk-indus gothique (tout un programme !) The Cure, Nine Inch Nails ou encore Sisters of Mercy figurent certainement parmi leurs nouvelles influences. Et après avoir écouté cet LP, on comprend mieux pourquoi Viet Cong a choisi Grave Babies comme supporting act. Tout comme chez le band canadien, la ligne de basse est lourde mais primordiale alors que la voix en reverb’ (souvent même overdubbée) et la guitare communiquent davantage un sentiment de profondeur. Quant à la batterie électronique, elle semble émaner d’une autre époque… Malgré son apparente pesanteur et indolence, la musique de Grave Babies est paradoxalement plutôt mélodique.
Une mutation réussie pour cette formation yankee dont le style demeure cependant toujours aussi ténébreux…
Qu’attendre d’un projet réunissant deux formations aussi novatrices et expérimentales que Suuns et Jerusalem in My Heart, sinon une bonne surprise ?
Suuns et Jerusalem in my Heart sont deux formations issues de la scène montréalaise. Le premier, Suuns, a gravé deux albums intéressants ; deux elpees sculptés dans le rock indie teinté de shoegaze et de krautrock. Le second, c’est le projet du Libanais Radwan Ghazi Moumneh, aka Jerusalem in my Heart. Ce dernier prend un malin plaisir à gommer les frontières musicales et culturelles en incorporant à son post-rock des influences orientales ou autres sonorités issues de l’Afrique du Nord.
Cet album éponyme est le fruit de sessions qui se sont déroulées en 2012. Le résultat est certes original mais reflète finalement assez bien l'univers des deux groupes, même si le poids de Suuns semble plus conséquent. D’ailleurs, dès le morceau d’ouverture, "2amoutu 17tirakan", on y retrouve des accents psychédéliques ainsi que les rythmes hypnotiques si caractéristiques à sa musique. Sur le second titre, "Self" baigne au sein d’un climat arabisant, climat accentué par le concours aux vocaux de Radwan Ghazi. Suuns revient ensuite en force sur "In Touch". Avant que son vocaliste ne s’attaque à "Leila", une plage ‘acoustique’.
Tout en réalisant un parfait équilibre, les deux formations parviennent à enrichir l’univers sonore de l’autre. Sept titres dignes de leurs propres discographies. Une rencontre ô combien intéressante, loin d’être figurative ou sans âme. Bien au contraire!
Aurai-je découvert Bradley Bundick, aka Toro Y moi, avec une guerre de retard ? La réponse est manifestement affirmative, « What For ? » constitue déjà le 4ème opus de ce jeune musicien américain (NDR : il est issu de Columbia, en Caroline du Sud)… et les quelques premières lignes glanées au hasard sur le net soulignent surtout une éventuelle baisse de régime pour le petit prince américano-philippin de la ‘chillwave’ –genre musical éphémère, privilégiant les claviers, évoluant entre entre pop et ambient ; et qu’il a exploré en compagnie de son ami Washed Out– et d’un son malheureusement gonflé… Pas la moindre note de ‘Taureau et Moi’ n’était donc parvenue à mes oreilles jusque-là et pas davantage de baisse de régime perceptible à mes oreilles pour le coup… mais plutôt la découverte d’un artiste remarquable dont la voix rappelle quelque peu celle d’Elliott Smith (si, si… écoutez « Ratcliff » ou « Run Baby Run ») voire celle de Thomas Mars, le chanteur de Phoenix (« Buffalo ») dans un style euphorisant et solaire, qui navigue entre la power pop des seconds (« Empty Nesters ») et un funk blanc parfois irrésistible (« Spell It Out »). Aucune trace d’éventuelle ‘chillwave’ à l’horizon mais plutôt une indie-pop lumineuse, marquée par les années 90 et de très bonne facture. « What for? », pas de réponse toute faite mais définitivement bonne pour le moral !
Soirée intimiste à la Rotonde du Botanique, ce mardi 13 octobre. Pour assurer la première partie, les organisateurs ont invité l’ex-Metal Molly, Allan Muller. Et en tête d’affiche, Grant-Lee Phillips, le leader du défunt Grant Lee Buffalo (NDR : même si en 2011, le combo s’était reformé pour accomplir une tournée). Paru en 2012, son dernier opus solo s’intitule « Walking In The Green Corn ».
L’hémicycle est clairsemé pour accueillir Allan Muller. Il est uniquement armé d’une sèche amplifiée. Ce Malinois tourne beaucoup au Nord du pays ; mais il est plus que méconnu de l’autre côté de la frontière linguistique. Pourtant, au cours des nineties, c’était le leader de Metal Molly, un power trio impliquant Pascal Deweze et Gino Geudens. Particulièrement influencé par les Pixies, il avait eu l’opportunité d’assurer le supporting act de Bowie, à Forest National, pour remplacer Morrissey, au pied levé. En 1996 ! Le combo a gravé deux elpees : « Surgery For Zebra » en 1995, et « The Golden Country », en 2000. Avant de disparaître dans la nature. Allan a ensuite formé Satellite City, dont on retrouve la trace en 2002 et 2005 ; mais le projet a ensuite passé de vie à trépas. Aujourd’hui, Muller se produit en solo. Sa voix est puissante, mais il n’interagit guère avec son auditoire. Discret mais efficace, il finit quand même par le convaincre…
C’est en 1991 que Grant-Lee Phillips fonde Grant Lee Buffalo, à Los Angeles, en compagnie du bassiste Paul Kimble et du drummer Joey Peters. Michael Stipe (R.E.M.) et Bob Mould (Hüsker Dü) avaient énormément d’estime pour cette formation. En 1999, Philipps décide de mettre fin à cette belle aventure. Il grave ensuite 6 long playings personnels : « Ladies Love Oracle » en 2000, « Mobilize » en 2001, « Virginia Creeper » en 2004, « Neineteeneighties » en 2006, « Strandelet » en 2007 et « Little Moon » en 2009. Malgré ses racines cherokee et blackfoot, il s’est depuis installé à Nashville…
La Rotonde est pleine à craquer quand Grant-Lee Phillips grimpe sur l’estrade. La formule est identique. Voix et gratte acoustique électrifiée. Différence, il s’établit immédiatement un contact chaleureux entre l’artiste et l’auditoire. Il est venu prendre son pied au sein d’une atmosphère cool. Un set qui va durer 150 minutes, rappel compris. Entre chaque compo, il dialogue avec son public et balance quelques vannes, de manière à mettre à l’aise son public.
Pas de setlist collée sur le plancher ; costume sobre de couleur marron, chemise noire et cravate de cow-boy, le quinquagénaire (NDR : il est né en 1963 !) va interpréter ses chansons au gré de son inspiration ; et au cours de la dernière demi-heure, suivant les desideratas des spectateurs. Il ne changera pas de gratte de tout le concert. Il attaque « Nightbirds » (« Little Moon »), un morceau qui trempe dans l’americana. De sa six cordes, il arrache des sonorités tour à tour puissantes, discrètes ou allègres. Et ce dans une ambiance cosy et intimiste. Qu’entretient un light show minimal. Plus folk et sans la moindre fioriture, « The Straighten Outer » est tiré du dernier opus, « Walking In The Green Corn ». On y ressent les influences du Zim, de Springsteen et Neil Young. « See America » (« Mobilize ») ne manque pas de charme, une jolie ballade dépouillée, qu’interprète l’artiste d’une voix suave. Il s’était déjà produit dans cette même Rotonde en avril 2002 ; et il se plait à nous le rappeler. Les titres défilent, dont un nouveau : « Cry Cry ». Un opus est en préparation, c’est sûr. Il n’en oublie pas pour autant le répertoire de Grant Lee Buffalo. Et nous en réserve notamment « Truly, Truly », « Happiness », « Jupiter and Teardrop », « Mighty Joe Moon », « Fuzzy » et « The Shining Hour ». Des compositions que l’auditoire attendait et pour lesquelles, le Californien va donner tout ce qu’il a dans le ventre. Des chansons contagieuses, dont les refrains sont susceptibles d’être sifflotés le matin, en prenant sa douche. Chaud boulette, le public propose des titres pour sa set list. Ce qu’accepte le songwriter, tout en prenant lui-même la direction des opérations. Et c’est par deux morceaux du catalogue de Grant Lee Buffalo, qu’il achève son spectacle : « Everybody Needs A Little Sanctuary » et « Mockingbirds », deux plages qui ont permis à son ancien groupe de se forger une certaine notoriété...
(Organisation : Botanique)
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