L’AB propose une soirée kangourou, ce dimanche 11 octobre. D’abord les frères Jack et Pat Pierce. Puis The Cat Empire, un octuor responsable d’un cocktail détonnant de jazz, hip hop, reggae, ska, soul, funk et de musique manouche. Et le spectacle consacré à ces artistes australiens est sold out !
Jack et Pat Pierce sont issus de Brisbane. Avant de décrocher un contrat, le tandem s’est produit dans la rue. Le premier se consacre aux percus (tom basse, tambour africain, cymbales), mais aussi au didgeridoo (instrument à vent aborigène) ainsi qu’à l’harmonica. Le second se réserve la sèche. Et dispose d’une grosse caisse qu’il actionne à l’aide d’une pédale, posée devant son pied droit.
La salle est déjà bien garnie, quand la fratrie attaque « In My Fault ». Pat excelle à la gratte acoustique. Jack le soutient aux backing vocaux et frappe ses mains sur les bords de la guitare. Il est vraiment hanté par les percus, mais nous balance déjà un aperçu de ses aptitudes à l’harmo. Au balcon, l’auditoire s’est déjà levé. Votre serviteur a remarqué la présence de Marcus Mumford dans la salle. Et paradoxalement, à cet instant, la musique des frangins me fait penser à celle de Mumford and Sons voire The Lumineers…
Jack présente le duo dans la langue de Molière. C’est la première fois qu’il se produit à Bruxelles. Pour « Overdose », Jack est au micro et aux percus. Il cogne même ses baguettes sur le bord de la gratte de son frère. Energique, ce folk semble davantage yankee (NDR : pensez au boss !) qu’antipodal. Jack pique la sèche de son frère pour aborder le plus paisible « Bund Boy Run ». Ce dernier n’a plus qu’une alternative : récupérer une six cordes électrique. A cet instant, l’expression sonore baigne au sein d’un americana classieux. Véritable bête de scène, Pat s’approche du bord de l’estrade et tape du pied, pour mettre l’ambiance. Et les premiers rangs réagissent au quart de tour… « Genevieve » adopte une même formule. Enrichie par les voix savoureuses des deux musicos, cette compo vous incite à remuer le bas des reins et le popotin.
« Golden Times » constitue le sommet du spectacle. Pat (NDR : il souffre pourtant d’une bronchite !) est à la sèche. Jack empoigne son didgeridoo et colle l'harmonica devant la bouche de son frère. Tonnerre d'applaudissements dans l’auditoire ! Jack martèle le plancher à l’aide de ses baguettes. Et avant de souffler derechef dans son didgeridoo, il replace l’harmo devant les lèvres de Pat. Les frangins abordent alors « Flying Home ». Visionnaire, ce morceau de country nous invite à traverser les grandes plaines de l’Ouest...
Un set particulièrement convainquant pour The Pierce Brothers qui, dans un futur proche, devrait logiquement postuler la tête d’affiche…
The Cat Empire est originaire de Melbourne. Né en 1999, il compte plus d’une dizaine d’albums à son actif. Son premier est paru en 2003. Depuis, le combo s’est forgé une solide réputation sur les planches. Le line up actuel réunit le claviériste Ollie McGill, le bassiste/contrebassiste Ryan Monro, le drummer Will Hull-Brown, le percussionniste Felix Riebl et le trompettiste (NDR : un barbu !) Harry James Angus. Ces deux derniers se réservent également les vocaux à tour de rôle. Sans oublier le Dj Jamshid ‘Jump’ Khadiwhala, également préposé aux percus. Quand il ne chante pas, Harry rejoint deux musiciens de tournée pour former une section de 3 cuivres. Qui se consacrent également et circonstanciellement aux congas et percus diverses. Ils sont donc huit, en tout et pour tout, sur les planches !
« Brighter Than Gold », extrait du dernier opus, « Steal the Light » (NDR : il remonte à 2013 !), ouvre le show. Les plages baignent tour à tour dans un climat latino (NDR : surtout cubain), reggae ou afro. Parfois ces styles se mêlent pour produire un ensemble métissé, coloré et sucré. Et les beats électro rendent le cocktail particulièrement dansant. « Sly » est un morceau issu de « Two Shoes » (NDR : en 2005, cet elpee avait décroché un n°1 dans leur pays). Les cuivres y sont magistraux. « How to Explain ? », tiré de l’elpee éponyme, s’ouvre par les cuivres. La voix –proche de celle du chanteur de Madness, Suggs– prend son envol, alors que le tempo s’est converti à la rumba. Le spectre de Carlos Santana plane cependant tout au long de la compo (NDR : sans pour autant se farcir les soli de guitare kilométriques…)
Place au single « Qué Será Ahora ». Interprété dans la langue de Cervantès, il semble avoir été écrit sous le soleil de Kingston. Une nouvelle composition : « Daggers Drawn ». Idéal pour mettre le souk dans la fosse ! Jazzyfiant et paisible, « Two Shoes » permet de faire retomber provisoirement la pression. « The Lost Song » (« The Cat Empire ») met à nouveau en exergue les cuivres. Enrichis par le concours d’un mélodica, ils apportent une forme d’esthétisme et de sérénité au morceau. Toujours teinté de jazz, « Jungle » (« Cities », 2006) est dynamisé par les percus et traversé par des accords de gratte incisifs…
Des percus davantage afro sur « Like A Drum » (« Steal The Light »). Et la foule n’arrête plus de danser. Après 120 minutes de show, la troupe se retire. Mais elle ne va pas laisser l’auditoire sur sa faim.
Lors du premier rappel, Ollie introduit « The Wine Song » par un solo de claviers. Quoique jazzyfiant, le combo parvient à y insuffler une énergie communicative. Un autre nouvelle compo : « Bulls ». Stimulant, « Still Young » nous entraîne dans l’univers du ska, et tout particulièrement celui de Madness, The Selecter et The Specials. Et le spectacle de s’achever par « All Night Loud », un extrait du dernier long playing, titre qui a permis à la formation d’atteindre une notoriété internationale. Une chose est sûre, en ‘live’ The Cat Empire est un véritable régal ! Et propice à la danse. Ce qui ne gâte rien !
(Organisation : Ancienne Belgique)
L’Alhambra, c’est dans la cité du Doudou. A deux pas de la place. Une salle dont la programmation éclectique plaît de plus en plus à votre serviteur. Surtout depuis que les organisateurs ont réalisé les aménagements nécessaires pour rendre son acoustique performante. Aussi performante que celle des salles les plus prestigieuses en Belgique. Le programmateur a le nez creux. Le personnel est accueillant et sympathique. Que demande le peuple ?
Ce samedi 10 octobre, la soirée a été baptisée Hammer Girlz. Une sorte de mini festival au cours duquel les filles vont prendre le pouvoir, sur les planches. Soit Orna, Black Mirrors et enfin Dario Mars and The Guillotines, au sein duquel milite Renaud Mayeur. Une soirée qui devrait sentir bon le cuir et la transpiration du rock’n’roll...
Il n’y a pas grand monde lorsque Orna grimpe sur l’estrade. Mais, au sein de l’auditoire, je remarque quand même la présence de quelques artistes du coin, comme Lucas Lepori et Giacomo Panarisi (Romano Nervoso) ou encore Dan Diaz (Jane Doe). Ce power trio réunit Isa O. au micro, Lud P. à la batterie et Rudy D à la guitare. Le combo est né en 2013. Son stoner est survitaminé. Un blues/garage/rock graisseux, huileux, énergique, brut de décoffrage qui prend ses racines dans les 70’s et ses sources dans le Bayou de la Wallifornie profonde. Au cours du set le band va nous réserver « Lust » et « Fake Apple », les deux plages disponibles sur leur Bandcamp. Mais c’est surtout « Became A Crocodile » qui constitue le sommet du concert. Les drums y sont à la fois musclés et métronomiques alors que les cordes de gratte se révèlent aussi incisives que précises. Contrat rempli !
Black Mirrors est une formation drivée de main de maître par Marcella Di Troia. Elle affiche un look énigmatique. A cause de son grimage et de son collier amérindien qu’elle porte autour du cou. Un peu comme si elle venait de déterrer la hache de guerre. Elle est soutenue par le guitariste Pierre Lateur, le bassiste Gino Caponi et un nouveau drummer Nicolas Scalliet, décrit par Marcella comme un solide bûcheron capable de dévaster ses fûts. Responsable d’un premier Ep éponyme, le quatuor nous vient du Brabant Wallon. La musique est musclée, écrasante même. Une forme de stoner, réminiscent des seventies, susceptible de déraper dans le blues, le rock, le garage ou le métal. Mais au cours duquel, le soliste s’autorise des envolées frénétiques, ‘hendrixiennes’. Féline, Marcella possède une voix claire, mais puissante. Sur les planches, elle envahit tout l’espace. La setlist alterne plages de l’Ep et nouvelles compos. Ce jeune combo a un énorme potentiel. Et pas seulement à cause de sa technique. Un premier album est en préparation. Il devrait sortir en 2016.
Dario Mars And The Guillotines est le nouveau projet de Renaud Mayeur (Les Anges, Hulk, La Muerte, Triggerfinger). Au cours des dernières années, il s'était tourné vers le cinéma, bossant ainsi en compagnie de Bouli Lanners (NDR : notamment pour la B.O. d'« Eldorado »), François Pirot ou encore Matthieu Donck. Renaud avait d’ailleurs décroché un ‘Magritte’, en 2013, pour celle de « Mobil Home ».
Signé sur le label underground allemand Van Records, le combo vient de graver un premier elpee. Chargé de promesses, il s’intitule « Black Soul ». La chanteuse Bineta Saware (Ok CowBoy) est également impliquée dans l’aventure. C’est une excellente showwoman. Elle focalise les regards de l’auditoire. Farouche, elle se contorsionne comme une lionne. David Kostman se charge de la basse et des claviers. Renaud également des vocaux et de la six cordes. Ce soir, pas de vidéos défilant derrière le drummer Vincenzo Capizzi (Driving Dead Girl).
« Cold Sun » ouvre le set. Si Renaud campe un baryton, Bineta a plutôt une voix fauve. Les sonorités libérées par les grattes sont à nouveau grasses et huileuses. Les drums de Vincenzo balisent le tempo de « How The Story Goes ». Infernale, la ligne de basse leur emboîte le pas. Les déhanchements instinctifs de la vocaliste secouent les premiers rangs, qui se mettent à jumper. La pression monte progressivement. On prend alors un « Death Is Dead » en pleine tronche. « The Day I Died » est un titre sombre, sinistre même. Un climat ténébreux qu’on retrouve sur le plus paisible « The Jailer », davantage suggestif et caractérisé par une voix bluesy. Rock nerveux et frénétique, « Somebody Else Inside » est propulsé par la section rythmique. « Black Soul », titre maître de l’opus, achève la prestation. Le combo accordera un dernier concert cette année aux Pays-Bas. A Haarlem, très exactement. Et plus précisément encore, au Patronaat.
(Organisation : Alhambra)
Dario Mars and the Guillotines + Black Mirrors + Orna
Dans le cadre de l’édition 2015 du festival Francofaune, Kouzy Larsen et sa troupe se produisaient dans la salle mythique du Centre culturel Jacques Franck. Kouzy Larsen (chant, clavier) et sa bande (Pierre Jacqmin, à la basse, Benoist Esté à la guitare et non pas Olivier Tasquin à la batterie, mais Benjamin Tequi, qui avait pris son apparence), finalistes de la Biennale de la Chanson française en 2014, vont nous transporter dans un monde musical teinté d’un mélange de notes orientales et méditerranéennes harmonieuses, tout en faisant passer des messages politiques forts et controversés.
On retiendra de cette aventure musicale, la très belle chanson « Les Kamikazes » ( voir ici), éloge de la bêtise humaine sur les fantassins aveuglés par une idéologie qui les dépasse. La pédale d’effets est utilisée à merveille et le lead guitariste s’en donne à cœur joie. Le concert continue dans la même lignée et le même entrain jusqu’à ce que le chanteur invite le public à accomplir un baroud d’honneur aux politiques anti-migratoires. Le geste est symbolique et vise à balayer les stratégies politiques de Maggie De Block et Theo Francken.
La suite, on le devine presque. A travers ‘Checkpoint », la très belle bande, en communion musicale, dénonce les checkpoints et les morts recensés (ou non) en mer Méditerranée, sujet brûlant et d’actualité.
Après ces combats lyriques contre l’absurdité du monde, la fatigue, la faim et la soif s’installent ; et, il nous faut de l’amour entonne Kouzy Larsen. La magie de l’oud, instrument des pays arabes, résonne dans cet amphithéâtre d’une capacité de trois cents personnes. Le chanteur, tout à son aise dans l’art de manier ce luth électrique aux effluves méditerranéennes –dixit le chanteur– a charmé le public pendant ces quatre-vingt-six secondes. Un moment magique.
Les chansons de la fin du concert reflètent bien l’état d’esprit subversif de la troupe. Elle rêve d’une ville sans embouteillages, s’insurge contre les dénonciations des sans-papiers, l’installation des colons. Le guitariste, Benoist Esté se lance dans un monologue contre le président congolais Sassou-Nguesso. ‘Vous pouvez danser sur la rumba des colons, Sassou-Nguesso dégage !’ et d’ajouter, furieux, ‘Sassou-Nguesso est un colon dans son propre pays…’
Ça danse sur la scène. Les artistes, heureux de cette soirée et de ce public réceptif, ont le sentiment d’avoir fait leur devoir de citoyen éclairé. Perso, j’ai partagé une petite ‘gageleer’, une bière campinoise bio, en compagnie du guitariste Benoist Esté. Preuve que le groupe cherche une certaine proximité avec son public.
Parti de Soignies à 17h20, votre serviteur a débarqué vers 20h15 à l’AB, ce vendredi 9 octobre. Trajet par métro, y compris. Il a passé plus de trois heures dans les embouteillages ! L’enfer ! Heureusement que la STIB n’avait pas décrété un mouvement de grève... Et le nouveau piétonnier n’est certainement pas de nature à améliorer la situation. En arrivant dans la salle, plus moyen de s'asseoir au balcon pour apprécier un concert confortablement. C’est la nouvelle politique de l’organisation. Faudra s’y plier. Tu dois acheter ton ticket par Internet, et l’ordinateur détermine ton fauteuil. Pas de contestation et 2€ de frais supplémentaires sont à ta charge. Bref, je me plante à l'extrême gauche de la scène, juste à hauteur de la rangée de baffles qui te crache les décibels dans les oreilles et sous les feux (NDR : c’est le cas de le dire !) d’un énorme spot led placé à ta gauche, destiné à te faire transpirer. DD n’est pas très heureux ; alors il prend refuge au second étage. Il n’y a guère de monde, mais la vue est quand même imprenable. On se console comme on peut !
Il y a déjà pas mal de monde quand Témé Man, de son véritable nom Tanguy Haesevoets, se lance dans son 'one man show'. Un artiste plutôt sympathique et très interactif avec le public. Son coeur balance entre Détroit, Kinshasa et Bruxelles. Il est impliqué dans différents projets. Dont Goulash et un autre en compagnie de Noza. Sous le patronyme des Matiti, il a créé le buzz, lors du festival Esperanzah, cet été. C'est la cinquième fois que l'artiste squatte les planches de l'AB.
La musique de Témé Tan est le fruit d’un cocktail entre soul ‘motownesque’, world latino et surtout congolaise (pensez à Kasai Allstars, Konono n°1, Staff Benda Bilili ou encore Jupiter & Okwess International). Damon Albarn avait d’ailleurs eu le nez creux en prenant ces derniers sous son aile. Pas besoin de se prendre la tête, cependant, pour assister au spectacle de Témé Tan. Il ne transporte pas tous ses instruments, comme Rémy Bricka, mais les garde à portée de main. Il se sert d’une loop machine, de synthés, d’une boîte à rythmes, d’une guitare en modèle réduit et d’une basse. Les compos sont rythmées. La voix est chaude et sucrée. L’artiste prend son pied sur les planches. Et finalement Tanguy remplit parfaitement son rôle de supporting act. A revoir dans une salle plus intimiste…
Ibeyi est un duo réunissant des soeurs jumelles. Le patronyme est inspiré des dieux jumeaux yoruba (NDR : le yoruba, c’est également la langue du culte vaudou cubain). Leur mère était vénézuelienne et leur père cubain. Pas n’importe qui, puisque feu Anga Diaz (NDR : il est décédé en 2006) était percussionniste chez Buena Vista Social Club. Dont votre serviteur est un grand aficionado. Et pour que votre info soit complète, sachez qu’elles ont grandi à Paris. Naomi et Lisa-Kainde Diaz chantent tour à tour dans la langue de Shakespeare ou dans ce dialecte, idiome importé à Cuba au dix-septième siècle, par des esclaves originaires du Nigéria et du Bénin.
Richard Russell, le génial producteur londonien (Adele, Radiohead, Jack White, Gil Scott-Heron, Damon Albarn) et boss du label indépendant XL, a signé Ibeyi et a mis en forme le premier opus des filles ; un disque paru en févier dernier. Qui a été encensé par la critique et le public (NDR : pas pour rien que la salle est comble). Un contrat conclu après avoir visionné la vidéo de « Mama Says » ; et ce, à l’issue d’une seule rencontre.
Le décor est dépouillé. Des claviers et une loop machine sont destinés à Lisa. Le cajon, les percus et la boîte à rythmes à Naomi, la sauvageonne. Les frangines allument chacune une bougie, avant de la placer aux extrémités du podium, communiquant une certaine forme de magie à l’atmosphère. Les projecteurs sont placés sur le côté et à l’arrière des artistes. Elles débarquent sur l’estrade sous les acclamations. Naomie est tout de noir vêtue. Y compris le chapeau. Elle s’avance vers la foule et du geste l’invite à applaudir. Naomi et Lisa se font face. Leurs regards sont complices. Elles attaquent à deux voix « Eleggua », dans un climat de recueillement. Un morceau bref, mais intense et envoûtant. Elles rejoignent alors leurs instruments respectifs. Naomi met en route sa machine, frappe sur son cajon et prend la direction des opérations. Elle entame « Ghosts » au micro. Lisa embraie aux ivoires. Les harmonies vocales vous emportent au cœur de contrées secrètes, énigmatiques et sauvages. Le mystère semble être le fil rouge du concert.
Avant de passer à « Lost In My Mind », Lisa décrit les rythmes cubains, importés du Bénin et du Nigéria, par les esclaves. Les choeurs sont vaudous. Des images de ruines sont projetées, en arrière-plan, sur un écran. Naomi, assise sur son cajon, se balance en cadence au rythme des percus électro. Un compo contemporaine qui regarde vers le passé africain. Place ensuite à « Mama Says », leur hit. Et les voix sont à nouveau splendides. Naomi frappe le cajon de son corps pour dispenser des sonorités à la fois précises et spécifiques. A cet instant, l’expression sonore évolue au carrefour du hip-hop, de la soul et de la musique cubaine ; une world urbaine aux contours afropéens. Serait-ce un clin d’œil adressé à Karavan, un groupe qui reprend a capella le répertoire d'Arno ?
Les soeurs se lèvent et font face au public. A deux voix, elles abordent « Yemaya ». L’ambiance est alors contemplative. Et soudain, elle prend une autre tournure, grâce à « I'm On My Way ». C’est le souk au sein des premiers rangs alors que les deux nanas demandent à l’auditoire de reprendre des paroles en chœur. Et impossible pour elles d’en placer une, à la fin du morceau, tant l’ovation est monumentale. Les jumelles zoukent encore ferme pour « River ». Le déhanchement sensuel de Naomi vous incite à jumper et à remuer le popotin. Une belle communion entre la foule et les artistes. « Yanira » se révèle plus électro-tribal alors que des images ténébreuses et déconcertantes défilent sur l’écran. Spectrales, les voix nous plongent alors au sein d’un univers fantasmagorique en expansion digne de Björk. Un morceau puissant, tapissé par les sonorités d’orgue. Du futur elpee, elles vont nous réserver « Fly ». Et elles ne vont pas oublier de rendre un brillant hommage à feu leur paternel, Anga Diaz, à travers « Think Of You » ; bien sûr, au cœur d’un climat afro-cubain. Enfin, en rappel, elles vont encore nous réserver « River », a capella. Impressionnant !
(Organisation : Ancienne Belgique et Live Nation)
Marie Davidson et Pierre Guerineau produisent une musique électronique particulièrement novatrice, sublimée par une prose 'voice-over' déclamée ou chantée. Leurs créations s'articulent autour de deux projets : celui solo de Marie Davidson et le duo Essaie Pas. Leur univers musical évolue entre ‘ambient’ introspective et ‘minimal synth’, tout en affichant un côté ‘clubbing’ nu-disco/techno. Le caractère onirique est omniprésent, un peu comme si on écoutait la bande-son sensuelle d'un film imaginaire.
Le duo avait déjà accordé une interview à Musiczine, lors de son passage à Bruxelles, en 2013 (voir ici). Il était donc judicieux de profiter du concert, accordé le 20 août dernier, dans le club La Villaine, à Bruxelles, pour retrouver les deux musiciens et débattre de leurs nouvelles productions. Mais abordons d’abord le projet solo de Marie Davidson.
Tu as publié un nouvel opus cette année : « Un Autre Voyage ». Comment pourrais-tu décrire son évolution, par rapport au précédent ?
Marie Davidson (MD) : C'est de la musique électronique sur laquelle on pose des textes souvent parlés, parfois chantés. En outre, je me suis familiarisée avec mon nouveau matériel pour réaliser ce disque. Il est plus performant. Pour la prod, j'ai travaillé en compagnie de Pierre (NDR : Guerineau). En général, je compose tout moi-même, y compris la musique ; puis j'enregistre. Par contre pour « Un Autre Voyage », on a bossé ensemble sur la production. Pierre a amené ses idées. Je ne me sers pas d’un ordinateur, alors que Pierre utilise un Pro-Tools ; ce qui a permis de raffiner certains sons et de développer différentes perspectives. En résumé, la progression est naturelle ; elle repose sur l'approfondissement d'une esthétique de travail et reflète l’expérimentation d’une personne qui apprend au fil du temps.
N’as-tu pas l'impression d’y privilégier le côté davantage dansant, un peu plus 'techno' ?
MD : Pas vraiment sur l'album, mais il y a une certaine mutation vers la techno sur certains morceaux. Ils ne sont pas encore sortis, mais je les joue en concert. Cependant, je conserve l'influence italo-disco, déjà palpable sur « Perte d'Identité » comme pour le titre « Shaky Leg » et son remix. Cette approche a toujours été présente, mais depuis la parution d’« Un Autre Voyage », la direction est franchement plus dance-floor.
Est-ce parce que vous résidez maintenant à Berlin ?
MD : Les styles de musique, je les aime tous ; enfin presque tous. J'apprécie le jazz, la musique contemporaine, la pop, le rock. Les Doors sont toujours une des mes influences majeures. Mais auparavant, je n'étais pas capable de créer de la musique 'dance-floor'. Ce n’est pas une musique facile, car elle exige beaucoup de travail et une bonne synchronisation mentale. Il faut être capable de synthétiser ses idées, de structurer ses chansons pour trouver le groove, le conserver, et susciter l'intérêt des gens pour qu'ils continuent à danser. Mais il est clair que je composerai toujours de la musique 'ambient'. Berlin, c'est une chouette ville. Elle inspire la techno ; mais de la dance, il y en a partout.
Au cours du concert, tu as interprété un nouveau titre, « I Dedicate My Life ». Il y en a d'autres ?
MD : Oui, un instrumental intitulé « D1 » ; et puis, un morceau qui n'a pas encore de titre. Il a été composé à Berlin et s’appuie sur un bpm (NDR : beats par minute) très élevé : 260 !
Pierre Guerineau (PG) : C'est comme un 130bpm mais en doubles croches... C'est très...
Frénétique ?
PG : Oui !
Pierre, venons-en à votre duo, Essaie Pas, responsable récemment d’un single baptisé « Danse Sociale »...
PG : Oui, c'est un 7 pouces, que l'on a sorti sur le label franco-belge Teenage Menopause...
De notre ami Elzo Durt...
PG : Et François. C'est un très chouette objet. La pochette est originale. Elle bénéficie d’une trame visuelle animée. C’est lui et un ami qui l’ont conçue…
Et le label envisage de publier une série de singles qui adoptent ce concept visuel, je crois ?
PG : Oui, dont The Horrorist, et quelques autres.
« Danse Sociale » est, comme son nom l'indique, très 'dance'. La production est très directe et intègre peu d'effets. On a l'impression que le son de la boîte à rythmes est super 'dry'.
PG : Il y a un peu de distorsion et de réverbération sur l'ensemble. C'est différent de ce qu'on faisait avant. Essaie Pas essaie d’explorer de nouveaux horizons, de nouveaux sons et cherche à éviter la redite...
Par contre, la face B, « Ausgang », creuse davantage une veine cinématographique.
MD : C'est un morceau expérimental composé à Berlin, il y a 2 ans.
PG : C'est une improvisation préparée, une compo qu'on aimait, mais qui n'avait pas trouvé sa place sur nos disques. Et c'était sans doute le moment idéal de le sortir. Sur le single, les deux morceaux sont très différents ; ils représentent deux facettes de ce que l'on apprécie.
Les textes abordés sur le dernier elpee de Marie Davidson, « Un Autre Voyage », reposent logiquement sur le voyage. Chaque chanson correspond-t-elle à un moment particulier de vos périples ?
MD : Il n'y a pas nécessairement de moment précis, mais chaque chanson est inspirée par des événements que j'ai vécus, des gens rencontrés, des idées ou des impressions échangées.
« Boulevard Taschereau », par exemple ?
MD : C'est un endroit qui existe vraiment. Il est situé dans la banlieue de Montréal, du côté de la rive sud. On y est allé, il y a deux ans.
Donc, on peut espérer un jour une chanson intitulée « La Villaine » ou « Place Flagey » ? (rires)
MD : Non, il faut que ce soit un peu plus onirique. Je pourrais composer une chanson consacrée au nom d'un bar ; mais il faudrait qu'il s’y produise un événement mémorable. Il y a de l'humour dans mon écriture, mais elle est toujours authentique. Par contre, je n’y exprime pas de dérision…
PG : Si tu voyais le Boulevard Taschereau, tu serais déçu. L’endroit n’est pas particulièrement intéressant.
MD : C'est un échangeur d'autoroutes, entouré de motels, de centres commerciaux...
PG : C'est un 'non-lieu', un endroit de passage...
MD : ... qui laisse beaucoup de place à l'imagination. On y croise de drôles d'individus ; dont celui qu’on a rencontré et qui nous a raconté son vécu…
Votre musique affiche manifestement un aspect cinématographique ; avez-vous envisagé de composer des B.O. de films ?
MD : On a réalisé celle d'un documentaire. Mais en effet, c'est un rêve pour nous. En fait, un de nos vieux morceaux, une reprise de Jacno, « Anne cherchait l'amour », a servi au premier court-métrage de Larissa Corriveau et Fernando Lopez, « Le Fugitif ». C’est une fiction.
PG : Mais la chanson n'avait pas été enregistrée dans ce but.
Marie, tu prévois la parution d’un nouvel LP ?
MD : Je ne sais pas. Je vais prendre mon temps.
Et une date a-t-elle été fixée pour celui d'Essaie Pas ?
PG : Au mois de janvier. Sur DFA. On est très excités de le voir sortir sur ce label new-yorkais.
DFA est un label notoire !
PG : Il était connu pour le dance-punk, un mélange entre la musique très dansante et en même temps un peu foutraque. Il hébergeait surtout des projets comme LCD Soundsystem, Hot Chip... C'est un peu disco-punk, funk, no-wave, voire noise. Black Dice, Eric Copeland y sont aussi signés. Puis Factory Floor, qui a marché pas mal l'année passée. C'est en assurant la première partie de Factory Floor, à Montréal, qu'on est entrés en contact avec DFA.
C’est un long playing ? Vinyle et CD ?
PG : Oui, vinyle et CD. Il est fini, masterisé. La pochette a été conceptualisée. Il n'y a plus qu'à attendre la sortie.
Quel est son titre?
MD : « Demain est une autre nuit ». Il comporte 8 plages.
Et comme d'habitude, vous y abordez différents styles musicaux ?
MD : Oui, par rapport au premier, il est très concis. Ce sont les mêmes instruments, les mêmes sons, mais la musique communique une forme d’urgence…
PG : Les rythmes sont relativement enlevés et les arrangements sont axés autour des séquences.
Grâce à DFA, vous aurez accès à une distribution et une promotion plus conséquentes…
MD : Oui, bien sûr !
PG : Ils travaillent avec PiaS en Europe.
Ah oui ? C'est un label belge à l'origine…
PG : Ah bon ? Je ne savais pas.
Oui, ils sont très bien. Ils distribuent des grands noms. Grâce à eux, vous pourrez progresser.
PG : C'est bien pour nous. On va toucher un public qui n’avait pas encore eu le loisir d’écouter ce qu'on fait. C’est une satisfaction.
Passons maintenant aux sélections. Je vous ai proposé de choisir quelques titres récents qui vous ont séduits.
MD : Je recommande d'écouter « Gold Mirror » de Night Musik. Cet artiste est originaire d'Ottawa. Il a vécu à Montréal et s’est aujourd’hui expatrié à Berlin. Il a sorti son premier album sur Mind Records à Paris. Il est excellent.
PG : J'ai choisi Ran May, un artiste montréalais. Il relève d’un jeune label, Neuromodulation. Il s’inscrit plutôt dans la veine techno-industrielle, mais très atmosphérique. La chanson s’intitule « Construction d'Agencements ». Sur cette firme de disques, militent également Harmaline, qui est de LA, mais également Ater Charta, Ginger Breaker, Vox Nihili. Ce sont tous de jeunes musiciens avec lesquels on a des affinités. Je les aide parfois pour des productions, des masterings.
MD : La 3ème sélection, c'est Symbol, le projet solo de Christopher Royal King. Egalement chez Holodeck Records. Il joue au sein d’une formation américaine qui jouit d’une solide réputation : This Will Destroy You. Son projet solo est magnifique. Il est 100% modulaire, ambient, cinématographique, intemporel. Une de mes parutions préférées de ces dernières années.
Je vous ai aussi proposé de choisir quelques titres qui ont été fondateurs de votre culture musicale au début de votre parcours ?
PG : Oui, pour moi, c'est une composition du chanteur français Christophe, « Voie Sans Issue ». Elle est parue en face B de « J'l'ai Pas Touchée ». Ce titre est incroyable, complètement électronique.
MD : Perso, il est difficile d'identifier des morceaux fondateurs, car la musique est un flot continu dans ma vie depuis l'enfance. Mais je peux citer quelques compos qui m'ont inspirée et ouvert des portes. Le « Alleys of your mind » de Cybotron m'a ainsi permis de découvrir la early-techno issue de Detroit. La formation a été influencée par Kraftwerk, le funk, l'electrofunk et la musique électronique avant-gardiste. Un artiste plus moderne qui m'a également marqué au cours des dernières années, c'est Function ; et tout particulièrement la chanson « Against The Wall ». Il est américain, mais vit à Berlin. Sinon, mes références oscillent entre la musique contemporaine, les musiques de film, l'italo-disco et le disco en général. Giorgio Moroder restera toujours une influence incontournable. Et certains producteurs comme Mike Mareen. Notamment son morceau Dancing In The Dark ».
Enfin, quelles impressions gardez-vous de la Belgique ?
PG : C'est la 3ème fois qu'on y vient et c'est toujours un plaisir. C'est ici qu'on a commencé la tournée et qu'on la finit. C'est symbolique : on a une amitié particulière avec Bruxelles, la Belgique.
MD : On apprécie s’y produire ; les gens sont ouverts d'esprit. Il y a toujours de bonnes soirées, de bons concerts et on y rencontre de bons amis. La culture musicale y est bonne.
PG : Et en plus, Bruxelles est une ville très cosmopolite et très agréable à fréquenter...
Pour écouter l'interview en audio sur Mixcloud dans le cadre de l'émission WΛVES (Radio Vibration), c’est ici
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Arno est en tournée jusque l’an prochain. Il était ainsi programmé à la Maison de la Culture de Tournai, ce mercredi 9 octobre 2015. Il s’était déjà produit au même endroit, en janvier 2013. Et il est revenu. Tout comme le public ‘scaldéen’. La salle est d’ailleurs pratiquement comble. Son dernier album solo remonte à 2012 (« Future vintage »). Heureusement, qu’en ‘live’, il a quand même le bon goût de varier son répertoire. Faut dire que sa discographie est conséquente. Le temps que les spectateurs trouvent leur place assise numérotée et le concert d’Arno peut commencer. Il est alors 20h15.
Avant que le set ne débute, les haut-parleurs crachent une intro baptisée « Ostend dub ». Les musicos montent alors sur le podium. Un guitariste, un drummer ainsi que ses fidèles bassiste et claviériste. Sans oublier Meneer Hintjens. Et l’ouverture (« We want more ») est offensive, malgré les accords de gratte ‘floydiens’. Hormis le théâtral « Laisse-moi danser », la première partie du spectacle est d’ailleurs assez agressive, percutante, funkysante même. Les Tournaisens ne s’y attendaient certainement pas. Avant d’aborder « Vive ma liberté », 3 cuivres (trompette, trompette à coulisses et saxophone) ainsi que deux choristes rejoignent le quatuor. Les premiers s’installent à l’arrière-plan, sur la gauche, et les secondes, également en retrait, mais à droite. Ils campent sur de petites estrades. Et la compo prend une coloration ska. Plusieurs titres vont d’ailleurs adopter ce tempo au cours de la soirée ; et finalement sous cette nouvelle mouture, ils prennent une autre dimension. Arno sort bien sûr quelques vannes, nous raconte l’une ou l’autre histoire tendre. Comme celle de sa grand-mère et de ses tantes, avant d’interpréter un « Lola » aux cuivres sépulcraux et aux sonorités de claviers balkaniques. Il fustige également, sans pourtant les nommer explicitement, certains politiciens issus du Nord du pays (‘comme dans les années trente, mais ils n’ont pas de moustache’). Il présente également sa cover de Pete Seeger, reprise au cours de la second guerre mondiale par Marlène Dietrich (NDR : il doit s’agir de « Sag mir, wo die Blumen sind »), un morceau dont la fin hymnique est enrichie de chœurs gospel (NDR : les choristes ont de remarquables voix !) Un bémol quand même ! Dommage que le claviériste ne passe pas à l’accordéon pour certaines valses ou se contente de reproduire les sonorités slaves de cordes, à l’aide de ses synthés.
Parfois Arno s’assied, même pour certaines compositions qui ont la pêche. A l’instar du funky « L’amor », moment au cours duquel la scène est baignée par un light show de couleur rouge. Le meilleur moment du concert est certainement atteint par « Meet the freaks ». Pas de claviers cependant pour ce blues décapant au cours duquel le gratteur a opté pour une cigar box. Il y fait glisser son bottleneck sur les cordes. Et puis « Whoop that thing », titre qui monte progressivement en intensité avant d’atteindre sa pleine puissance ; et pendant lequel les deux filles (NDR : une Anglaise et une Américaine, dixit Arno) dansent comme des figurines égyptiennes. Soutenu par son pianiste, Arno nous réserve son incontournable « Dans les yeux de ma mère ». Et en fin de parcours n’oublie pas ses deux célèbres reprises de TC Matic, « Oh la la la » et « Putain Putain » (NDR : une version au sein de laquelle il intègre des bribes du « Wild thing » des Troggs ; alors que les cuivres y glissent l’ancien hymne de l’Eurovision), dont le public reprend en chœur ‘Nous sommes tous des européens’. Grosse acclamation ! Une partie de l’auditoire commence à se lever et frappe dans les mains en cadence. Alors quand Arno attaque l’adaptation du tube d’Adamo, « Les filles du bord de mer », le public s’enflamme. Ni en douceur et encore moins en profondeur. Plutôt parce qu’il est conquis. Arno lui demande d’agiter les mains et balayé par les faisceaux lumineux, le spectacle est impressionnant. A ce moment, il en profite pour faire de l’ombre aux psychiatres et autres psychologues…
Le groupe vient à peine de quitter le podium, qu’il y revient pour un rappel. Cependant, il accordera uniquement le classique « Bathroom singer », au cours duquel Arno se sert de cymbales tout en fredonnant ses ‘dingelingeling’. Arno et sa troupe ne reviendront plus. Deux heures de show, quand même. Et manifestement, l’artiste était en petite forme. Sur les planches, il buvait même de l’eau. C’est dire…
(Organisation : Maison de la Culture de Tournai)
Il y a 20 ans, le duo Mobb Deep, réunissant Prodigy et Havoc, publiait son deuxième elpee studio, « The Infamous ». Ce projet procurera une certaine notoriété pour Mobb Deep et constituera une pierre importante apportée à l’édifice du Hip-Hop East Coast –principalement– mais également du Rap en général. Si le succès n’a pas toujours été au rendez-vous par la suite, « The Infamous » va influencer beaucoup de rappeurs, à travers le monde. A l’occasion de ce 20ème anniversaire, Mobb Deep avait choisi l’Orangerie du Botanique pour célébrer l’événement…
Annoncé sold out avant l’heure, le duo avait donc décidé de rejouer ses plus grands classiques sur une scène belge, devant 700 personnes. Un podium plus que minimaliste car seul le DJ figurait en arrière-plan des deux MC’s du Queens, sur une estrade dépourvue de tout décor… Même si le public était avant tout présent pour écouter du bon son Old School, un cadre ou même un logo du band aurait pu habiller un tantinet un espace très vide…
Quoiqu’il en soit, c’est un détail qui est vite passé inaperçu dès l’arrivée d’Havoc et Prodigy pour attaquer « Survival Of The Fittest », un morceau dont l’ambiance très sombre colle parfaitement à l’entrée des deux protagonistes du jour. L’auditoire est immédiatement réceptif à l’idée de réécouter les plus grands classiques du combo, notamment issus de ses premiers long playings studios, dont bien sûr « The Infamous ». Chaque compo est une occasion pour l’auditoire de s’extasier ; et ce dès les premières notes jouées de titres qui, au fil du temps, sont devenus iconiques dans le milieu Hip-Hop. Que ce soit sur « Hell On Earth », « G.O.D. Part III », « The Learning », « It’s Mine », « Quiet Storm » ou encore « Thug Muzik » –pour n’en citer que quelques uns– Mobb Deep fait honneur à sa discographie et entretient le bonheur de la foule dans l’Orangerie.
Malgré un public conquis d’avance, le duo n’est pas très proche de celui-ci. S’il y a bien quelques ‘checks’ accordés aux premiers rangs, il n’y a guère d’interaction entre les spectateurs et la paire. Bien que les morceaux soient plus que correctement interprétés par Havoc et Prodigy, Mobb Deep s’est contenté d’enchaîner les titres avant de finir en apothéose par le très célèbre « Shook Ones ». Un morceau emblématique pour la formation qui a bien entendu ravi l’Orangerie.
Après une seule heure de set, le crew se retire sur la pointe des pieds. Si la prestation était assez courte, et malgré la distance entre Mobb Deep et son auditoire combiné avec un DJ quasi transparent, une grande majorité était assez satisfaite d’avoir pu réécouter en live ce mythique groupe new-yorkais qui se fait hélas trop rare en Belgique…
(Organisation : Botanique)
Agé de 65 balais, Steve Hackett est en tournée, périple qu’il a baptisé ‘Acolyte To Wolflight With Genesis Revisited '. Pas de supporting act. La salle est sold out. Normal, puisqu’il s’agit de l’ex-sixcordiste de Genesis, venu notamment défendre son dernier opus, « Wolflight », paru cette année. Il s’agit du premier album studio original de Steve. Le précédent, « Beyond The Shrouded Horizon », remontait à 2011. Enfin, depuis 2013, il revient se produire tous les ans à l’AB, comme s’il accomplissait un pèlerinage. Et pourtant, chaque concert est différent.
Un peu d'histoire. En 1971, Steve Hackett rejoint Genesis. Il devient le cinquième membre du band. Guitariste, il est recruté pour sa maîtrise de l’instrument et surtout son aptitude à innover. Outre son concours à la gratte, il participe à l’écriture et aux arrangements des compos. Ce qui va contribuer au succès de la formation et tout particulièrement celui récolté en Belgique. Il participe à l’enregistrement de 8 albums. Malheureusement, des divergences musicales le poussent à quitter le combo. Il embrasse alors une carrière solo, amorcée par la confection d’un elpee personnel en 1975, « Voyage of the Acolyte ». Pionnier dans l’art du ‘tapping’, son talent est également reconnu dans le jeu de guitare dite ‘classique’. Mais il est surtout notoire pour ses expérimentations éthérées. Sans verser dans la démonstration technique, il y privilégie constamment le sens de l'harmonie tout en entretenant un univers sonore poétique, décalé et onirique.
Votre serviteur débarque vers 18h00. Il y croise ses habituels potes et surtout les fans de la première heure. Surprise de taille pour l’Ancienne Belgique : les tickets sont numérotés et le placement est contrôlé. Donc, pas question de vivre le spectacle en compagnie de ses amis. Pas trop heureux de la situation, je me retrouve dans la fosse, à l’extrême gauche. Pas mal casé, quand même, il faut le reconnaître. Juste en face de Ron Townsend. Il va se charger des instruments à vents. Depuis les clarinettes à la flûte, qu’elle soit droite, simple, piccolo ou traversière. Il participe également au chant et aux claviers. Juste derrière lui, sur une estrade, s’est installé le préposé au piano et aux synthé Roger King. C’est l’instrumentiste qui fédère toute l’expression sonore. Son vis-à-vis campe également sur un podium surélevé. Il s’agit du drummer Gary O’Toole. Coiffé d’un chapeau melon –mais pas chaussé de bottes de cuir– sa double batterie est impressionnante. Devant lui, se plante Roine Stolt, qui alterne gratte et basse. Et il s’y révèle aussi discret qu’efficace. Il est chevelu et porte des lunettes. Steve Hackett s’installe à l’avant-plan. Il se réserve la guitare –électrique ou acoustique– et assure le chant. Par rapport aux shows précédents, il va d’ailleurs davantage se consacrer aux parties vocales. Pourtant, il y a un vocaliste supplémentaire. Nad Sylan. Il a un look androgyne. Et apporte son concours, circonstanciellement, aux vocaux. Son timbre est, en outre, très particulier (NDR : serait-il hanté par Peter Gabriel ?) Enfin, le spectacle bénéficiera d’un light show aussi sobre qu’efficient.
En montant sur les planches, Steve se saupoudre les mains et le manche de sa guitare de talc, puis salue l’auditoire, en affichant un large sourire.
Une intro symphonique prélude « Corycian Fire » (« Wolflight »). Le son émane de deux haut-parleurs disposés au balcon, à mi fosse. Cette compo est superbe et me fait penser au Robert Plant post Led Zep. Un cocktail subtil entre musique issue du Nord de l’Afrique, classique, prog, rock et psychédélisme.
Les musicos débarquent pour attaquer la deuxième compo. Il s’agit du titre maître de « Spectral Mornings » (NDR paru en 1973, il s’agit du troisième long playing). Steve arrache des sonorités singulières et merveilleuses de son manche, en se servant également de ses pédales. Il focalise tous les regards. Un peu comme Steve Vai ou Joe Satriani. Il présente certains morceaux. Mais aussi ses musiciens. Dans la langue de Molière.
Après « Every Day » (« Spectral Mornings »), il troque sa gratte électrique contre une semi-acoustique. Il aligne alors « Love Song to a Vampire », « The Wheel's Turning » et « Loving Sea ». Les interventions de Ron à la clarinette ou aux flûtes sont magistrales. Dignes de Ian Anderson (Jethro Tull). Et le premier volet du spectacle de s’achever par l’instrumental classieux « Shadow of the Hierophant ». Steve est assis et se sert d’une sèche. Une belle démonstration de son talent de sixcordiste.
La seconde partie va survoler les 40 années de carrière de Steve. Et tout particulièrement celles vécues chez Genesis. « Foxtrot » (« Get 'Em Out By Friday », « Can-Utility And The Coastliners » et « Watcher of Skies », malheureusement sans son intro au mellotron), « Selling England By The Pound » (« After The Ordeal », caractérisé par ses claviers emphatiques et au cours duquel Ron va esquisser un petit pas de danse, le lumineux « The Cinema Show », dont l’histoire de Roméo et Juliette est revisitée et « Aisle of Plenty ») ainsi que le titre maître de l’oeuvre majeure « The Lamb Lies Down on Broadway » figurent ainsi au sein du tracklisting. Ce dernier morceau est vraiment un des sommets du show. Théâtral, il constitue la cerise sur le gâteau. Enfin une des cerises, car la dernière chanson, « The Musical Box » (NDR : issu de « The nursery crime », cet opus recèle des comptines sordides, faussement infantiles, qui mêlent magie, sexualité, cruauté et meurtre) en est une autre. A cet instant, votre serviteur jubile…
Cette période de concert baigne bien évidemment dans la prog. Nad participe davantage aux vocaux. Son timbre est alors très proche de celui de l’Archange ; ce qui permet plus facilement de replonger dans le passé de Genesis.
En guise de rappel, la troupe va nous accorder deux morceaux. Tout d’abord « Clocks - The Angel of Mons » (« Spectral Mornings ») et le prodigieux « Firth of Fifth » (« Selling England By The Pound »), au cours duquel chaque musicien va s’autoriser un petit solo.
Malgré l’excellence du set, il faut avouer que le spectre de Peter Gabriel a plané tout au long de la soirée…
(Organisation : Ancienne Belgique et Live Nation)
C’est la deuxième fois en quelques mois que votre serviteur assiste à un concert de Tom McRae. Le précédent s’était déroulé à l’Archiduc de Bruxelles, en avril dernier. Un showcase organisé dans le cadre de la sortie de son dernier album, « Did I Sleep And Miss The Border ? » Ce soir, l’AB est en mode semi-flex. Et le spectacle est sold out. Il s’agit de l'avant-dernière date de la tournée qui s’achèvera à Paris le 3 octobre
Brian Wright assure la première partie. C’est le guitariste de Tom McRae. Il est issu de Waco, au Texas. Il compte 4 albums solos à son actif : « Dog Ears » en 2006, « Blurbird » en 2007, « House On Fire » en 2011 et « Rattle Thier Chains » en 2013. Cinq ans plus tôt, et plus ou moins à la même époque, il assurait déjà le supporting act pour son leader.
Brian a une bonne bouille qui sent bon le soleil du Sud des Etats-Unis. Son humour est transcendant. Et il le manie le plus souvent en raccordant sa gratte. Une semi-acoustique. Parfois on se demande s’il ne la désaccorde pas expressément pour sortir ses vannes. Il est également armé d’un harmonica. Un profil qui colle parfaitement à la country.
« Former Queen Of Spain » concède des accents hispaniques. « Red Rooster Social Club » est un bluegrass spasmodique. Il nous confesse que « Rosalee » est une chanson composée par son épouse, alors qu’il s’agit du nom de sa fille. Il nous réserve également une cover étincelante du « The Biggest Thing That Man Has Ever Done » de Woody Guthrie. Et le set s’achève dans un climat de bonne humeur. Parfait pour préparer le show de McRae.(Pour les photos c'est ici)
Ce soir, Tom McRae est donc flanqué de son fidèle groupe, The Standing Band. Il réunit Olli Cunningham (synthés, percussions, vocaux), Oli Kraus (violoncelle), Richard Hammond (basse, contrebasse, percussion, vocaux), David Walsh (batterie) et enfin Brian Wright (guitares, banjo, pedal steel). Pas d'accordéon ni de violon pour ce concert, mais un violoncelle. Sept lumières rouges marquées de notes de piano, derrière lequel siège Olli Cunningham, préludent l'arrivée des autres artistes... Mais ce sont de puissants spots bleus qui vont les mettre en exergue.
Tom est bien sûr en avant-plan. « The Dogs Never Sleep », issu du dernier opus « Did I Sleep And Miss The Border », ouvre le set. L’interprétation est puissante et convaincante. Particulièrement efficace, le drummer s’y révèle souverain. Ses frappes sont métronomiques. En outre, la section rythmique est parfaitement en phase. La formation est bien soudée. Et il ne faut qu’un petit geste de Tom pour que la musique s'emballe.
Pour « The High Life », Tom délaisse sa gratte. Il adresse un signe à l’ingé-son pour remonter le volume du micro, avant que le morceau ne démarre. Et en trombe ! Tom saisit le pied du microphone et s'accroupit, puis le relève tout en chantant.
La voix de McRae est écorchée et rocailleuse. Et elle colle parfaitement à ses ballades. A l’instar d’« End Of The World News (Dose Me Up) », qu’il aborde d’abord, seul, à la sèche. Ou encore « Let Me Grow Old With You ». Des ballades qui manifestement enchantent l’auditoire ; il reprend d’ailleurs régulièrement les refrains en chœur.
Très interactif, Tom présente chaque chanson ; en l’illustrant parfois d’un petit trait d’humour. Sur « Expecting The Rain », le nouveau single, Tom utilise un peu sa voix comme un instrument. Il la module même à la manière de Christophe. Superbe, « Christmas Eve, 1943 » est un titre à la mélodie contagieuse et au refrain enjôleur.
Pour « A & B Song », un extrait du tout premier LP (NDR : il est éponyme !), paru il y a 15 ans, il entame le morceau paisiblement, un peu comme une autre ballade, avant qu’il ne monte en puissance, intensité qu’il communique à l’aide de sa six cordes acoustique. Autre plus ancienne plage, « Walking 2 Hawaii » (« Just Like Blood ») est interprétée en duo. Tom à la gratte et Oli Kraus au violoncelle pour ce classique empreint d’une douce mélancolie…
« Hoping Against Hope » évoque la fin du monde. Le set tire à sa fin. Place ensuite au solide « What A Way To Win A War », premier single (NDR : il ne figure pas sur ce disque, mais est téléchargeable sur les différentes plateformes officielles) qui a précédé la sortie du nouveau long playing. Les musicos et Tom chantent presque a cappella. Impressionnant ! Et la foule est ravie ! « Silent Boulevard » (« All Maps Welcome ») achève officiellement le concert. Une compo, déchirée entre douceur et puissance, au cours de laquelle Tom est au sommet de son art.
En rappel, le combo nous accorde encore « Ghost Of A Shark » (« Just like Blood ») et « The Boy With The Bubblegun », un titre bouleversant, illuminé par les interventions du violoncelle. A ce jour, ce concert figure parmi mes trois meilleurs de cette année…Pour les photos, c'est là)
(Organisation : Ancienne Belgique)
Le Salon, situé dans le beau village de Silly, a une nouvelle fois démontré son audace ! Les sympathiques membres fondateurs ont toujours le chic pour dénicher les perles rares. La programmation est plus qu’intelligente et permet aux néophytes de découvrir de nouveaux genres.
Ce samedi n’a pas failli à la règle ! Ce soir, il s’agissait en quelque sorte d’une ‘battle’ nord-sud, puisque Reject, groupe wallon, se produisait avant High Hi, venu tout droit de Flandre.
Reject avait l’honneur d’ouvrir les hostilités. Plutôt dans une veine rock, un tantinet alternatif, le quatuor a franchement manqué d’enthousiasme !
Pourtant habitué aux scènes live, il n’est pas parvenu à convaincre l’auditoire plutôt clairsemé.
Seul le bassiste donnait l’impression de s’amuser véritablement !
Non pas que la musique soit foncièrement mauvaise, mais l’ego surdimensionné de chacun des musicos impacte directement la musicalité du set. Les grattes nous assènent des sonorités trop bruitistes qui dénaturent complètement l’âme des morceaux.
La formation s’évertue à marteler une présence sonore à tout prix, au détriment de la qualité. Moins d’individualisme et un peu plus de subtilité dans le jeu enrichiraient très certainement le set. Quant à l’enchaînement des titres, il donne le tournis !
Le leader chantonne dans un ‘franglais’ à peine audible et compréhensible. Encore une fois, s’exprimer dans la langue de Shakespeare est une idée plutôt alléchante ; mais quand on n’est pas anglo-saxon, un minimum de savoir et de savoir-faire est nécessaire. Dommage !
Parfaitement inconnu au sein du paysage musical, High Hi a, par contre, servi de couperet face à la déception et à la morosité ambiantes laissées par leurs prédécesseurs !
Ne cherchez aucune signification manichéenne dans le choix du patronyme du groupe ! Il n’y en a pas !
Le trio, réunissant des musicos âgés d’une petite vingtaine d’années, a soufflé un vent de bonheur et d’exaltation aux quatre coins de la salle.
Mené tambour battant par la belle Anne-Sophie, ce groupe aux influences ‘indie pop’ est originaire de la région de Louvain.
Energique à souhait, le band n’a pas à rougir du parcours réalisé depuis ses débuts.
Venus défendre les couleurs d’un Ep quatre titres, ces primo arrivants se sont rencontrés un beau jour de 2010 sur les bancs de l’école secondaire pour unir leur force. Un beau mariage pour le meilleur, mais pas pour le pire…
Le son diffusé était d’une qualité irréprochable, notamment celui de la guitare lead, d’une limpidité proche du surréalisme.
La chanteuse, arborant une paire de chaussures rose fluo pour l’occasion, sautillait sur chaque riff de guitare se donnant ainsi corps et âme. Une vraie hystérique proche de l’extase!
Leur jeune âge est inversement proportionnel à la maturité dont ils font preuve !
De l’aveu même du band, toute démarche commerciale est proscrite. C’est une erreur ! Le potentiel radiophonique de leur répertoire est bel et bien réel. Ces petits deviendront grands !
La seule ombre au tableau émane de la qualité médiocre de leur mini elpee. Les arrangements bâclés dénaturent vraiment ce qui aurait pu devenir une jolie carte de visite !
Set list :
Calm Down Sir
Age
White Rabbit In The Black Hole
Tommy
Islands Full Of Gold
You
This Never Dies
Fear Of Snow
In The Drugs Don’t Kill You I Will
Her
(Organisation : Le Salon de Silly)
Enigmatique. Tel pourrait être le maître mot de cet album, à plus d’un titre. Un digipack sobre, noir et argenté, illustré en couverture par un visage cornu, mi-humain, mi-animal, apparaissant comme si on avait placé un morceau de papier au-dessus d’une pièce de monnaie et qu’on avait gratté la surface au crayon (vous avez certainement déjà appliqué cette technique…) Rien de plus : pas un titre, pas un nom de groupe ; seul apparaît indistinctement ce faciès démoniaque, au regard perdu dans le vide. Le contenu de l’opus est découpé en deux volets. Au lieu de lyrics ‘classiques’, on a droit à des chiffres et des lettres combinés, semblables à des localisations, peut-être astronomiques, vu que certaines se réfèrent aux astronomes Hevelius et Ptolemee. Ce n’est qu’en retournant le digipack que, pour la première fois, apparaît le patronyme du band. Il figure sur la gauche du tracklisting de l’elpee. Etonnant !
Maïeutiste est un combo français. Féminin aussi. Et son LP est éponyme (NDR : pour votre info –en résumé, il est vrai–la maïeutique, c’était un discours philosophique prôné par Socrate, destiné à faire prendre conscience à tout humain ce qu’il sait implicitement).
Il s’ouvre par une introduction certes familière au Black Metal : des distros aigues, lentes et froides mais néanmoins enrichies, dès le départ, d’accords de sèche. Une plongée progressive au sein d’un paysage brumeux. Cette intro est subitement stoppée en plein vol par un cri glauque et morbide, qui aurait pu émaner de la voix de Nocturno Culto (Darkthrone). Et le tout est souligné par un martèlement rapide de batterie et parcouru de lignes de guitares à l’arrière-goût épique. Bienvenue dans « Eveil », première partie cet opus. Le rythme se calme, commence même à languir. Des voix en arrière-plan, peut-être divines, envahissent à présent tout l’espace. On croirait presque assister à un retour de Bélénos, lorsque le combo hexagonal a entamé son aventure. Bien qu’indéniablement inscrit dans un registre Black Metal, Maïeutiste prend la liberté de récupérer çà et là des ingrédients d’autres courants du Metal ; comme lorsque des riffs thrashy amorcent « Reflect-Disappear », troisième plage du long playing. « Purgatoire » nous permet de quitter la planète afin de nous emmener au gré de cette piste atmosphérique vers l’inconnu, au rythme des tambours et des vocaux graves (tels des chants sacrés tibétains) avant d’être finalement hypnotisé par une guitare sèche répétitive. Une ballade dans le néant.
Les tambours s’emballent à nouveau. Tous les sons se mêlent, entraînant un rapide retour dans les enfers pour la seconde partie de cet LP, à juste titre baptisée « Chute ». Après avoir touché le divin du bout des doigts, des lignes de chants similaires à ceux d’Attila Csihar, vocaliste de Mayhem, nous ramènent au royaume des bannis, plus bas que terre. On navigue à l’aveugle, entre douces incertitudes et moments d’angoisse précipités. Vient « Absolution », démarrant par des parties de guitares entre jazz et blues, le tout sur un fond de batterie aux cymbales glaçantes, un bref moment de chaleur humaine précédant un retour haineux et déjanté, nourri d’un magma de cris et de distorsions. Une course folle qui poursuivra son rythme jusqu’au troisième volet de cette œuvre.
‘Elevation’, débute par un « Lifeless Visions » lent et mélancolique. Death, la voix semble sortie d’outre-tombe avant de rejoindre progressivement un choeur d’harmonies vocales célestes. L’ascension prend finalement fin et seuls quelques grincements de cordes occupent à présent l’espace, jusqu’à ce que la machine Maïeutiste reprenne finalement le dessus en un flot haineux. La pérégrination se poursuit tout en percussions et grattes acoustiques sur l’épique « Death to Free Thinkers », bénéficiant d’une clôture rock’n’rollesque jouissive.
Le troisième volet de cet LP est beaucoup moins noir que les deux précédents, achevant son envolée sur un tempo coloré de Blues. En guise de conclusion, les Français mettront fin à la vie du philosophe grec par un « Death to Socrates » de plus de dix minutes, évoquant agréablement un Gorgoroth de l’époque « Under the Sign of Hell », en moins raw mais plus recherché.
Cinq années ont été nécessaires à la conception de cet opus. Et ça se sent : chaque piste a été élaborée, malaxée et truffée de subtilités. Jusqu’à peut-être en faire… sa faiblesse. Au dam des uns et au bonheur des autres, ces compositions sont à réserver à un public familier du genre, apte à prendre le temps et la quiétude nécessaires afin de profiter pleinement de cette heure et quart de Black Metal, aux influences multiples et variées. Macérant au sein d’un climat qui oscille entre haine et noirceur terriennes, ce disque tend néanmoins vers une élévation spirituelle et divine, même si à en bout de course, elle s’avère aussi utopique qu’inaccessible. Un ovni pour quiconque écouterait cet album d’une oreille distraite ; mais de la matière à penser et à voyager pour toute autre personne qui pénétrera patiemment au coeur de cet espace construit, pierre par pierre, par Maïeutiste.
Sirius Plan et un trio féminin old school fondé en 2011. Il réunit une Belge et deux Françaises. Soit Gaëlle Mievis (B.J. Scott, The Banging Souls), Skye et Clare Joseph. La première est namuroise. La deuxième –blonde et sauvage– Normande (Caen). La troisième –brune et ténébreuse– toulousaine. Les filles se croisaient souvent lors de concerts et festivals. Une nuit, dans une chambre d'hôtel, elles décident de jammer jusqu'aux petites heures. Sirius Plan vient de naître…
L'album a été enregistré en Alabama, sous la houlette de Rick Hirsh, sur les rives de la Dog River, ce qui explique son titre. Gaëlle la Namuroise aime le rock poussiéreux et le blues issu des marécages du Bayou profond. Clare Joseph est fan de métal et de Tori Amos. Son style à la guitar box est très personnel. Skye possède une voix rocailleuse. Elle pense que du sang noir coule dans ses veines. Depuis sa plus tendre enfance elle aime le métal, mais aussi le blues.
La musique de Sirius Plan est à la fois lumineuse, élégante et instinctive, tout en conservant une taille humaine. Sans prise de tête. Une forme de folk/blues/rock capable de remuer les tripes. Les harmonies vocales sont particulièrement raffinées. Bref, un micro, trois voix, deux guitares et une batterie : la recette est simple et terriblement efficace. Et enfin, elles se débrouillent aussi bien dans la langue de Voltaire que celle de Shakespeare.
L’opus s’ouvre par une plage qui a précédé sa sortie, le délicat « Du Rose Dans les veines » (Si les mots sont des balles. Tue moi d'un 'je t'aime'). Une petite leçon de morale, qui proclame que l’amour est une solution universelle. « Plus Que Parfait » aborde les thèmes de la légitimité d'être. Chaque humain est ce qu’il est et ressent la vie suivant sa propre perception. Il possède sa propre personnalité et la défend. Quelques palabres en anglais introduisent « Interlude # Where Are Y'All From ? » ; et au bout de 30 secondes, le band attaque un des morceaux essentiels du long playing, « Old Man », une piste qui reçoit le concours du guitariste Rick Hirsch, également responsable du mixing et de la production.
Dévastateur, « Old Man » aurait pu être signé par Neil Young. Caractérisé par ses sonorités de grattes et ses vocaux savoureux, il a pourtant été composé par le trio. Sur la cover du « Big River » de Johnny Cash, c’est BJ Scott (NDR : elle veille sur les filles) qui s'arrache les cordes vocales, alors que Sirius Plan assure –et c’est un luxe– les chœurs. Nouvel intermède de 53 secondes baptisé « Interlude # Welcome To Veet's ! » qui précède « In The City ». La piste démarre unplugged, bénéficie de clappements de mains et s’achève par l’intervention d’une trompette à la fois sobre et séduisante.
Interprété dans la langue de Molière, caractérisé par son refrain accrocheur et magnifié par les 3 voix, « Là » vous incite à fermer les yeux afin de goûter pleinement cette pièce à la fois douce et visionnaire. Une guitare étincelante amorce « Being Is Beautifull », un des autres titres essentiels du long playing. Un futur single ? Un futur hit ? Il en a, en tout cas, le potentiel, même si c’est la plage la plus longue de l’LP. Nouvel intermezzo : « Interlude # 1975 », prélude à « Whish I Could », le nom d’une organisation caritative qui se consacre à la Louisiane. Le reflet du grand cœur des trois filles qui ont le souci du partage. « Interlude # Easy Ride » annonce « Sur Les rails », un autre excellent cocktail guitares/voix.
Un seconde reprise : « La Complainte de La Butte » –paroles : Jean Renoir, musique : Georges Van Parys– une vieille chanson que les filles parviennent à adapter en cassant littéralement les codes. Une belle réussite !
En ‘live’, le trio est épatant. Pas étonnant que Laurent Voulzy, Emmanuel Moiré et Louis Bertignac l’ont emmené en tournée pour assurer leur supporting act.
Dans le cadre de ‘Liveurope’, la première initiative paneuropéenne destinée à soutenir les artistes émergents, l’AB accueillait Tout Va Bien et Rebeka, ce mercredi 30 septembre. ‘Liveurope’ est un label de qualité européen attribué aux salles de concerts dont les critères d’excellence et de diversité déterminent la politique artistique. Coordonné par l’AB, ce projet est destiné à stimuler les jeunes talents issu du Vieux Continent, tout en leur permettant de se produire devant un nouveau public. Et c’est l’Ancienne Belgique qui en est l’organe coordinateur.
Rebeka est un duo électro réunissant Iwona Skwarek et Bartosz Szczesny. Il est issu de Poznan, en Pologne. Il a publié un elpee en 2013. Intitulé « Hellada », il a été consacré ‘album de l’année’ par Gazeta Wyborcza, journal musical local.
Blonde, Iwona porte de longs cheveux. Elle se consacre aux machines et aux synthés, ainsi qu’au mellotron et à la boîte à rythmes. Mais également à la guitare. Sur les planches, elle remue pas mal. Outre la basse, Bartek se réserve également les synthés. Ils se font face-à-face, de biais, par rapport à l’estrade, mais scrutent l’auditoire. Car l’estrade est étroite et guère extensible.
Le concert est sold out et toute la soirée, la foule sera invitée à danser. Les artistes sont heureux d’être là et prennent manifestement leur pied sur les planches. Les déhanchements d’Iwona sont sensuels. Cristalline, fraîche, spasmodique, l’électro-pop du couple accroche instantanément.
« Roksana » entame le show en douceur, avant que les sonorités électroniques finissent par s’imposer. Vocodée, la voix de Mrs Skwarek me fait penser à celle de Robyn. Caractérisé par sa mélodie et surtout son refrain contagieux (NDR : à siffloter sous la douche !) et imprimé sur un tempo rock, « Nothing To Give » met progressivement en exergue la voix fascinante et pétillante de Iwona. Son timbre est ample et chargé de nuances. Il est susceptible de se révéler tour à tour paisible ou explosif. Après « 555 » et « Into the Ground », les deux musicos changent d’instru. Iwona se consacre à la guitare et Bartosz à la basse. Ce qui n’empêche pas la musique d’être dynamisée par les beats électro. Le plus souvent propices à la danse. A l’instar de « Melancholia », qui déclenche pas mal de remue-ménage dans la fosse. Quant à « Fail », il est davantage marqué par l'école berlinoise. Après « Breath », « Stars » clôt le set. Excellent, et d’une durée de 60 minutes…
Tout Va Bien est le nom de scène choisi par Jan-Wouter Van Gestel. Malinois, il est âgé de 21 printemps. C’est en novembre 2012 qu’il crée la page Facebook de Tout Va Bien. Un patronyme que lui a déniché StuBru. TVB est un des trois finalistes de l'édition 2013 du concours 'De nieuwe Lichting', organisé par cette station radiophonique.
Il grave en single une version anglaise du « Ne Me Quitte Pas » de Brel. C’est son premier. Pour son deuxième, « This Fight », il reçoit le concours du producteur Arne Van Petegem (Styrofoam, The Notwist), une chanson taillée pour la bande FM ; elle va d’ailleurs squatter le Top 30 de l’émission ‘De Afrekening’, pendant plusieurs mois. Et même atteindre le Top10, cinq mois plus tard. Entre-temps, il part à Los Angeles, pour enregistrer son album. L’opus s’intitule « Kepler Star » (2015), titre inspiré d’une supernova dont l’explosion a brièvement illuminé l’univers, il y a cinq siècles. Le monde de l'espace l'inspire.
Il y a du monde dans la salle. Les parents de Jan sont également présents. Et il a accordé une interview à Musiczine, juste avant le set de Rebeka… Ce n’est pas le premier concert de Jan à l'Ancienne Belgique. Il y avait déjà assuré le supporting act pour Ozark Henry et Jessie Ware. En outre, il a écumé la plupart des festivals prestigieux en Belgique (Lokerse Feesten, Nuits Botanique, Rock Werchter, Pukelpop et bien d'autres). Et grâce à son talent, il va la représenter dans le cadre de l’Eurosonic qui se déroulera à Groningen. Un rendez-vous incontournable pour tous les programmateurs de salle de concerts et de festivals. Une sorte de marché européen de la musique.
Un grand calicot reproduisant la voie lactée sert de toile de fond. « Tall » ouvre le show. Jan siège derrière son piano. Ses doigts sont particulièrement agiles sur ses touches d’ivoire. Haut perchée, sa voix est vraiment particulière, mais elle charme. Très attentif et recueilli, l’auditoire semble plongé dans une sorte d’atmosphère mystique. « Sunrise » embraie au sein d’un même climat. Les quatre collaborateurs montent enfin sur l’estrade. Derrière ses fûts, le drummer se sert exclusivement de ses cymbales. Un moment empreint de magie. Les autres musicos rejoignent le podium. Le guitariste à droite, et derrière lui un claviériste/bassiste. Un deuxième claviériste, se plante à l’extrême gauche. Il est également préposé aux machines.
Jan quitte sa place et empoigne le micro pour le titre maître de son elpee, « Kepler Star ». L’ambiance baigne au sein d’une douceur feutrée. Les spectateurs boivent littéralement les paroles de Jan. Et quoique perçante, sa voix n’est jamais agressive. « Wake Up » est le moment choisi pour se réveiller. Pas brutalement, mais progressivement ; des riffs subtilement incisifs alimentant la fin de parcours. Place ensuite à sa cover du grand Jacques, « If You Go Away ». Et à la sauce Tout Va Bien, elle passe parfaitement la rampe…
Electro/pop, « Oklahoma Skies » est une compo atmosphérique. « Sometimes In Life » est enrobé de chœurs envoûtants. Jan bosse pour l’instant sur les compos de son opus. Il nous en propose, « Start The Fire ». C’est une exclusivité !
Et il fallait s’y attendre, l’incontournable « This Fight » achève le set. De quoi déclencher, dans la fosse, une irrésistible envie de danser collective. Tout Va Bien est à l’aube d’une grande carrière…
(Organisation : Ancienne Belgique).
Avec le soleil sortant de sa bouche (ALSSDSB) est un patronyme, ma foi, très original. Mais avant tout, c’est un collectif de musicos émanant du pays des caribous. Il réunit des membres issus de différentes formations, formule que le mythique label montréalais propose depuis pas mal de temps. ALSSDSB est donc une formation à géométrie variable qui existe depuis 2011. Jean-Sébastien Truchy (Fly Pan Am) et Sebastien Fournier en forment la charnière centrale. Et "Zubberdust!" constitue leur premier album.
Cet LP est divisé en deux longues pistes (« Face à l’instant » et « Super pastiche fantastique »), chacune découpée en plusieurs parties. Hormis la présence de quelques chœurs circonstanciels, l’expression sonore du combo est essentiellement instrumentale. Elle oscille entre post et math-rock. A contrario de ses compagnons de label, le combo canadien ne sombre ni dans le climat dépressif, ni dans le rock progressif. Tout au long de cet elpee, l’atmosphère est d’ailleurs radieuse voire enjouée. Les rythmiques sont presque dansantes et les tonalités des guitares ne sont pas noyées sous des tonnes d'effets. En outre, l’ensemble est judicieusement saupoudré d’électronique. Le résultat est particulièrement efficace. Pas besoin d’enchaîner les écoutes pour dompter « Zubberdust ! », la musique de ce band canadien vient à nous sans se faire prier. On ne va donc pas s’en priver.
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