Créé en 2008, Moonreich est le projet solo du Parisien Weddir. Et il nous propose son troisième opus studio, « Pillar of detest ». Un premier coup d’œil au (très bel !) artwork du digipack de cette œuvre ne laisse planer aucun doute : le Français s’inscrit corps et âme dans les méandres du Black Metal. La pochette, en noir et blanc, dépeint un homme encagoulé, siégeant sur un semblant de trône, entouré de lionnes et lions à l’aspect tout aussi fantomatique et vaporeux que leur maître. Le tout baignant dans un décor de ruine, absorbé par une nuit évanescente. Une impression de force et de puissance malsaines en émane, nageant entre réel et sublimation. Il en va de même pour les autres illustrations du triptyque composant ce digipack, où leurs interprétations peuvent se brouiller et s’obscurcir au fur et à mesure de l’écoute de l’album.
Réunissant huit morceaux s’étalant sur cinquante bonnes minutes, « Pillars of Detest » est divisé en deux parties (à en croire du moins visuellement la séparation signifiée à l’arrière de l’opus, entre les quatre premiers et les quatre derniers titres). « Ad Nauseam », la première plage de l’LP donne le ton : les froides distorsions dispensées en guise d’introduction laissent rapidement le relais à un rythme alternant entre passages atmosphériques plus lents et agressivité mordante de la double pédale, sur laquelle vient se poser la voix écorchée et caverneuse de Weddir. Une ambiance lancinante et polaire, toujours en alternance entre haine glaciale et profonde lamentation, qui constitue la trame de fond de la majorité des morceaux. Une alchimie qui fonctionne, accroche, mais souffre parfois d’une certaine linéarité, du moins tout au long de la première partie du cd.
La quatrième piste, « Sheïtan », amorce une transition atmosphérique et joue moins sur la fibre angoissante qu’énigmatique. Elle crée un pont vers le deuxième volet de l’œuvre. Désormais plus créatif et élaboré que le premier. Que les plus sceptiques se rassurent, le registre du Black Metal est toujours bien respecté. En témoigne la compo « All Born Sick », qui procure quelques respirations à la frontière de l’épique ou encore l’excellent « Freikops » dont le parcours de sept minutes s’engage dans une course effrénée emplie de rage et de haine, profitant de brefs moments de répit pour repartir ensuite avec encore plus d’intensité. Une poursuite effrénée qui s’achève, aux trois quarts de la plaque, par un plongeon abyssal aux milieux des limbes. Sans nul doute la pièce la plus intéressante de cet opus.
Les amateurs de Black Metal ne peuvent se tromper : Moonreich entre dans les clous. Mais c’est également là sa faiblesse, car le Français ne s’autorise que très peu de sorties hors des sentiers battus. Beaucoup de plages sont heureusement sauvées de la linéarité par des lignes de guitares froides et cinglantes, dessinant un certain relief en fonction des compositions. Une appréciation générale qui dépendra de la motivation du mélomane : si elle est basée uniquement sur l’envie d’écouter un bon disque de Black Metal, nul doute que « Pillars of Detest » aura de quoi le contenter. Si par contre, l’expectative se focalise davantage sur une découverte de nouvelles sonorités, le degré de déception risque alors d’être un peu plus élevé ; et d’en conclure par : ‘un de plus’. Des compositions donc de qualité, mais bien souvent sans grande prise de risques.
The Soft Moon est un projet monté par le multi-instrumentiste californien Luis Vazquez. Epaulé par le producteur Maurizio Baggio, il mêle depuis ses débuts en 2009, le post-punk et le psyché/rock, afin de proposer une musique on ne peut plus ‘dark’ et saisissante, à l’aide de sonorités électro ! Constamment ténébreuses et quasi tribales, les compositions évoquent une sorte de Depeche Mode déviant. Pourtant, « Deeper » constitue son elpee le plus accessible et ‘pop’ à ce jour ; même si cette œuvre demeure exigeante, abordant des sujets aussi joyeux que le suicide ou la paranoïa (‘Take me far away, To escape myself, I was born to suffer, It kills my mind, It kills me inside’ et autres joyeuseté du genre…). Entre électro-(quasi)pop 80’s (« Far », « Feel ») et krautrock gothique (« Wasting », « Deeper ») donc, The Soft Moon met en musique une claustrophobie dérangée avec une classe glaçante comme y parvenait Nine Inch Nails au sommet de son art. Lourde mais justifiée référence…
Apparemment impressionnant sur les planches, Luis Vazquez se produira dans la salle De Kreun à Courtrai, le 21 novembre prochain.
Ce chanteur est établi sur la côte Est des Etats-Unis, dans la région de New York. Il pratique le blues, le rock et la soul. Pour enregistrer cet opus, Jay a reçu le concours de son backing group ; en l’occurrence le bassiste Scott Spray, le drummer Tommy Nagy, le claviériste Matt Zeiner et le gratteur Andy Abel. Lors des sessions d’enregistrement, il a bénéficié de la participation de la Californienne Debbie Davies, une guitariste notoire…
Et elle tire immédiatement son épingle du jeu dès l’intro de "Ride till I'm satisfied", une compo de Walter Trout. Jay jouit d’une belle voix, dont le timbre soul colle parfaitement au répertoire. "I'm done" est imprimé sur un tempo guilleret. Préposé à la slide, Andy Abel, et l’autre gratteur, Jerry Goldsmith, y proposent quelques duels. Le rythme adopté sur "Tired of tryin'" est soutenu ; une composition signée par Johnny Winter. Kevin Totolan se consacre à l'harmonica et Debbie Davies aux cordes. Stollman est un disciple de l'albinos texan disparu ; il assure d’ailleurs le rôle de chanteur lors de la tournée du Johnny Winter Tribute Band. "Lonesome in my bedroom" est un titre signé Luther Guitar Jr Johnson (NDR : au cours des années 70, il a milité comme guitariste au sein du Muddy Waters Band). Un blues lent au cours duquel Matt Zeiner siège derrière les ivoires alors que Debbie démontre qu’elle a vraiment assimilé toutes les ficelles du style. Jay est au micro pour une excellente version d’"I'd rather drink muddy water", un classique écrit en 1936 par Eddie Miller. Soutenu par l'orgue Hammond et la guitare de Goldsmith, Stollman réalise sa meilleure performance sur la cover du célèbre "A change is gonna come" de Sam Cooke. Jay chante nerveusement le remuant "Pucker up Buttercup", un hit décroché autrefois par Jr Walker & The All Stars. Debbie y assure les chœurs. "Back to Memphis est un titre peu connu de Chuck Berry, un rock’n’roll au cours duquel Miss Davies respecte parfaitement l'esprit de ce style. Debbie et Andy Abel se partagent les cordes tout au long de l’exotique "Tumble". Une rumba ! L'album est intéressant de bout en bout. Du tracklisting, on épinglera encore le blues rocker "Can't slow down" et la cover du "Another night to cry" de Lonnie Johnson, au cours desquels Abel de montre très en verve sur sa slide. Les trois dernières plages sont des compositions personnelles. Tout d’abord le torride "Devil in disguise", enfiévré par l'harmonica de Tortolan. Puis le funky "Love me & leave me". Et enfin le morceau maître qui clôt le long playing. Une superbe ballade roots acoustique que dynamise Andy de son bottleneck…
De son véritable nom Ken Chester Kawashima, Sugar Brown est né de père japonais et de mère coréenne. Ses parents avaient émigré aux USA dans les années 60. Natif de l'Ohio, ce chanteur/compositeur est âgé de 44 ans et vit désormais à Toronto, au Canada. Il a accompli ses études à Chicago et c'est là qu'il découvre le blues, grâce notamment à Taildragger et Willie ‘Big Eyes’ Smith, le dernier batteur de Muddy Waters. C'est d'ailleurs le premier nommé qui va lui souffler son pseudo, dès 1992. Ken décroche ensuite son doctorat et enseigne l'histoire de l'Asie orientale. Ce n’est qu’en 2014 qu’il publie "Sad day", un opus très ancré dans le Chicago blues. Depuis son blues s'est diversifié. Pour concocter "Poor Lazarus", il a reçu le concours d’excellents musiciens dont Bharath Rajakumar, un harmoniciste notoire d’origine indienne qui drive, à Montréal, son Bharath and his Rhythm Four. Cet LP est inspiré par les récents événements à Ferguson, aux USA, lorsqu’un policier blanc a tué un noir. Sugar Brown avait découvert l’existence d’un très ancien blues datant de 1911, "Poor Lazarus", une compo qui racontait justement l'histoire d'un policier qui avait alors abattu un black, répondant au nom de Lazarus. L'histoire se répète.
L'album démarre fort par le "Walkin' with Frankie" du Texan Frankie Lee Sims. Un boogie blues primaire attaqué en format trio. La voix de Brown est assez agressive. Sa guitare très offensive. Art Maky dirige la manœuvre derrière ses fûts. Signé Sugar, "Meet me in the country" est très rythmique, proche de l'une de ses références majeures, Lightnin' Hopkins. Le tempo s’accélère pour "What a comrade left behind", une plage abordée en formule duo. La voix de Sugar est crue. Il joue de sa gratte en rythmique, pendant que Maky dynamise le tout de ses percus. L'étreinte ne se relâche pas. La batterie s’impose sur "Get behind the mule", une compo signée Tom Waits ; mais qui, hantée par le spectre de RL Burnside, semble descendre des collines du Mississippi. C’est ensuite le titre maître. Un événement tragique. Celui dont a été victime "Poor Lazarus". Le climat est angoissant. C’est un cri de colère face à cette injustice ! L'harmonica chromatique de Bharath entretient cette atmosphère sinistre. Remarquable blues indolent, "Blue lights Hooker" est illuminé par l'harmonica de Rajakumar. Et ce n’est pas sans émotion qu’il nous rappelle le grand George Smith. Ken chante en japonais "Tokyo Nagaremono". La musique est presque ‘moriconienne’ et une partie est sifflotée par Brown et son bassiste Joolyah Narveson. Bénéficiant de la participation du souffleur indien, son "Train sixty-four" nous plonge dans l'atmosphère du Chicago blues. "Burn it down" est un exercice de style réminiscent de Jimmy Reed. Et il est parfaitement réussi. Les guitares, dont celle de Bharath assurent le rythme ; et ce dernier cède son harmo à Brown qui souffle dans les aigus. Boogie primaire et rythmique, "Not your backdoor man" lorgne vers John Lee Hooker. Respectueux du blues traditionnel, Sugar Brown conclut par une version dépouillée et lugubre du "Weak brain and narrow mind" de Willie Dixon, une composition peu connue du maître. L'une des meilleures plaques de blues parues en 2015.
Son patronyme et inspiré du titre d’une pièce de Shakespeare. Pas étonnant, car cette formation yankee ne fait ni dans la demi-mesure ou la discrétion ; mais plutôt dans la passion, l’emphase et la démesure… Et ce n’est pas « The Most Lamentable Tragedy », son nouvel opus (NDR : c’est son quatrième, et il propose 29 morceaux et 93 minutes !) qui changera la donne ! Drivé par le pas très net Patrick Stickels, elle a choisi un titre de disque tout aussi dérangé pour cet opéra rock qui traite de la dépression, un mal dont le musicien souffrirait lui-même… Ambitieux, ce projet reflète, tel un miroir musical, sa maladie à travers ses bas (« The Fall ») et ses hauts (« Look Alive ») dans ce style si caractéristique plus ou moins proche des premières œuvres lyriques de Bright Eyes (« Lonely Boy ») ; ou alors manifestant une fougue punk inextinguible (« No Future Part IV : No Future Triumphant ») voire un esprit pub-rock celtique (« More Perfect Union »).
L’elpee est partagé en 5 actes au cours desquels le ‘héros’ se bat contre cette déprime tout en cherchant à conquérir une femme répondant au nom de ‘Siobhan’. Une évidence : cet opéra punk semi-christique est emporté par la fougue de Titus Andronicus ! Alors, si un elpee d’une telle longueur trahit quelques moments plus creux (« Funny Feeling »), il réussit surtout à passionner le plus souvent (« Fired Up », « Fatal Flow ») ou à surprendre ; et notamment lors des reprises étonnantes de Daniel Johnston (« I Lost My Mind ») ainsi que des Pogues (« A Pair of Brown Eyes »), quand il ne bénéficie par des arrangements de cordes d’Owen Pallett. Titus Andronicus a concocté une œuvre unique, bordélique, dense, superbe et ‘borderline’ ! Un groupe décidément hors du commun… très loin des standards radiophoniques ou des tubes éphémères.
Plus d’une bonne raison pour aller découvrir cette formation le 19 novembre prochain, à Opwijk, dans le cadre du festival ‘Autumn Falls’…
Mike Vernon est avant tout producteur. Il est aujourd’hui âgé de 70 balais. Au cours des 60’s, il était devenu un véritable moteur du blues anglais. Ainsi, dès 1966, il produit le fameux album "Bluesbreakers with Eric Clapton" de John Mayall avant d’embrayer par "A hard road", "Crusade" et "Blues for Laurel Canyon". Il a également mis en forme des long playings de grands noms du British Blues Boom : Fleetwood Mac, Chicken Shack, Savoy Brown et Ten Years After ; mais également les premiers de David Bowie. C'est aussi Mike Vernon qui a fondé le label mythique Blue Horizon, en 1965. Mike a gravé deux albums personnels : "Bring it back home" en 1971 pour Blue Horizon et "Moment of madness" en 1973. Plus de quarante années plus tard, il publie ce nouvel opus, soutenu par un groupe espagnol baptisé Los Garcia et impliquant deux gratteurs, un bassiste et un drummer. Au menu, quatorze reprises dont une majorité de classiques du blues, du R&B et du rock'n'roll. En fait, cette œuvre rend en quelque sorte hommage à une musique que l'artiste a toujours vénérée. Mike n'a pas une voix inoubliable, mais ses musicos ibériques sont loin d’être des manchots. Les sessions d’enregistrement se sont déroulées au sein du studio Antequera, en Andalousie.
Le "Kansas City" de Leiber & Stoller est une bonne entrée en matière. Quique Bonal se consacre aux cordes. Une atmosphère boogie jump baigne "All by myself". Interprété à la manière de Fats Domino, ce titre met en exergue Juan Ramon Veredas, très en verve, aux ivoires. Roscoe Gordon avait décroché un hit pour "Just a little bit", au cours des fifties. Excellente, la nouvelle version met en exergue Kid Carlos Moreno à la guitare et Javier Magallanes au saxophone. "Seventh son" est un blues issu de la plume du grand Willie Dixon. Quique Bonal y brille à la gratte. "Hot Little Mama" rend un autre hommage à Johnny Guitar Watson. Et c’est Gabi Robledo qui se distingue à son tour, aux cordes. Le blues lent n'a pas été négligé. A l’instar du "Black night" de Jessie Mae Robinson, souligné par le piano de Juan Ramon Veredas, le "When things go wrong with you" de Tampa Red, par le kazzo de Mr Vernon et le "Please send me someone to love" de Percy Mayfield, par les remarquables interventions de Kid Carlos Moreno à la six cordes. Parmi les plages qui déménagent le mieux, on épinglera encore "I'm shakin'" et "All around the world", deux hits décrochés par Little Willie John, et en finale, "Shake rattle and roll", caractérisé par la présence des frères Robledo aux grattes. Mike Vernon est un véritable passionné ; il partage sa vie entre Anetequera et Londres où il se produit en compagnie d’un band constitué de remarquables musiciens anglais, The Mighty Combo.
Personnage énigmatique, Black Yaya se cache sous un redoutable maquillage clownesque. Et pourtant, il ne s’agit que de David-Ivar, le co-leader de la bande franco-suédoise, Herman Dune ! Alors qu’André, son ex-comparse, se focalise sur projet Stanley Brinks, il s’est également résolu d’embrasser une aventure solo… Il a cependant décidé de polir légèrement son ‘son’, afin de le rendre moins lo-fi et mieux produit. Il en résulte une sorte de pop/folk magnifié par sa voix bringuebalante à l’accent plein de charme. Et l’elpee regorge de singles. Ainsi, « Flying A Rocket » libère un groove excitant. « Under Your Skin » jouit d’un sens mélodique contagieux. L’excellent « Vigilante » est parcouru par des guitares mariachi. « Gimme a Gun » est une perle croonée. « Save Them Little Children » baigne au sein d’un climat mélancolique. Bref, pas le temps de s’ennuyer… Si les claviers cèdent souvent le relais à la sèche, l’harmonica est toujours omniprésent ! Mais finalement, il n’y a guère de différence par rapport au répertoire d’Herman Dune (« Watchman »). Et pour notre plus grand plaisir ; car les disques du groupe parisien se sont toujours avérés tellement enthousiasmants… Néanmoins, et c’est une évidence, à travers Black Yaya, David-Ivar n’a jamais été aussi proche de l’univers ludique, fun et décalé de Jonathan Richman…
Par un dimanche ensoleillé, votre serviteur se rend chez Dominique Fronville. Il a généreusement prêté sa propriété pour un spectacle ‘Cerises’. Un concert de 60 minutes, en appartement. La propriété est vaste, les musiciens occupent la terrasse. Tout au plus 40 spectateurs sont installés dans le jardin. Cinq mètres séparent les artistes du public. Une proximité qui rend le spectacle plus feutré et intimiste. Frédéric Bulté (http://soireescerises.over-blog.com/) est le responsable de cette judicieuse initiative.
L'entrée est gratuite. Il suffit de s'inscrire par e-mail, d’apporter sa chaise, sa bonne humeur, son sourire, ses boissons et un billet pour le chapeau qui circulera après le spectacle et constituera le cachet des artistes. Une formule, ma foi, qui tient parfaitement la route...
Franco-bruxellois, Beautiful Badness est drivé par Gabriel Sesboué. Prof de chant, il se consacre tout naturellement aux vocaux. Il est soutenu par Olivier Delescaille à la gratte acoustique et électrique, Gilles Servais aux drums (NDR : il est assis sur un cajon !) et Antoine Guenet aux claviers. Sans oublier une petite nouvelle qui vient d'intégrer le groupe, Raphaëlle Germser, préposée à la basse et au violon. Elle apporte une touche féminine à un ensemble, exclusivement mâle jusqu’alors.
Beautiful Badness profite de l'occasion pour tester les nouveaux morceaux de l'Ep « Many Years ». La sortie de ce disque est prévue le jour de la ‘Release Party’ ; soit le 15 octobre 2015, à la Rotonde du Botanique. En outre, la formation assurera le supporting act de la tournée de Birdpen (NDR : le projet solo de Dave Penny, le chanteur d'Archive). Après avoir salué son auditoire, recueillant ainsi les premiers applaudissements, les musicos se plantent derrière leurs instrus et Gabriel le micro. Curieux, ce dernier n’a pas ôté ses chaussures et ses chaussettes, comme lors de son set accordé en première partie de Fuel Fandango. Faut dire que ce jour là, il avait été victime d’un racket ‘shoes and socks’ (NDR : très rock’n’roll, cette expression !)
« Elder's Choir », le premier morceau, est attaqué sous forme de polyphonie vocale. Seuls quelques accords de piano soutiennent Gabriel. Un départ tout en douceur. « I Will Hunt You Down » est un nouveau titre. Les ivoires balisent l’ensemble. La voix de Gab est emphatique avant qu’elle ne monte dans les aigus. La mélodie accroche instantanément. La sèche s’emballe. Manifestement, les orchestrations s’inspirent de la musique symphonique.
Pour « It's Hard To Do It », Gab empoigne sa sèche. Il est à nouveau épaulé par le piano. « Wasting Your Time » c’est le titre maître du premier Ep. La voix de Gabriel s’envole à la manière de Freddie Mercury. Les grattes s’emballent. S’il n’y avait la musique, on pourrait entendre les moustiques et les libellules voler.
Pas de « Slipping Away » électrifié, mais unplugged. Ce qui permet, à nouveau, de bien mettre en exergue les vocaux de Gabriel qu’il utilise comme un instrument. Il se désaltère et met son micro très près de ses lèvres, un peu comme s’il allait déguster un glace. Et sa voix vous fait fondre, comme si elle restait au soleil. Il aborde alors « Run », un hit qui a permis au combo de se faire connaître. Cajon et ivoires, sont au diapason. Raphaëlle est particulièrement efficace à la basse. Gabriel siège derrière les claviers et déverse son miel sonore dans vos oreilles. Derrière ses lunettes, Gilles ferme les yeux et semble apprécier le moment. L’auditoire aussi. Place ensuite à la deuxième chanson proposée sous le format piano/voix : « The Time ». Un format au sein duquel Gabriel excelle également.
Après avoir fait un peu de promo pour le merchandising et le show programmé à la Rotonde, le combo embraie par « A Sunny Morning », le single qui a précédé le second Ep, paru en janvier 2015. Presque a capella, la compo est magique. Gabriel reprend sa gratte. Raphaëlle troque sa basse contre le violon. Antoine est préposé au banjo. Pas de cuivres cependant pour ce classieux « Many Years », un morceau vraiment épatant (NDR : un single potentiel !) Le timbre de Gabriel remonte dans les aigus sur « Tonight », une superbe chanson. On se croirait à l'opéra (NDR : le spectre d’Andréa Bocelli plane).
En finale du rappel, Beautiful Badness nous réserve une remarquable version du « We Will Rock You » de Queen (NDR : c’est rituel !) ; et à cet instant c’est le fantôme de Freddie qui se met à rôder…
Pendant ce concert, j’ai parfois eu l’impression de me retrouver au sein du chœur d’une chapelle ; à moins que ne soit au Théâtre Royal de La Monnaie.
Alors imaginez, le chapeau était rempli de pas mal de billets bleus, après avoir passé par les mains des spectateurs. Preuve que le set était excellent.
(Organisation : Les Soirées Cerises - Frédéric Bulté)
Votre serviteur débarque pour la première fois au Zénith de Lille. Une salle à taille humaine, malgré sa capacité de 7 000 places. Un endroit très accessible à atteindre en voiture. Tout comme le parking. Comme conseillé par le rédacteur en chef néerlandophone, je stationne mon véhicule sous le Grand Palais, situé à moins de 5 minutes, à pied. La rumeur colporte que le public français est froid. Nos amis et cousins nordistes sont bien loin de l’être ; ils sont même sympas et chaleureux. Lorsque vous vous adressez à un voisin, dans l’arène, il vous répond gentiment : ‘T'es Belge, toi, t'as un accent’.
Ghost Culture aka John Greenwood assure le supporting act. Il porte de longs cheveux et se produit seul sur l’estrade. Il se sert d’un laptop, de machines, d’une boîte à rythmes et de synthés. Insulaire, cet artiste vient de publier en 2015, un album éponyme, « Ghost Culture », dont il va nous proposer quelques extraits. Sa voix me fait penser à celle de Gary Numan, le chanteur charismatique de Tubeway Army, un personnage qui avait fait des ravages au sein des clubs électro et dancehall, pendant les années 80. Les beats sont parfois spasmodiques, comme chez Orchestral Manoeuvres In The Dark (OMD). Ou précis et métronomiques. A l’instar de Metroland voire Kraftwerk. Une chose est sûre, la scène berlinoise hante sa musique. Le retour parmi les premiers rangs est conséquent. Même que certains aficionados commencent à mettre le souk. Bref, un artiste à suivre de près.
Christine and The Queens, c’est le pseudo d’Héloïse Létissier. Elle est née en 1988, à Nantes. En 2014, son premier opus, « Chaleur Humaine », rencontre un succès certain. Il a été enregistré sous la houlette d'Ash Workman (Metronomy, Klaxons, Summer Camp) et est nominé à cinq reprises, lors des Victoires de la Musique 2015. Elle y décroche 2 récompenses, dont celle de l'artiste/interprète féminine de l'année.
Et il faut reconnaître qu’elle en a parcouru du chemin, depuis 18 mois. Au fil des concerts, elle se produit au sein de salles de plus en plus grandes. Elle avait accordé un show remarquable à l'Orangerie du Botanique, puis un autre exceptionnel au Cirque Royal. Elle opère une tournée des ‘Zénith’ dans l'Hexagone qui transitera par Forest National le 2 octobre prochain.
Christine affiche un look androgyne à la Bowie et porte un costume de scène de couleur noire et de coupe masculine. Elle est accompagnée par 4 danseurs et trois musicos, dont un préposé aux synthés, un autre à la boîte à rythmes et un gratteur qui se charge également des backing vocaux. L'intégralité du concert sera filmée.
Le set s’ouvre par « Starshipper ». Des lumières bleues se focalisent sur les danseurs –qui se contorsionnent– et Christine, dont les déhanchements sont endiablés. Le light show émane également du plancher, entre les trois musiciens. La fin de la chanson est accueillie par un tonnerre d'applaudissements. Christine salue le public de Lille et déclare qu’il s’agit d’un grand début de concert. Manifestement ravie, elle s'adresse toujours à lui, en utilisant la seconde personne du singulier. Son 'Tu' est renversant.
Des beats électro dynamisent « Half Ladies ». Sur l’écran, en arrière plan, elle apparaît tout de blanc vêtue. Elle exécute alors des pas de danse inspirés par Michaël Jackson (NDR : les mauvaises langues diraient Fred Astaire…) Le décor change ; enfin surtout l'écran. Il devient rouge et est entouré de 14 néons jaunes et verticaux. Flanquée de deux danseurs, elle opère un petit retour sur l'estrade rétroéclairée, destiné à accomplir un autre petit pas de danse sur « Science Fiction ». Lorsqu’elle revient au bord du podium, elle est talonnée par deux des danseurs, le troisième demeurant en retrait. Elle interprète ensuite trois morceaux dans la langue de Shakespeare : « Save And Holy », « Here » et « No Harm Is Done ». Très yankee, ce dernier déchire, mais ne figure pas sur le long playing. Deux rangées de néons bleus éclairent la diva qui passe et repasse, entourée de ses danseurs. Le show est magique, fabuleux même.
La voix masculine enrichit le « Pump Up The Jam » de Technotronic et « Short Dick Man » (NDR : une compo signée par 20 Fingers). Il s’agit de celle du rappeur américain Tunji Ige. Et le résultat est terriblement dansant. Il incite même les spectateurs dans la fosse à se remuer le popotin et le bas des reins.
Avant d’attaquer « Christine », elle confesse que ce prénom, elle l’a choisi pour le ‘live’. Et elle s’adresse alors à l’auditoire en lui demandant : ‘Et toi public, nommetoi !’ Dans une belle cacophonie, les spectateurs crient donc le leur. Alors imaginez 7 000 personnes en même temps. Complètement fou ! Mais également le résultat d’une belle communion entre l'artiste et le public. Des néons tour à tour rouges, bleus ou oranges descendent du ou montent vers le plafond, suivant les morceaux. Ils magnifient le spectacle.
Pendant le « Who Is Hit » de Michael Jackson, les lumières éclairent Christine par l'arrière. Sa chorégraphie s’en inspire encore et toujours. (NDR : c’est quand même une fan !) En poussant le bouchon, on pourrait même affirmer que l’élève a surpassé le maître. Elle et ses danseurs sont omniprésents sur l’estrade.
Lorsqu’elle aborde « Intranquilité » et « UglyPretty », elle s’assied sur les planches, au milieu des fumigènes. Pendant « Chaleur Humaine », titre maître de son LP, elle empoigne un bouquet de fleurs et parcourt la fosse à la rencontre de son public, tout en continuant à chanter. Elle le remercie et lance une vanne : ‘Vous n'avez qu'à suivre le bouquet et ce que tout le monde fait’. Un moment fort qui marque la fin du concert en compagnie de quelqu’un qu'elle apprécie et décide de baptiser « Saint Claude ». Habillée d'une veste immense, elle adapte brillamment le « Paradis Perdus » de Christophe. Fin du spectacle…
Enfin, pas tout à fait, car un rappel est accordé. Avant d’aborder « The Loving Cup », elle déclare penser à Beyoncé, Rihanna et Elton John. Et d’achever les 90 minutes de show par le splendide « Nuit 17 à 52 ».
Chaque nouveau concert de la diva est une véritable performance musicale, visuelle, théâtrale et chorégraphique. Un spectacle à l’américaine, réglé comme du papier à musique, qui s’appuie sur un light show impressionnant. Héloïse, les stades t'ouvrent les bras, car ton public t'adore…
(Organisation : Vérone Production + Corida)
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On rencontre peu de comptes-rendus de concerts qui se sont déroulés dans la Zone, sur Musiczine. Et pourtant, située outre-Meuse, cette salle détient probablement le record de longévité de la région, puisqu'elle affiche bientôt 25 années au compteur sous sa forme globale actuelle. Et peut-être que parmi vous, certain(e)s se souviennent de ses débuts pour y avoir passé des soirées tumultueuses au son de groupes qui s'y produisaient dans un registre alors majoritairement punk/hc/crust ou du style.
Depuis lors, beaucoup d'eau a coulé sous les ponts et la programmation s'y est bien élargie au gré des collectifs extérieurs qui y contribuent. Ainsi peut-on maintenant y voir de temps à autre des formations qu'on aurait plus difficilement imaginé s'y produire à l'époque –encore que si le collectif les Fruits de la Passion vous rappelle quelque chose... – telles que Rome, ce quatuor luxembourgeois apparemment déjà culte bien que découvert tout récemment par votre serviteur.
C'est en effet à la faveur d'un mix déniché sur Youtube que je suis tombé sous le charme de ce projet mené par Jérôme Reuter et dont les influences assez larges embrassent aussi bien le néo folk (cher aux bands tels que Death in June et consorts) qu'une certaine cold wave romantique (NDR : pensez à And Also The Trees) ou encore le spleen que l'on peut retrouver chez des artistes comme Tindersticks. Mais si ces références valent pour les enregistrements studio du groupe qui sont légion –8 albums et une flopée de singles et Ep's en une dizaine d'années– en ce qui concerne le live, la donne est sensiblement différente.
En tout cas j'ai eu du mal à retrouver la richesse de l'univers musical dans lequel m'avait plongé l'écoute de ce mix probablement constitué d'extraits judicieusement sélectionnés de leurs différentes œuvres, le quartet ayant choisi (pour ce set en tout cas) de se concentrer sur des morceaux plutôt pop-rock acoustique à tendance sombre.
Sous un format basse/batterie/clavier/guitare/chant, le combo va donc égrener un répertoire de compositions calmes et léchées qu’on qualifiera de ballades maritimes, à défaut de mieux! Ayant patiemment attendu que le concert décolle un peu, j'ai fini par décrocher et suivre l'action d'un peu plus loin...
Et il m'a bien semblé que les événements suivaient leur cours sans que les vagues ne gagnent en ampleur ni que le tangage s'intensifie ; ces matelots n’ayant probablement pas pris le risque de vous donner le mal de mer et encore moins mettre leur embarcation en péril.
Vous l'avez compris, je n'ai pas ressenti le grand frisson durant cette traversée en eau douce assurée de main de maître par un équipage très pro et rôdé à la tâche, mais manquant tout de même un peu de ressac et de surprises. Le public en revanche –composé de fidèles initiés rassemblés près de la scène– n'a pas davantage boudé son plaisir un instant, applaudissant avec enthousiasme et régularité et demandant moult rappels. Peut-être aurait-il fallu être de ceux-là pour partager la passion qui m'a manqué durant ce spectacle ?
(Organisation: Jungle Booking & Theme La Zone)
Quatre longues années que le nouvel opus de Taïfun est attendu. Soit depuis la sortie de "Trondheim". Pour ceux qui l’ignorent encore, cette formation appartient au substrat du label indie liégeois, Honest House. A l’instar de Frank Shinobi (NDR : des compagnons d’écurie), il a créé un son particulier, immédiatement identifiable, directement influencé par Reiziger (NDR : des Belges !), Modest Mouse et Motorspycho. Pour la petite histoire, il faut savoir que "Taïfun" est le titre d’un morceau du célèbre combo norvégien.
Pour enregistrer « Of coyotes and men », Taïfun a reçu le concours d’une connaissance, en l’occurrence Julien Conti (NDR : membre du regretté Casse-Brique, mais aussi de Mambo). Derrière les manettes. Le climat général de l’opus ne baigne pas dans la joie de vivre. Il macère même dans une atmosphère ténébreuse. A l’instar de l’excellent « Oh ! Captain ».
Dès « MasterFuck », piste qui ouvre l’LP, on retrouve le son si caractéristique du band. Ebréchée, la voix du chanteur est souvent soulignée d’harmonies vocales, et balayée par des cordes de guitares torturées ou authentiques, une expression sonore constamment mise au service de la mélodie. Les morceaux se chargent parfois d’accès plus noise, lorgnant même vers le math/rock, comme « Built to Spill ». Et pour rendre l’ensemble plus hétérogène, le combo nous réserve deux plages instrumentales, dont un « Bouba » enflammé par un saxophone…
En quatre années, le combo principautaire n’a pas vraiment changé de style. Il l’a approfondi. « Of coyotes and men » constituera certainement un des albums indie rock ‘noir-jaune-rouge’ de l’année. Un souhait ? Que le band se produise bientôt en concert !
Surprise en pénétrant au sein de Forest National, la salle a été rénovée. Les vieux fauteuils de couleur orange ont été remplacés par des flambants neufs. C'est la sixième fois que j’assiste à un spectacle de Mika ; et chaque fois, il est différent. Ce phénomène nous communique de bonnes vibrations dans les oreilles et nous laisse des étoiles plein les yeux. Pas de paillettes ni de confettis, cependant ce soir. Si tu souffres de rhumatismes, le kiné Mika te remettra sur pied. Si tu es cardiaque, il soignera ton cœur. Bref, un show de Mika vous permet d’oublier les tracas de l’existence, pendant 120 minutes. Rien que de l’émotion, du rire et surtout du bonheur…
Sur la gauche du podium on remarque la présence d’une caravane vintage. C'est une invitation au voyage dans l’univers de Mika. Mais tout d’abord, place au supporting act, Citizens. Un quintet londonien réunissant Tom Burke, Lawrence Diamond, Mike Evans, Martyn Richmond et Thom Rhoades. Fondé en 2012, le groupe a été repéré par Alex Kapranos, le leader charismatique de Franz Ferdinand. Il tombe sous le charme de leur musique et décide de produire leur album, « Here We Are », qui paraît en mai de la même année.
Tom, le chanteur, s’exprime parfaitement dans la langue de Molière. Derrière lui, deux toms basse sont posés aux pieds d'un guitariste et d’un bassiste. Le drummer s’est planté à l'extrême droite, de biais. A gauche un claviériste/guitariste est coincé près du timon de la caravane.
La formation est venue défendre son dernier elpee, « European Soul », paru en avril 2015 (NDR : lors des sessions d’enregistrement, Laurent D'Herbecourt, responsable de la mise en forme du dernier opus de Phoenix, était derrière les manettes).
Citizens assure donc la première partie de la tournée européenne de Mika, baptisée ‘European Heaven Tour 2015’.
Le set s’ouvre par un morceau dynamisé par un flot de percus. Les accords de grattes sont léchés. Les arrangements ‘beatlenesques’. Et le tout est épicé d’un zeste d’électro. La voix de Tom est perçante, mais harmonieuse elle colle parfaitement aux mélodies soignées et accrocheuses. Burke est également très proche du public. Un futur grand entertainer ! Quant à la musique, outre les références aux Fab Four susvisées, elle se veut dansante, à l’instar de Franz Ferdinand voire des Arctic Monkeys. Un groupe à suivre de très près…
(Set list : It was Idiots, Lighten Up Reptile, Brick Wall, Are You Ready, Caroline, True Romance)
Forest National est sold out pour accueillir Mika. C’est la seconde fois qu’il s’y produit. Mais il s’agit de sa première grande salle en Europe pour ce nouveau périple. Le public est impatient de participer à la fête. Et ce dernier va rappeler cette invitation, à plusieurs reprises.
Dès l’entame, il marque des points : 'Plus Loin que la lune. Plus loin que le ciel. Plus loin que l'arc-en-ciel', les paroles de la petite intro sont percutantes. Et elle se poursuit par un melting pot constitué d’extraits du répertoire de Judy Garland (« Somewhere over the rainbow » a été popularisé par cette chanteuse, un titre signé Harold Arlen/E.Y. Harbug, dans les années 30), de Prince (« Purple rain »), de Luis Mariano, d’Aznavour et de Juliette Gréco. Une ouverture qui frappe déjà les esprits. Les lumières des Smartphones brillent de mille éclats. La salle ressemble à la voie lactée. Magique ! Et la setlist (NDR : 21 titres quand même) d’embrayer par le morceau maître du dernier LP, « Heaven », moment au cours duquel des leds de teinte rouge/orange descendent du plafond.
Mika est coiffé d’un chapeau et vêtu d’un imperméable de couleur noire. Il s’installe devant la caravane, sur laquelle se sont focalisées des lumières blanches. Il attaque seul au chant, « No Place In Heaven », en s’accompagnent uniquement de quelques accords de piano. L’auditoire acclame cet exercice de style presque a cappella. Mika le salue, ôte son couvre-chef et jette son ciré. Il est alors tout de blanc vêtu. L'avant de la caravane se déploie et laisse apparaître un harmonium. Au dessus de celle-ci s’illumine (NDR : encore des leds !) le mot 'Paradise'. Mika s'accroupit et mime devant l'instrument. Il se retourne plusieurs fois vers la foule et grimace. Fou rire général. L'harmonium s'emballe. L’artiste fait à nouveau face à l’audience pour saluer le public en 5 langues et présenter « Big Girl (You Are Beautiful) ». Le tracklisting fait la part belle au premier long playing, « Life In Cartoon Motion », une machine à hits qui lui a permis d’acquérir une notoriété certaine, en Belgique. D’une durée de 6 minutes, cette compo est à la fois festive tout en exerçant son charme. Parfois, cependant, elle suscite une forme de délire, dans la fosse. Mika s'arrête 120 secondes, interpelle les spectateurs, leur demande de devenir féroce, de fermer les yeux et de penser aux gladiateurs. Le refrain est alors repris en chœur par l’ensemble de l’auditoire qui ne fait plus qu’un avec lui.
A partir de « Good Wife », il est soutenu par le quintet. Le même que dans le cadre des Lokerse Feesten, fin juillet dernier. En retrait, on remarque –à nouveau– la présence d’une charmante percussionniste. Sans quoi le line up implique trois claviéristes, dont deux doublent aux guitares et un à la basse. Sans oublier le gratteur soliste (également préposé aux cuivres). Le déhanchement de Mika est ravageur. Les bras se lèvent. La fosse est brûlante. Y a-t-il des pompiers dans la salle ? Les spectateurs dans les gradins semblent apathiques. C’est là que votre serviteur est installé. Il aurait préféré l'ambiance de la fosse, plus chaleureuse et instinctive.
Le début de « Grace Kelly » est exécuté au ralenti. Mika signale qu'il a un peu grandi et va tout décélérer. Mika éclate de rire et joint le geste à la parole. Il ajoute que la durée du concert sera de 4 heures. On baigne encore et toujours dans le délire…
Il avoue ses 32 balais. Qu’il a vieilli, mais bonifie comme un Pétrus. Il sent qu’il prend de l’âge et proclame : 'Pour annuler les années. Une seule solution : la danse’. Les plages du premier elpee défilent (« Billy Brown » « Lollipop » « Love Today », sans oublier « Relax, Take It Easy », « Grace Kelly » et « Happy Ending »). De quoi maintenir l’auditoire au sein d’un climat de folie et d'effervescence. Des percussions ibériques agitent « Boum, Boum, Boum ». Mika est dos au public et se déhanche. Il interprète cette belle chanson d’amour dans la langue de Voltaire. Moment choisi pour faire vibrer les cœurs. Au cours de ses 120 minutes de prestation, il va d’ailleurs en chanter d’autre en français ; « L'Amour Fait Ce Qu'Il Veut », « Staring At The Sun (Tant Que J'ai Le Soleil) », « Elle Me Dit » et « J'ai Pas Envie ».
Sur l’estrade, le décor est magnifique. Lors du premier volet, la caravane avait déployé ses ailes pour dévoiler un cadre de rêve. Lors du second, il est illuminé par une boule à facettes ; mais surtout révèle une toile dessinée par Mika et l'Anversois Job Smeets. Un travail qui leur a pris 5 semaines. En fin de parcours, Job est d’ailleurs invité à monter sur les planches pour participer à l’interprétation de « Love Today ». Humble, cet artiste pose une fesse sur un siège minuscule, à côté de Mika. Ce dernier se consacre alors aux claviers et lui au tambourin basque à cymbalettes. Avant que le morceau ne s’emballe.
Tout au long du spectacle on sent qu’une grande complicité existe entre Mika et ses musicos. Mika mouille sa chaise, tout en préservant une élégance bien insulaire. Il manifeste énormément de respect pour son auditoire. En visionnant la vidéo du concert de Mika au Zénith de Lille, accordé deux jours plus tôt, il appert que celui de Forest était tout spécialement taillé pour le public belge.
« Love Today » termine le show. Mais ce n'est pas fini. En rappel on aura encore droit à « Last Party ». La troupe s’est livrée à fond pendant deux heures. Et la foule lui a bien rendu. Mika remercie ardemment le public belge. Il précise même que la Belgique est une terre d'accueil pour lui. Et j’ai envie de lui répondre : ‘Et toi, l'artiste, du pain béni pour le rêve’.
(Organisation : Live Nation)
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Depuis quelques années, les Nuits du Soir ont élu domicile à l’Orangerie et à la Rotonde du Botanique. Il s’agit déjà de la onzième édition. De nombreux artistes internationaux s’y sont déjà produits. Mais aussi belges. Dont Antoine Chance. Dans le cadre de Mons 2015, elles se sont également déroulées à l’Alhambra. C’est une première. En outre, tous les regards et toutes les oreilles sont tournés vers Baptiste Lalieu. Pas étonnant, car c’est un régional. Il va se produire au sein de son nouveau projet, Gonzo. Et puis Nicola Testa, la nouvelle sensation électro/pop, est également de la partie…
Par rapport au Bota, la configuration de l’affiche a été sensiblement modifiée, puisque si à Bruxelles Nicola servait d’apothéose, ce soir, il est programmé avant Gonzo, alors que le final est assuré par la belle Isolde. En aparté, le responsable m’a confié qu’il n’était pas aisé de goupiller l’ordre de passage d’autant de groupes, quand il n’existe qu’une seule scène. Bonne nouvelle, des aménagements performants ont été apportés à l’acoustique de la salle.
Le premier artiste à grimper sur l’estrade est un poulain de Black Gizah, le label de Kid Noize. Et le Kid figurait au sein de l’auditoire. Incognito. Vous ne l’avez pas reconnu ? Normal, sur les planches, il est toujours masqué. Je n’en dirai pas davantage. Mustii ouvre donc le bal. Il s’agit du chanteur du groupe bruxellois Seek The Duke.
Agé de 24 printemps, le gamin est diplômé de l'IAD, section théâtre. Et bien évidemment son show est particulièrement marqué par sa discipline. Mustii se consacre au chant. Il est soutenu par Grégory à la guitare et aux claviers ainsi que Nicolas aux percussions électroniques et aux machines. Sur le podium, Mustii ne reste jamais en place. Perçant, son regard vous hypnotise. Marqué par la musique électro des eighties, son style évoque tour à tour à Dave Gahan, Visage ou encore OMD. Il a publié son premier Ep fin de l’année ; et ce soir, en a interprété son hit « The Golden Age ». Une excellente prestation…
Changement de matos pour accueillir le combo bruxellois, The Panties. Le band a publié un premier Ep, « Here And Now », sous forme de vinyle. Sophie Frison en est la colonne vertébrale. Elle focalise tous les regards. Son look campe un hybride entre Siouxsie Sioux, Jo Lemaire et Christine And The Queen. Sa voix est envoûtante, spectrale… Le line up implique également deux gratteurs : Paul Normann et Seb Dec ; mais aussi le drummer Hugo Fernandez et le claviériste Tony Bambinelli. L’expression sonore puise manifestement son inspiration chez The Cure, même si certains titres lorgnent davantage vers l’électro. Trente minutes de set. Un peu court, mais plutôt intéressant. Difficile d’en dire davantage. A revoir, c’est sûr…
Alpha Whale nous vient d’Ostende. Cette formation est venue défendre son premier album, paru début juin. Il est éponyme. Surf et ma foi fort classique, sa musique est légèrement teintée de psychédélisme. Des références ? Les Beach Boys et The Animals. Il y en a certainement d’autres, mais elles sont moins flagrantes. Mountain Bike, peut-être ; mais les cyclistes ont au moins la pêche.
Je pointe alors le nez dehors ; et il commence à y avoir du peuple dans le centre de Mons, car à deux pas, se déroule le concert d'Adamo qui sera suivi par celui de Mister Cover. J'entends alors « Tombe la Neige » ; aussi, je me réfugie bien vite dans la salle de peur de prendre un coup de froid.
Place ensuite à la sensation électro/pop de la soirée et de l'année 2015 : Nicola Testa. Son fan club le suit partout. Il s’agit de la sixième fois que votre serviteur le voit sur les planches ; mais jamais plus de deux ou trois morceaux. Motif ? Des interviews sont chaque fois et malencontreusement calées au même moment. Alex, l’ingé-son de Puggy est aux manettes. Les tympans seront donc épargnés et même mieux cajolés…
Nico va nous présenter des extraits de son brillant premier album « No More Rainbows ». Testa est sympa et charme les filles. Mais c’est surtout un professionnel jusqu'au bout des ongles. Chantés dans la langue de Shakespeare, ses morceaux sont est endiablés et particulièrement sucrés. En 30 minutes, il va nous livrer « World », « Lost And Found », « Koko », « Land Of Glass », « Violet », « Sour », le lumineux « Rainbow » et pour terminer le set, « F. M. ». On en aura cependant eu plein les mirettes et les feuilles de chou…
Son concert au Salon de Silly du 7 novembre est presque sold out, et celui de l’AB, prévu ce 19 mars 2016 risque de le devenir rapidement.
Véritable bête de scène, Baptiste, le leader de Saule est aussi surnommé l’Homme-Bio. Un Géant, Montois pure souche, qui a monté un nouveau projet, Gonzo. Le combo a écumé tous les festivals cet été pour défendre son Ep 5 titres. Sur les planches, le combo est à la fois capable de vous secouer les tripes, de vous inciter à remuer le popotin, à faire la chenille ou à jumper en cadence. Des rockeurs qui ont simplement envie de mettre le souk et vous communiquer leur bonne humeur. Et les textes, très second degré, y contribuent largement.
Pendant « Girls » les meufs, sans la moindre discrimination, sont invitées à grimper sur l’estrade. Et lorsque la chanson est terminée, comme le signale avec humour Baptiste, on dégage gentiment... elles sont alors en pleurs ; et on les comprend…
« Gay » fait la part belle à la dérision. Il ne manque ici que Charlie Winston pour que le délire atteigne son paroxysme. Un tout bon moment du spectacle. Qui se prolongera d’ailleurs en coulisses, lors de l’interview qu’il a accordée à Musiczine…
Isolde Lasoen et la dernière artiste à se produire ce soir. Prof de batterie, elle est gantoise. Mais surtout, c’est la moitié de la section rythmique du néerlandophone francophile, Daan. Bien que réservée et discrète, elle est installée au beau milieu du podium, derrière ses fûts. Elle est soutenue par un backing group : les Bens. Soit le gratteur Ben Van Camp, le bassiste Ben Brunin et le claviériste Luke Vermeir. Pas de section de cuivres, comme sur l’Ep. Dommage ! Votre serviteur ne peut cependant vous en relater davantage, car il s’entretenait avec Baptiste Lalieu, dans sa loge. Son interview paraîtra prochainement sur Musiczine.
Finalement, j’assisterai quand même aux trois dernières chansons du set. Isolde a finalement pas mal d’humour ; elle chante dans la langue de Molière, et son accent est ravageur. Et si sa musique reste bien pop, ses références oscillent entre France Gall, Pierre Bachelet et Serge Gainsbourg…
(Organisation : Le Soir et L'Alhambra)
Isolde et Les Bens + Gonzo + Nicola Testa + Alpha Whale + Les Panties + Mustii
Ceux qui connaissent Jojo dans la vraie vie le savent. Dans celle de tous les jours, si vous préférez. Celle au cours de laquelle il signe de son véritable nom sous une ligne qui s’autorise 5 fautes de français. Celle qui l’autorise les ‘lol’, ‘mdr’, voire même les ‘rooooh’ ou les ‘put1’. Ouais carrément.
Ceux là donc, ces témoins de ma désinhibition, peuvent confirmer toute ma neutralité, mon impartialité et mon objectivité, en toute circonstance…
En toute circonstance, sauf une… et elle tient en un nom et un prénom : Damon et Albarn.
Mais soyons sincère, avez-vous déjà été déçu par cet homme ? Indifférent peut-être ? On devrait peut-être en discuter, ce n’est pas trop grave. Bon !
Ou encore. Grahan Coxon vous a-t-il un jour lassé ou rendu triste ? Alex James s’est-il abandonné dans la monotonie ? Dave Rowntree entêté dans la redondance ? Et Damon Albarn vous a-t-il refilé un cafard carabiné ?
Non ? C’est normal !
Ce quatuor est tout simplement génial. Puissant, inventif, audacieux. Comme si les astres avaient décidé que leurs chemins se croiseraient, même s’ils finiraient par emprunter des directions différentes, à un moment ou un autre.
On n’attendait plus d’album de leur part. Et pourtant, depuis douze ans, on en rêvait secrètement. « Tink Tank » était pourtant un titre suffisamment significatif, ne laissant planer que peu de doute.
Tout au long de « The Magic Whip » Blur nous communique un sentiment de fraternité et d’amour. Et malgré cette maturité acquise au fil de leur aventure, les musicos ont conservé cet esprit potache. Ce qui leur permet de bousculer, d’exploser, de virevolter, de réconforter, de réveiller, de percevoir… Et même de faire douter les plus sceptiques.
Blur est une clef, une pièce maîtresse de la pop. Et « The Magic Whip », un véritable bijou. Capable de vous tenir en haleine de bout en bout et d’envoyer balader le menu fretin…
Cet opus devrait être prescrit par la faculté. Il est remarquable. Il célèbre le retour de l’enfant prodig(u)e, du Lazare de la britpop…
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