Echappé de façon presque incompréhensible des fabuleux Tunng –dont il était une des co-têtes pensantes– en 2012, Sam Genders s’était ensuite lancé dans une nouvelle aventure sous le patronyme de Diagrams. « Chromatic » constitue la seconde sortie de ce projet ; et il fait suite à l’excellent « Black Light ». Cette transition se traduit-elle par une volonté de passer du côté obscur vers la lumière, voire la couleur ? Non, en vérité, pas de réel changement au programme… L’univers de Diagrams est toujours aussi proche de celui de Tunng. Les sonorités acoustiques sont légèrement teintées de touches électroniques. Et le tout est bercé au cœur d’une mélancolie douce. Un folk qui se révèle à la fois pastoral (« Just a Hair’s Breadth ») et contemporain (« Chromatics »). Si le folktronica de Diagrams semble parfois un brin plus austère que celui de Tunng, Sam continue d’y torcher des mélodies aussi subtiles et enivrantes (« Good Morning Song », « Dirty Broken Bliss »)…
Ben Franfelt est un guitariste finlandais. Agé de 52 balais, il s’est déjà investi au sein d’une multitude de projets ; et notamment Gringos Locos, Leningrad Cowboys, Guitar Slingers et, plus près de nous, en compagnie du célèbre rock band anglais, Wishbone Ash, aux côtés du gratteur notoire, Andy Powell. Depuis 1993, Ben drive également son Ben Granfelt Band. En 2013, il a célébré le vingtième anniversaire d’existence de son groupe. Mais également le 30ème comme musicien professionnel ainsi que le 40ème comme guitariste. Excusez du peu ! Une occasion pour immortaliser ces événements sur un double cd et un dvd. En ‘live’. Quand ? En septembre 2014. Où ? Au Earth Music Hall de Wetter, en Allemagne. Le line up implique deux gratteurs (Ben et Marko Karhu), un bassiste (John Viherva) et un drummer (Risto Rikala). Grantfeld signe la majorité du répertoire.
D’une durée de deux heures ce concert s’ouvre par une version magistrale du "Baker street" de Gerry Rafferty. Tout est parfaitement en place. Les grattes sont complémentaires. La voix de Ben passe bien la rampe. Le rock de BGB est à la fois classique, clair et toujours mélodieux. On y décèle cependant des traces de jazz. De blues aussi. Un peu dans l’esprit de Snowy White. A l’instar des bluesy "Bright lights and dreams", "Can't wait another day" et "Melodic relief". Marko Karhu, le second sixcordiste, jouit d’une liberté de mouvement. Le spectre de Wishbone Ash plane ainsi sur de petites perles comme "Dead in the water", "Turning point", "Faith, hope & love" ainsi que le remuant "Almighty blues". Peu de reprises lors du set, mais elles sont toutes excellentes. Outre le "Baker Street", elles sont consacrées au "Cocaine" de JJ Cale, lors d’un traitement accéléré ainsi qu’au "Breathe" de Pink Floyd, une plage issue de leur elpee "The dark side of the Moon". "Because we can" se distingue par ses subtilités instrumentales et ses changements de rythme complexes. "Get up and go" est une piste entraînante qui accroche instantanément. Et l’opus de s’achever par l’épatant "Going home". Deux bonus tracks. Soit des versions alternatives. Une de "Breathe" et une autre, bouleversante, de "Going home".
The Kentucky Headhunters est un très ancien groupe. A l'origine, il pratiquait du country rock, voire du southern rock. Et répondait au patronyme d’Itchy Brother, impliquant les frères Richard et Fred Young, le premier préposé à la guitare rythmique et au chant, le second aux drums. Le combo est alors complété par le gratteur Greg Martin et le bassiste Anthony Kenney. En 1986, les frangins Phelps incorporent la formation. Ricky Lee au vocaux ainsi qu’à l’harmo et Doug à la basse. Ce dernier pour remplacer Kenney. Ils y resteront jusque 1992. Mais fait marquant, c’est lors de leur arrivée que le band change de nom et opte pour celui de Kentucky Headhunters. Il y aura encore d’autres modifications de line up au cours de leur aventure. Ainis, Doug Phelps est revenu en 1996, mais pour se consacrer à la rythmique et au chant.
Malgré sa carrière particulièrement longue, le groupe n’affiche pas de discographie abondante. Une dizaine d’albums studio en tout. Le dernier, "Dixie Lullabies", remonte déjà à 2011.
Johnny Johnson était déjà une légende de son vivant. Le magazine ‘Rolling Stone’ le qualifiait de ‘Greatest sideman in rock'n'roll’, pour son rôle de pianiste derrière Chuck Berry. Né en 1924, il fonde son groupe à St Louis, dans le Missouri, dès 1952. Et recrute l'année suivante, un jeune chanteur, guitariste et compositeur répondant au nom de Chuck Berry. Le début d'une grande aventure ! Le 25 janvier 2003, Johnson accompagne les Rolling Stones, sur scène, à Houston, au Texas. Le lendemain, il s'envole pour le Kentucky où il est attendu par ses amis du Kentucky Headhunters. Il avait déjà apporté sa collaboration en 1993, lors de la confection de l’elpee "That'll rock". Durant trois jours, ils s'enferment dans un studio et enregistrent de nombreux titres. Malheureusement, le légendaire pianiste décède en 2005 et le fruit de ces sessions reste dans les cartons. Et c’est Alligator, le célèbre label chicagoan de blues, qui exhume ces bandes et décide de les envoyer au mixing. Nous sommes alors en 2015. En résulte ce superbe opus intitulé "Meet me in Bluesland".
Traditionnelles, les onze plages de cette œuvre baignent au sein d’un climat propice au blues et au rock'n'roll. C'est-à-dire réminiscent de Jimmy Johnson et Chuck Berry. Dont une cover du "Little Queenie" de ce dernier. Les vocaux sont partagés entre Richard Young et Doug Phelps.
Le long playing s’ouvre en force par "Stumblin". Le tempo évoque les Stones. Les grattes évoluent toutes en rythme, alors que très caractéristiques, les ivoires de Mr Johnson balisent l’ensemble. Bien rythmé, d’une grande pureté, "Walking the Wolf" s’inspire de Howlin' Wolf et d’Elmore James. Johnny est insatiable au piano et Greg Martin se réserve la slide. "Little Queenie" rend hommage au vétéran du rock'n'roll, Chuck Berry. Jimmy interprète d’une voix grave et profonde, un autre blues limpide, "She's got to have it". "Party in Heaven" est un rock'n'roll aux accents country. Richard chante passionnément le blues lent "Meet me in Bluesland". "King Rooster" libère un fameux shuffle! Indolent, "Shufflin' back to Memphis" campe un excellent Memphis blues. Une seule plage instrumentale, "Fast train". Bien imprégnée par l'esprit de Chuck Berry, elle met en exergue l’immense talent de Jimmy Johnson. Dominé par la slide et les ivoires, "Superman blues" est un dernier blues qui clôt l’LP. Une des meilleures plaques blues de l'année!
Fondé en 2004, Left Lane Cruiser nous vient de Fort Wayne, dans l'Indiana. Influencé par le son du pays des collines au Nord du Mississippi, il pratique un blues primaire largement amplifié. A l’origine, le combo se résumait à un duo, soit le guitariste Fredrick Joe Evans IV et le percussionniste Brenn Back. Le tandem se partageant les vocaux. En 2008, il signe chez Alive Records, et y publie l'album "Bring yo' ass on the table". Depuis, il a gravé quelques long playings, en général, bien reçus par la critique et les mélomanes. En 2013, la paire recrute Joe Bent, un bassiste/vocaliste ; et l’an dernier Brenn Beck a cédé ses baguettes à Pete Dio. Découpé en dix pistes, "Dirty Spliff Blues" constitue donc leur nouvel opus.
Le départ est explosif. Le trio se déchaîne dès "Tres borrachos". Les percussions de Pete stimulent bien l'ensemble. La voix est –et c’est la norme– éructée. Particulièrement amplifiée, la guitare déchire. La rythmique et la ligne de basse sont écrasantes, mais épaulent parfaitement le dobro bien électrifié, alors que des sonorités d’orgue monocordes filtrent en arrière-plan. Soudée et cohérente, la machine de guerre est lancée, et rien ne pourra l’arrêter. La voix de Freddy st implacable sur "Whitebread n' beans". Des sonorités de cordes malsaines introduisent "Tangled up in bush". Le leader est armé d'un bottleneck pour faire subir les pires outrages à sa slide. Et elle gémit de douleur. "Heavy Honey" baigne au sein d’un climat accablant. Sorte de cri primal, rageur et sauvage, le titre maître se réfère au joint de marijuana mélangé au tabac, le ‘dirty spliff’. Les trois musicos reprennent en chœur : ‘We can't see through the brown’. La référence au cannabis est partout. Elle illustre la pochette. Et est même rappelée par une image collée sur le cd. Pete Dio se multiplie aux percus pour entamer "Cutting trees". Manifestement, la délicatesse n'appartient pas au monde de ce combo issu de l'Indiana! Un riff rageur lamine "All damn day". Il ne connaîtra pas la paix! Deux grattes se conjuguent tout au long de "Skateboard blues". Faut dire qu’outre sa basse, Bent a apporté sa guitare ‘Skateboard’. Elle ne recèle que deux cordes plaquées sur une planche à roulettes. Mais elles sont amplifiées. C'est aussi et certainement la meilleure piste blues de l'opus. La plaquette incandescente s’achève par "She don't care". Destructeur, ce dernier rockin’ blues est dynamité par une invraisemblable partie de percus…
Ce vétéran du blues britannique fêtera ses 82 balais en novembre prochain. D’ici là, il accomplira une tournée européenne qui transitera par la Belgique, pour quatre dates, entre le 30 septembre et le 3 octobre. Longtemps considéré comme l'un des pères du blues anglais, il est incontestablement le détonateur du ‘British Blues Boom’, qui a éclaté au cours de la deuxième partie des 60’s. En fondant les Bluesbreakers, il allait nous permettre de découvrir une pépinière de guitaristes talentueux, comme Eric Clapton, Peter Green et Mick Taylor, entre autres. En pleine gloire, John Mayall émigre aux Etats-Unis. A Los Angeles, très exactement. En 1969. Il y vit toujours. En 1984, il relance ses Bluesbreakers en compagnie de musiciens américains ; et à nouveau il flaire de futurs grands gratteurs, dont Coco Montoya, Walter Trout et Buddy Whittington. Fin 2008, il décide de mettre un terme à ce laboratoire, afin de tenter de nouvelles expériences. Dès 2009, il part en tournée. Il y entraîne le guitariste Rocky Athas, le bassiste Greg Rzab et le batteur Jay Davenport. En 2015, ils sont toujours présents à ses côtés. Après avoir publié "Tough" en 2009, et "A special life" en 2014, "Find a way to care” constitue son énième LP publié sur son propre label, Forty Below. Il a été enregistré au sein des studios ‘House of Blues (Encino)’ à L.A.. Mayall et le Canadien Eric Corne le coproduisent. Et il est partagé en douze pistes, dont cinq sont issues de sa plume.
John démarre par "Mother-in-law blues", un classique jadis popularisé par Little Junior Parker. Sa voix n'a pas changé et reste immédiatement identifiable. John se consacre également à l'harmonica et au piano. Il reprend ensuite le "River's invitation" de Percy Mayfield. John siège derrière l'orgue Hammond tout au long de ce ‘West Coast blues’ notoire, pour lequel il reçoit le renfort d'une section de cuivres dirigée par le saxophoniste Ron Dziubla. Une version musclée et par ailleurs excellente. Limpides et chaleureuses ses interventions aux claviers illuminent "Ain't no guarantees", une piste qui met en exergue la géniale section rythmique constituée de Rzab et Davenport. Les cuivres l’épaulent sur la cover du "I feel so bad' de Lightnin' Hopkins ; et la version est solide. Le Texan Rocky Athas s’illustre enfin sur ses six cordes pour "Find a way to care" ; car manifestement Mayall ne favorise plus les siennes, comme à l'époque des Bluesbreakers. A contrario, il préfère exercer ses talents sur ses différents claviers, que ce soit le piano acoustique, le piano électrique ou l’orgue. Le blues de Chicago n’est pas ignoré. A l’instar de la reprise du "Long distance call" de Muddy Waters, un slow blues au shuffle convaincant ; puis du "I want all my money back" de Lonnie Brooks, un morceau au cours duquel Rocky se réserve un envol déterminé sur sa gratte. La voix de notre vétéran est bouleversante, sur le blues nightclubbien "Drifting blues", une compo signée par Charles Brown. Orgue et guitare se conjuguent tout au long du "War we wage" de Matt Schofield", un jeune compositeur insulaire. De bonne facture, cet opus s’achève par "Crazy lady", un boogie imprimé sur un mid tempo que délimitent la voix et le piano du maître…
« From Kinshasa » constitue sans doute l'un des disques les plus excitants de l'année. Mbongwana Star est le nouveau projet de Coco Ngambali et Theo Nzonza épaulés par cinq autres musiciens issus de Kinshasa et surtout par le producteur Liam Farell.
Coco et Theo sont les membres fondateurs de Staff Benda Bilili réunissant plusieurs musiciens en chaise roulante, un collectif qui a publié deux LPs. Multi primés, il sont parus chez Crammed, en 2009 et 2012.
Un succès dû également au film qui leur a été consacré retraçant leur histoire des rues de Kinshasa, où ils vivaient parmi les mendiants, jusqu'à à la sortie de leur premier elpee et la tournée mondiale qui a suivi.
Les compos de SBB marient rumba congolaise, musique cubaine, R&B et reggae, une expression sonore partiellement jouée sur des instruments construits à l’aide de matériaux recyclés. Un point commun décelé chez leurs formidables compatriotes Konono n°1, autres artistes signés chez Crammed, qui viennent d'ailleurs poser leurs likembés transiques sur « Malukayi , un des titre-phares de l'album.
Les deux compères ont voulu que Mbongwana soit loin d'être un copier/collé de Benda Bilili. Certes, il reste une base de rythmes congolais traditionnels et de rumba kinoise, mais ils fusionnent le tout à des sonorités électroniques, hip hop voire Post-Punk. C’est l'oeuvre de Liam Farell, mieux connu sous le pseudo de Doctor L.
Le parcours de ce Franco-irlandais mérite d'être retracé. D'abord batteur dans des groupes de rock (Taxi Girl, Rita Mitsouko, Les Wampas), il se tourne ensuite vers le hip hop et milite notamment au sein d’Assassin dont il produit les deux premiers opus. C'est le début de sa carrière derrière les manettes. Il a aujourd'hui, outre ses neuf albums solos, d'innombrables productions à son actif. Il a notamment bossé pour Rodolphe Burger, Kabal, Bumcello et Tony Allen. Son travail sur le « Black Voices » de ce dernier n'avait sans doute pas échappé aux leaders du Mbongwana Star.
« From Kinshasa » est donc une formidable réussite de fusion entre la tradition africaine et la musique occidentale. Enregistré ‘dans le rouge’, jouant continuellement sur la distorsion, dans un esprit très punk, il alterne ballades blues teintées de psychédélisme et moments d'énergies pures soutenues par une voix tantôt caressante tantôt incantatoire. On épinglera particulièrement « Masobélé », dont les atmosphères oscillent entre post-punk et funk, le technoïde « Suzana » ainsi que « Kala », énorme tube afro-électro transique, cocaïne naturelle anti-coup de pompe.
Un disque que Nick Gold, le patron du label World Circuit (Buena Vista Social Club, Ali Farka Touré, Toumani Diabaté...) n'aurait laissé passer pour rien au monde après l'avoir reçu un peu par hasard dans une boîte de nuit londonienne. Il aurait confié à Doctor L que c'était le meilleur album qu'il avait écouté depuis dix ans.
Il serait en tout cas malheureux que ce coup de maître se cantonne aux seuls fans de world music qui d'ailleurs pourraient être un peu désarçonnés par les sonorités. A contrario, il pourrait convaincre un public bien plus large et sans doute plus alternatif. L'ovni de l'année est chanté en lingala.
Née en 1994, Flo Morrissey est une jeune Londonienne d’origine irlandaise. Lors des Nuits du Botanique, elle s’était produite seule, en première partie de Tobias Jesso Jr. Et elle avait fait bonne impression devant le public du Grand Salon.
Arborant un look hippie, armée de son unique guitare, elle nous a entraîné au cœur de son univers folk qu’on pourrait situer à la croisée des chemins de Devendra Banhart, CocoRosie et Joanna Newsom, qu'elle a découverts alors qu'elle n'avait que 10 ans.
"Tomorrow Will Be Beautiful" constitue donc son premier opus. Et il est sorti sur Glassnote Records (Son Lux, Mumford & Sons, Phoenix, ...) Derrière les mannettes, on retrouve Noah Georgeson, dont la carte de visite mentionne, comme par hasard, Devendra Banhart, Joanna Newsom ou encore Vetiver. Et le choix est finalement payant! En effet, à contrario des versions acoustiques des morceaux interprétés lors de son spectacle au Bota, celles proposées sur ce long playing sont bien plus riches ; une instrumentation empreinte d’une grande délicatesse qui met parfaitement en exergue la voix vaporeuse et légère de la jeune artiste. Le premier single "Pages of Gold" en est certainement une belle illustration. Tout comme "Show Me", plage qui lorgne cependant vers Alela Diane.
Et le reste de l’elpee tient parfaitement. En outre, si "Tomorrow Will Be Beautiful", pourquoi ne pas lui souhaiter ?
Il nous avait fait rêver en composant de belles chansons comme « Sur la Route », « Et dans 150 ans » ou encore « Caravane ». Et il est de retour, pour un septième opus studio baptisé « Somnambule ».
Première constatation, il a toujours un timbre légèrement éraillé et des intonations nonchalantes qui ont fait son charme et son succès. Puis, il s’est entouré d’une chorale d'enfants –celle de l'école Houdon, sise dans le 18ème arrondissement de Paris– afin d’y doubler sa voix sur les refrains. Un peu comme Indochine, lorsque Sirkis avait engagé la troupe musicale féminine Scala and Kolacny Brothers. C’était à une époque pas si lointaine.
Mais était-ce une bonne idée ? Passé le titre maître, l’effet de surprise s’est vite estompé. Car en réalité, cette collaboration n’apporte rien de particulier !
Raphaël s’enlise maladroitement dans un registre d’une médiocrité affligeante ! Une chanson ou deux, ça passe, treize, ça casse ! Où sont passés la magie, la fraîcheur, l’inspiration et l’enthousiasme ?
Mièvres, les morceaux abordent des thèmes affreusement désolants ! C’est déprimant à souhait ! Ce n’est pas tristounet, mais triste. On doute même de leur sincérité. Parfois même, ils deviennent presque ridicules. Suffit d’écouter « Primaire » pour s’en laisser convaincre. On dirait une blague potache !
La seule bonne nouvelle, c’est la durée du disque. Environ 35 minutes. C’est peu et pourtant largement suffisant !
Allez, autant se montrer sympa tout de même, on va lui décerner un point pour la copie !
Au final, Raphaël est à la chanson ce qu’est François Hollande à la politique, il essaie de convaincre, mais sans y parvenir…
Chanteur, compositeur et guitariste, Troy Redfern est britannique. C’est également un spécialiste de la slide. Ce qui n’est pas courant outre-Manche. S'il confesse avoir beaucoup écouté Son House, Mississippi Fred McDowell et Hound Dog Taylor, afin d’y puiser, dans leur style largement amplifié, l’âpreté et agressivité, c’est plutôt du côté des States qu’il semble plutôt s’inspirer. Et on pense immédiatement à Johnny Winter ou à Michael Katon. Encore que Dave Hole me traverse aussi l’esprit. Mais il est australien. Troy a opté pour la formule trio, une formule qui laisse une liberté maximale au ‘guitar hero’. Il est donc soutenu par le drummer Alex Bridge et le bassiste Stuart McDonald (ex-Killing Floor). En 2008, Redfern avait monté son propre studio, Dark Horse. En 2010, il drivait l’Electric Blues Reaction (NDR : McDonald y était déjà impliqué). Le combo publie alors "Beneath The Waves", en 2013. Pour son nouveau projet, il avait déjà gravé deux long playings, "Werewolf etiquette" et "Playing with fire".
Pugnace, Troy attaque sauvagement "It stacks". Une agression permanente. La slide est très affûtée. Le chant ressemble à un cri! Il ne fait pas dans la dentelle, mais il donne tout ce qu’il a dans le ventre. Impétueux, il embraie par un boogie féroce, "The other side". La gratte est constamment à l’avant-plan. Le tempo ralentit pour "Salvation", mais la plage est plus intéressante, car l’artiste tire le max de sa slide, qu’il apprivoise. Farouche, elle souffre et gémit. Furieux, "Wildfire" est impressionnant. "What goes around" est hanté par Jimi Hendrix. Troy a abandonné le bottleneck pour embrasser un jeu déjanté mais sous contrôle. "War cry" baigne clairement au sein d’un climat psychédélique. Atmosphérique aussi. Acides les cordes sont insatiables. Elles sont même poussées dans leurs derniers retranchements. Excellent! Le titre maître est tout aussi allumé. Un dialogue provocateur s’établit entre la voix et la guitare, néanmoins tempéré par les interventions à l'harmonica de Ray Weatherill. "Lamb of Zion" est plus paisible. Troy est seul, armé de sa sèche et de son bottleneck pour ce blues à la résonance métallique. "Back home" est imprimé sur un rythme soutenu, mais sans excès. "Running with ghosts" est plus que largement amplifié. Le fantôme de Hendrix rôde à nouveau, même si la voix de Redfern est beaucoup plus rugueuse. L'opus se termine par un long voyage baptisé "Survive". Le départ baigne au sein d’une certaine forme de sérénité, mais progressivement la slide s’impose, dans ce trip sonore, ma foi, élégant. Deux bonus tracks : le plus punk "Cold day in hell", une piste remuante, mais à la production soignée ; puis la ballade presque tendre "This raging heart", moment au cours duquel Troy oublie ses accès de rage et de violence pour emprunter un autre chemin, plus psychédélique.
Laura Tate est née à Dallas. Elle a vécu de longues années à Los Angeles où elle était à la fois chanteuse et actrice. Faut dire que Laura est plutôt jolie. Aujourd’hui, elle s’est installée à El Paso. Apparemment, à ce jour, elle aurait publié deux elpees solo, "Songs from my suitcase" et "Blue train". Son nouvel opus personnel rend hommage à la musique de Mel Harker (NDR : établi à Los Angeles, ce cow-boy n’a cependant pas participé à la réalisation d’"I must be dreaming") un chanteur/guitariste/auteur/compositeur qu'elle apprécie particulièrement. Sur cet LP, Laura reprend douze de ses chansons. Les sessions se sont déroulées à L.A., au studio Jesi-Lu de Los Angeles, sous la houlette de Terry Wilson. Qui s’est également impliqué à la basse. Au cours des 70’s, Terry a milité au sein du Back Street Crawler. Il y a côtoyé le guitariste Paul Kossoff. Il a également bossé pour Eric Burdon. Il participe d’ailleurs actuellement à la tournée d’Eric Burdon and The Animals! Il a également souvent apporté sa collaboration à la chanteuse claviériste/texane, Teresa James, qui a aussi apporté son concours à la confection de ce long playing…
Le disque s’ouvre par "Snake tatoo", probablement le meilleur titre de l’œuvre. Une piste de roots/rock bluesy dont le tempo est entraînant. Laura a une belle voix. La guitare de Billy Watts est largement mise en exergue ; et un piano roadhouse balise parfaitement l’ensemble. Caractérisé par ses percussions syncopées, "No place to hide" s’aventure sur la route qui mène à Los Angeles. Teresa James assure les chœurs et Paulie Cerra, un musicien très prisé dans le blues moderne (Carl Weathersby, Lucky Peeterson), souffle judicieusement dans son saxophone. "What a way to go" est une autre compo de toute bonne facture, au cours de laquelle Terry Wilson s’autorise un petit envol sur les cordes. Blues nightclubbien, I must be dreaming" baigne au sein d’une atmosphère jazzyfiante, entretenue par les cuivres vaporeux, le piano et la guitare de Wilson, alors que Miss Tate prodigue ses interventions vocales suaves et suggestives. Un climat cabaret qu’on retrouve sur "Too blue", une plage hantée par le spectre de Billie Holiday. Billy Watts impose le rythme de sa gratte et Teresa James se consacre aux ivoires tout en apportant son concours aux vocaux sur "Dead end road", un titre de rock ‘cool’ réminiscent de JJ Cale. Imprimé sur un mid tempo, "Talk is cheap" est dominé par le front de cuivres, le piano de Karen Hammack et les cordes de Wilson. Laura chante impeccablement "If ever forever should end", une fort jolie ballade country au cours de laquelle Terry est passé à l'orgue. Deux ballades empreintes d’émotion : "Don't try to talk me out of loving you" et la finale "Hold on", compo qui bénéficie d'arrangements subtils. Ivoires, harmo et cuivres se conjuguent sur "Cowboy jazz", un morceau sculpté délicatement dans le jazz et saupoudré d’accents swing. Profilé sur une rythmique reggae, "Counting up the ways" est traversé discrètement pas les interventions de David Fraser à l’harmonica…
Un an à peine après avoir publié un premier opus éponyme, Jack Cooper (Mazes) et James Hoare (Veronica Falls) sont de retour. Ils viennent ainsi de publier un nouvel elpee particulièrement rafraîchissant, baptisé "Green Lanes".
La guitare, les drums et les voix des deux Londoniens constituent la trame de leur musique, une trame à la fois simple mais efficace. Terriblement contagieuses, soulignées par de superbes harmonies vocales et illuminées par des cordes cristallines, les compos de « Green lanes » vont droit au but. Davantage que sur le précédent LP, Ultimate Painting puise son inspiration dans la pop des 60's, et tout particulièrement chez les Beatles et les Kinks. D’ailleurs, après avoir écouté cet opus, la décontraction est de mise, tout comme le sourire aux lèvres. Et franchement, que demander de plus?
La troisième et dernière journée du festival des Barges va se dérouler sous un soleil de plomb. Parmi celles et ceux qui risquent de faire la différence, on épinglera Nicola Testa, nouvelle sensation électro/pop de l’année 2015. Et puis deux belles découvertes ; en l’occurrence Mochelan et Atomic Spliff qui ont, par ailleurs, accordé une interview à Musiczine. Des Liégeois, qui marchent sur les traces des R'tardataires…
De son véritable nom Simon Délecosse, Mochélan est un peu le régional de l'étape. Un rappeur carolo qui s’est intéressé au hip hop au beau milieu des nineties. Il en a essayé toutes les disciplines ; mais peu doué pour la danse, il a opté pour le théâtre et surtout l’écriture. Et bien sûr le slam. Et dans ce domaine, il est particulièrement doué. Le tremplin 'L'Envol Des Cités' lui décerne une récompense en 2010. On lui confie la réalisation du documentaire ‘Passeur de Culture', en 2013. Il décroche un rôle dans la pièce ‘Né Poumons Noir’, jouée au Théâtre de L'Ancre, la même année. Il devient animateur ‘Jeune Public’ dans le cadre de la tournée des Jeunesses Musicales, en 2014. Côté discographique, il a publié un Ep 4 titres, intitulé « Versus », en 2013 et un elpee baptisé « Image A La Pluie », l’an dernier.
Sur les planches, il est accompagné du drummer Alix Pilot, du bassiste Gabriel Govea Ramos et du claviériste Rémon Jr. Dans le style, il me fait parfois penser au talentueux MAKYzard ; encore un artiste issu du pays noir. A l’aide de 4 ou 5 mots sollicités auprès du public, il est capable de torcher une chanson. Il arpente l’estrade de long en large, tout en débitant sa prose. Nonobstant le peu de spectateurs, il parvient à les impliquer dans son show. A travers sa poésie, il nous confesse son amour pour sa ville, souvent décriée, mais qu'il aime par-dessus tout. Mais il nous parle également de la vie quotidienne. Et son discours fait véritablement mouche…
Place ensuite à Atomic Spliff, composé de Stoneman & Daddy Cookiz, deux MC’s plutôt sympathiques. Votre serviteur avait assisté à un spectacle des R’tardataires, au Bota, au cours duquel Daddy Cookiz avait apporté son concours. Fallait s’en douter, le band nous vient de la cité ardente. Ce qui ne l’empêche pas de s’exporter outre-Quiévrain. Stoneman est coiffé de dreadlocks impressionnantes. Elles lui tombent aux chevilles. Un artiste multiculturel, puisqu’il est également sculpteur et dessinateur. La paire est soutenue par un quatuor : le bassiste Boris Valley Colledos, le drummer Renaud Baivier, le claviériste Brieu Di Maria et le guitariste Kevin Maclot.
En 2014, le duo était parvenu à se hisser en finale du fameux ‘Rototom Contest’, à Londres. Ce qui va lui permettre de se produire dans le cadre du festival de Dour, mais également d’assurer les supporting act pour DJ Vadim, Mad Professor, Macka B, Solo Banton, Warrior King ou Joseph Cotton (UK) et assurer des featurings ; tout particulièrement pour Les R'tardataires. En outre, le tandem a gagné le concours 'L'Envol des Cités' ; ce qui lui a permis d'enregistrer un premier album. Intitulé « Ras Attack », il a bien été reçu par la critique. Et il va nous en proposer de larges extraits. Le reggae d’Atomic Spliff est baigné par le soleil de Kingston. D’ailleurs, pour concocter cet opus, il a bénéficié de la participation d’artistes jamaïcains ; en l’occurrence Joseph Cotton et P.Nyne. Quant à la musique, elle oscille du reggae très roots au raggamuffin, en passant par le dancehall et le rub-a-dub.
Les musicos ne sont peut-être pas encore aguerris, mais ils ont la banane et s’éclatent sur les planches. Les paroles défilent à un rythme effréné. Ils débarqueraient de la planète Ras pour y communiquer leurs bonnes vibrations. Les deux MC’s entament un duel de mots et de phrases truffées de calembours. Un peu comme chez les R'tardataires. Probablement des demi-frères. Bref, le set est excitant, et difficile de ne pas remuer les guiboles, les hanches, les bras et la tête, à l’écoute de leur musique…
Pas de Nicola Testa, de Saint André et de Keen'V ; des interviews attendent votre serviteur.
Marseillais d’adoption, Soprano, aka Saïd M'Roumbaba, est d’origine comorienne. Et il est fier de ses origines. Mais aussi de ce qu’il incarne aujourd’hui. Un type qui dégage de la sympathie. De petite taille, affable, respectueux, il a toujours le sourire aux lèvres. Un artiste qui cherche à communiquer sa passion aux fans. Bref, un personnage à taille humaine qui devient, ‘live’, une véritable bête de scène. C’est sans doute pourquoi, il est devenu une grosse pointure. Soucieux de la condition humaine, il aide –comme il peut– ses frères africains, en finançant la construction d'écoles ou la rénovation d’hôpitaux. Vu son amour du prochain, il mériterait le titre de Messie des temps modernes….
Après avoir rencontré un succès certain au sein de son groupe Psy 4 De La Rime, Soprano décide, quelques années plus tard, de se lancer dans une carrière solo. Mais il n’a pas pour autant abandonné le band, car son projet individuel il le mène en parallèle. D’ailleurs la formation devrait bientôt publier un nouvel opus. Il a, en outre, fondé son propre label, Street Skillz, afin de permettre à d’autres artistes de s’exprimer. A ce jour, il a gravé quatre LPs : « Puisqu'Il Faut Vivre» en 2007, « La Colombe » en 2010, « Le Corbeau » en 2011 et « Cosmopolitanie » en 2014. Des disques qui lui ont valu plusieurs disques d'or ou de platine.
Soprano aime le monde du cirque. On s’en rend compte en observant le décor qui meuble le podium. Chaque musico a le visage grimé de blanc, un trait noir lui soulignant les yeux. Une balle rouge enfoncée sur le nez, Soprano débarque le dernier sur l’estrade, sous un tonnerre d'applaudissements. Il entame son show par le hit « Clown », un extrait du dernier long playing, « Cosmopolitanie ». Haut perchée, sa voix est à la fois délicate et mélodieuse. Vu le monde sur le site, votre serviteur est planté assez loin de la scène. « Millionnaire » est un morceau aux lyrics qui interpellent : ‘Riche de ton sourire, riche de la victoire sur ton cancer, l'amour rend millionnaire’. Si le ton est parfois agressif, voire vengeur et son art à manier la phrase et le verbe déconcertant, sa musique demeure accessible. A l’instar de Christine and The Queens, Soprano a dû, au cours de sa prime jeunesse, manifester une certaine admiration pour Michael Jackson. Et sa chorégraphie en est certainement une belle démonstration. Un concert remarquable !
Il est temps de reprendre la route pour retrouver mes pénates. Demain, debout à 6 heures !
Henri PFR + Soprano + Keen'V + Saint André + Nicola Testa + Atomic Spliff + Mochelan
(Organisation : Scène sur Sambre)
Deuxième jour du festival des Barges à Scène sur Sambre. Un événement qui se déroule près de l'Abbaye d'Aulne et dont l’affiche particulièrement intéressante est aussi très dansante. C’est presque sold out aujourd’hui. Il ne manque que quelques centaines de spectateurs…
CasaNoé, un combo carolo ouvre le bal. Les festivaliers commencent à arriver, mais le fan club est bien au rendez-vous. Ce quatuor réunit Olivier Furnémont (guitare, chant), Xavier Dawant (basse), Matthieu Bruyndonckx (claviers, chant) et Yann Dumont (drums). Un line up renforcé, pour la circonstance, par une section de cuivres constituée de Nathalie Yernaux (trompette), Clément Monaux (euphonium) et J-Marco Lurquinafaso (sax ténor).
Pas toujours facile d’ouvrir un festival, mais le band va s’en sortir à merveille. Interprétés dans la langue de Voltaire, les lyrics –très second degré– traitent de la vie de tous les jours, des guerres, de l'écologie, de la mondialisation, de rêves utopiques ou encore des êtres humains. Des thèmes réalistes, qu’il truffe de calembours. Pop/rock, sa musique est teintée de folk et surtout de reggae blanc. Les cuivres apportent, bien évidemment, une autre dimension aux compos. Des instruments qui bottent votre serviteur, quand ils sont bien intégrés dans un ensemble. Et c’est le cas cet après-midi. L’expression sonore est cependant empreinte d’une grande quiétude et s’écoute presque religieusement…
Place ensuite à Sarah Carlier. Cet été, elle a écumé de nombreux festival, au cours desquels elle a récolté un franc succès. Elle a d’ailleurs tout pour elle : la jeunesse, la beauté, le sourire et surtout le talent.
Christophe Delire # Cap'tain Hublot la présente en signalant qu’il l’adore, mais que sa musique doit s’apprécier en mode sitting. L’auditoire acquiesce. Mais il ne semble pas tellement réceptif à sa musique, sans doute pas encore réveillé des prolongations vécues la veille…
Le set démarre avec un peu de retard sur l’horaire. Le son est parfait. Le fidèle bassiste, Thierry Rombaux (militant au sein du backing group de BJ Scott), s’installe à droite du podium, entre Sarah et le batteur, David Donnat (Suarez). Kofi Sadjo, le claviériste, se plante derrière le paternel de Sarah, préposé à la six cordes. Il est armé d’une nouvelle gratte de couleur blanche. Mrs Carlier se réserve, bien sûr, le chant et la guitare semi-acoustique.
Suivant un même rituel, après avoir adressé un regard complice à son père, placé à sa gauche, elle entame les hostilités par « Dreams » et « My Counsellor ». Vu l’apathie de l’auditoire, Sarah semble éprouver d’énormes difficultés à établir une interactivité. Quoique mollasson, l’audience applaudit généreusement. Pas de cover du « All Along The Watchtower » de Dylan. Etonnant et pas très judicieux…
Les sonorités dispensées par la gratte de Sylvain son funkysantes. Trempées dans la soul, les compos ne manquent pas de groove. Habituellement, pendant « My Dear », Kofi, l'imposant claviériste, se lance dans une danse africaine. Vu le peu de réactivité de la foule, il n'insiste pas. Bien que funky/soul, « Tenderness » baigne au sein d’une forme de sérénité. Et pourtant, sur les planches, ce titre déménage. Et le concert de s’achever par « Save My Soul », une chanson co-écrite par Sarah et sa maman. Elle se produira en set acoustique le vendredi 25 septembre à Horrues, au Café 'Le Terroir'. Qu’on se le dise !
Sur l’estrade, le Collectif Métissé implique une ribambelle de musicos. Dans la fosse, la foule remue et danse. Une très bonne interactivité s’est établie entre elle et eux. Perso, leur show ne me botte pas du tout. Franchement, leur répertoire aurait mieux sa place lors d’une foire ou d’une ducasse boudin/frites/compote. Voire lors du bal gratuit du 14 juillet, outre-Quiévrain. Maintenant si vous aimez les reprises en mode karaoké, c’est votre droit… Mais honnêtement, le collectif n’a pas sa place à Scène sur Sambre.
Retour aux choses sérieuses en compagnie des Wampas. Didier Chappedelaine en est le leader. Cet ex-électricien à la RATP se consacre au chant et à la guitare. Des grattes que se réservent également Tony Truant et Eric Starczan. Le line up est complété par le bassiste Jean-Michel Lejoux et le drummer Nicolas Schauer. Intitulé « Les Wampas Font La Gueule », leur dernier elpee est paru en 2014.
Tiens, le combo semble bien plus en forme que 2 mois plus tôt, dans le cadre du La Semo, à Enghien. Le concert débute par « Comme Un Punk En Hiver ». Le son est correct, sans plus. Ce qui n’est déjà pas mal pour cet ensemble hexagonal. Mais leur prestation ‘live’ libère une énergie phénoménale. Didier est une véritable bête de scène. Pas besoin de piles ‘Duracell’, il est partout : à gauche, à droite, près des barrières, sur les baffles et surtout dans la foule. Manifestement, il va à la rencontre de son auditoire. S’il disposait d’un micro sans fil, sûr qu’il irait rejoindre les spectateurs au bout du site. Quand il chante « C'est l'amour », il s'époumone pour mettre l’ambiance ; mais le public est toujours aussi mollasson. Hormis les premiers rangs, quand même. Normal, puisqu’il s’agit des aficionados. Caractérisé par son rythme endiablé, « Manu Chao » est aussi excitant. Et miracle, les spectateurs commencent à réagir. Heureusement, il était temps. Il aborde une chanson consacrée à la ville de Charleroi. Le show est loufoque, décalé et même imprévisible. La musique campe un cocktail de punk et de rock'n'roll. Et les lyrics sont interprétés dans sa langue natale. Pari gagné pour les Wampas ; mais que l’accouchement au sein de l’auditoire a été douloureux…
Il y a de plus en plus de peuple sur la plaine. Normal, Bastian Baker va monter sur l’estrade. Cet Helvète est un véritable extra-terrestre, dans le monde musical. Ce soir, il est flanqué d’un backing group réunissant deux gratteurs, un bassiste, une claviériste (NDR : également préposée aux chœurs) et un drummer. Il y a une communication chaleureuse entre le Lausannois et la foule. Et finalement, elle lui rend 1 000 fois plus. Une future mariée brandit un écriteau pour lui demander un bisou. Il décline poliment l'invitation, car son coeur est déjà pris. Bastian aligne ses standards: « Lucky », « I'D Sing For You », « Tomorrow May Not Be Better » et surtout l’épatante cover du « Hallelujah » de Léonard Cohen. Fruit d’un mélange de pop, de rock et de folk, sa musique concède des relents country et americana. Le public connaît les refrains et les fredonne en compagnie de l’artiste. Bastian se décide à prendre un bain de foule. Il grimpe sur les montants métalliques protégeant les tables de sonorisation, à la manière du chanteur de Kaiser Chiefs, Ricky Wilson...
Le concert terminé, Cap'tain Hublot nous accorde un petit aparté au cours duquel il nous présente l'équipe de football carolorégienne. Sur le podium, les 'Zébres' balancent des ballons dans la fosse, avant d’y descendre pour aller les dédicacer.
La plaine est noire de monde. La tête d’affiche du jour est attendue à 22h30. En l’occurrence Sean Paul Ryan Francis Enriques, aka Sean Paul.
Réservée au dancehall, sa musique s’inspire naturellement du reggae. Au cours de sa carrière, il a publié six albums: « Stage One » (2000), « Dutty Rock » (2002), « The Trinity » (2005), « Imperial Blaze » (2009), « Tomahawk Technique » (2011) et « Full Frequency » (2014). À ce jour, il a vendu plus de 10 millions de disques à travers le monde.
Flanqué de son backing group et de deux fantastiques danseuses, il va réussir à mettre le feu dans l’auditoire, grâce à ses brûlots dansants découpés dans le ragga…
Un second MC précède le débarquement de la star jamaïquaine. Il va l’épauler au chant tout au long du set. Par leurs déhanchements hyper sensuels, les danseuses vont parvenir à faire grimper la température sur l’estrade et dans la plaine, de quelques degrés. « So Fine », « Get Busy », « Give It Up To Me » et « Got 2 Luv U », issu de l’elpee « Tomahawk Technique », sont prévus dans la set list. Votre serviteur est comblé, ce sont les titres qu'il préfère. L'artiste a parfaitement intégré l'art de la com’. Entre lui et les spectateurs, elle est permanente. Certains sont à la fois conquis et ravis de cette situation. D’autres le découvrent et apprécient. Les artifices pyrotechniques, les confettis et les jeux de lumières collent parfaitement au show et bien sûr, à la musique. Quinze ans déjà que Sean Paul assure sur les planches.
« Turn It Up » clôt brillamment le set. Entièrement satisfait par ce concert, je préfère ne pas jouer les prolongations et rentre au bercail. Suivant les échos récoltés le lendemain, le set de Djaikovski feat. TK Wonder and MC Wasp était particulièrement festif et réussi. Mais qui veut aller loin ménage sa monture…
Djaikovski Feat TK Wonder And MC Wasp + Sean Paul + Bastian Baker + Les Wampas + Collectif Métissé + Sarah Carlier + CasaNoé
(Organisation Scène sur Sambre)
Les 12 et 13 octobre 1982, The Who accorde deux shows au Shea stadium de New York, dans le cadre d’une tournée d’adieu (NDR : ce sera surtout celle du drummer Kenny Jones, qui remplaçait alors feu Keith Moon, car le band se reformera en 1989, pour éponger les dettes du bassiste, John Entwistle), mais également pour promotionner leur dernier album, « It’s hard ». Deux heures de spectacle par concert, dont le second est filmé dans son intégralité. C’est ce qui figure sur ce Dvd. Plus cinq bonus. Immortalisés la veille. Dont l’hymne de toute une génération mod, « My generation », « A man is a man » et « 5.15 ».
La setlist inclut les inévitables classiques ; depuis « Substitue » à « See me feel me », en passant par « I can’t explain », « Baba O’Riley, « Who are you », « Pinball wizard », « See me feel me », « Won’t get fool again » et en finale la reprise d’Eddy Cochran, « Summertime blues », ainsi que celles des Beatles, « I saw her standing there » et « Twist and shout » (NDR : des hommages rendus aux Fab Four qui s’étaient produits au même endroit en 1965 !) Mais également des titres rarement entendus, comme « Sister disco » et The quiet one » de John Entwistle. Toujours aussi stoïque sur les planches. Alors qu’affichant un look à la Flock of Seagulls, Roger Daltrey (NDR : sa chevelure bouffante !) et Pete Townshend (NSR : un pantalon à rayures !) se chargent de faire le show. Le premier, dont la voix n’a cependant plus le même rayonnement, est toujours aussi habile pour jongler avec ou faire tournoyer son micro, alors que le deuxième continue de nous accorder ses moulinets du bras si caractéristiques. Si le nouveau batteur, Kenny Jones (NDR : un ex-Small Faces), tient la route, il n’a pas le dynamisme et l’explosivité de Moon. Et puis pas facile de remplacer une section rythmique considérée comme une des meilleures de tous les temps.
« Live at Shea stadium 1982 » nous offre une prestation de qualité du Who, des images et un son impeccables. De quoi faire de ce Dvd un excellent témoignage de son parcours… Et pour information, c’était The Clash qui avait assuré le supporting act…
Nederlands 
Français 
