C’est le début des Lokerse Feesten. Dix jours de programmation éclectique. De quoi satisfaire un public, le plus large possible. 15 000 spectateurs par jour pour recevoir des artistes confirmés ou jeunes talents (NDR : 109 en tout sur toute la période), issus de Belgique et du monde entier. Il s’agit déjà de la 37ème édition. La dixième année à laquelle votre serviteur participe ; et pas un seul jour, les dix. Un peu ses vacances annuelles. Le Groote Kaai va accueillir ce soir Nouveau Riche All Stars, Janez DETD, Milow, Mika et en point d’orgue, le Dj Martin Solveig. Une première journée sold out.
19h00. Nouveau Riche All Stars monte sur l’estrade. Deux Dj's triturent leurs platines alors que quatre Mc’s arpentent les planches de long en large. Et ils s’expriment dans la langue de Vondel. De quoi mettre tout le monde de bonne humeur. L’assistance est clairsemée, mais au fil du set, elle va progressivement croître. Ces petits jeunes pratiquent un hip hop teinté de rap, de drum&bass, de techno et d'électro. A l’instar d’AKS, de The Opposites ou de Kraantje Pappie, ils sont venus pour nous faire passer un bon moment sans se poser de questions ni se prendre la tête. Il y a trente personnes sur l’estrade, lorsque les 45 minutes de prestation prennent fin…
Janez DETD, diminutif de Janez Determited, embraie. Originaire du Nord de la Belgique, ce quintet est responsable d’un punk/rock basique. Un peu comme si Blink 182 remettait au goût du jour le répertoire des Ramones. Fondé en 1995, le band a publié 13 elpees de 96 à 2008. Puis, rideau. C’est suite à un pari lancé par un fan sur Facebook que l’aventure va reprendre. Encouragé par ‘3000 likes’ enregistrés au bout de 48 heures, le combo décide de se reformer. Et de repartir en tournée. Outre « My Life, My Way » et « Deep », la set list nous réserve une cover survitaminée du « Mala Vida » de Mano Negra et une autre très musclée du « Take on me » de A-Ha. Et sur les planches, les musicos ne tiennent pas en place. Bref, un show efficace et dynamique qui a bénéficié d’un chouette light show et de projections adaptées aux morceaux.
Milow, aka Jonathan Vandenbroeck, c’est le James Taylor belge. Issu du Nord du pays, on lui prête la plus belle voix du Royaume. Rasé de près (NDR : c’est le cas de le dire !), il n’a plus un poil sur le caillou. Malgré son succès, il n’a jamais chopé le melon, et demeure fondamentalement humain. Le décor est plus luxuriant que d’habitude. Des énormes spots à led se focalisent sur les artistes. Des palissades en bois sont disposées à l’arrière-plan, afin de nous plonger au sein d’un climat paisiblement country. Une petite estrade est exclusivement réservée au drummer. Milow s’est planté devant et à sa droite, son ami et fidèle guitariste (sèche, électrique ou dobro). Dans son dos, le claviériste se sert d’un Hammond. Et enfin, une percussionniste/choriste –une jolie blonde– niche à droite. Elle a une superbe voix au grain soul. Milow est armé d’une guitare semi-acoustique. Sculptée tour à tour dans le folk, la country, le bluegrass ou l’americana, la musique évoque les grandes plaines de l'Ouest Américain. Les States ont d’ailleurs énormément influencé cet artiste. Le Zim, notamment. Mais également l’Albion ; et tout particulièrement Donovan.
Il puise ce soir largement dans son troisième LP, « North And South ». Paru en 2011, ce disque lui avait permis de se forger sa notoriété. Il en interprète les tubes « Never Gonna Stop », « You And Me (In My Pocket) » et « Little in The Middle ». Du quatrième long playing, il extrait « Silver Linings », « Learning How To Disappear » et « Echoes In The Dark ». Une set list au sein de laquelle il n’oublie pas d’inclure la cover humoristique du « Ayo Technology » de 50 Cent, un titre qui l’a propulsé sur la scène médiatique. Nonobstant son interaction avec le public, Milow n'est pas un entertainer. Mais il a toujours un bon mot ou un ‘merci’ entre chaque chanson…
Changement de cadre pour le show de Mika, puisque le podium est envahi de maquettes en carton représentant des maisons ou des buildings. Un immense piano à queue trône en avant-plan. C’est là que doit siéger l’artiste. En retrait, on remarque –à nouveau– la présence d’une charmante percussionniste. Sans quoi le line up implique trois claviéristes, dont deux doublent aux guitares et un à la basse. Sans oublier le gratteur soliste (également préposé aux cuivres) coiffé d’un chapeau mou qui s’isole à droite de l’estrade.
Après quelques accords aux ivoires, Mika attaque une version dépouillée du hit « Grace Kelly ». A la fin du morceau il est successivement accroupi, couché, puis debout sur son instrument, tout en haranguant la foule. Le nouveau single, « Talk About You », sent un peu le réchauffé. Mais en ‘live’, la compo prend une toute autre dimension. C'est le premier extrait du quatrième opus, « No Place In Heaven ». Si la section rythmique est bien en place, la percussionniste est phénoménale. Mika à une voix haut perchée qu'il est capable de moduler, surtout dans les aigus. Un peu comme Freddie Mercury. Tout au long de « Big Girl (You Are Beautiful) », le coeur de Mika balance entre ivoires et avant-scène. Non seulement, il parcourt les planches de long en large, mais il multiplie les mimiques. Ce qui rend son show interactif.
Saxophone et percus ouvrent « Popular Song », issu du troisième opus, « The Origin Of love ». A ce moment, la foule est en délire. Ca jumpe et danse partout sur le site, une bonne dose d’électro à l’appui. Mika gigote comme un possédé ; il mouille sa chemise et l’auditoire aussi.
« Rain » (The Boy Who Knew Too Much ») calme le jeu et permet au public de donner de la voix. Un nouveau titre : « Staring At The Sun », un morceau de pop bien sucrée. Il aborde ses hits « Underwater » et « Relax, Take It Easy », en mode piano/voix. Puis le contagieux « Origin Of Love », une chanson qu'il dédie à son compagnon. Elle parle d’amour, mais aussi de religion. Par dérision et à plusieurs reprises, il s’agenouille devant la foule. Il ajoute même parfois quelques mots en latin. « Elle Me Dit » est une chanson écrite dans la langue de Voltaire. Et elle est superbe !
Après la jolie ballade « Happy Ending », place à « We Are Golden », un titre chargé d’intensité. Pour clore le set, « Last Party » et « Love Today » sont salués par une volée de confettis. Et ce sont des étoiles plein les yeux que les festivaliers acclament Mika et sa troupe, au terme de leur concert ; car manifestement, ils sont parvenus à nous transporter dans un univers de rêve… Pour rappel, Mika se produira à Forest National ce 23 septembre.
Pour clôturer cette première journée, les organisateurs avaient parié gros –et cassé leur tirelire– et invitant le meilleur Dj du moment, Martin Solveig. Heureusement, car succéder à Mika n’est pas une mince affaire. Pas une âme n'a quitté la Groote Kaai ; et pourtant il est plus d'une heure du matin. Et franchement, après le set qu’il va nous accorder, Guetta peut retourner à ses études. Car Martin est un véritable maître des platines. Le décor est grandiose. Une table est décorée par un écran où apparaît un smiley bleu, derrière laquelle est installé le Dj. En arrière-plan, une immense toile est destinée à la projection de vidéos, plus cocasses les unes que les autres. Dès son arrivée, Solveig provoque la foule, dans un néerlandais parfait. Et il fait fort pour commencer, en livrant « Intoxicaded », un tube international qui fait actuellement trembler les dancefloors. Quatre ans après avoir publié l’elpee « Smash », le Parisien prépare son cinquième, un disque précédé par un autre hit « Toxicaded », qui a été enregistré sous la houlette du duo issu de Miami, GTA (Good Times Ahead - Van Toth et JWLS). Il est partout Martin. Devant, derrière, à gauche ou à droite ou encore debout sur sa table.
La foule jumpe et met les bras en l’air. Quel spectacle, ce Groote Kaai, noir de monde, qui réagit comme un seul homme. On dirait une savane au sein de laquelle 150 00 springboks sont poursuivis par un guépard. Tiens, Martin porte une belle moustache ; ce qui rend son univers très ‘cartoonesque’, davantage malicieux…
Sans jamais se prendre au sérieux, le Dj réunit tout à tour un explorateur fan de pole dance, une boule disco, des tennismen en costards et des demoiselles vêtues de robes XXL. Explosif, le mélange est haut en couleurs. La bonne humeur est contagieuse.
Dès le second morceau « Kelly Wants Stars », c’est le boxon dans l’auditoire. Un chaos que Solveig maîtrise à la perfection. Il nous réserve son nouveau clip « +1 ». Et n’oublie pas de balancer « Hey Now », « Hello » ou encore « The Night Out ». Les fumigènes et les nombreux effets spéciaux sont parfaitement assortis au light show. Car le spectacle s’adresse à la fois aux yeux, aux oreilles et aux jambes. Franchement, je ne suis pas près d’oublier cette soirée. Il est 2h00 du mat’ ; il est temps de rentrer au bercail. Il me reste encore 1h30 de route à parcourir…
Organisation: Lokerse Feesten
(Voir aussi notre section photos ici)
Le concept des ‘Nuits Secrètes’ est très particulier.
Situé à mille lieues du cadre verdoyant et bucolique d’un Ronquières ou encore d’un LaSemo, c’est au cœur de la commune sinistrée post-industrielle d'Aulnoye-Aymeries, que s’est déroulé, pour la quatorzième année consécutive, ce festival à l’ambiance un tantinet ‘woodstockien’.
Ne cherchez pas plus loin, si les ‘Nuits Secrètes’ n’avaient pas existées, personne n’aurait jamais entendu parler de ce bourg aux 9 000 habitants, planqués dans l’Avesnois.
L’idée est vachement sympa ! Pour faire simple, les organisateurs ont eu, un jour, l’idée folle de mettre en place un festival à taille humaine, au milieu de nulle part, qui serait une alternative aux mega-festivals tout en faisant profiter le plus grand nombre, d’une musique de très bonne facture et pour pas un euro. Et lorsque parfois c’est payant, ça ne l'est jamais vraiment non plus !
Une initiative qui mérite d’être soulignée trois fois !
Le bouche à oreille fonctionne tellement bien que le secret n’en est vraiment plus un, compte tenu de l’effervescence des festivaliers ! Et tant, mieux ! Parce qu’ici, moins c’est cher et plus c’est bon !
Cocasses également, ce sont les parcours dits secrets ! Lors de votre balade dans la ville, vous devez vous attendre à un concert surprise dans un endroit vraiment inattendu (une chapelle, une grange, un bus, au détour d’un buisson, …)
Stigmatisons les organisateurs de festivals belges qui devraient avoir honte de pratiquer des prix parfois à la limite de l’outrance… et parfois en proposant une affiche bien médiocre !
Se déroulant sur une période de trois jours, votre serviteur n’a assisté qu’à certains concerts du vendredi, d’autres obligations musicales obligent.
Vers 19h40, ce sont les Anglais de Portico qui montent sur l’estrade. Dès les premières notes de synthé, on est surpris par le mimétisme musical d’un certain Oscar and The Wolf. Tout simplement impressionnant ! On s’y croirait !
Jack Wyllie, Duncan Bellamy, Milo Fitzpatrick et Jono McCleery prodiguent un son hypnotique lorgnant largement du côté de l’electro-pop. La voix douce et sensuelle du chanteur trouble plus d’un aficionado présent dans l’arène.
Malheureusement, les Insulaires ne font pas l’unanimité ! Le son planant (voir un peu élitiste même) est plutôt à contre-courant de ce que peut écouter l’auditeur lambda. Lui veut de la pop et reste peu réceptif aux différents genres sur le marché ! Dommage et pathétique à la fois !
Le set est un chouia répétitif, mais la musique reste propice au bien-être, à l’évasion et au rêve ! Une très belle découverte !
C’est ensuite aux Belges de Balthazar d’assurer le show.
Venus défendre essentiellement les couleurs de leur nouvel opus intitulé « Thin Walls », les petits gars ont conquis un public mélomane.
Pour la petite histoire, les chansons de ce long format ont été composées dans un ancien monastère fréquenté par les deux compositeurs entre les dates de leurs tournées.
L’origine de la formation est assez cocasse ! Issus de Courtrai, Maarten Devoldere, Jinte Deprez et la violoniste Patricia Vanneste se sont produits sur le pavé pour récolter un peu d’argent. Au lieu de se faire concurrence, ils s’unissent. Cette rencontre scellera leur destin. En 2004, ils forment le groupe que l’on connaît.
Leur premier elpee est élu ‘album de l'année’, en 2010, et leur permet d’écumer les plus grosses scènes dont l'Ancienne Belgique, le Paradiso d'Amsterdam et La Cigale de Paris, ainsi que certains festivals comme Rock Werchter et Lowlands.
Le second opus, baptisé « Rats » sera lui aussi couronné d’un succès critique et d’estime sans précédent. Promulgué à nouveau ‘album de l'année’, en 2012, lors des Music Industry Awards, il sera certifié ‘disque d'or’ en juin 2013.
L’originalité du line-up procède de l’éclectisme des sonorités, oscillant de la pop au rock. C’est propre et gentillet ! Les compositions sont simples, mais efficaces. On passe un bon moment et c’est finalement l’essentiel.
On notera au passage que l'utilisation de synthétiseurs et d'un violon démarquent leurs compositions du rock alternatif classique reposant sur le trio basse/batterie/guitare.
Durant près d’une heure, c’est une valse de titres sucrés/salés qui vont titiller les conduits auditifs des Nordistes.
Un très, très grand moment d’émotion intense ! Du beau spectacle !
Place ensuite au set de The Dø.
Le nom du groupe est formé des initiales des prénoms de ses deux membres, mais renvoie aussi à la note do.
Réunissant Olivia Merilahti (chanteuse et musicienne franco-finlandaise) et de Dan Levy (musicien et compositeur de musiques de films), le duo s’est formé à Paris en 2005 lors de l'écriture de la bande son d'un long métrage français.
Le succès de leur premier support « A Mouthfull » les gratifiera de premier groupe français anglophone.
Le couple a, aujourd’hui, donné un grand coup de pied dans la formule qui était la sienne jusqu’alors et s’est tourné aujourd’hui vers un créneau plutôt électro pour mieux représenter le son d'une époque contemporaine.
« Shake, Shook, Shaken », dernier venu, lui permettra d’ailleurs d’obtenir ‘La Victoire de l'Album Rock’ lors des Victoires de la Musique en 2015.
Privilégiant la prise de risque au confort, le concert de ce soir navigue entre électro futuriste et pop minimaliste ! Les musiciens alternent passages doux et plus contrastés, mais toujours très nuancés.
Dès le premier titre, le public français tombe littéralement sous le charme. Lui, qui en a pourtant déjà vu d'autres au fil des ans, acclame haut et fort la prestation du band.
Affichant un joli charisme et grâce à sa seule présence vocale, presque à la limite de la juvénilité, Olivia parvient à communiquer des frissons à l’ensemble de l’arène très éclectique.
Dopée à je ne sais qu’elle substance énergisante, elle fait preuve d’une énergie folle comme par volonté de rompre une monotonie qui menaçait de s'installer dans le set.
Il s’agit de leur dernier concert de la tournée. On sent une certaine tristesse dans les yeux de cette charmante demoiselle. L’émotion est palpable tant sur scène que parmi les badauds!
Que l’on aime ou pas, The Dø reste une valeur sûr dans le paysage musical ! On ne peut le nier !
(Organisation : Les Nuits Secrètes)
Graham Candy est né à Auckland, en Nouvelle-Zélande. Il y a grandi. C'est le plus jeune d'une famille de 4 enfants. Peu studieux, il rêve déjà de se consacrer à la musique, au cinéma et à la danse. En 2012, il est repéré par un label allemand. Qui le signe et l’invite à rejoindre Berlin, pour donner une nouvelle impulsion à sa carrière.
C'est donc en Allemagne que l’artiste commence à prendre ses marques. Il y rencontre les Dj's Parov Stelar et Alle Farben aux studios Riverside de Kreuzberg. Il apporte son concours aux vocaux à deux compos du second cité, en 2014, « She Moves » et « Sometimes ». Elles deviennent d’énormes tubes outre-Rhin.
Graham possède une voix particulière. Androgyne et légèrement ébréchée. Un peu dans le registre d’Asaf Avidan, mais sans –ou très rarement– la teinte soul.
Pour concocter cet Ep 4 titres, il a reçu la collaboration du groupe teuton… « Holding Up Ballons » est une compo pop sucrée et lumineuse. Ce titre a comptabilisé 5 millions d'écoutes sur la seule plate-forme. C'est fou !
« Worth It All » baigne au sein d’une forme de trip hop. Envoûtante, troublante, cette plage fait la part belle aux chœurs, nappes de synthé complexes et samples…
« Addictive Personality » est contaminé par quelques beats électro. Une piste indolente qu’interprète Candy d’un timbre délicat, instinctif… Langoureux, « Don't You Worry » incite à rejoindre le dancefloor. Plus soul, sa voix est ici la plus proche d’Asaf Avidan.
A conseiller, si vous appréciez Two Kids In Holiday. « Plan A », son premier véritable album, devrait paraître en septembre 2015.
Cette formation est née à Genève. En 2004. Le line up impliquait trois frères : le guitariste/chanteur Edward, le chanteur François et le drummer Mathieu Hay. Ainsi que le bassiste Yves Mabillard. La formation n’a vécu aucun mouvement depuis le début de son aventure. Elle avait enregistré une démo 8 titres en 2005. Deux ans plus tard, elle signe chez Blacksmithmusic. Et en 2008, elle y publie l'album « Ascent ». Les concerts se multiplient au sein de leur Suisse natale, ce qui va lui permettre d’acquérir une certaine notoriété locale. Et elle grave son second LP, « The Burden Of Absence », en 2012.
Pour concocter ce troisième long playing, le combo a fait appel au crowdfunding (NDR : c’est à la mode !) Et a décidé de se charger de la mise en forme, avant de lancer la soumission sur la plateforme helvète Wemakeit. En un temps record, la somme est récoltée. Ce qui permet à « Need A Change » de voir le jour ce 15 avril 2015.
« Broken Angel » est une compo électrique est sauvage. La voix lorgne manifestement vers Robert Plant. Langoureux, « There Is No Reason » est une incitation à rejoindre le dancefloor. « I Still Want Your Desire » est une jolie ballade. « The Seafarer », un titre bien musclé.
Lors des sessions, le combo a invité deux dames. Tout d’abord Doris Sergy, dont la voix mélancolique berce « By All The Things You Learned ». Puis, Danila Ivanov. Son violoncelle communique un sentiment de nostalgie à « Everyone Is Right », une ballade empreinte de tendresse. En fait, les deux vocalistes ont des organes totalement différents. L’un a une voix sculptée pour le métal, capable de la pousser dans ses derniers retranchements. L’autre, plus fragile, colle mieux aux chansons qui privilégient les arrangements complexes et les harmonies accrocheuses.
Bien balisée par la section rythmique, « Need A Chance » affiche un haut potentiel radiophonique. « Every Single Day », c’est le premier single qui a précédé la sortie du long playing. Il est sur la toile.
Sculpté dans le rock mélodique, « Eager For Rock » remue les tripes, même s’il concède un goût de gruyère très prononcé. « Unbelievable Dreams » nous replonge au début 70’s, un morceau atmosphérique incrusté des sonorités de gratte expérimentales, ondoyantes, fulgurantes, et lustré par de superbes harmonies.
« Hopeless » et « Calypso Cries » nécessitent plusieurs écoutes avant d’être appréciés à leur juste saveur. Mais dès que votre matière grise les a bien assimilés, il est difficile de s’en débarrasser, tellement ils deviennent contagieux.
Irréelle ou plutôt céleste, c’est en effet l’impression laissée par la voix de James Irwin (NDR : un Californien d’adoption), qui évolue dans un registre proche de Jason Lytle… Elle est même cotonneuse voire visionnaire, et très susceptible de vous propulser en apesanteur. Et tout particulièrement tout au long de son second elpee, « Unreal ». Pas étonnant que l’autre James Irwin, renseigné par Wikipédia, soit un astronaute qui avait participé au vol d’Apollo 15.
Responsable d’un premier essai acoustique en 2012, intitulé « Western Transport », le Canadien a décidé d’étoffer ses compos. Le saxo de « Walls Around Nothing » répond aux échos de « Did You Hear Who Shot Sam ? », une compo magnifique, mélancolique, aux sonorités réverbérées, dont les lyrics évoquent la mort de Sam Cooke, ainsi qu’à ceux de « Blood Going Back in Time ». Mélodieux, « Everything Passed Me By » bénéficie d’arrangements soignés. Si « Walls Around Nothing » est légèrement dansant, « Face Value » baigne dans les claviers 80’s. Seul, au sein de son studio, Irwin a peaufiné à l’extrême les 9 pistes de ce long playing, bien moins fictives que supposées. « Unreal » un rêve ‘chill’ devenu réalité…
En écoutant pour la première fois cet elpee, je me suis demandé s’il s’agissait bien de Mumford and Sons. Après vérification, il s’agit bien de « Wilder Mind », leur troisième album. Mais (mauvaise) surprise, leur folk/rock endiablé, autrefois alimenté par du banjo, de l’accordéon, de la mandoline, de la contrebasse et des grattes acoustiques, a cédé le relais un rock plus classique et très électrique. Il y a bien sûr toujours la voix, reconnaissable entre mille, de Marcus. Leurs spécificités originelles n’ont pas été totalement gommées, notamment en seconde partie de disque. A l’instar de « Broad-Shouldered Beasts », « Hot gates » et « Cold Arms ». Mais on n’y retrouve plus la magie de « Sigh No More » et « Babel ». Markus Dravs, qui avait opéré une mise en forme géniale sur les deux premiers opus, a été remplacé par James Ford (Arctic Monkeys, Florence And The Machine) ; ce qui explique peut-être également ce virage à 180°.
Sur le single, « The Wolf », les guitares sont ronflantes et énervées. « Believe » aurait dû figurer au répertoire de Kings Of Leon. Et « Ditmas » bénéficie d’une très jolie mélodie. C’est tout ! Une petite déception…
Quand on évoque la scène musicale contemporaine du Québec, on pense le plus souvent à Lisa LeBlanc, Marie-Pierre Arthur ou encore Béatrice Martin (Coeur de Pirate). Faudra bientôt y ajouter Chloé Pelletier-Gagnon, aka Klô Pelgag, une jeune artiste âgée de 25 printemps.
Klô puise son inspiration aussi bien dans la peinture (Botero, Dali, Magritte), la littérature (Boris Vian) le théâtre (Ionesco), le cinéma (André Forcier, Jean-Claude Lauzon) que la musique (Vigneault, Debussy, Brel, King Crimson, Zappa, Chopin et Klaus Nomi). À l'oeil ouvert, l'oreille brillante et l'esprit déjanté –juste ce qu'il faut– elle s'évertue à confondre musique et mots. Souvent déroutants, ses lyrics abordent des thèmes graves comme la mort, la maladie, l'absence, l'abandon. Un peu comme une conteuse des temps modernes. Elle aurait aussi pu incarner un personnage de dessin animé. Plus dans un manga ou un Cobra que chez Disney, donc sans fées, ni prince charmant ; car elle veut communiquer un message réaliste, quoique parfois à prendre au second degré.
A la fois magique, lyrique et énigmatique, son premier opus nous plonge au cœur d’un voyage mystérieux et subliminal. Le charme prend sa source au bord du fleuve Saint-Laurent, plus exactement à Rivière-Ouelle, petite bourgade à l'est du Québec. Les arrangements –piano et cordes (violon, violon alto, violoncelle et contrebasse)– sont signés par son frère Mathieu.
Chaque chanson se déroule comme un court métrage. Et les scenarii tiennent parfaitement la route. « Comme Des Rames » s'adresse aux célibataires. « Le Dermatologue » constitue une déclaration d'amour déguisée. « La fièvre Des Fleurs » aborde le sujet du cancer…
« Les Corbeaux » paraîtra en single juste avant son spectacle au BSF, qu’elle accordera ce 19 août. C’est le troisième issu de l’elpee. Cette chanson est bien balisée par les cordes. Et nous dépeint une lune envahie de corvidés. « Tunnel » nous entraîne au cœur d’un monde fantastique à la rencontre de sorcières, monstres et elfes ; une compo au cours de laquelle sa voix me fait penser à celle de Lisa LeBlanc voire de Marie-Pierre Arthur.
Exécuté sous la forme d’un duo piano/contrebasse, « Le Silence Epouvantail » est illuminé par des harmonies vocales somptueuses. Abordé dans l’esprit de Gilles Vigneault, « Rayon X » raconte l'histoire d'un savant fou. Entre Stars Wars et les époux Curie (Marie et Pierre Curie), il y a le radium. Plus expérimental, « Le soleil incontinent » est à appréhender au troisième degré.
Tout au long de « Taxidermie », elle pousse sa voix dans les aigus, afin de traduire les sentiments éprouvés par ses personnages. Après le remarquable « Les mariages d’oiseaux », le long playing s’achève par le ténébreux et mélancolique « La Neige Tombe Sans Se Faire Mal ».
L'album vient d’être réédité en édition de luxe. Habillé d’une couverture en impression or, il recèle un livret de 36 pages, au sein desquelles 16 dessins originaux ont été réalisés par autant d’auteurs différents. Et il est enrichi de 4 inédits.
En 2011, à Beauport au Québec, alors qu’ils n’ont à peine que 16 et 20 ans, les deux frères Chiasson décident de fonder leur propre groupe. Pour y parvenir, ils font appel à deux amis pour se charger de la basse et des drums. Le line up complété, l’aventure de The Seasons peut commencer. Très vite, alors qu’il ne dispose que de quelques morceaux, le quatuor se produit en concert. Puis enregistre une demi-douzaine de titres qu’il diffuse sur la toile. Tout aussi rapidement, il acquiert une certaine notoriété ; ce qui lui permet de signer sur le label québécois, Vega Musique. Cet Ep précède la sortie de « Pulp », un long playing qui devrait paraître en Europe au cours du mois de septembre. Les deux disques ont déjà été couronnés de succès au Canada et ont même intégré le top 5 des meilleures ventes.
La musique de The Seasons est influencée par les sixties, et tout particulièrement Simon & Garfunkel. Les harmonies vocales échangées entre les deux frangins, sont d’ailleurs particulièrement soignées. Hormis le titre plus rock « Kitsch Trick », le band pratique une sorte de pop/folk aux mélodies 60’s sucrées et contagieuses.
A l’écoute de cet Ep, on comprend mieux pourquoi le succès de groupe a été aussi fulgurant. Leur expression sonore a tout pour plaire, même si elle manque cruellement de caractère. Ce qui me permet de douter de l’impact qu’elle pourrait avoir sur le public du Vieux Continent…
Valium Tremens est issu des Hauts-de-Seine, en région parisienne. Fondé en 2013, son line up impliquait alors le drummer Djo, le chanteur Martin, le bassiste Matt ainsi que les gratteurs Chris et Nikooz. Depuis, trois des musicos ont quitté le navire.
« Post Coïtal Blues » ouvre l’Ep. Un titre de stoner gras, huileux même. Lourds, métalliques, les riffs évoquent Black Sabbath. « Ta nuit » est davantage incisif. Nonobstant une intro paisible, « Chambre 2220 » est plus écrasant. Et l’envol des guitares atteint même un point de saturation qui exclut tout retour en arrière. « Lâche pas l’morcif » est une piste imprimée sur un tempo plus rapide. Et manifestement, il ne faut pas lâcher le morceau que l'on tient bien entre les dents.
Valium Tremens s’inspire des seventies, mais les adapte sous une forme contemporaine. La voix de Martin est aussi puissante et percutante que celle du chanteur d’ AqME, Vincent. Et les lyrics sont également interprétés dans la langue de Voltaire.
Quatre titres, c’est un peu court pour se faire une bonne idée de leur potentiel ; mais cet Ep augure un futur intéressant…
Marcella Di Troia a une fameuse voix. Probablement hantée par Janis Joplin. Elle affiche un look improbable. De Sioux, pour être plus précis. Ses plumes, ses grelots et la fine bande noire sur les yeux et le nez accentuent le côté sauvage et mystérieux de la chamane. C’est aussi la chanteuse de Black Mirrors, un groupe issu du Brabant wallon, au sein duquel militent également le gratteur Pierre Lateur, le bassiste Gino Caponi et le drummer Edouard Cabuy.
Le quatuor pratique un stoner boosté à la testostérone. Mais un stoner susceptible de déraper dans le blues, le rock, le garage ou le métal. L’influence de Queens of The Stone Age est palpable. Mais aussi de Jimi Hendrix. A cause de ces riffs de guitare incandescents, incendiaires, volcaniques même, et puis de cette frénésie électrique.
Des accords de guitare qui donnent le ton dès « The Mess ». Derrière son micro, Marcella vous remue les tripes.
La section rythmique balise un train d’enfer à « Make The Same Old Day ». Les années Woodstock refont surface…
Plus classique, « Something », permet au chant de Marcella d’adopter des intonations plus douces et rocailleuses.
Une voix qui exprime tout son potentiel sur « Mind Shape ». Les riffs de guitare son précis. Les drums métronomiques.
Et « Drop D » de clore ce superbe Ep dans un climat bien stoner.
‘Mama Killa’ c’est une divinité inca dans la mythologie et la religion incas. Mais également une légende construite par un quatuor bruxellois (Alsemberg) pour justifier son patronyme. Car cette ‘Mama Killa’ serait une dangereuse psychopathe changée en poupée par une sorcière. Elle part donc à la recherche de son fils, ‘Jean-Sébastien Killa’, et engage quatre musiciens afin qu’ils interprètent et chantent ses textes. Le line up du band réunit Ben Derycke (batterie), Raph Troes (basse), Tim Meura (guitare) et Vince Lachenal (guitare, voix). Et apparemment, il a bien été choisi pour accomplir ce challenge !
Derrière tout ce concept, se cache donc un groupe responsable d’un premier Ep qui tient la route. Le combo reconnaît pour influences majeures, Queens of The Stone Age, The Melvins, Fu Manchu ou encore Mastodon. Chez Mama Killa, la première guitare est puissante et la basse écrasante, la seconde gratte se chargeant de tracer les mélodies. Sur les trois premiers morceaux, Vincent Lachenal pose ses textes, alors que des chœurs viennent sporadiquement enrichir l’ensemble. Reste donc une dernière plage. Un instrumental percutant et hypnotique. Intitulé « Name Rub », il est hanté par un sample tout droit sorti d’un film d’épouvante (du moins on peut le supposer)…
Espérons que le fils Killa ne soit pas retrouvé de sitôt, histoire de voir ce que Mama Killa a dans le ventre…
Ce quatuor est originaire de Montpellier. Son patronyme ? Poussin. Et son premier Ep ne manque pas de charme. Les quatre titres pondus par cet étrange gallinacé mélomane sont vraiment savoureux et se cuisinent suivant les bonnes recettes instituées par Grizzly Bear (« The Roof »), c’est-à-dire pimentées d’interventions de grattes énergiques et parfumées de claviers mélodiques. Un rock contemporain classique et lyrique à la fois, admirablement porté par la voix charismatique de Cyril Douay (ex-Acrobates). On a hâte de découvrir la prochaine ponte… Difficile en tout cas de résister à l’imparable single « Bitch », digne d’un Ghinzu au sommet de son art !
Elle est belle, rousse et a des yeux noisette. Une jeune artiste pleine de talent. Elle est timide aussi, mais capable de se transcender sur les planches. Et nous vient de Lyon. Joe BeL se produira dans le cadre du Brussels Summer Festival le 18 août 2015 et le 29 janvier 2016 au Club de l'Ancienne Belgique. Chaude, sa voix campe un hybride entre Nneka, Selah Sue, Nina Simone, Norah Jones et BJ Scott, le grain soul de Sarah Carlier, en plus. Elle a accordé une interview à Musiczine, dans le Château du Parc d'Enghien, lors du festival LaSemo.
Alors que tu suivais des cours d’histoire de l’Art, tu as quitté prématurément tes études, pour te lancer dans l’univers de la musique. Pas de regrets ?
Pas du tout. Mais, il est vrai que j’ai pris un risque. Ce monde m’était totalement inconnu. J'écrivais déjà beaucoup de chansons. A un certain moment, j’ai voulu partager cette passion avec d’autres ; et je n’ai plus eu le choix. C'est le point de départ.
Par quel hasard as-tu rencontré Asaf Avidan ?
Un coup de bol. Son producteur de spectacles lui avait proposé plusieurs artistes pour assurer le supporting act. Je figurais dans la liste. Je l’ignorais. Deux semaines avant de partir, j’ai reçu un coup de fil pour me signaler qu’Asaf m’avait choisie pour l’accompagner sur sa tournée. J'ai accepté et tout annulé tout ce que j'avais prévu. Et je l’ai suivi. C'était en 2013.
Quel est ton parcours musical ? Et à partir de quel moment as-tu décidé de t’entourer de collaborateurs ?
Je me suis produit sous différentes formules. D'abord, en solo avec ma guitare acoustique et ma voix. Puis en duo. Il y a deux ans. Benoît Richou alterne alors entre guitare et basse. Enfin, en trio. Lorsque Jean Prat est venu nous rejoindre pour assurer les drums. Nous sommes tous issus de Lyon. Je me consacre également au piano et Jean au synthétiseur. Fin janvier 2016, c’est sous ce line up que nous nous produirons au Club de l'Ancienne Belgique.
Ta chanson « Ten » abord le thème des premiers amours difficiles. Soit ça passe ou ça casse. Du vécu ?
Tomber amoureux une seconde fois est de l’ordre du possible. Souvent on imagine qu’on ne pourra jamais retrouver une relation aussi intense. Dans la vie, en général, on peut vivre des tas de premières fois. Mais ces histoires seront systématiquement différentes. Elles peuvent même devenir aussi fortes, si pas plus. Mais pas la peine de se faire de fausses idées, en amour, on ne revivra jamais le même scénario.
« Stronger » est une compo fragile. Est-ce le reflet de ta personnalité ?
Oui, je suis fragile et je l'assume. Nous avons tous des faiblesses. Ce qui va nous rendre plus fort, c’est de s'en rendre compte et les assumer, au lieu de les cacher, à soi-même est aux autres, pour paraître invincible. Il est important de bien connaître ses propres failles, et ne pas craindre de les révéler à autrui. C'est cela la vraie force. Et c’est le thème de cette chanson.
Lors de tes concerts, et je l’ai encore remarqué aujourd’hui, certains spectateurs son inattentifs et bavardent. C’est dérangeant ?
Au début de ma carrière, cette attitude m'indisposait quelque peu et surtout me déconcentrait. Comme je n’avais pas encore suffisamment de planches, j'étais perturbée. Lorsque j’assiste personnellement à un spectacle, il m’arrive de causer avec mon entourage, tout en écoutant la musique. Parler ne veut pas dire que les spectateurs s’ennuient. Peut-être ont-ils envie d’échanger leurs impressions. Mais lorsque certains individus se mettent à élever la voix ou à hurler, c’est parce qu’ils se fichent royalement du concert. En plein air, l’agitation apporte de la vie au show. Les conversations. Les mouvements de la foule. Certains spectateurs débarquent, d’autres partent, puis reviennent. Certains écoutent ou dansent, d’autres pas. C'est animé et ce remue-ménage me plaît.
Apparemment, tu apprécies le public belge, et c’est réciproque…
Effectivement, je l’ai encore signalé au cours du concert. Et j’y pensais encore, il y a 5 minutes. Qu’a-t-il de si différent ? Peut-être l’envie d’être heureux ensemble. De partager certains moments. D’être là et de ne pas constamment juger. Je ne sais pas. Je ne veux pas émettre de comparaison avec d'autres endroits ; mais simplement qu’humainement, il en émane quelque chose de beau.
De festif surtout, tu ne penses pas ?
Absolument. J'espère revenir le plus souvent possible en Belgique. Chaque fois, l’ambiance y est particulière. Les Belges ont une envie de kiffer la vie.
Ce qui explique pourquoi tu te produis à LaSemo, puis à Louvain-La-Plage, au BSF et en fin à l'AB. Tu ne vas plus nous quitter ?
C’est parce que je me m’y sens bien. Et pas seulement à cause des concerts. J’ai déjà eu envie de m'y installer. J'y réfléchis. L’état d’esprit et la relation entre les gens me plaisent. C'est la base de l’existence.
Tu aimes te produire sur les planches ?
Oui, c'est l’endroit où la musique prend vie. Enregistrer en studio est passionnant. Ecouter un disque chez soi aussi. Mais le live contribue au partage. Se produire devant un auditoire, c’est ce qu'il y a de plus beau. C'est sûr.
Tu as assuré les premières parties d'Ayo et Milow. Tu en gardes de bons souvenirs ?
Que de bons souvenirs. Milow est un mec super, génial, hyper généreux et particulièrement sympa.
On en arrive à la question bateau, celle des influences. Elles sont surtout américaines, insulaires ou françaises ?
Perso, le dieu absolu, c’est Stevie Wonder. « Innervisions », son album paru en 1973, constitue le disque de référence. J’apprécie également la pop anglaise. La plus mélodieuse. Qui a l’air simple, mais pas si simple qu’elle ne paraît. Paul McCartney est mon autre idole. Je suis plus Paul que John. Mais les Beatles demeurent la source de la musique contemporaine. L'afrobeat me botte également. Surtout lorsqu’elle prend une coloration funk. Celle de Fela Kuti, par exemple, qui a marqué les années 70. La musique africaine est très chaleureuse. Elle me transporte. Ses rythmes endiablés m'inspirent, m’hypnotisent. Je n’ai jamais mis les pieds en Afrique profonde, et je ne sais pas pourquoi. J'aimerai beaucoup m’y produire et assister à des concerts…
Ton dictaphone t’accompagne partout. C’est pour immortaliser les bruits de la vie ?
C’est exact. Dès que j'entends un bruit qui m'intéresse ou qui m'interpelle, je l'enregistre. Mon inspiration se manifeste le plus souvent quand je marche dans la rue. Ou lorsque je me déplace en bus, en camion ou en voiture, pendant une tournée. Sans son concours, mes idées s’envolent…
Un premier elpee en préparation ?
J'ai tourné dans un film en France. Il sortira fin 2015. J’y joue le rôle d’une chanteuse. Et j’y interprète mes propres chansons. Ce premier album devrait paraître au printemps 2016, juste après le lancement de ce long métrage.
Joe, utilises-tu ta voix comme un instrument ou te sert-elle à simplement accompagner les mélodies et des harmonies? Elle est sableuse, rocailleuse, un peu soul également, tu la travailles ou est-elle naturelle ?
Difficile de répondre à cette question. Je pense que j'utilise ma voix comme un autre instrument. Je compose tout de a à z pour tous les instruments : la ligne de basse, les guitares, les claviers et la batterie. La voix, c’est un instrument qui se sert de mots. Il apporte ainsi un. Je dois t'avouer que je ne la perfectionne pas du tout. Maintenant que c’est devenu mon outil de travail, je devrais y penser…
Es-tu instinctive, intro ou extravertie ou encore passionnée ?
Tout ce que tu as dit sauf extravertie. Monter sur les planches exige un effort pour moi. Ce n’est pas comme si j’allais faire des courses. Je dois me dépasser, affronter les regards de la foule. Ce n'est pas un comportement naturel. J’ai le trac. C’est une épreuve. Pourtant, vu de l’extérieur, cette démarche semble normale. Je ne suis pas extravertie de nature. Mais il faut que je fasse violence, car j'aime partager ma musique. Si je suis passionnée ? Absolument, sans quoi, je n’aurais pas embrassé cette carrière. Il faut vraiment de la passion pour exercer ce métier. Il exige beaucoup de travail. C'est parfois un peu difficile. Surtout quand on reste longtemps sans jouer. Et on est frustré. J’ai un petit garçon de 3 ans, et quand je pars 15 jours, loin de lui, c’est une souffrance. Instinctive, c'est le qualificatif qui me va le mieux. Je bosse constamment à l'instinct et dans l'impro. Toutes les chansons que j'ai écrites son accidentelles. Elles sont nées par hasard. Je me suis arrêtée et je me suis dit: ‘Là, c'est bien!’. Je vais l'enregistrer. Les textes émergent et je commence écrire. Cet instinct, je ne voudrais surtout pas le perdre. Dans ce domaine, réfléchir et calculer, ce n’est pas dans ma nature…
Envisages-tu un jour d’écrire tes textes dans la langue de Molière ?
J'adore la langue française. J'ai accompli des études en littérature et lettres modernes. Ce n'est pas du tout un choix que je rejette et qui ne m'intéresse pas. Comme je te l'ai dit, je travaille suivant mon instinct. Et cet instinct m’a poussé vers l'anglais. J'ai de plus en plus envie d'écrire aussi en français. Je ne dresse pas de barrière entre les langues. Cette option s’inscrit dans un processus d’évolution naturel...
C’est dans le cadre du LaSemo, festival à épingler pour son approche conceptuelle, originale et pragmatique, que se déroule cet entretien. Cali est particulièrement décontracté. Dix petites minutes me sont accordées. Il va falloir sabrer dans les questions, sans quoi on risque allègrement de dépasser le temps imparti.
Merci Bruno pour avoir accepté cette interview destinée à Musiczine. En fait, faut-il t’appeler Bruno ou Cali ?
Comme tu veux ! Ce qui t’arrive dans la bouche le plus facilement.
Le titre de ton dernier opus fait référence à une chanson de Léo Ferré qui date de 1966. Sa poésie était écorchée, souvent ténébreuse. Cette compo est à l’antipode de sa discographie puisqu’elle est même chargée d’espoirs. Pourquoi ce titre plutôt qu’un autre ?
Ce n’était pas prémédité. A vrai dire, elle me hante depuis longtemps. Comme tu le dis très bien, Ferré est quelqu’un qui a écrit de très belles chansons. Pour moi, c’est le plus grand des poètes. Ses textes étaient merveilleux, souvent sombres, déchirants, tout en véhiculant des revendications. Ce morceau en particulier, je souhaitais qu’il figure en dernier, parce que c’était le plus doux. Il est teinté d’optimisme. Il ouvre les bras vers l’avenir. Cette mélodie est destinée aux enfants. Ils doivent comprendre que, dans la vie, tout n’est forcément ni tragique, ni sombre. Les rayons de soleil sont à portée de main. Ils doivent les agripper et leurs vies en seront plus belles… J’ai intitulé ce disque « L’Age d’Or » pour une autre raison. Je me suis aperçu qu’il était mon œuvre la plus lumineuse.
Il y a aussi, chez toi, une sorte de mimétisme. Tu adoptes un phrasé assez proche de Ferré. Etait-ce voulu et assumé ou alors y a-t-il une part d’inconscient ?
Il n’y absolument rien de prémédité. J’écoute tellement Ferré que son esprit doit couler dans mes veines. En même temps, je suis fan de groupes tels que U2, Simple Minds et les Waterboys. Comme une éponge, je m’inspire de ces courants et puise à droite et à gauche. Mais si ça peut ressembler un peu à Ferré, j’en suis très, très fier (rires).
Ton dernier elpee a très bien été accueilli. Tu as parfois, dans le passé, essuyé des critiques virulentes. Y es-tu sensible ? Qu’as-tu envie de dire aux détracteurs aujourd’hui?
Ce métier est fait de hauts et de bas ! Je pense que les critiques sont importantes parce que c’est le premier regard sur notre job. J’ai parfois râlé parce qu’on a colporté des propos vraiment pas sympas à mon égard. Un jour, une journaliste m’a traité de fou, de malade mental. Cela ne se fait pas ! Dans ma famille, il y a des patients qui souffrent de cette pathologie et sont soignés dans des unités spécialisées. Il faut être attentif à ce que l’on dit ! J’essaie d’être le plus honnête possible dans mon travail. Je raconte ma vraie vie et je ne chanterai jamais une chanson dont je ne suis pas fier. J’ai envie de dire aux détracteurs de tout poil : ‘Si vous aimez, tant mieux. Si vous n’aimez pas, tant pis !’ Le dernier album a très bien été accueilli. Ce qui m’a fait du bien parce que j’y parle beaucoup de mes proches.
Tu as écrit une soixantaine de chansons… et il y en a plus que 13 sur ton cd. Vu la quantité de matière, pourquoi ne pas avoir envisagé de publier un double LP ?
J’en ai déjà enregistré de très longs. Mais j’ai l’impression que ce choix doit rester un coup de feu. J’aime bien l’idée que lorsque le disque arrive en bout de course, on ait envie de réappuyer sur la touche ‘play’. Lorsqu’il contient trop de chansons, on peut se sentir pris en otage en quelque sorte. Je m’aperçois que celui que je considère comme ma référence –« This is the Sea des Waterboys »– ne comporte que neuf titres. Neuf perles ! Le mien aurait pu être plus court encore, mais j’ai du mal à choisir ceux que je vais éliminer. En ce qui concerne celles que j’ai écrites, mais qui ne figurent pas sur l’album, ce sont des moments de ma vie. Peut-être que dans deux ans, elles ne voudront plus rien dire ! Elles m’ont fait du bien au moment de l’écriture, mais elles ne verront jamais le jour !
On a l’impression qu’à chaque album, tu ressens le besoin d’immortaliser des polaroids de ta vie. « L’Age d’Or » fait référence à une époque révolue. Est-ce une manière de dresser le bilan de ton existence ?
Je ne sais pas si c’est le cas ! Aujourd’hui, j’ai trois gosses. A l’âge de 15 ans, je me souviens avoir déclaré à des amis : ‘Qu’est-ce que l’on va faire plus tard ?’ Perso, j’avais émis le souhait d’être un troubadour et avoir des enfants. Aujourd’hui, j’ai réalisé ce rêve. Ce n’est pas de la nostalgie, ni du regret. Je voulais plutôt exprimer ma gratitude à l’égard de celles et ceux qui ont construit ma vie. L’institutrice de mon village par exemple. Elle m’a donné le goût de la lecture et de l’écriture. Elle a exercé le plus beau métier du monde. Je remercie aussi ceux qui ont suscité chez moi l’envie de pratiquer le rugby. Mes enfants également. Sans oublier, mon premier amour évidemment. J’aborde tous ces thèmes ! Oui, c’est peut être, finalement, une manière déguisée de jeter un regard dans le rétroviseur de mon existence. Se dire qu’elle est faite de belles choses. Mais de terribles évènements aussi. En fait, il n’y a pas un âge d’or, mais plusieurs, selon les différentes étapes de la vie.
Même si cet opus est parfois plus optimiste, on te sent encore aussi parfois très nostalgique. Cette mélancolie était déjà bien présente sur le disque précédent, « Vernet les Bains », qui se réfère au village où tu as grandi…
Ce disque est plus lumineux par rapport aux autres. Mais le mot ‘nostalgie’ est souvent collé au sentiment de ‘regret’. J’ai plutôt envie de l’associer au terme ‘heureux’. Je ne regrette pas. J’ai juste besoin d’un refuge. On en a tous besoin. J’imagine que toi aussi, il y a un endroit où tu as envie de te retrouver ou une odeur d’enfance dans laquelle tu as envie de plonger. Et j’ai besoin d’en parler ! C’est comme quand on ferme les yeux et qu’on veut s’immerger dans des endroits que nous chérissions parce qu’ils appartiennent à notre passé. Ca nous fait juste du bien ! Si tu écoutes une chanson que tu n’as plus entendue depuis 20 ans, mille souvenirs remontent à la surface.
Est-ce que le processus d’écriture diffère d’un opus à l’autre ?
Je fonctionne à l’instinct. Il est très compliqué de préméditer les événements. Sous peine de dénaturer ta muse. Je ne me dis jamais ‘Allez, il faut écrire maintenant !’ Bien au contraire, chez moi, le processus d’écriture est naturel. J’aligne des mots, qui deviennent des phrases. Elles-mêmes se transforment en humeur. Les chansons découlent de ces états d’âme. Je n’ai pas d’idée préconçue sur la façon dont ce processus va se dérouler. Le premier album était marqué par une rupture. Le second, par la naissance de ma fille qui a 10 ans aujourd’hui. Parfois, des relents politiques se sont manifestés, parce que j’étais engagé (NDR : à gauche). Rien n’a jamais été prémédité ! Je crois que dans le cas présent, je n’ai pas réalisé un disque triste. Ceux qui l’écoutent me disent qu’il leur fait du bien. Je crois aussi qu’il ne faut pas faire ce que les gens attendent. Etre chanteur, c’est devenir égoïste. Mais, c’est ainsi. J’essaie de vivre dans une vie qui peut devenir très compliquée. Le seul moyen que j’ai trouvé aujourd’hui pour m’en sortir, c’est d’écrire des chansons.
Cali, certains artistes préfèrent gommer leur accent pour interpréter leur répertoire. Tu adoptes la tendance inverse. Est-ce une manière consciente de revendiquer tes origines ?
Je suis né à Perpignan. J’habite dans un petit village situé à une encablure. Je suis peut être encore un de ceux dont l’accent est le moins prononcé chez moi (rires). C’est important de revendiquer ses origines. Par exemple, je suis heureux de me rendre à Marseille et d’entendre cette prononciation si particulière. Toi, tu as un accent qui est d’ici. Je suis comme je suis et ne changerai rien.
Dans ce métier, nombreux sont ceux qui souhaitent privilégier au maximum leur vie privée. Tu parles librement de tes origines, de ta famille, … Tu as choisi de t’exposer avec ta fille sur la pochette de l’album. Quel est ton sentiment par rapport à cette notion de ‘vie privée’, sachant que tu es une personnalité médiatique ?
Je pense qu’il y a une manière d’aborder la question. Je ne tombe jamais dans le voyeurisme. Ce sont essentiellement des déclarations d’amour ! Je me réfère à mes filles Coco Grace et Poppée. Je parle aussi de mon couple. On connaît des histoires comme tous les autres. On se jette des assiettes à la tête et on se réconcilie juste après. Je chante la vie de Monsieur et Madame ‘tout le monde’ en quelque sorte. Ce qui apporte un peu de bien-être à certaines personnes. Mais, je ne me pose pas vraiment ce genre de questions à vrai dire. Je pense que mes enfants sont plutôt fiers d’avoir un père qui les raconte sur un disque. Et lorsque je suis en concert, je suis content que ma famille soit auprès de moi.
On connaît Cali, chanteur. Mais, on connaît moins Cali, acteur de théâtre. Tu as joué dans une pièce qui s’appelait « Cowboy Mouth ». Comment as-tu vécu cet épisode ? Etait-ce un ‘one shot’?
J’ai adoré cette expérience. Dans un premier temps, je l’ai abordée comme une épreuve insurmontable. Le metteur en scène m’a mis en confiance. Ensuite, je me suis laissé aller naturellement. Le pitch est amusant. Il raconte l’histoire d’un type enlevé au Chelsea Hotel, en 1971. Une femme voulait le transformer en star de rock’n’roll alors que sa famille l’attendait ailleurs. Ensuite, mon personnage tombe amoureux. C’était une aventure enrichissante. Là, debout devant le public ! Sans micro ! On entendait les réactions des spectateurs : les applaudissements, les pleurs, les reniflements, les toussotements, … Tu vois, ça c’est la vraie vie. Pendant une heure trente, faire l’amour, se battre, jouer comme des enfants avec une actrice, c’était dingue. Je sortais de là remué. Un spectacle qui a duré quatre mois ! Je veux absolument le refaire. Le monde du théâtre m’a beaucoup touché et j’ai un très grand respect pour cette immense famille. Ils sont prêts tous les soirs, sur les planches, à donner le meilleur d’eux-mêmes…
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