La Belgique ne se distingue pas particulièrement pour ses étés caniculaires. Il faut pourtant reconnaître que c’est une chape de plomb qui recouvre le plat pays en ce début du mois de juillet. Je débarque devant le Magasin4, ancien hangar reconverti en salle de spectacle, notoire pour sa programmation alternative. Ses grandes portes de couleur beige lui confèrent un aspect plus qu’anonyme. Seule une petite ouverture au niveau des yeux permet de discerner les lieux.
Je sonne, on m’ouvre. J’explique qu’une interview est prévue en compagnie de Mike IX Williams, le chanteur d’EyeHateGod. Apparaît alors la ‘tour manager’ du band. « Je suis vraiment désolée mais ce ne sera pas possible de voir Mike maintenant… Pour l’instant, il dort », me signifie-t-elle. « Mais si c’est OK pour toi, le reste du groupe est d’attaque…’ Pas de bol, la majorité de mes questions se focalisaient sur la personnalité du vocaliste. Il va falloir improviser.
Je la suis au milieu de la salle de concert encore vide, contourne le bar et arrive dans une petite pièce aux murs jaunis par le temps, éclairée par quelques néons, conférant à la pièce un air plutôt glauque. Quelques tables, sur lesquelles reposent des paquets de chips vides, meublent la pièce. Trois divans occupent la gauche de l’espace. Sur l’un d’eux, Jimmy Bower, paquet de cacahuètes à la main, me lance un regard interrogateur. La ‘tour manager’ lui explique le but de ma présence. Le fondateur et guitariste d’EyeHateGod pose dès lors son précieux sachet, agrippe le dos d’une chaise à proximité et la fait glisser jusqu’à mes pieds. Je m’exécute et pose mon micro sur la table, à côté de ses arachides. Les autres membres du band s’approchent également, formant un cercle autour de l’enregistreur.
Il y a aujourd’hui un peu plus de vingt-sept ans qu’EyeHateGod arpente les scènes du monde entier. Mais la motivation est-elle restée la même depuis le début ? « Tu sais, depuis le temps, on a tous pris de l’âge et on a évolué… Mais au fond, rien n’a vraiment changé. La seule différence c’est d’avoir une plus grand liberté de faire ce qu’on veut et d’accorder davantage de shows aujourd’hui qu’hier…», explique Jimmy Bower. Et si le combo existe depuis aussi longtemps, sous un line-up quasi inchangé (à l’exception du poste de bassiste et de la disparition tragique il y a deux ans du, Joey LaCaze), c’est certainement grâce à leurs inspirations musicales communes. « On écoute tous un peu la même la chose… ce qui explique que lorsqu’on compose ensemble, le processus vient toujours très naturellement. Nous sommes tous des grands fans des Melvins, de Black Flag ou encore de Black Sabbath. Mais on apprécie également les Meteors ou encore Louis Armstrong. Nous disposons tous de collections importantes de vinyles et de disques à la maison, sans lesquelles EyeHateGod ne serait pas ce qu’il est aujourd’hui et ne sonnerait pas de la même façon ».
En plus d’être une source d’inspiration, Louis Armstrong et le quintet américain partagent un autre point commun : la Nouvelle-Orléans. Ces terres, qui ont vu grandir ces artistes, sont apparemment également propices à la création musicale. « Tu sais, on est tous nés là-bas », explique Jimmy. « La Nouvelle-Orléans est vraiment une terre de musique et spécialement de rock’n’roll. On a vraiment baigné dans différents types de cultures musicales depuis qu’on est gamins. On a grandi en assistant chaque année aux Mardi Gras et aux Praise Parties (Jimmy mime les gestes d’un contrebassiste). On a vécu toute cette intensité musicale et son groove dans notre vie de tous les jours. Je pense que c’est vraiment un avantage d’avoir connu cette richesse musicale depuis qu’on est gosses… », poursuit-il.
Bien qu’actifs depuis bientôt trois décennies, les membres du band américain n’en sont pas pour autant productifs en termes d’elpees studio. « Mais ne t’inquiète pas, notre nouvel album ne mettra plus quatorze ans pour voir le jour », plaisante le fondateur du band, en se référant au laps de temps qui a séparé la sortie des derniers LP’s. « Nous tournons beaucoup pour l’instant, on a donc pas trop la chance d’être à la maison et de travailler sur de nouveaux morceaux… Mais bon, on a quoi… cinq ou six compos pour le moment. Il est probable qu’ils sortent prochainement sur des splits ou des 7inches », embraie Brian Patton, second gratteur, avant de poursuivre : « On a d’ailleurs gravé le mois passé un split avec Psycho (NDR : un live enregistré en 2011), un groupe de Punk issu de Boston ; et on espère prochainement en sortir un autre avec Blast ». Quoi qu’il en soit, les artistes confient qu’ils graveront une nouvelle plaque d’ici la fin de l’année, et prévoient de la publier d’ici le printemps ou l’été de l’année prochaine.
Des compositions qui prennent en effet parfois du temps à voir le jour ; chez EyeHateGod les membres ne composent pas chacun dans leur coin. « On part souvent d’une idée de Jimmy et puis on la travaille pendant un moment. On aime vraiment bien s’approprier un riff qu’on va ensuite jouer pendant 15 à 20 minutes, en cherchant à le rendre le plus lourd possible, jusqu’à ce qu’on se dise : ok, ça va, on le garde ! On est moins dans une optique de type logique mais plutôt dans le ressenti », admet le bassiste Gary Mader. « Mais bon, au début d’EyeHateGod, je dois avouer qu’on n’était pas spécialement originaux… On essayait plutôt de marcher sur les traces de Slayer, Black Sabbath, Melvins, Sabbat, Obsessed ou encore d’autres formations taxées de Stoner ou de Doom », précise Jimmy Bower en rigolant.
Une belle occasion de rebondir sur l’étiquette de ‘pères’ du Sludge qui leur colle à la peau, bien malgré eux : « Tu sais, tout cela, ce sont des étiquettes qui ne sont vraiment pas nécessaires… Bien sûr, il est flatteur d’être considéré comme au top d’un genre musical mais… ce n’est au final qu’un mot. On sait ce qu’on est et c’est de loin le plus important… » se défend Jimmy Bower. « On est juste un groupe de rock, c’est tout ! », enchaîne Gary Mader, avant de poursuivre : « Ces classifications ne décrivent jamais qu’une facette de notre musique, on ne peut pas résumer ce qu’on fait à un adjectif… On a même lu qu’on pratiquait du Doom auquel on aurait ajouté une dose de Sludge et du Stoner, etc. Bref, à la fin, ça ne veut plus rien dire… On est simplement un Heavy Rock’n’Roll band ! », clame-t-il en souriant.
Avoir Jimmy Bower en face de soi, c’est également l’occasion de s’intéresser au grand retour sur scène de Superjoint Ritual, formation qu’il avait fondée au début des nineties, en compagnie de Phil Anselmo (chant) et Joe Fazzio (batterie). Hybride de Groove Metal à la Pantera et de Hardcore, elle avait vu son élan brisé en 2004, suite à des différents entre Anselmo et Fazzio. Dix ans plus tard, il revient avec du sang frais : Stephen Taylor à la basse et Jose Gonzalez derrière les fûts. Son patronyme est en outre amputé de son ‘Ritual’, puisqu’il est sobrement rebaptisé ‘Superjoint’. « Ce changement de nom est tout simplement dû à un line up différent et puis le groupe est dans une nouvelle phase », justifie Bower. Un crochet est-t-il prévu bientôt par la Belgique ? « Figure-toi que cette tournée devait impliquer les deux groupes. EyHateGod et Superjoint. On était en fait supposé tourner ensemble. Mais le Hellfest a voulu se réserver l’exclusivité du premier concert de Superjoint sur le continent européen, le 21 juin dernier… »
David Michael Miller est originaire de la région de Buffalo, dans l'état de New York. Il a accompli ses classes musicales à l'église où il a chanté le gospel. Plus tard, il apprend le piano, le saxophone et enfin la guitare. Très progressivement, il s'intéresse au blues, soul et R&B. Il milite au sein de plusieurs formations dont Beautiful Bones et plus tard, Dive House Union. Il entame ensuite une carrière personnelle. L’an dernier il avait publié un album solo intitulé "Poisons sipped". David signe les onze plages de ce nouvel opus.
L’elpee s’ouvre par "All the blues to you", une plage très roots. Le tempo est cool. La voix est claire et puissante. Mike Brown double à la batterie et la mandoline. Jim Ehinger (Bonnie Raitt, Albert Collins) se consacre au piano. Jeremy Keyes souffle de courtes phrases à l'harmonica alors qu’Ehinger est passé à l'orgue Hammond pour le toujours aussi blues "Just ride", une piste fort intéressante. La voix de David passe naturellement, avant qu’il ne laisse échapper de ses cordes un superbe solo ; d’abord en douceur, puis –et on s’y attendait– ponctué d’une soudaine explosion. "Got them blues" nous rappelle qu’il a longtemps trempé dans l’univers du gospel. Aux drums, Carlton Campbell (des Campbell Brothers) imprime un tempo rapide. Jim cumule au piano et à l’orgue. Les cordes de Mr Miller sonnent très métalliques. Le saxophone de Jason Moynihan (Buddy Guy) introduit "Friend of mine", que chante David d’une voix extrêmement douce, avant de libérer ses cordes empreintes d’une grande sensibilité. "Doing me in, doing me wrong" s’ébroue comme un blues échappé du Chicago Southside des grands jours. Le spectre de Muddy Waters plane. Jeremy Keyes incarne le rôle de Little Walter à l'harmonica et Jim Ehinger celui d'Otis Spann au piano électrique ; David se consacrant, bien entendu, aux cordes. "Shoes to shine" baigne au sein d’un climat jazz/soul particulièrement cool. Un intéressant dialogue s’établit entre le saxophone de Barry Arbogast et la guitare du leader! Le rythme s'emballe soudainement et les cordes métalliques deviennent intarissables. "Needle to the wheel" rappelle une époque passée par David à Buffalo. Un intermède roots dont la jolie mélodie est soulignée par d’élégantes cordes acoustiques, et tout particulièrement celles du banjo ténor de Mike Brown. Blues rythmé, "If in you hear me" concède des intonations jazz et des accents southern rock. Miller soigne les percussions et sa guitare semble hantée par Duane Allman! Un climat qu’on retrouve tout au long de "Born to lose", même si l'orgue Hammond est à l'avant-plan alors que le sax de Jason Moynihan brille de mille feux. Miller en profite alors pour s’autoriser un solo de gratte qu’il triture à l’aide de ses pédales. Il se sert du bottleneck sur "Too early in the mornin", un blues primaire caractérisé par une excellente intervention d'Ehinger aux ivoires, une piste dont le tempo s’emballe en fin de parcours. "Man's got things to do" clôt l’elpee. Une finale émouvante, respectueuse et paisible, dédiée à son grand père, récemment disparu.
Fondé en 2008, Undobar est un duo français issu de Caen. Il réunit deux chanteurs/guitaristes/percussionnistes, Frédéric Foucher et Banjamin Danlos alias Derrick. Ils revendiquent la responsabilité d’un folk/rock explosif, influencé par le stoner rock issu des années 90. A ce jour, la paire avait publié deux singles composés d’autant de titres. En juillet 2010, "Strenght in disguise" (NDR : sur lequel figurait "Fuck"et "Blow me") et en juin 2013, "Virus on your lips" (NDR : partagé entre "Drive your car" et "My fate").
"Dark & rusty" constitue leur premier elpee, et il est découpé en huit plages. Et force est de reconnaître que la musique d'Undobar ne laisse pas indifférent. Il y a manifestement du potentiel chez ce tandem.
Cordes acoustiques et électriques font bon ménage tout au long du séduisant "Billion of days". La musique adopte un profil légèrement stoner, mais sans agressivité. Dans le même style, "Wait" est davantage blues. A cause des interventions à l'harmonica de Philippe Céhanne, invité pour la circonstance. Amplifiées et puissantes, elles se révèlent également personnelles et créatives. Une gratte électrifiée introduit "Where art thou?". Elle s’impose dans le rythme. Ses sonorités sont singulières et un peu plus sauvages. Elles évoquent le psyché/stoner du Paisley Underground qui a frappé Los Angeles au début des 80s. Enfin sa quintessence. Le tout enrichi par des tonalités qui lorgnent quelque peu vers Syd Barrett. Les deux sixcordistes découpent des riffs identiques tout au long de "Seed of pain" ; et chargé d’intensité, le résultat est très réussi. Incisif, l’harmo de Derrick contamine "Sunrise", une chanson mélancolique taillée dans le folk. La mise en forme et les arrangements sont particulièrement impressionnants. "A ghost in the Channel" conjugue guitare stoner et sèche folk. Une synergie qui rappelle la période psychédélique du chanteur écossais Donovan, quand il enregistrait en compagnie du guitariste Jeff Beck. La gratte qui introduit "Promises" est attaquée en slide. La voix grave du chanteur colle parfaitement à cette compo hypnotique et enchanteresse. Et c’est "Fuck", un titre qui figurait déjà sur le premier single, qui clôt le long playing ; mais dans une version totalement remodelée. Une plage qui nous transporte au cœur d'une transe atmosphérique ; et ce trip blues très personnel s’achève dans une expérimentation proche du Krautrock. Original et épatant !
Betty Fox est née à Tampa en Floride. Dès son plus jeune âge, elle chante le gospel, comme sa famille. Elle se passionne cependant pour le blues et la soul. Quand elle fonde son band, c’est pour se produire essentiellement dans sa région, la Sun Coast floridienne, côté Golfe du Mexique. Avant de graver "Slow burn", elle avait publié un premier opus, "Too far gone". Compositrice, Betty se réserve bien sûr les vocaux. Pour enregistrer son second LP, elle a reçu le concours de nouveaux musiciens. En l’occurrence le guitariste Kid Royal, le bassiste Barry Williams, le batteur Sam Farmer et le claviériste Shawn Brown.
"Think about it" ouvre le bal. Le rythme est clairement funk. Soul, la voix de Betty dispose d’énormes réserves de puissance. Elle force cependant un chouia. Elle chante la ballade soul "Sweet memories", tout en retenue, mais avec passion. Son timbre est cependant quelque peu éraillé, manifestement forgé dans le chant gospel. Kid Royal en profite pour opérer une sortie sur ses cordes. Des cordes bien harmonieuses et chargées de feeling. Fragiles, elles introduisent "Slow burn", un blues lent tapissé par l’orgue. Kid s’autorise un excellent envol. Dispensé parcimonieusement, il évoque même Ronnie Earl… La voix de Betty monte dans les octaves à la manière de Janis Joplin, sans pourtant devenir perçante. Indolent, "Solid ground" est discrètement sculpté dans le funk. "Please come home" et "Who's holdin" émargent au jazz. Presque manouche, la première piste est particulièrement allègre. Kid Royal prend son pied à la sèche. Puis, "Who's holdin". L’économie de notes et la créativité guident à nouveau la gratte tout au long de "Our love" et "Take a walk with me". La reprise du "Remember me" de feu Otis Redding rend un bel hommage à ce chanteur mythique de l'écurie Stax. Le chant est parfait, expressif, profond et sensible. Et Kid Royal s’y autorise une sortie étincelante. Quoique nerveux et dansant, "Let the light shine" est un autre morceau qui émarge encore au gospel. Elle chante "Baby please", une autre ballade r&b. Le ton est flemmard. Son interprétation reflète son vécu. Un autre sommet de l'opus ponctué par une nouvelle sortie de Kid qui nous régale une fois de plus… Bien balisé par la section rythmique, "Goodbye" baigne dans une atmosphère latino. Et le long playing de s’achever par une dernière ballade empreinte d’une extrême douceur, en l’occurrence le "Angel flyin' too close to the ground" de Willie Nelson. Miss Fox s’y accompagne à la guitare acoustique…
Howling, c’est avant tout le fruit de multiples rencontres. D’abord celle entre le Kangourou RyX (leader du groupe Acid, il a publié « Berlin », Ep qui a rencontré un fameux succès) et le producteur Frank Wiedemann (également impliqué au sein du duo Âme). Puis de la voix suave du premier et des beats minimaux si caractéristiques du second. Et enfin de deux écuries, la Berlinoise Monkeytown (Modeselektor) et l’Insulaire Counter, émanation des têtes chercheuses londoniennes de Ninja Tunes ! Une série de réunions débutée en 2012, et concrétisée par la composition du morceau « Howling », un titre qui a rencontré un succès inespéré… permettant aux deux acolytes de poursuivre l’aventure de ce duo aujourd’hui baptisé en hommage à ce qui restera probablement la pierre angulaire de leur œuvre ! Enregistré entre la forêt californienne (« Forest »), les plages de Miami, les montagnes zurichoises (« Zurich », vive l’originalité !) et la ferme de Wiedemann, sise dans le sud de l’Allemagne, « Sacred Ground » parvient merveilleusement à mixer les loops profonds, minimalistes, hypnotiques et jamais répétitifs de Wiedemann et la voix unique d’un Ry X, armé quand même de sa guitare acoustique. Et le résultat se solde par une série de morceaux qui oscillent entre deep house et folk au charme réellement insidieux… Quand on vous parlait de belle rencontre!
Jonathan est auteur/compositeur/interprète. Chanteur également. Il possède une voix de baryton irrésistible. Un crooner dans l’esprit de James Taylor, Frank Sinatra, Scott Walker, John Martyn ou Elvis Presley. Et puis il excelle à la guitare, dont il a appris à jouer depuis l’âge de 5 ans.
L'histoire de Jonathan est marquée par la conquête perpétuelle de son inspiration. Jonathan est parti aux States pour vivre son 'Américan Dream'. De New York à Los Angeles, il a parcouru les grandes plaines. Ses chansons, il les a écrites sous un arrêt de bus ou dans un pub à burgers. Un peu déçu de ce voyage initiatique, il rentre dans son île natale et enregistre son premier opus, A Solitary Man », qui paraît en 2011. L'album est très bien accueilli par la critique et le public. Son deuxième, « Gold Dust », est publié en 2012. Et il est savoureux.
« Oh Desire », son troisième, est sorti en mars dernier. Les sessions se sont déroulées au sein du studio londonien de Ray Davies des Kinks.
Jonathan est un amoureux des cordes. On avait déjà pu le remarquer sur ses œuvres précédentes. Aussi, après avoir bénéficié du concours de l’ex-Suede Bernard Butler, il a reçu celui du London Heritage Orchestra. Songwriter redoutable, Jonathan est aussi à l'aise dans la ballade folk que sur des titres orchestrés.
Deux instrumentaux ouvrent et clôturent l’LP : « One » et « Thirteen », des plages enrichies par les arrangements de cordes du London Heritage Orchestra. Plus country, le titre maître nous replonge au cœur des grands espaces de l’Ouest américain. « Rising Up » et « Phoenix Ava » sont contaminés par la soul. Tout comme « Smiling », qui aurait pu sortir d’une session inédite d'Otis Redding. « Rosario » baigne dans le trip hop. Accrocheuse, « Wild fire » est une chanson pop sise aux confins des univers de Nick Drake et Cat Stevens. Le L.H.P. illumine le second single « Arms », une piste paisible et langoureuse (voir la vidéo ici).
« The Birds » et « Walking On Air » sont deux morceaux atmosphériques. Jolie ballade folk, « The Devil's Hillside » rend hommage à ses parents. Anglo-indien, son père lui a communiqué le goût de la soul et Irlandaise, sa mère, celui de la musique celtique.
« Oh Desire » est un disque soigné au cours duquel Jonathan parvient à faire passer ses émotions à travers ses chansons. Un bien bel album !
Ce jeune Anglais constitue plus que jamais un grand espoir du blues rock international. Son premier opus, "Thunder in the sky", est paru en 2012. Ce qui a valu à Laurence d'être signé par Thomas Ruf, le patron du célèbre label blues allemand. Jones y publie "Temptation", enregistré en Louisiane, sous la houlette de Mike Zito, un disque qui bénéficie du concours de membres du Royal Southern Brotherhood et de Walter Trout! Récemment, il a participé aux sessions de l’elpee "Blues Caravan 2014 Live", en compagnie de Christina Skjolberg et d’Albert Castiglia. En mars dernier, il a représenté l'Angleterre à l'Euro blues Challenge de Bruxelles. Son nouvel opus, "What's it gonna be", a été enregistré chez lui. Pour la circonstance, il a reçu la collaboration de son backing group, soit le bassiste Roger Inniss et le drummer Miri Miettinen. C’est-à-dire sa section rythmique.
Le long playing s’ouvre par la plage éponyme. Un blues/rock formule trio sur mesure. Il permet déjà à Laurence de se réserver un solide envol sur ses cordes. La plage suivante, "Don't need no reason" me botte bien mieux. Le leader est davantage à l'attaque. Il s’autorise rapidement une sortie audacieuse assez ‘hendrixienne’. Les changements de tempo sont très bien assimilés. Laurence garde le même rythme sur "Evil", en injectant un soupçon d'agressivité dans la voix. Il élabore lentement mais sûrement son solo. Et la montée en puissance est vraiment épatante. Il maintient son attaque vocale sur "Touch your moonlight", un rockin' blues classique. Laurence et Sandi Thom, une jeune chanteuse écossaise (NDR : c’est la compagne de Joe Bonamassa !) se partagent le chant tout au long de "Don't look back", une ballade paisible. Caractérisé par ses accords de gratte empreints d’une grande sensibilité, "All I need" est une piste séduisante. De bon riffs inspirés par Jimi Hendrix voire Robin Trower alimentent le "Good morning blues" de Leadbelly, un blues/rock classique. Mr Jones force sa voix afin de rivaliser avec celle, tout à fait chatoyante, de Dana Fuchs, sur l’excellent "Can't get enough", un morceau signé par Mick Ralphs pour Bad Company. Pas facile de rivaliser avec cette chanteuse à caractère. Les accords de six cordes sont particulièrement fluides tout au long de "Set me free", un titre de pop/rock bluesy léger. L’elpee s’achève par "Stop moving the house", un rocker balisé par le piano de Julian Grudgings. Laurence Jones doit encore acquérir de la bouteille, avant d’enter dans la cour des grands.
Avant de lancer son nouveau projet, Olivier Hazemann militait au sein d’un collectif parisien de hip hop, Kalash. Il a donc décidé de changer complètement de cap en se lançant dans une nouvelle aventure, qu’il a baptisée Ladyboy Project. Financé par le système du crowfunding, via la structure Microcultures, il vient donc de publier un album conceptuel, dont le thème principal raconte l’histoire d’un Japonais qui souhaitait devenir une ladyboy, au cours des 50’s.
Pour atteindre son objectif, Hazemann s’est entouré de plusieurs musiciens (S. Martel, M. Gamet, B. Collin,…), afin d’habiller ses textes. Tout au long des treize morceaux de l’opus, l’artiste murmure des mots sur une instrumentation lyrique alimentée selon les morceaux, par un violoncelle, une guitare, un piano et même des cuivres. Parfois, le spectre de Gainsbourg se met à planer… Néanmoins, il faut reconnaître qu’au fil de l’elpee, l’attention commence à s’estomper. Et ce n’est ni la carence rythmique, ni l’absence de soubresauts qui risque de résoudre le problème. D’autant plus que les chuchotements de Hazemann finissent également par agacer.
Ce qui n’empêche pas Ladyboy Project de s’avérer un concept original. On saluera donc l’intention…
Chanteuse/compositrice, Cathy Lemons vit à San Francisco. Elle compte plusieurs albums à son actif. Excellent, le précédent, "Black crow", est paru en 2014 sur le label Vizztone. Elle a monté un nouveau projet, Lucky Losers, en compagnie du chanteur/harmoniciste Phil Berkowitz, également issu de la ‘City by the Bay’. Un excellent musicien déjà responsable de quatre elpees solos. Pour son dernier, "All night Party", il avait reçu le concours du redoutable gratteur issu de Colombus, Sean Carney, et de Bill Stuve, l'ex-bassiste de Rod Piazza. Les Lucky Losers se sont retrouvés lors de trois sessions différentes, dont la dernière, à San José, dans le studio Greaseland du Norvégien Kid Andersen, le gratteur de Rick Estrin & The Nightcats. Tous les musicos qui ont participé aux séances sont balaises. Y compris les membres de Lucky Losers, soit le bassiste Steve Hazlewood, le batteur Robi Bean et le guitariste Marvin Greene. Sans oublier les invités : en l’occurrence le claviériste Chris Burns (ex-Joe Louis Walker, Maria Muldaur, Lowell Fulson), le saxophoniste Michael Peloquin et la liste est loin d’être exhaustive.
Plage d'ouverture, "Change in the weather" est issue de la plume de Phil Berkowitz et Dany Caron. Ce dernier a longtemps épaulé le guitariste du bluesman légendaire californien, Charles Brown. Le couple chante impeccablement ce titre de funky R&B cuivré. Burns siège derrière l'orgue Hammond alors que les interventions de Phil à l’harmonica sont très originales. Paru sur le label Stax, le "I take what I want" de Sam and Dave avait décroché un énorme succès. Du bon southern soul ponctué d'une solide salve de musique à bouche. "What have I done" est un excellent blues écrit par Jimmy Rogers (NDR : il a longtemps sévi comme guitariste au sein du backing group de Muddy Waters, un mythe du label Chess de Chicago). La version de Lucky Losers est très réussie. Superbe blues, le titre maître est imprimé sur un mid tempo. Les vocaux des deux partenaires sont consistants. Complices, ils chantent cependant tout en décontraction. Guest, Steve Freund, l'un des grands guitaristes de blues contemporain, s’y réserve une sortie remarquable. Miss Lemons signe "Suicide by love", une plage de jazz cool. Elle la chante avec discernement, alors que Chris Andersen à la guitare et Chris Burns au piano, s'inscrivent subtilement dans ce contexte. L’harmo et l’orgue balisent le "What was it you wanted" de Bob Dylan, un funk léger caractérisé par une belle sortie de Marvin Greene sur ses cordes. Le "What is succes" d'Allen Toussaint est une piste bien roots. Balayée par les ivoires de Burns et la slide langoureuse du gratteur de l'Oregon, Ben Rice, elle baigne dans une atmosphère musicale propre à New Orléans. Soutenue par les cuivres et l'orgue de Kevin Zuffi (ex-Mark Hummel Band), "Long hard road" est une ballade soul qui met bien en exergue la voix de Berkowitz, un morceau au cours duquel Green s’autorise une belle sortie tout en feeling. Le "Baby, you got what it takes" de Brook Benton trempe dans le swing et le jump californien. Et irréprochable, la section rythmique facilite les billets de sorties accordés à Berkowitz et Greene. La cover du "Cry no more" de Charles Brown campe un soul blues délicat. Il ne manquait qu’un boogie. Il arrive. Et ce "Detroit City man" adresse de toute évidence un clin d'œil à John Lee Hooker. De toute bonne facture, ce long playing s’achève par "Don't you lose it", une piste entretenue par le piano électrique, la guitare d'Andersen et les percussions légères de Jay Hansen des Nightcats.
Issu de Greenville, cité sise au cœur de delta du Mississippi, Kern Pratt est chanteur/guitariste. Avant de graver "Broken chains", il avait publié "Hitch Hike" et "Somewhere South of Memphis", en 2009, chez Flying Dog. Kern est soutenu par son backing group ; en l’occurrence le bassiste David Hyde, le drummer Nelson Blanchard, l’organiste (NDR : il se sert d’un Hammond B3) Sam Brady, et d'une section réunissant quatre cuivres.
Courte intro instrumentale, "Delta Mourn" nous entraîne instantanément au cœur du Mississippi. A cause des chants d'oiseaux et des accords de guitare Résonator dispensés par Wes Lee, un musicien qui jouit d’une excellente réputation sur le plan local dans la région d'Hattisburg. C'est le riff cher à Elmore James, prodigué par la même Résonator, qui introduit "Greenville Mississippi blues", une plage imprimée sur un tempo soutenu. Invitée, Eden Brent siège derrière le piano roadhouse. Ken chante d’un timbre âpre, rugueux, avant de libérer une première fois ses cordes. "Lights are on, but nobody's home" est un blues lent signé par le légendaire Texan, Albert Collins. Cuivrée, l’adaptation est excellente. Bob Henderson s’autorise une brève sortie sur son saxophone ténor, avant que le leader ne concède un petit bijou de solo. Particulièrement roots, "Somewhere South in Memphis" est une superbe compo. La voix de Pratt est soutenue par celles de Denise Owen et Elaine Foster. L’orgue et les cuivres tapissent l’expression sonore, et Ken se réserve un solo irrésistible. "Black Hannah" (NDR : l'histoire de la guitare appartenant à T Model Ford) est un blues enlevé qui rocke. Bien amplifiées, les cordes propagent de nombreuses notes. Instrumental bien cuivré (NDR : signé Pratt), "Cotton pickin" campe un excellent blues, un morceau abordé dans l’esprit de Freddie King voire d'Albert Collins. "Don't leave me baby" est certainement une des meilleurs plages de l’elpee. Superbement introduite par les accords de gratte largement inspirés par Albert King, elle est impeccablement balisée par la section rythmique et satinée par les interventions d’orgue de Brady. Nous plongeant dans une atmosphère qui transite de Memphis à la Nouvelle Orléans. Avant que les cordes de Pratt et celles du célèbre louisianais Kenny Neal n’entame un duel ! Et comme il est au cœur du delta, Kern attaque le classique "It hurts me too" à la sèche, épaulé par l'harmoniciste Luc Borms (NDR : issu du Nord du pays, ce souffleur milite chez Professor Deaf Blues Band ; et pour la circonstance, ce titre a été enregistré chez lui, à Erembodegem). Une cover empreinte d’émotion. "Handcuffed to the Blues" est une autre piste bien ancrée dans le Memphis R&B. La section rythmique soutient bien le riff. Et cuivres ainsi que voix féminines soulignent impeccablement l’ensemble. Sam Brady se distingue derrière son orgue Hammond avant de céder le relais à la six cordes bien inspirée de Kern ! Denise Owen se réserve le micro sur "Smokin' gun", un R&B de bonne facture. Dans le même style, "Soulshake" est imprimé sur un tempo plus soutenu, alors que les vocaux vigoureux sont partagés entre Kern et Denise Owen. De bonne facture, ce long playing s’achève par "Broken chains", une piste qui nous entraîne au cœur d’une atmosphère paisible, nonchalante, spécifique au delta, une piste semblable à celle qui ouvre l’elpee et que parcourt à nouveau la Résonator de Wes Lee…
Cet album scelle la réunion de deux grandes voix de la musique soul et du R&B : Otis Clay et Billy Price. Le premier est un chanteur de couleur noire. Agé de 73 balais, il est né dans le Mississippi et a forgé son organe dans l'exercice du gospel. Le second est blanc. Agé de 65 ans, il est originaire du New Jersey. Au cours des eighties, il drivait son Keystone Rhythm Band. Aujourd’hui, il vit à Pittsburgh.
Lors des sessions studio, les deux vocalistes ont reçu le concours du prestigieux guitariste Duke Robillard et de son backing group ; en l’occurrence le drummer Mark Teixeira, le bassiste Brad Hallen, le claviériste Bruce Bears, sans oublier les deux cuivres, Mark Earley (saxophones) et Doug Woolverton (trompette), tous deux membres du célèbre big band, Roomful of Blues!
L’opus s’ouvre par "Somebody's changing my sweet baby's mind", un southern R&B que Johnny Sayles a transformé en hit, dès 1969. Les deux voix se conjuguent à la perfection. Un régal ! Elles sont enrichies de chœurs sur "I'm afraid of losing you", une bien jolie ballade soul empreinte de douceur ; une plage au cours de laquelle la guitare de Robillard est chargée d’un intense feeling. "Going to the Shack" trempe dans le pur R&B, un tube décroché en 1969 par Syl Johnson, un maître du soul/funk. "All because of your love" est une ballade soul/blues au refrain participatif. Un morceau qu’Otis Clay avait converti en succès, 40 ans plus tôt. Le saxophone de Mark Earley amorce "Love don't love nobody", un excellent blues lent teinté de soul, un titre popularisé jadis par les Spinners, un ensemble soul/pop issu de Detroit qui a enregistré pour les labels Tamla Motown et Atlantic. Encore un exercice de style classieux ! Joe Tex est un chanteur légendaire disparu prématurément à l'âge de 47 ans. Sa cover du "I'll never do you wrong" est aussi indolente. Holland, Dozier, Holland est un trio de compositeurs qui a écrit une multitude de succès pour l’écurie Tamla Motown chère à Ben Gordy (NDR : lorsqu’ils l’ont quittée, c’est pour fonder leur propre boîte, Invictus). Issue de leur plume, "Don't leaving my starving for your love" est une piste résolument soul ! R&B tonique, le "Broadway walk" de Bobby Womack remonte à 1967, une compo irrésistible. "Book of memories" est sans doute la plus belle ballade de l’opus, un ancien tube de Clyde McPhatter, le fondateur des Drifters. Une plage empreinte d’une grande sensibilité ; les deux voix complices, le piano de Bruce Bears et la gratte de Duke Robillard entretenant ce climat. R&B à coloration Stax, "Too many hands" est encore un ancien hit d'Otis Clay, qu’il avait publié pour le label Hi. "Tears of God" est un titre de Los Lobos, qui figurait sur le long playing "By the light of the moon", un disque paru en 1987. L’adaptation libère énormément de tendresse. D’excellente facture, cet LP s’achève par un r&b rythmé, en l’occurrence le "You got me hummin'" de Sam and Dave, un duo mythique qui a marqué les sixties et que parviennent à faire revivre Price et Clay…
Amy Lee Speace est chanteuse/compositrice. Originaire de Baltimore, elle a opéré ses débuts d'artiste à New York. Elle est découverte par la célèbre chanteuse folk Judy Collins, en 2005. Cette dernière l’invite à enregistrer pour son label Wildflower. Amy y grave son premier opus solo en 2006, "Songs from Bright Street". Elle déménage à Nashville en 2009. C’est là qu’elle a concocté son dernier elpee, un disque produit et mixé par Neilson Hubbard, tout comme les deux précédents, "How to sleep in a stormy boat" et "Land like a bird". Et "That kind of girl" constitue son cinquième.
L’LP s’ouvre par "Nothing good can come from this", une ballade country légère et douce. Claire et expressive, la voix d’Amy colle parfaitement à ce répertoire. L'accompagnement est minimaliste. Le violon d'Eamon McLoughlin est à l'avant-plan, la pedal steel de Carl Broemel –lumineuse– à l'arrière-plan. Et "Come pick me up" adopte un même profil. Amy y est épaulée par une voix masculine très discrète. Un soupçon de rythme contamine "Better than this". Voilée, la voix de Ms Speace ne manque pas de charme. C’est également l’atout principal de cette chanson aux accents bien pop. Changement de climat sur le plus audacieux "Three days". Une forme de blues primitif à l’intensité dramatique. La gratte est amplifiée. Les voix sont conjuguées en harmonie. Manifestement, un sommet de l'opus. Le titre maître nous replonge dans une atmosphère profondément intimiste. Une plage au cours de laquelle elle déclame sa poésie mélancolique. Guère exubérante, elle s’attarde au cœur de cette tendre caresse véhiculée par une voix délicate et angélique. A l’instar de "One man's love", devant le piano acoustique de Dan Mitchell et "Raincoat". Les interventions au violon, de la guitare de Will Kimbrough et des harmonies vocales apportent une coloration celtique à "Hymn for the crossing", une compo qu’elle cosigne en compagnie de l'Irlandais Ben Glover. Après "In Chicago", une autre piste plus pop, "Strange medicine" en revient à la country. Et c’est une ballade. "Epilogue" clôt (NDR : of course !) cet opus, dans une douceur intimiste qui caractérise plutôt bien le climat de l'ensemble.
Fondé en 2008, ce quatuor nous vient de Perth en Australie. Et ce « Tangled Thoughts of Leaving » constitue son second LP. Dès l’entrée en matière, on peut affirmer qu’il ne fait pas dans la dentelle. Les accès de guitare assénés tout au long de « The Albanian Sleepover-Part One » évoquent d’ailleurs immédiatement Neurosis voire Isis. Puis, progressivement, le climat s’apaise. Les compos sont davantage structurées et se déclinent en longs crescendos. Et manifestement le band aussie maîtrise parfaitement son sujet. Il faut dire que la formation a eu l’occasion de partager l’affiche de pointures du genre comme Russian Circles, Deafheaven, Grails ou encore This Will Destroy You (le haut du panier donc…) Mais Tangled Thoughts of Leaving ne s’arrête pas en si bon chemin. En analysant minutieusement les cinq longues pistes de « Yield to Despair », on découvre moult nuances et subtilités. Dont des accords singuliers de piano. Des accents jazz aussi. Et puis une capacité à glisser de la puissance à la douceur en passant par la noise. Le tout en conservant une certaine homogénéité.
Tangled Thoughts of Leaving va bien au-delà des formations de post post-rock ou de post-métal…
The Texas Horns est un collectif de cuivres, soutenu par la crème des musiciens locaux, principalement issus d'Austin, la capitale du Texas. Une formule qui se répète depuis 1998. Trois d’entre eux ont participé à la confection de ce "Blues gotta holda me". Tout d’abord le saxophoniste/harmoniciste notoire Mark 'Kaz' Kazanoff. Il a apporté sa collaboration à une foultitude d'artistes, que ce soit en studio ou lors de tournées. Il est impliqué sur plus de 130 albums. Une paille ! Puis John Mills, un autre saxophoniste (ténor et baryton) réputé dans l’univers du jazz. Et enfin le trompettiste, Adalberto Gomez. Le trio est soutenu par le drummer Barry ‘Frosty’ Smith et le gratteur Derek O'Brien. Les sessions se sont déroulées au sein du studio Wire Recording, à Austin. Au cours desquelles de nombreux invités se sont manifestés. Cet LP est découpé en treize pistes.
Kaz et Al Gomez amorcent "Soul stroll", un instrumental qui reçoit la participation du redoutable gratteur texan établi à Dallas, Anson Funderburgh. Les cuivres tirent déjà leur épingle du jeu. Dave Bartholomew, illustre compositeur louisianais, a écrit "Go on fool" ; et cela s'entend. La pianiste Marcia Ball chante ce titre bien nerveux. Elle se libère aux ivoires, mais ce sont encore et toujours les cuivres qui sont à la fête! Baignant dans le jazz traditionnel, "You're driving me crazy" est une plage saturée de swing. Roscoe Beck se consacre à la basse acoustique, Nick Connolly, au piano et Kaz aux vocaux. Successivement, les trois cuivres s’autorisent un billet de sortie. "Kick me again" est un instru nerveux, sculpté dans le funk. John Mills signe cette plage. Pas étonnant qu’il en profite pour se libérer sur son sax baryton. Dany Levin (ex-Asleep at the Wheel) se concentre sur son piano et Derek O'Brien brille aux cordes. Kaz Kazanoff est passé à l'harmonica sur son "Cold blooded lover", un blues imprimé sur un tempo soutenu que chante W.C Clark, le parrain du blues d'Austin. Deux morceaux ont été composés par Percy Mayfield. Tout d’abord le blues fin de soirée "Lost mind", une plage empreinte de tendresse, trempée dans le West Coast, que chante Kaz d’une voix un peu limite et au cours de laquelle le sax ténor et la trompette font à nouveau la différence. Puis "People get ready", dans une version instrumentale, caractérisée par les sorties successives des trois Texas Horns et le superbe renfort de Beck à la basse. Le "Sing sing sing" d'Earl King macère dans une atmosphère néo-orléanaise. Une atmosphère bien festive au cours de laquelle Nick Connoly chante en s’accompagnant au piano, alors que Kaz manifeste toute sa verve sur son instrument. Encore un instru : "Rippin and trippin". Du swing jazz en format quatuor. Soit Kaz, DanyLevin au piano, Ronnie James à la basse et Frosty Smith aux drums. Kaz chante encore son "Blues gotta holda me", un boogie rock'n'roll rapide au cours duquel Johnny Nicholas (également un ex-Asleep at the Wheel) s'éclate aux ivoires alors que les cuivres sont toujours en effervescence. Kazanoff se réserve pour la dernière fois le micro sur la reprise du grand succès de Louis Jordan, "Caldonia" (NDR : un morceau qui avait été composé par son épouse, Fleecie Moore). L’occasion rêvée pour les deux saxophones et la trompette de prendre leur pied une dernière fois. De bonne facture, cet opus s’achève par deux instrumentaux. Soit "Home cookin" et le rocker remuant "Spanky's Twist".
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