Quoi de neuf au Royaume des Morts ?
Venus du fin fond des abysses, après avoir bravé Hadès en personne, Erazer nous propose son premier LP : « L’océan des âmes ». Les Français nous démontrent qu’il n’y a pas que le Chablis en Yonne, mais aussi une nouvelle école du métal que le label M&O Music a choisi de porter à nos oreilles. Car « L’océan des âmes » est une œuvre à vocation pédagogique, pour ceux qui douteraient que le métal est un art et pas un vulgaire bruit de fond. Pour preuve, cet album, qu’il serait réducteur de cantonner dans le tiroir Death tant on y rencontre d’influences et une volonté de proposer une technique musicale maîtrisée, tout en simplicité, sans fioritures incongrues. Si, dès la première écoute, j’ai eu l’impression que les musicos s’étaient sûrement procuré l’intégrale de Sepultura, d’autres points de vue sont apparus : ceux des ficelles du Death viking et américain, du hardcore, et même des arrangements stoner voire blues. Manifestement, le combo a une véritable envie de proposer une musique de qualité. L’intégration de la batterie comme élément à part entière est très appréciable. Elle joue avec les autres instruments, sans se contenter de la noyade provoquée par le recours aux doubles pédales. Les constructions musicales sont parsemées de fractures rythmiques qui accentuent l’impression de Death progressif. Tout est fait pour que l’ensemble ne soit en rien ‘chiantissime’ comme certains albums de Death où il est parfois nécessaire de vérifier si on a changé de piste.
Puissance, énergie et originalité, c’est ce qui caractérise l’œuvre d’Erazer. Mais « Pourquoi l’océan des âmes ? », me direz-vous ? Parce qu’Erazer s’assume aussi au niveau vocal. Si les thèmes restent les classiques de la détresse, de la peine, des regrets et des souffrances de l’âme, les variations de chant sont aussi au registre. Erazer nous distille un growl polyglotte anglais-français-démon accompagné de voix claires et graves. Sur plusieurs titres, on se demande d’ailleurs si Nick Holmes de Paradise Lost n’a pas été invité au chant.
En 10 titres et un peu moins de 45 minutes, Erazer parvient à satisfaire les amateurs avertis du genre et à convertir certains allergiques au Death. D’autres ne s’y sont pas trompés puisqu’ils ont déjà été draftés par Lofofora, Mass Hysteria ou encore No Return pour assurer certaines de leurs premières parties.
On chausse son scaphandre et on s’y plonge !
Chanteur, guitariste et compositeur, Mike Henderson est originaire du Missouri, mais il s’est établi depuis très longtemps à Nashville où il s’est forgé une solide réputation dans les milieux du blues et du bluegrass. Fin du dernier siècle, il avait fondé, en compagnie de quelques amis, le label Dead Reckoning, sur lequel il avait enregistré trois elpees, sous le patronyme de Mike Henderson and the Bluebloods : "Edge of night", "First blood" et "Thicker than water". En 2001, il tourne et enregistre avec Mark Knopfler. En 2006, il monte un combo de bluegrass, The Steeldrivers". Le banc commet deux long playings. Mike collectionne les nominations et autres Awards. "If you think it's hot here" marque un retour au blues. Un disque paru sur l'excellent label Ellersoul (NDR : c’est à Ashland, en Virginie). Les sessions se sont déroulées au Rock House à Franklin, tout près de Nashville, dans le Tennessee. Pour la circonstance, Mike a bénéficié du concours du bassiste Michael Rhodes, du drummer Pat O'Connor à la batterie et du talentueux claviériste Kevin McKendree qui se charge également de la production.
L’opus démarre très fort par "I wanna know why", un blues primaire que chante Mike d’une voix de mauvais garçon. La slide est sur le fil du rasoir et déjà le piano Kevin libère toute son énergie. Dans l’univers du blues et du boogie, c’est le meilleur à Nashville! Deux claques se succèdent alors. Deux titres issus de la plume de Hound Dog Taylor. Tout d’abord "Send you back to Georgia", une plage qui déménage. Solide, la section rythmique porte ses deux solistes vers les sommets. Mc Kendree est intenable tout au long de ce boogie de très grande classe qui permet à la slide de rayonner au sein de ce climat tempétueux. Ensuite "It's alright". La rencontre entre les ivoires et la slide y fait à nouveau merveille. Mike et R.S Field, le célèbre producteur de Nashville, cosignent "If you think it's hot here", une ballade R&B que chante Mike, d’une voix expressive et chargée de relief, alors que Chris et Morgane Stapleton participent aux choeurs. Introduit par des accords de gratte d’une grande pureté, "Weepin' and moanin'" est un blues de toute bonne facture. Le MH Band attaque ensuite une série de covers. Le "Mean red spider" de Muddy Waters. Une version très nerveuse, caractérisée par le travail impeccable opéré par la section rythmique et le piano insatiable de McKendree, destinée à propulser la slide au zénith. La reprise du "If I had possession" de Robert Johnson est très respectueuse de l'originale. Mike est d’abord seul au micro armé de sa gratte et de son son bottleneck. Il est ensuite rejoint par ses partenaires. Syncopé, le piano de Kevin est à nouveau épatant. Henderson chante encore l’"Unseen eye" de Sonny Boy Williamson II, un Chicago blues qu’il interprète d’une voix chargée de passion dévorante et empreinte d’une grande sensibilité. "Matchbox" est un blues traditionnel. Ecrit par Blind Lemon Jefferson, il sera repris plus tard par le rocker Carl Perkins. L’adaptation est revue et corrigée par Mike Henderson et Kevin McKendree. Un boogie furieux responsable de bonnes vibrations. "Gamblin 'blues" retourne dans le downhome blues. La slide est, pour la dernière fois, en effervescence sur ce morceau composé à l'origine par le Texan Melvin ‘Lil' Son’ Jackson. Mike et Kevin cosignent la finale. Instrumentale, "Rock house blues" est une piste qui s’inscrit dans l'esprit du blues originel d'avant-guerre. Un album de très grande classe !
Quelques semaines après avoir célébré la sortie du splendide album de Pond, le side project du collectif Tame Impala, l'Australie se rappelle de nouveau à notre bon souvenir. Grâce au premier opus de The John Steel Singers, un quintet fondé en 2007 par Tim Morrissey et Scott Bromiley, un combo responsable d’une musique psyché/pop/rock. A première écoute, on est un peu noyé sous les sonorités luxuriantes ; mais au fil des lectures, elles vous accrochent insidieusement.
Les 12 plages d’« Everything's a thread » libèrent une énergie contagieuse. Ligne de basse caoutchouteuse (« Happy Before »), chœurs à profusion, claviers en couches et guitares lumineuses (le titre maître) alimentent des compos toutes en relief et hautes en couleur. Et afin de donner davantage de variation à l’ensemble, le combo n’hésite pas à adopter un tempo languissant, à l’instar de « There is a Bird » ou « The AC ».
Manifestement, ce band a du potentiel. Et pas seulement parce qu’il marche sur les traces de ses compatriotes, Tame Impala. D’ailleurs, en signant chez Full Time Hobby, il rencontre déjà une forme de reconnaissance…
En 2003, Les Gauff'’ Au Suc’ tirent leur révérence après avoir publié « Vamos A Las Vegus ». Supposé posthume, « Un Dernier Pour La Route » paraît l’année suivante. Puis silence radio. En 2014, le groupe liégeois fête ses 20 ans d'existence et remonte sur les planches pour quelques concerts. Quarante dates quand même. Le suc n’a plus droit au chapitre.
Le combo vient enfin d’enregistrer un nouvel opus, intitulé « Gauff' Qui Peut ! » Le line up actuel réunit Francis Joskin à la guitare et au chant, Willy Peters à la basse, Pol Boubiet aux claviers, Marcel Teugels aux drums et le disc jockey DJ Didjé. Le livret qui accompagne l’elpee est préfacé et illustré par Pierre Kroll.
Les Gauff' avec ou sans suc, permet une totale déjante. L’humour au troisième degré y est garanti. En ‘live’, leur bonne humeur est communicative. Ce sont un peu les petits frères de Jean-Luc Fonck (Sttellla). La belgitude dans toute sa singularité, boostée par une bonne dose d'autodérision.
« Ah Quel Bonheur (Les Plaisirs Solitaires) » et « T'Habites Denain (Un Peu De Géo) » abordent, évidemment, des thèmes scatologiques. On y visite toutes les villes de Wallifornie (lagéo) pour une petite leçon d'anatomie humoristique (la bite de nain). « Assis D'Ici (Le Bon Gros Hard Rock Pour Les Petites Personnes » rend un hommage bien perso aux dinosaures aussies. Avant qu’ils débarquent à Dessel, en juillet prochain. Le printemps est propice au jardinage. Il est donc temps d’y cultiver des zygomatiques, en semant des « Youpla (Leçon De Plantage De Chicon) » déjantés. « DiX Jockeys (Faites-Nous Dix Bises d'Ibiza) » adresse un clin d’œil à Nile Rodgers. Et invite à rejoindre le dancefloor. « Je suis Bien (Marcel Au Soleil) » nous relate des vacances passées à la Mer du Nord. « Tout Petit Pays (L'hymne à notre Belgique) » prend à contre-pied The Experimental Tropic Blues Band, et tout particulièrement leur concept album, « The Belgians », mais dans l’esprit d’Elmer Food Beat.
« Montrez-Les Nous (Naked Blues) » campe un slow langoureux (NDR : qui a dit crapuleux ?) et cuivré… Et si même les filles le disent… « Le Cowboy Kabon (Pas pour Les mous) » pourrait servir de B.O pour un western, dont l’épilogue se produirait dans une 'barake à frites'. Dérision subtile ! « Ca N'ira Pas sais-tu (Enfin un rap intelligent) » marche sur les traces des R'tardataires. Et « La Minute De Silence (Pour Toutes Vos Manifestations Funestes) » clôt cet LP particulièrement réussi, dans le style. L'accent principautaire est de rigueur pour un vrai moment de bonheur….
Miss Toots Lorraine a fait ses classes dans le théâtre, la danse, le jazz et le blues. Elle puise ses références vocales chez Ella Fitzgerald et Big Mama Thornton. Elle a accompli sa carrière auprès de son époux, Chad Mo. Marqué par le style jump, ce guitariste est un disciple de T-Bone Walker, BB King, Buddy Guy et Duke Robillard. Lorraine est épaulée par un backing group baptisé The Traffic, un combo qui réunit le drummer notoire June Core (Charlie Musselwhite Band), le bassiste Mike Philips et le claviériste Lorenzo Farrell (Rick Estrin & the Nightcats). Et qui pratique du west coast jump d’excellente facture. Elle avait publié un premier opus en 2011, "Wrapped in blues". Les sessions d’enregistrement de ce nouvel elpee se sont déroulées au sein des studios du guitariste Chris 'Kid' Andersen, Greaseland. Et la production a été assurée par Chad Dant (Cheb Mo). Vu la présence d’un tel éventail de musiciens talentueux, le résultat ne pouvait que rencontrer notre satisfaction.
Le titre maître ouvre l’elpee, une compo légèrement teintée de swing que pilote June Core. La voix de Toots est claire et distincte. Invité, Aki Kumar souffle dans son harmo, un musicien issu de Bombay qui s’est illustré, au cours des dernières années, chez Tip of the Top et Little Jonny and the Giants. Les interventions de gratte dispensées par Chad Mo sont inventives, incisives et empreintes de sensibilité. Aki tire à nouveau son épingle du jeu sur le dépouillé "When did you stop tryin'", un slow blues, ma foi, fort classique. Lorenzo siège derrière les ivoires. Chad égrène parcimonieusement des notes minimalistes. Texas blues, "Let your tears fall baby" est imprimé sur un tempo plus enlevé, une compo issue de la plume de Don Robey, alias Deadric Malone, fondateur du label Peacock. Tous les musicos tirent leur épingle du jeu. Tant la section rythmique, élégante, légère (la basse acoustique de Mike Philips) que les ivoires et la six cordes. Blues lent, "Get back to lovin'" baigne au sein d’un climat fin de soirée, une plage hantée par l’esprit de T-Bone Walker. Tapissée par l’orgue Hammond, elle est balayée par les accords de gratte cool et magiques de Chad Mo. La voix de Toots est puissante et passionnée tout au long de "Satisfied", une plage bien rythmée et nerveuse. Kid Andersen, le prodige norvégien, caresse ses cordes de son toucher si caractéristique. Toots est soutenu aux vocaux par Chad Mo et Kid Andersen pour aborder le traditionnel "Wade in the water", une excellente composition teintée de jazz. Et la sortie aux cordes est lumineuse. La cover du "Built for comfort" de Willie Dixon baigne dans un climat chicagoan. Une piste dynamique entretenue par le piano de Farrell, l'harmonica d'Aki et bien sûr les cordes de Chad Mo. Miss Lorraine chante d’une voix sensuelle "Wrong side of love", un blues empreint de tendresse. L’orgue Hammond irrigue "Chad Mo shuffle", un instrumental que domine les cordes du maître de séance. La cover du "Low down dog" de Joe Turner est imprimée sur un tempo enlevé, un morceau de west coast jump au cours duquel Toots est dans son élément. Aki Kumar prend un billet de sortie à l’harmo alors que Chad brilles sur sa six cordes, nous rappelant les maîtres du genre, Hollywood Fats et Junior Watson. Toots murmure ses mots tout au long de "Hindsight", un blues particulièrement lent. Lorenzo siège derrière l’orgue et Kid Andersen se consacre au piano sur ce titre exquis et qui mérite le respect. D’excellente facture, cet elpee s’achève par le "Love the world" de Jimmie Vaughan et Dr John, un extrait de l’elpee "Strange pleasure" qui nous plonge au sein d’une ambiance hypnotique.
C’est lors du festival parisien ‘Rock en Seine’, en 2009, que deux amis, Amaury (batterie) et Sylvain (guitare-chant), décident de constituer un groupe. C’est la naissance de Moslyve dans sa forme primitive.
Enregistré dans l’urgence et quasi dans la plus grande spontanéité, le premier LP est accueilli favorablement par Magic et DLMDS. Ce qui encourage le combo à s’investir davantage et de privilégier la qualité. Cet encouragement lui donne aussi des ailes qui lui permettront de s’envoler vers un succès d’estime amplement mérité.
Nicolas Leroux, devenu notoire par l’entremise de son band Overhead, est devenu la véritable charnière dans l’histoire du combo. Ses conseils avisés et sa rigueur professionnelle ont été d’un grand secours. Du second long format, « Slave to modern age », ont été issus l’Ep « Walk Inside », et un premier 45 tours, « Lucky 13 ».
Le départ du batteur a été une véritable remise en question. Afin d’assurer les engagements live, notamment à l’International, un appel du pied a été lancé au drummer de Chinese Robots. Le bassiste a également été sollicité en renfort rythmique. De fil en aiguille, ils ont activement participé à la trilogie.
Prolifique, Moslyve a enregistré trois long playings en seulement six années d’activité au sein du paysage indé.
Pour des raisons qui lui appartient, la formation a aujourd’hui, décidé de tirer sa révérence.
En guise d’adieu donc, ces artistes dans l’âme ont donc pris le parti, non pas d’offrir aux aficionados un opus, mais trois ! Enfin, pour être précis, une déclinaison en trois versions façon triptyque : “Have Faith”, “Faith In The Sound” et “Faith”.
La démarche est intéressante et particulièrement audacieuse par les temps qui courent. Elle ne peut être comprise que par celles et ceux qui vouent un culte sans nom à la beauté formelle au détriment de tout autre valeur mercantile. L’artistique reste la pierre angulaire de cette approche musicale ; l’envie inextricable d’explorer l’univers de chaque chanson et d’en tirer le meilleur résultat, revisité façon Moslyve bien sûr !
Une revanche prise à l’égard de celles et ceux qui les ont boudés trop longtemps. Ou alors, un clin d’œil. C’est selon …
Troisième chapitre, « Faith » constitue une version alternative de la version officielle.
Mixé par le leader du groupe, l’elpee reprend notamment quelques unes des chansons figurant sur « Have faith », telles que « That day », « All of a sudden », « Crisis », « Faith » ou encore « Thousand ».
Il s’agit d’un support audacieux dans sa démarche intellectuelle, mais qui n’apporte hélas aucune plus value à l’ensemble de l’œuvre. L’absence de véritable prise de risques est flagrante !
Cet adieu aux armes fait office de vilain petit canard parmi la trilogie ! Dommage !
C’est lors du festival parisien ‘Rock en Seine’, en 2009, que deux amis, Amaury (batterie) et Sylvain (guitare-chant), décident de constituer un groupe. C’est la naissance de Moslyve dans sa forme primitive.
Enregistré dans l’urgence et quasi dans la plus grande spontanéité, le premier LP est accueilli favorablement par Magic et DLMDS. Ce qui encourage le combo à s’investir davantage et de privilégier la qualité. Cet encouragement lui donne aussi des ailes qui lui permettront de s’envoler vers un succès d’estime amplement mérité.
Nicolas Leroux, devenu notoire par l’entremise de son band Overhead, est devenu la véritable charnière dans l’histoire du combo. Ses conseils avisés et sa rigueur professionnelle ont été d’un grand secours. Du second long format, « Slave to modern age », ont été issus l’Ep « Walk Inside », et un premier 45 tours, « Lucky 13 ».
Le départ du batteur a été une véritable remise en question. Afin d’assurer les engagements live, notamment à l’International, un appel du pied a été lancé au drummer de Chinese Robots. Le bassiste a également été sollicité en renfort rythmique. De fil en aiguille, ils ont activement participé à la trilogie.
Prolifique, Moslyve a enregistré trois long playings en seulement six années d’activité au sein du paysage indé.
Pour des raisons qui lui appartient, la formation a aujourd’hui, décidé de tirer sa révérence.
En guise d’adieu donc, ces artistes dans l’âme ont donc pris le parti, non pas d’offrir aux aficionados un opus, mais trois ! Enfin, pour être précis, une déclinaison en trois versions façon triptyque : “Have Faith”, “Faith In The Sound” et “Faith”.
La démarche est intéressante et particulièrement audacieuse par les temps qui courent. Elle ne peut être comprise que par celles et ceux qui vouent un culte sans nom à la beauté formelle au détriment de tout autre valeur mercantile. L’artistique reste la pierre angulaire de cette approche musicale ; l’envie inextricable d’explorer l’univers de chaque chanson et d’en tirer le meilleur résultat, revisité façon Moslyve bien sûr !
Une revanche prise à l’égard de celles et ceux qui les ont boudés trop longtemps. Ou alors, un clin d’œil. C’est selon …
« Faith in the sound » est le plus ambitieux des trois opus. Ici, Moslyve a laissé libre cours à l’expérience de Ly last Stand qui mixe les onze titres, procurant ainsi une ode récréative amusée en guise de départ.
Il y a un véritable lâcher prise. Une démarche presque militante. Une cérémonie d’adieu à contre-courant en quelque sorte. Subjuguant !
Une poudre d’escampette en forme de happy end, il fallait oser !
Ce n’est qu’un au revoir mes frères …
C’est lors du festival parisien ‘Rock en Seine’, en 2009, que deux amis, Amaury (batterie) et Sylvain (guitare-chant), décident de constituer un groupe. C’est la naissance de Moslyve dans sa forme primitive.
Enregistré dans l’urgence et quasi dans la plus grande spontanéité, le premier LP est accueilli favorablement par Magic et DLMDS. Ce qui encourage le combo à s’investir davantage et de privilégier la qualité. Cet encouragement lui donne aussi des ailes qui lui permettront de s’envoler vers un succès d’estime amplement mérité.
Nicolas Leroux, devenu notoire par l’entremise de son band Overhead, est devenu la véritable charnière dans l’histoire du combo. Ses conseils avisés et sa rigueur professionnelle ont été d’un grand secours. Du second long format, « Slave to modern age », ont été issus l’Ep « Walk Inside », et un premier 45 tours, « Lucky 13 ».
Le départ du batteur a été une véritable remise en question. Afin d’assurer les engagements live, notamment à l’International, un appel du pied a été lancé au drummer de Chinese Robots. Le bassiste a également été sollicité en renfort rythmique. De fil en aiguille, ils ont activement participé à la trilogie.
Prolifique, Moslyve a enregistré trois long playings en seulement six années d’activité au sein du paysage indé.
Pour des raisons qui lui appartient, la formation a aujourd’hui, décidé de tirer sa révérence.
En guise d’adieu donc, ces artistes dans l’âme ont donc pris le parti, non pas d’offrir aux aficionados un opus, mais trois ! Enfin, pour être précis, une déclinaison en trois versions façon triptyque : “Have Faith”, “Faith In The Sound” et “Faith”.
La démarche est intéressante et particulièrement audacieuse par les temps qui courent. Elle ne peut être comprise que par celles et ceux qui vouent un culte sans nom à la beauté formelle au détriment de tout autre valeur mercantile. L’artistique reste la pierre angulaire de cette approche musicale ; l’envie inextricable d’explorer l’univers de chaque chanson et d’en tirer le meilleur résultat, revisité façon Moslyve bien sûr !
Une revanche prise à l’égard de celles et ceux qui les ont boudés trop longtemps. Ou alors, un clin d’œil. C’est selon…
La version officielle du deuxième volet s’intitule « Have faith ». Neuf titres qui privilégient l’accessibilité ! Ce long format aurait pu constituer un joli clap final. Il est plus pop, moins complexe et moins torturé que ses deux petits frères.
Marqué par des sonorités de guitares ici et là atmosphériques (« Winning Days »), mais aussi parfois plus ravageuses et incisives (« Thousand », « Clue »), ce disque pousse l’auditeur dans des retranchements subtils et l’invite à découvrir de manière intuitive le cursus de cet éphémère band au talent non conventionnel.
On mettra en exergue au passage l’excellent « Flowers », une ode rétro aux senteurs seventies où voix lead et chœurs flirtent érotiquement avec les nappes synthétiques. Un bijou !
Chanteur/guitariste et compositeur de blues, Greg Nagy est âgé de 52 balais. Il est issu de Flint, dans le Michigan, le lieu de naissance de la General Motors. Il milite dans les milieux du blues et de la soul, depuis plus de vingt ans. Ses deux premiers elpees, il les a enregistrés début de ce millénaire, au sein de Root Doctor. Il est immédiatement épinglé pour son timbre vocal délicatement soul. Dans la foulée, il publie "Cadillac Club", un live, avant de voler de ses propres ailes. Gravé en 2009, "Walk that fine thin line" constitue son premier opus personnel. Il y dispense un blues teinté de soul, r&b, rock et gospel. Il embraie par "Fell toward none", en 2011. Et début 2015, il nous propose son nouvel LP, "Stranded", un disque pour lequel il a reçu le concours de nombreux amis, et tout particulièrement de Jim Alfredson aux claviers et percussions. Il sévissait déjà chez Root Doctor et a participé à la confection des deux long playings solos. C’est d’ailleurs Jim qui co-produit ce dernier opus.
La plaque s’ouvre par le titre maître, une superbe compo signée Rick Whitfield, un artiste qui relève de la Tamla Motown. Tapissée chaleureusement par l’orgue Hammond, la ligne mélodique est riche pour cette invitation à la danse. La voix de Greg est profonde, savoureuse, remarquablement soul, alors que d’abord discrète, la six cordes se dévoile progressivement. Une approche très proche d’un Robert Cray au sommet de son art. Excellent! Ballade r&b, "Walk out that door" est imprimée sur un rythme subtil et léger. Caressantes, les interventions d’orgue dispensées par Alfredson procurent une sensation de bien-être. "Ain't no love in the heart of the city" est issu de la plume de Michael Price et Dan Walsh, une compo que Bobby Blue Bland a transformé en hit dès 1974. Tout en sensibilité, les percussions de Scott Veenstra et les accès de basse minimalistes de Joseph Veloz déflorent littéralement nos oreilles. Greg égrène des notes aussi parcimonieuses que profondes. Une douceur extrême qu’on retrouve sur l’indolent "I won't give up", un morceau au cours duquel Jim double piano et orgue. Simplement belle, "Run away with you" est une plage qui baigne dans un même climat. Les voix de Marcia Allen et Jen Sygit épousent celle de l'artiste, alors que l'orgue Hammond tire à nouveau son épingle du jeu. Memphis blues, "Long way to Memphis" évolue sur un tempo lent. Il naît une intensité palpable dans le travail opéré par la voix, tour à tour naturelle ou subtilement trafiquée de Nagy. Alfredson injecte judicieusement des interventions primaires à l’aide de son piano électrique. Plus nerveuse, "Still doing fine" est une piste qui opère une fusion entre jazz et soul. Enrichie de chœurs féminins, elle est manifestement plus élaborée. Jim épaule Scott Veenstra, préposé aux percus, pour tramer le funk de "Been such a long time". Autre titre r&b, "Sometimes" accorde toute liberté aux cordes de Zach Zunis (NDR : un pote californien) qui vagabonde à travers le décor sonore. D’excellent facture, ce long playing s’achève par une cover du claviériste Kevin McKendree (NDR : il a longtemps sévi au sein du Delbert McClinton Band et milite aujourd’hui chez le Mike Henderson Band), "Welcome here", une dernière ballade soul, au cours de laquelle la voix de Greg Nagy se révèle à nouveau particulièrement expressive...
Nneka est née à Warri, une mégalopole nigériane cernée par les entreprises de raffinerie, où, très jeune, elle donne de la voix dans la chorale de sa paroisse. Un événement dramatique la pousse à s'exiler en Allemagne, le pays de sa mère, à l'âge de 19 ans, où elle étudie l'anthropologie à l'université de Hambourg.
Nneka pratique une forme de néo-soul. Sa notoriété, elle se l’est forgée en sortant constamment des sentiers battus. « My Fairy Tales » constitue son cinquième elpee. Et pour la circonstance, elle a décidé d’explorer davantage l’univers de l’afrobeat.
L'album a été enregistré entre la France, le Danemark et le Nigéria. Cinq chansons sont produites par le Français Mounir Maarouf, deux par le collectif danois Silver Bullit mais également une par The Slag, aka Marcus Nigsh et Nneka herself. Le tout a été mixé par James Bonzai Caruso qui a notamment bossé pour Method Man et Mary J Blige.
Le thème de l’opus aborde les aspects positifs de la relation amoureuse, le sens de la responsabilité à l’égard les enfants, l'importance de la culture, de l'éducation et des valeurs identitaires.
« Believe System » consomme ses premières doses d'afrobeat. Un véritable retour aux sources pour cette belle jeune femme dont la voix douce et sensuelle est très susceptible de vous envoûter. Un peu comme lors d’une séance du culte vaudou. Caractérisé par ses excellentes vibrations, « Babylon » nous entraîne à Kingston. Un des meilleurs titres du long playing.
« My Love, My love » et « Book Of Job » constituent les deux premiers singles extraits de cet opus. Des sonorités dub et reggae envahissent « Book Of Job », une compo dont la thématique se penche sur le bien et le mal. Trop court, « My Love, My Love (Reprise) » est tout à fait dispensable. Mais il est la suite logique du titre précédent. « Local Champion » est criblé de dub. Subtilement électro, « Surprise » incorpore des tonalités afro et caribéennes. Nneka plaide la cause africaine à travers « Bray For You ». Et dénonce les forfaits perpétrés par Boko Haram aux femmes. Et l’LP de s’achever par un nouveau titre d’électro/dub, « In Me ».
Peter Novelli est louisianais de pure souche. Il vit à la Nouvelle Orléans et fréquente de longue date le quartier français. Chanteur, guitariste et compositeur, il aime mêler les différentes saveurs sonores louisianaises : blues, jazz, zydeco, cajun, boogie. Il avait déjà gravé deux opus. Le premier, "Peter Novelli", paru en 2011, avait bénéficié de la participation de Dr John, Paul Barrère (Little Feat), Augie Meyers (Texas Tornados) et Greg Fingers Taylor. Le deuxième, "Louisiana Roots &Blues", publié en 2012, avait reçu le concours de Chris Thomas King et Chubby Carrier. Pour les sessions de son nouvel elpee, il s’est retiré dans le Sound Shack de Brian Brignac à St Amand, non loin de Baton Rouge.
Le soleil darde ses "Louisiana sunrise". Sonny Landreth est préposé à la slide. Un maître sur l’instrument. Ses interventions sont lumineuses et imparables. Nous sommes au cœur des bayous. L'atmosphère est sereine. La section rythmique (Chris Senac à la basse et Brian Brignac aux drums) sert de trame à "Boudin ", une plage funk instrumentale, sculptée par Novelli à la gratte. Peter passe au zydeco, pour chanter "Je ne sais quoi", épaulé par l'accordéon cajun de Sammy Naquin (leader de Big Easy Zydeco). Blues classique, "Spirit passing by" est imprimé sur un mid tempo. Une belle opportunité offerte par Peter pour s’autoriser un solo aux sonorités saturées. Peter nous parle de l'époque où il jouait chaque jour dans les bars de Bourbon street, devant des armées de touristes indifférents, sur "Bourbon street blue", une ballade acoustique. Il préfère (à raison) se rendre à Frenchmen street, une rue toute proche, où les vibrations musicales du jazz et du blues sont bien plus présentes et authentiques. Et en fin de parcours, l'ambiance monte d'un cran. "Woman in my dreams" rend hommage à JJ cale. Le climat est relax. Laidback, la guitare brille devant claviers de Kevin McKendree. Le spectre de l’artiste disparu plane… Un des sommets de l’opus ! Très jolie ballade blues, "Story in your mind" est une plage indolente. La voix de Peter est grave. Kevin siège derrière l'orgue Hammond. Invité, Bob Henderson souffle dans son saxophone. Et Novelli nous réserve ici sa plus belle sortie sur les cordes. Instrumental nerveux, "Shreveport stomp" nous entraîne au nord de la Louisiane. "Thinkin' or drinkin'" nous ramène dans le zydeco. L'accordéon de Sammy Naquin, le saxophone ténor de Bobby Henderson et les cris féminins d’Elaine Foster alimentent cette atmosphère festive propice au Mardi Gras. Et le long playing de s’achever par deux nouveaux instrus. De jolies cartes postales qui mettent en vitrine les différentes facettes de la musique louisianaise. Tout d’abord "I-10 Boogie", balayé par une guitare alerte et souligné par le piano bien néo-orléanais de McKendree. Enfin l’irrésistible "Zydeco Ride", sur lequel Chubby Carrier se consacre au frottoir et à l'accordéon…
Psykick Lyrikah se résume à un trio. Autour du MC Arm, gravitent Olivier Mellano (guitare) et le bien nommé Robert Le Magnifique (basse et machines). Il n’est « Jamais Trop Tard » pour bien faire, et tout particulièrement pour écouter le 6ème opus de Psykick Lyrikah, un crew breton dont la musique baigne dans un climat plutôt singulier propice à un hip-hop déviant, ténébreux, envoûtant, auquel il est difficile de ne pas succomber… lentement mais sûrement… Entre instrumentaux organiques (« La Ligne Rouge ») et explorations électroniques (« Mon Visage »), le trio rennais, sous le joug du flow souvent ésotérique mais toujours perçant et menaçant d’Arm, signe des plages au charme insidieux, évoluant entre révolte et poésie désabusée (« Jamais Trop Tard »). Quoique variées et puissantes, les plages ne sont pas destinées à panser vos plaies, mais nous invitent à explorer les émotions les plus sombres (« Invisibles », morceau auquel participe Iris), les plus claustrophobes (« Le Souffle ») avant d’opérer un retour salvateur vers le calme jazzyfiant (« Le Soir Pour Toi »). « Jamais Trop Tard » devrait satisfaire les aficionados du rap, peu gâtés par les fadaises voire les récentes conneries (second degré ou pas), commises par Booba, La Fouine et consorts…
Agé de 35 balais, Josh Smith est chanteur et guitariste de blues. Il a passé la majeure partie de sa jeunesse à Fort Lauderdale, en Floride. Il n'a que 13 ans lorsqu’on lui propose le poste de guitariste, chez les Rhino Cats. Les artistes de passage se bousculent alors pour aller écouter le jeune prodige. A 14 ans, il publie son premier opus, "Born under a blue sign". Et son deuxième, l'année suivante, "Woodsheddin". Smith continue ses études tout en poursuivant sa carrière musicale. Il se produit désormais sous le patronyme de Josh Smith and the Frost. Le combo grave l’elpee "Too damn cold", sous la houlette de Jim Gaines. En 2002, il s'établit à Los Angeles. Depuis, Smith continue à aligner album sur album. En 2010, il est signé par le label blues allemand Crosscut. Son dernier long playing, "Don't give up on me" datait de 2012. Lors des sessions d’enregistrement d’"Over your head", Josh a reçu le concours du bassiste Calvin Turner et du batteur Lemar Carter.
Il est certainement tombé dans un bain ‘hendrixien’ au cours de son enfance. Et dès le premier titre, c’est flagrant. Un blues lent intitulé "How long" qu’il chante d’une voix bien ferme. Et son premier envol est impressionnant de maîtrise. Le riff qui découpe "Over your head" est implacable, un blues/rock pour lequel il bénéficie de la participation d’un autre jeune gratteur de classe, Joe Bonamassa. Et les deux solistes rivalisent d'audace, nous entraînant dans un trip psychédélique. "When I get mine" trempe dans le blues. La basse de Turner comble bien tous les espaces. La guitare libère énormément de sensibilité. Jeff Babko, un musicien brillant qui a notamment accompagné Robben Ford, Larry Carlton et Sheryl Crow, siège derrière l’orgue pour "Still searching", une plage cool aux accents jazz et swing, davantage parlée que chantée. Le gratteur italien Chicco Gussoni apporte son concours sur "First hand look", un blues/rock dont les riffs puissants sont dignes du Mountain de Leslie West. Les cordes s’y croisent et s’entrecroisent comme lors d’un véritable ballet. Instrumental, "…And what" est imprimé sur un tempo enlevé. Josh et Kirk Fletcher, guitariste californien de couleur noire (Mannish Boys, ex-Fabulous Thunderbirds), y opèrent leurs échanges. Un mur de notes introduit "Smoke and Mirrors", une piste tragique, à nouveau très ‘hendrixienne’, époque Band of Gypsies, au cours de laquelle Josh étale toute sa virtuosité. "Pusher" revient à un blues plus classique, réminiscent d’Albert King et de Robben Ford. Charles Jones, chanteur de southern soul notoire, est au micro pour "Better off", un long soul blues qu’il interprète délicatement d’une voix chargée de passion, épaulé par les interventions de Jeff Babko au piano électrique. "You'll find love" est un blues plus classique au cours duquel apparaît par magie, le légendaire harmoniciste Charlie Musselwhite. Et il y affiche beaucoup de détermination. "How long", la plage d'ouverture, est reprise brièvement. Les 2 000 premiers exemplaires de cette œuvre sont enrichis d’un bonus cd. Il y recèle trois versions éditées pour la radio et deux plages live, dont "The way you do", un blues lent classique de plus d’un quart d’heure, tapissé par des interventions d’orgue…
Mary's Little Lamb est un poème écrit au XIXème siècle écrit par l’Américaine Sarah Josepha Hale, un essai qui raconte l'aventure d'une fillette, Mary Sawyer, qui avait, pour animal de compagnie, un agneau, qu’elle emmenait à l'école. Un épisode qui a inspiré Buddy Guy pour écrire un blues, au cours des sixties, repris bien plus tard, et avec succès, par Stevie Ray Vaughan. C'est enfin le patronyme choisi par un groupe roots issu du Nord du pays, qui pratique une forme d’alt country. Bart Hendrickx en est le leader, mais surtout le chanteur/multi-instrumentiste. Il est épaulé par cinq musicos : le bassiste Bert Cuypers, le batteur/percussionniste Mike Van Daele ainsi qu’une section de cuivres impliquant Bart Geens au cornet et bugle, Michael De Weerdt, également au cornet mais aussi aux percus, ainsi que Sander Augustynen au trombone et tuba. Leur opus a été autoproduit, afin d’en soigner tout particulièrement les parties vocales. Bart chante à la manière du légendaire Johnny Cash, alors que quatre membres du backing group assurent les chœurs.
"Pariah" ouvre la plaque. Une plage originale, très élaborée, country, voire americana, caractérisée par le recours aux cuivres dispensés à la manière de Calexico et d'un instrument singulier que se réserve Hendrickx lors du refrain, le marxophone, soit une sorte de cithare. Cornet et bugle introduisent le très rythmé "Sugar coat", une piste dynamisée par les percussions et au cours de laquelle le lead singer est secondé par les backing vocaux. Indolente, "I can't go wrong" est une valse roots légère, qui figure dans la B.O. de la série TV De Ridder. "The outlaw" trempe dans la country, mais dans l’esprit des westerns spaghetti d'Ennio Morricone, une plage alimentée par la guitare réverbérée de Bart, le violon de Nina Van Campen et les percussions de Mike Van Daele. Excellent ! Instrumental, "Mirage" baigne au sein d’un même climat. On y emprunte les chemins poussiéreux parcourus par les cow-boys, justiciers et hors-la-loi autrefois, traverse les villes fantômes de l'Ouest, dans une atmosphère peuplée d’accords de guitare surf et de cuivres. Un univers aventureux également reflété à travers le plus allègre "Cursed City", que balaie la lap steel de Rudi Van Everbroeck (invité pour la circonstance), la guitare réverbérée de Bart et les trompettes. Et "Lift the curse" prolonge ce périple filmique. Lap steel et xylophone enrichissent "Little worries", une ballade que Bart chante naturellement de son timbre grave. De bonne facture, "Fire in the core" constitue une première incursion dans le blues. Plage lente et majestueuse, "A long way from home" adopte une rythmique plus rock. Amplifiée et toute en reverb, la gratte séduit par son audace. Une seule reprise : celle du "Lost highway" de Leon Payne. Composé en 1949, ce titre avait été popularisé par Hank Williams, l’année suivante. Nous sommes alors très proche du country originel. De bonne facture, cet elpee s’achève par une ballade lente et royale, que Bart et Miss Jorunn Bauweraerts chantent en duo, alors que la basse acoustique de Bert Cuypers communique une certaine gravité à l’ensemble...
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