C'est la quatrième journée du Festival des Nuits Botanique. Le temps est toujours aussi propice à écouter de la musique. Votre serviteur couvre les concerts sous le chapiteau. Pas une sinécure, car le son est souvent médiocre. A cause des infra-basses. Heureusement, ce soir, hormis Tout Va Bien, les sets sont décrétés ‘unplugged’. De quoi être rassuré !
The Leisure Society ouvre le bal à 19h30. Une formation fondée à Londres en 2006, par le banjoïste/mandoliniste Nick Hemming et le multi-instrumentiste Christian Hardy. Ils sont alors rejoints par d’autres musiciens pour étoffer le line up. Qui militent également chez The Miserable Rich et Sons Of Noel and Adrian. Nick est également impliqué au sein de ce dernier combo. Inspiré par le rock, le folk et la pop, The Leisure Society a déjà publié quatre albums, dont le dernier, « The Fine Art Of Hanging On », est paru chez le très respecté label indépendant insulaire, Full Time Hobby (Timber Timbre, Micah P. Hinson, Tunng, Jacco Gardner).
C'est la quatrième fois que le band se produit au Botanique. Folk, « We Were Wasted » ouvre le bal, une compo réminiscente de Simon & Garfunkel. Il s’agit d’un extrait du premier elpee, « The Sleeper », paru en 2009. La conjugaison entre les deux voix est vraiment magique. Surtout lors des refrains. Nick se consacre à la guitare semi-acoustique. Christian aux claviers. Pas la moindre agressivité dans l’instrumentation. Nick plaisante en signalant qu'il adore la bière. Il a collé un carton de ‘Bass’ sur sa gratte. Un groupe à revoir, mais sous un format plus électrique...
Joe Bel est née en 1987, à Lyon. Il y a quelques années, elle décide d’abandonner ses études d'Histoire de l'Art pour se consacrer à l'écriture et la composition de chansons. Elle monte pour la première fois sur scène, début 2012, armée de sa seule guitare. Son premier Ep, « In The City » paraît automne 2012. Elle s’était déjà produite en 2013, à l’AB, en première partie d’Asaf Avidan. En 2014, Joe signe chez Wagram, écurie pour laquelle elle a gravé un deuxième Ep, « Hit The Roads ». Le guitariste Julien Lacharme (Aplpha Blondy), le bassiste Benoît Lecomte (JMPZ) et le batteur et percussionniste Robin Vassy accompagnent désormais la jeune autodidacte.
Joe Bel possède une voix soul douce, chaude, profonde et sensuelle, assez proche de celle de Selah Sue. Sa musique puise ses influences dans le r&b, le hip hop, le folk et la pop. Joe joue d’une gratte électro-acoustique et est accompagnée d'un musico à la guitare électrique. Elle entame son set par le titre maître de son Ep. Elle a certainement un message à faire passer à travers « No No », une compo qui raconte l'histoire d'une personne qui ne tient jamais parole. « Before » est une douce ballade folk. En une demi-heure, Joe Bel a démontré qu’elle avait du potentiel. A revoir, mais lors d’une prestation plus complète… (voir photos ici)
Tout Va Bien est un nouveau phénomène issu du Nord de la Belgique. C’est le pseudo choisi par Jan Wouter Van Gestel. Agé de 21 ans, ce Malinois a toutes ses dents… et elles sont longues… C’est un des trois lauréats de l’édition 2013 du concours ‘De Nieuwe Lichting’, organisé par Studio Brussel. Il a assuré dernièrement le supporting act d'Ozark Henry, à l'Ancienne Belgique, et a signé chez Parlophone Music Belgium (Novastar, Das Pop). Ce qui lui a permis de publier un premier LP fin avril, « Kepler Star ». On peut donc affirmer que pour lui… Tout Va Bien !
Dès qu’il se met à chanter, on pense immédiatement à Antony Hegarty, le leader d’Antony and The Johnsons. Une voix fragile, chargée de spleen, qui vous déchire l’âme et qui colle parfaitement à sa musique atmosphérique directement influencée par Patrick Watson et Radiohead. Et les singles, « This Fight » ainsi que « Old Love », en sont les plus belles illustrations. Sur les planches, il est épaulé par un backing group (drummer, guitariste, bassiste et préposé aux synthés). « Messiah » amorce un virage électro. Jan cherche à dynamiter son show. Sa voix s’adapte alors aux beats électro. Malheureusement, le concert part en sucette. Les infra-basses reviennent au galop et le son devient à nouveau insupportable. Tout Va Bien est un talent en devenir. Il est d’ailleurs déjà à l’affiche du prochain festival de Werchter (voir photos là).
Au cours de son enfance, alors que ses amis se focalisaient sur la pop contemporaine ou le rock indie, Jonathan Jeremiah préférait sonder le passé en écoutant les vinyles de son père, et tout particulièrement ceux d’artistes intemporels comme John Martyn, Cat Stevens, Scott Walker ou encore Serge Gainsbourg. Une passion qui va avoir une importance primordiale sur sa carrière d’artiste…
Il a publié son premier opus, « A Solitary Man », en 2011. L’année suivante, il grave « Gold Dust ». Et il vient de sortir son troisième long playing, « Oh Desire ».
Jonathan pourrait jouer le rôle de Jésus Christ dans un film consacré à la Passion. Troublant ! Il déboule sur les planches, armé d’une sèche. Il a quand même le sourire aux lèvres. Il est accompagné de ses quatre musiciens : David Page à la guitare électrique, Joe Glossop au piano Hammond et aux synthétiseurs, Tom Mason à la contrebasse ainsi que Sebastian Hankins à la batterie. Les claviers sont imposants et masquent la vue de votre serviteur, qui ne distingue pas bien la section de cordes. Une section de cordes limitée à une violoniste et un violoncelliste, en l’occurrence Amber (Gabriel Rios). David s’est installé à droite, et juste derrière lui le drums siège derrière ses fûts.
Le set s’ouvre par « Gold Dust », le titre maître du second LP. Jonathan possède une voix de crooner aux accents soul délicats. Un baryton ténébreux et magnifique. Dans la musique, on ressent son amour pour le folk et la soul classiques. Les sonorités de gratte sont légèrement surf lors de cette compo qui monte graduellement en puissance. Après un plus folk « Rosario », « Heart Of Stone » adopte un profil beaucoup plus rock. Pourquoi installer un nouveau micro ? Et à droite de Jonathan ? Qui annonce une surprise. Votre serviteur pense de suite à Gabriel Rios. Et ô joie, il débarque, la gratte acoustique en bandoulière. Et ensemble, ils vont nous proposer un sublime « Arms », plage tirée du nouvel elpee. La conjugaison des guitares et des voix tient de l’enchantement. Gabriel la pousse dans les aigus. Alors que sans faire le moindre effort, Jonathan la balade dans les graves. Retour au line up de base pour « Lost », un morceau dont les orchestrations et les rythmiques funkysantes sont réminiscentes du son Motown. Après « How Halfheartedly », place au très beau « Oh Desire », titre maître du nouvel opus. Caractérisé par son refrain accrocheur, « Fighting Since The Day We Are Born » constitue un autre moment fort du concert. Jonathan Jeremiah nous réserve un petit solo de guitare semi-acoustique sur « The Birds ». Et le son ? Impeccable ! Pas d’infra-basses. Et le light show était au diapason de spectacle. Qui est passé trop vite. Souvent signe d’excellence… (voir photos ici)
(Organisation: Botanique)
Jonathan Jeremiah + Tout Va Bien + Joe Bell + The Leisure Society
Cette année, les Nuits Botaniques se sont exportées en province. Et tout particulièrement à Mons, capitale européenne de la Culture. Durant trois soirées elles ont déroulé leur tapis rouge, afin d’y accueillir des artistes issus d’horizons et de cultures différents.
Ce 12 mai 2015, la Nuit Belge était à la fête. Si un bon point peut être décerné à l’équipe organisatrice de l’Alhambra pour la qualité de l’affiche, on ne peut pas en dire autant du bilan public. A peine, une trentaine de personnes dans l’arène, c’est tout simplement honteux ! La musique est souvent le parent pauvre de la culture ! Encore une fois, la preuve en est !
Bel Ombre (NDR : patronyme inspiré d’un domaine sis sur l’Ile Maurice) avait l’honneur d’ouvrir le bal. Créé (officiellement) en 2014, le duo est mené tambour battant par Laurie Xhaard, la chanteuse. Elle est épaulée par le claviériste du groupe Monster Children. Et leur style lorgne clairement vers l’electro pop.
Ingénieure du son de formation, la belle jeune femme est venue défendre son premier Ep trois titres, « Rosemary». Sa seule date belge ! C’est dire l’immense privilège accordé à l’auditoire…
Prolifique à souhait, son deuxième mini album est en préparation et devrait sortir, de l’aveu même du leader, au cours de la période estivale.
Cette demoiselle prend un plaisir non feint à bidouiller les sons à l’aide de ses synthés et diverses machines électroniques, afin d’en tirer le meilleur comme le pire ; mais toujours pour le plus grand bonheur de ses aficionados.
Il s’agissait ce soir de la troisième prestation live de ce band. Si le set est bien maîtrisé, il est encore en (semi) rodage. Leur démarche minimaliste et leur attitude candide les handicapent quelque peu. Laissons leur le temps de trouver leurs marques…
Place ensuite à Moutain Bike. Les quatre potes, tous vêtus de tee-shirts de basketteur, sont venus cracher leur rock crasseux et poisseux dans l’abîme de cette salle mythique.
Désinvoltes à souhait, ces gais lurons marchent à contre-courant de la politique du rock business !
Le line up réunit Kinkle (chant et guitare), June Moan (guitare et chant), Billie Joe (basse et chant) ainsi que Nerveux –qui ne l’est pas– (batterie).
Eponyme, leur premier opus, dans les bacs depuis plus d’un an déjà (publié sur le label belge Humpty Dumpty), fait son petit bonhomme de chemin et permet au band d’écumer les salles de concerts et festivals belges.
Ce soir encore, le combo a livré un set électrique, enragé, percutant, limite parfois saturé, en parfaite cohérence avec la voix particulièrement éraillée de Kinkle.
Si l’album est une carte de visite, le concert constitue la signature du groupe. Le quatuor est véritablement taillé pour la scène ! Tout est dit !
Fùgù Mango achève ce mini festival. Le groupe est né en 2013, à Bruxelles, parce que les musicos partagaient un même amour du groove, des rythmes africains et de l’indie pop.
Jean-Yves Lontie (synthés, chant), Vincent Lontie (basse), Franck Baya et une jolie chanteuse/guitariste forment l’ossature du band qui a reçu, le temps de quelques soirées, le concours d’un ensemble vocal réunissant cinq sœurs (elles sont six normalement), à la beauté et au talent qui ne sont plus à démontrer !
La spécificité des compos de ces deux frangins charismatiques issus de Bikinians procède du recours subtil aux percus qui communiquent à l’ensemble du set une dimension relativement tribale.
Premier elpee, « Juju » véhicule consciemment des accents world. En live, les musicos parviennent à nous faire voyager aux quatre coins de la planète distillant ici et là des beats afro et latino sous une couche de synthés verdoyante et luxuriante. Le tout sublimé par les harmonies vocales de BINTI, qui apportent une douceur et une élégance, voire une certaine cohérence à l’ensemble.
Nul doute que ces dignes représentants de la scène musicale noir-jaune-rouge feront partie des grands noms de demain !
On épinglera au passage l’excellentissime reprise des Stranglers « Golden Brown ». Mieux que l’originale ! Chapeau bas, M’sieurs !
Complètement jouissif ! Mais, nom de Dieu, pourquoi toute bonne chose à une fin ?
Bel Hombre + Mountain Bike + Fùgù Mango
(Organisation : Botanique + Le Manège)
Ce mercredi 6 mai, le Vk* accueille en son sein And So I Watch You From Afar (ASIWYFA). Originaire de Belfast, la formation vient de publier son nouvel opus. Il s’intitule "Heirs". Et elle est venue le défendre. Fidèle au public noir-jaune-rouge, elle se produit en Belgique, quasiment tous les quadrimestres. D’ailleurs, celles et ceux qui ont manqué le set de ce soir, pourront revoir le band dans le cadre du festival de Dour, le 19 juillet prochain.
Pour assurer le supporting act de sa tournée européenne, le groupe a choisi Henry Kohen aka Mylets. Un artiste américain qui est hébergé sur le même label, Sargent House. Et c’est une excellente idée. Ce prodige de la guitare a publié récemment son premier elpee. Un disque dont la musique oscille entre noise et post math rock. Il monte sur l’estrade vers 20 heures. Malgré ses 20 printemps, il ne semble pas du tout impressionné par un auditoire à moitié rempli (ou vide selon). Pendant une heure, il va tenir public en haleine grâce à des compos bien ficelées et bluffantes de maîtrise. Et celle sur sa six cordes l’est tout particulièrement. Une excellente découverte pour une soirée qui débute parfaitement.
Vers 21h, les lumières s’éteignent. Le Vk est à présent bien garni et on sent la température monter de quelques degrés. Les deux gratteurs prennent place aux extrémités du podium, tandis que le bassiste (un barbu imposant par sa stature), s’installe au centre, devant le batteur. Dès les premières notes, pas de doute, le son est toujours aussi caractéristique. Et ce math/rock caoutchouteux fait instantanément mouche. Le headbanging peut commencer… ASIWYFA livre d’abord plusieurs morceaux tirés de son dernier LP. Et franchement, ils tiennent la route. Les Irlandais du Nord n’ont rien perdu de leur fougue et de leur énergie. Les guitaristes seraient-ils atteints d’hyperkinésie ? Une chose est sûre, lorsqu’ils ne bondissent pas, ils courent d’un côté à l’autre de la scène tout en enchaînant les solos. De vraies piles électriques ! On se demande également comment le batteur parvient à pilonner ses fûts à une cadence aussi frénétique. Et parfois pendant dix bonnes minutes. En outre, il crée une interactivité avec la foule, notamment lorsque les compos recèlent des chœurs, des exercices de style qui correspondent parfaitement au contexte. Pendant l’heure et demie de concert, l’intensité ne faiblira jamais. Toute personne normalement constituée se serait effondrée après 60 minutes de combat. Au cours duquel tous leurs meilleurs titres y passeront. Et si les spectateurs en ont eu pour leur compte, ils en réclament encore…
And So I Watch You From Afar possède la classe des groupes capables de transcender ses compos en ‘live’. Et le combo a bien compris ce que les mélomanes attendent d’eux sur les planches…
(Organisation Vk*)
Voir aussi notre section photos ici
Il y a bien deux ans que votre serviteur n’a plus assisté à un concert de Roscoe. Si mes souvenirs sont bons, c’était dans le cadre du festival PacRock de Pont-à-Celles. La Rotonde est pleine comme un œuf (NDR : ça change des sardines !) Il y fait très chaud. Didier à du bol, il partage l’espace VIP au balcon. La température est moins torride pour l’instant, mais au fil des shows, elle va également gagner l’étage… Fabiola ouvre la soirée et STUFF va la clôturer. Compte-rendu.
Après avoir milité une bonne décennie au sein d’Austin Lace, opéré plusieurs collaborations (NDR : notamment chez Tellers, Yéti et Hallo Kosmo, qui impliquait feu Denis Wielemans, le drummer de Girls In Hawaii), Fabrice Detry a donc décidé de monter un nouveau projet : Fabiola. Drôle d’idée d’avoir choisi pour patronyme, le nom d’une reine de Belgique, qui s’est éteinte l’an dernier. Ariel Pink, Hot Chip, Ween et MGMT constituent plus que probablement des références majeures pour ce band dont la pop est soigneusement pervertie, groovy, métissée, sucrée et colorée. Récemment, Fabiola est devenu un véritable groupe suite au renfort de 3 musicos : le Costaricain Guillermo Badilla, le Barcelonais Paco Jordi et l’ex-Tellers Kenley Dratwa (claviers)
Les InRocks estiment que Fabiola et Roscoe figurent parmi les 15 formations absolument à suivre, parce qu’elles seraient très susceptibles de s’exporter. Fabiola n'a pas encore enregistré d'album, mais c’est dans leur intention.
Dès les premiers accords, on se rend compte que les musiciens ne sont pas des néophytes. Leur set libère des ondes positives et une interaction s’établit rapidement avec le public, particulièrement chaud. Fabiola va bien évidemment interpréter « Kingdom », morceau qui fait le buzz sur la toile. Il s’ouvre en mode récréative avant de se fluidifier dans les nappes d’orgue. Les mélodies sont légères, mais efficaces. Les lignes de guitares et les bidouillages synthétiques font bon ménage. Finalement, leur musique me fait penser à celle du band liégeois, Two Kids On Holiday, mais en moins électro. Parfois aussi à Hallo Kosmo… Et, sympa d’adresser un clin d'oeil à Robert Palmer, artiste que j’appréciais énormément, qui est décédé en 2003… (Setlist: Bottom Of The Well/ Robert Palmer / Conquistador On Weed / My Bird/ Kingdom / Taste For Failure / Shit Is Coming Back / Break Of Dawn)
Place ensuite à Roscoe. C’est son retour sur les planches, un an et demi après avoir décidé de se concentrer sur la confection de son deuxième opus, « Mont Royal ». Le premier, « Cracks », remonte déjà à 2012. Et il était superbe. Le quintet était ensuite allé le défendre, en Belgique, mais également à travers les pays limitrophes, notamment en compagnie de Balthazar. Ce nouvel elpee a été enregistré aux studios La Chapelle (NDR : c’est au pied du Signal de Botrange), sous la houlette de Luuk Cox qui a également bossé pour Girls In Hawaii et Stromae. Au sein du line up, Emmanuel Delcourt a cédé ses baguettes à un nouveau drummer. Il a rejoint My Little Cheap Dictaphone pour accomplir un périple au Japon.
Une lumière bleue éblouissante précède l’entrée en scène du combo. Qui entame son set par « Nights », un extrait du second elpee. Teinté parcimonieusement d’électro, ce morceau est sculpté dans un post rock atmosphérique et visionnaire. S’étalant sur plus de 5 minutes, c'est la plus longue plage de l’LP. Et le titre qui avait précédé sa sortie, pour être traduit en clip. Un hit potentiel. Une petite perle qui lorgne vers les insulaires d'Alt-J et un Archive originel.
A travers sa prestation, Roscoe va démontrer qu’il a atteint une maturité certaine. Pas de temps mort. Les musicos sont beaucoup plus pros et le set est bien huilé. Ce qui n’a pas empêché le show de libérer une belle dose d’émotion. Pierre maîtrise parfaitement son chant empreint de douceur, et il est bien moins statique que dans le passé. Ce qui colle parfaitement au style proposé, un style plus électro (synthés et boîtes à rythmes), davantage dans l’air du temps.
Piste qui ouvre le nouveau long playing, « Fresh Short » s’étire nonchalamment au sein d’un climat atmosphérique, entretenu par les cordes de grattes aériennes et les sonorités synthétiques. Tout comme « Shaped Shades ». Sept titres de « Mont Royal » seront interprétés ce soir. Mais la setlist n’a pas négligé les compos du premier opus (« Enemies », « Lowlands », « Sorrow » et « Knives »). Plus acoustique, « Hands Off » frôle l’univers de Coldplay. Et le concert de s’achever par le plus puissant « Scratches ».
Roscoe a acquis suffisamment d’expérience pour devenir un fleuron de la Wallifornie, mais également de s’affirmer comme un des ses dignes représentants, à l’étranger. Il ne lui reste plus qu’à franchir le pas…
Roscoe se produira aux Ardentes le 11/7 et dans le cadre du festival de Dour le 17/7. (Pour les photos c'est ici)
Trop fatigué pour assister au concert de STUFF, je tire ma révérence…
(Organisation Botanique)
Stuff + Roscoe + Fabiola
Jacco Gardner est un multi-instrumentiste batave dont la musique a vraiment tout pour plaire ; et pour cause, ses compositions pop contagieuses sont subtilement teintées de délires psychédéliques. Son deuxième opus, « Hypnophobia », vient de paraître. Il fait suite à « Cabinet of Curiosities », gravé en 2013.
Il revenait à The Sunday Charmers d’ouvrir la soirée. Malheureusement, votre serviteur n’est pas parvenu à rejoindre le Botanique, en temps et en heure, pour assister à son set. Ce sera pour une prochaine fois.
Alamo Race Track sert de deuxième supporting act. Les musicos sont également néerlandais. Si sa pop est variée, il termine souvent ses shows par de longues envolées instrumentales. Le combo est venu défendre son dernier LP, "Hawks". Vu la qualité du concert, l’auditoire va plus que probablement se pencher sur l'ensemble de sa discographie. Perso, je ne connaissais ce band amstellodamois que de nom. Mais, franchement, sa prestation m’a littéralement scotché, et tout particulièrement le titre puissant « Young Spruce and Wires »…
Le temps d'aller siroter un rafraîchissement au soleil, et Jacco grimpe sur le podium de l'Orangerie, flanqué de son backing group. Ses longs cheveux et sa timidité me font penser à feu Kurt Cobain. Cependant, le jeune homme est souriant. Il va nous accorder un set d’une bonne heure. Confirmer un excellent premier LP est toujours difficile. Deux ans séparent "Cabinet of Curiosities", une œuvre bien reçue par la critique à travers tout le Vieux Continent, et "Hypnophobia". Et manifestement, cette confirmation est malaisée. On s’en rend compte dès les premières minutes du set. Pourtant le quatuor qui l’accompagne est solide (NDR : petit clin d'oeil adressé au sosie de Freddie Mercury, préposé aux claviers), mais paradoxalement, c’est le leader qui ne trouve pas ses marques…
Jacco Gardner ne parvient tout simplement pas à se décontracter et semble presque surpris qu’un public puisse apprécier ses chansons. Il faudra de nombreuses minutes avant qu’il ne se lâche, et attendre la fin de parcours, pour qu’il paraisse enfin détendu. Manifestement, il manque de charisme. Cependant, il compense cette carence par une extrême gentillesse (NDR : il souhaite, par exemple, une ‘bonne fête’ aux mamans). Musicalement, le set n’a pas réservé de surprise. On a eu droit à un judicieux compromis entre la quintessence de la pop Orange (NDR : pensez aux Nits) et du psychédélisme baroque. Mais pas de moments vraiment forts. Ce qui a laissé un goût de trop peu aux mélomanes.
Jacco doit absolument se décrisper sur les planches et prendre confiance. Car ses nouvelles compos sont excellentes. Quand il en sera persuadé, il pourra alors offrir des prestations bien plus convaincantes. D’ici le 2 août, dans le cadre du festival de Ronquières, il devrait avoir eu le temps de rôder son spectacle.
Personnellement, c'est à ce moment là que j’en tirerai mes conclusions… (voir les photos ici)
Adrien Mouchet
Alamo Race Track + Jacco Garner
C'est la seconde journée des Nuits Botanique, festival qui ouvre officiellement le début des festivals estivaux. Il y a pas mal de monde sur le site. Le temps est propice à écouter de la musique. Sous le chapiteau, se produisent ce soir Asa, Sophie Hunger et Talisco.
D'origine bordelaise, Jérôme Amandi, aka Talisco, est parisien. Un petit génie qui a un don inné pour proposer des chansons contagieuses, nées d’un mélange entre pop, folk et électro. Musicien dans l'âme, il apprend à jouer de la guitare vers 11 ans. Il monte son premier groupe au collège. Aventure qui cesse lorsqu’il a 19 printemps. Encouragé par ses proches, il commence à écrire et chanter ses propres compos. C’était seulement, il y a trois ans. Roy Music le signe en juin 2012. Il publie un premier Ep, « My Home », en 2013, et l'album très prometteur « Run », en 2014. Il est favorablement accueilli par la critique musicale et le public. La voix de Jérôme évoque celle de Lucas Withworth, lead singer de la formation insulaire Spring Offensive.
Sous le chapiteau, le public est conséquent. Jérôme est venu défendre son dernier opus, « My Home », un LP sur lequel figure son hit « Your Wish ». Trempées dans une pop sucrée, légèrement teintées d’électro, les plages de ce disque ont bénéficié d’arrangements précis et brillent par la limpidité des harmonies vocales.
Jérôme se charge de la gratte et du chant. Il est soutenu par une section rythmique. Un drummer qui se plante à gauche et un bassiste/percussionniste, à droite. Il s’agit de leur premier passage en Belgique. Talisco chante dans la langue de Shakespeare, mais entre les morceaux, il s’exprime dans celle Voltaire. Et à plusieurs reprises, il remercie le public de sa présence.
Entêtant et lent, « So Hold » est sculpté dans le folk. La voix mélodieuse de Jérôme est hantée par Matthew Irons (Puggy) voire Matthew Bellamy (Muse), tout au long de « Sorrow ». Même montée en puissance jouissive. Malgré le son pas vraiment performant, sous le chapiteau (NDR : à l’instar des années précédentes), Talisco nous a accordé un superbe show. Un peu trop court à mon goût, mais superbe quand même…
Didier se rend au stand merchandising de Sophie Hunger. Il demande à la matrone, chargée de tenir l’échoppe, si l'artiste a l’intention de venir à la rencontre de ses fans. Réponse sèche et négative de sa part. Elle tente néanmoins de me vendre ses albums, mais vu l’accueil, je lui brûle la politesse.
J'avais découvert Sophie Hunger, il y a trois ans, lors de la sortie de son long playing « The Danger Of Light ». Je me réjouissais donc de la voir sur les planches. Sophie se charge à la fois du chant, du piano, de la guitare, des percus et du bugle. Elle est épaulée par son backing group (guitariste, bassiste, drummer et préposé aux synthés). Véritable bourlingueuse, Sophie est partie en tournée pour présenter son nouvel et cinquième LP, « Supermoon ». Enregistré entre Bruxelles et San Francisco, il a été coproduit par Hunger et John Vanderslice, puis mixé par Mark Lawson (Arcade Fire, Timber Timbre). Il fait suite à « The Danger Of Light », paru en 2012, « 1983 », en 2010, « Monday's Ghost », en 2008 et « Sketches On Sea », en 2007.
Malgré un départ abordé au piano, le set sera plus rock. Un concert au cours duquel elle va nous réserver quatre titres issus de son dernier essai ; en l’occurrence le titre maître, « Made Miles », « Love Is Not The Answer » ainsi que « Lavender », lors du rappel. Pour la défense d’un nouvel album, c’est un peu sommaire.
Sa reprise de Noir Desir, « Le Vent Nous Portera », tient la route. Sophie Hunger chante trois morceaux en allemand : « Heharum », « Spaghetti Mit Spinat » et « Da Neue ». Des compos qui lui vont comme un gand. Elle y joue de la gratte et elle y excelle. Tout comme lorsqu’elle teinte sa pop de folk ou de jazz. Son rappel, elle l’achève par un « Superman Women » très électrique. Le set devait durer 50 minutes. Il a été solidement écourté. Probablement parce que son était médiocre. Malgré les bouchons enfoncés dans les oreilles, le résultat est resté pénible. A cause de ces infra-basses, agressives et insupportables… (voir les photos là)
Sous le chapiteau, c’est la fournaise pour accueillir la belle Franco-nigériane Asa (NDR : prononcez Asha). Elle a gravé son dernier opus, « Bed Of Stone », l’an dernier. Il faisait suite à un elpee éponyme, paru en 2007 (NDR : récompensé par le Prix Constantin, l’année suivante), « Live In Paris », en 2009, et « Beautiful Imperfection » en 2012. Sa soul/pop est colorée de jazz et d'afro-funk.
C'est la troisième fois qu'Asa se produit dans notre capitale européenne. Toute de noire vêtue, chaussées de lunettes fumées à bords blancs, elle porte sur les épaules, un long châle vert. Elle est soutenue par un backing group, dont une jolie choriste black, plantée à droite du podium. Il y a un fameux contingent de fans agglutinés de ce côté. Et il va chauffer l’ambiance. L'artiste va d’ailleurs rapidement le remarquer. Le voyage au plus profond de l’Afrique mystérieuse peut commencer. Et il débute par le hit « Fire On The Mountain », un extrait du premier LP, au cours duquel elle se sert du ukulélé. Les spectres de Macy Gray, Ayo, Tracey Chapman et même Bob Marley se mettent à planer.
Bien balisée par la section rythmique, « Satan Be Gone » est une nouvelle compo dont les lyrics évoquent les origines africaines de l’artiste. Titre récent également, le délicat « Eyo » se mue en hymne fédérateur. Plus funky, « New Year » vous incite à rejoindre le dancefloor. Et c’est la ligne de basse qui stimule l’ensemble. « Situation » nous propulse à Kingston. Irrésistible, « Bed Of Stone », titre maître du dernier LP, frôle l’univers de Norah Jones. Asa souffle dans un bugle sur « The Way I Feel », une plage issue de « Beautiful Imperfection ». Plus pop, « Maybe » est imprimé sur un tempo reggae. Les fans concentrés à droite du podium dansent comme un seul homme (ou femme, selon). Soul, « Society » est un titre qui vous ensorcelle. Depuis la pop sucrée galvanisée par des rythmes africains au funk qui vous remue les tripes, en passant par la soul qui vous transperce l’âme et les ballades langoureuses, les compos sont toutes propices à la danse. Une danse africaine qui devient carrément endiablée lorsque Asa se déleste de ses ballerines dorées. Et ce show a bénéficié d’un son correct, nonobstant ce problème récurrent dû aux infra-basses. (Voir les photos ici)
Didier Deroissart
(Organisation: Botanique)
Asa + Sophie Hunger + Talisco
Le Botanique nous proposait deux formations du label français Enterprise : Bagarre et Grand Blanc. Elles surfent sur une vague qui déferle en France, suite au phénomène ‘Fauve’. Aux côtés de La Femme et de Blind Digital Citizen, ces groupes incarnent un certain renouveau, caractérisé par un souffle épique, une esthétique punk et une musique qui pille sans vergogne (et pour notre plus grand bonheur) les trésors de la musique électronique, post punk et/ou cold wave des années 80.
Alors que la Rotonde commence timidement à se remplir, Bagarre entame déjà son set. Le line up réunit Emma Le Masne (claviers, chant), Cyril Brossard (boîte à rythmes), Thom Loup (chant, claviers), Arthur Vayssie (chant, guitare, claviers) et Mus Bruiere (batterie). A noter que la plupart des musiciens vont changer d'instrument en cours de route.
On est immédiatement frappés par l'énergie libérée par ‘la bête hybride’ sur les planches. Les titres de leur Ep, « Bonsoir Nous Sommes Bagarre », sorti l'année dernière, font mouche à tous les coups. Caractérisé par ses accents clairement new wave, « L'Etrange Triangle » est une compo qui me botte particulièrement bien. Dans l'ensemble, cette musique protéiforme emprunte également à la house, au disco et au hip-hop pour le côté scandé des paroles. (Voir les photos ici)
Après la pause, c'est au tour de Grand Blanc, les chouchous des Inrocks, d'investir la Rotonde. Originaires de Metz, ils sont passés du jour au lendemain du statut de groupe inconnu à celui d'icônes branchées grâce à un seul titre, une véritable bombe parue l'année dernière: « Samedi, La Nuit ».
Mais c'est en douceur que le grand requin blanc entame sa danse mortelle. La jolie Camille Delvecchio chante « Degré Zéro ». Immédiatement, on pense à La Femme et à son élégance mélodique. La formation maîtrise à la perfection les variations de dynamique, calmant le jeu avant de repartir de plus belle. « Nord » accentue la pression, une compo au cours de laquelle, les accents très ‘Bashungiens’ du chanteur Benoît David sont tout à fait distincts. Hubert-Félix Thiéfaine n'est pas loin non plus. Retour vers la douceur pour « L'Homme Serpent », tel un bonbon, il est susurré par Camille à la manière de Lio.
« Montparnasse » est entamé dans l’esprit de Dominique A : juste la voix bouleversante de Benoît et la guitare minimaliste. De quoi vous flanquer les premiers frissons dans le dos. Il y en aura d'autres ! Hypnotiques, les drums montent en régime, et on attend l’inévitable explosion. Lors de ce long instrumental, on s'envole très loin, portés par les cris et les vagues de synthés. Un grand moment de communion ; d’ailleurs, autour de nous, tous les yeux brillent de bonheur.
Après « Au revoir chevaux », une reprise du classique « Goodbye Horses » de Q Lazzarus, place au brûlant « Feu De Joie ». Le spectre de Noir Désir plane. « Braise-moi ! », crient Benoît et Camille. La température monte encore de quelques degrés grâce à « Petites Frappes » ; et on devine que le paroxysme est proche.
Et il arrive enfin. C’est « Samedi, La Nuit ». Une intro électro onirique, la voix incantatoire et puis tout explose : rythme frénétique, synthés cinglants et guitares envoûtantes. Sorte de croisement entre New Order, M83 et Bashung, la musique est parfaite. Le final est jouissif au plus haut point, le public est au septième ciel. Un superbe concert, un peu trop court peut-être, mais ce Grand Blanc a une grande carrière devant lui…
Philippe Blackmarquis
Grand Blanc + Bagarre
(Organisation : Les Nuits Botanique)
C’est dans le cadre de la promotion de son nouvel album, sorti fin mars 2015, que Nicola Testa a accordé cette interview à Musiczine. Ne parvenant pas à aligner nos agendas respectifs, c’est par téléphone que ce sympathique entretien s’est donc réalisé.
Nicola, l’accueil critique de ton premier LP, « No more Rainbows », est excellent. Une réaction ?
Je suis évidemment très content des échos plutôt favorables des médias et du public à propos de cette sortie. Je ne m’attendais honnêtement pas à un tel engouement.
Tu as travaillé en compagnie d’Antoine Gaillet (Julien Doré, M83, Talisco, François & The Atlas Mountains, ...), déjà considéré comme une pointure dans le milieu. Es-tu parvenu à gérer facilement la pression inhérente à sa présence ?
Au début, j’étais impressionné ! Nous ne nous connaissions pas. Il a écouté mes démos. Je me suis penché sur le travail qu’il a réalisé. Nous nous sommes ensuite rencontrés à Paris, un après-midi, dans son studio d’enregistrement. Nous avons beaucoup dialogué au sujet de nos attentes respectives. Nous nous sommes rapidement trouvés des points communs dans le domaine de la musique, même si nous nous ne partageons pas exactement les mêmes goûts dans ce domaine. Ensuite, je suis arrivé en studio avec des bandes et un matos sous le bras.
L’elpee reflète un univers très contrasté. Il est à la fois très lumineux et très sombre. Comment s’est-il construit ? Avais-tu un postulat de départ précis ou alors les sessions se sont-elles déroulées naturellement ?
De manière très instinctive. Ensuite, il est clair qu’on est amené à prendre une certaine direction. C’est obligatoire ! Ce disque, je l’ai voulu varié, mais cohérent. Antoine Gaillet en a produit la quasi-totalité. Nous avons œuvré de concert afin de trouver un son qui me corresponde totalement. La suite s’est ensuite mise en place naturellement. C’était une expérience très enrichissante !
Es-tu sensible à la critique ?
On ne peut pas être totalement insensible à la critique, mais j’essaie, dans la mesure du possible, de n’y accorder que peu d’attention. On ne peut évidemment pas plaire à tout le monde ! Cela fait partie du jeu ! Je fais ce qui me plait et le public s’y retrouve. Ceux qui n’aiment pas, tant pis ! Il faut être content de soi. A partir du moment où on est fier du travail accompli, la critique devient accessoire.
On a l’impression que tes influences sont assez rétro et se nourrissent aux années 80... Tu confirmes ?
Il s’agit d’une tendance qui se généralise actuellement, dans le milieu de la pop. Mais l’album va au-delà car il propose une palette de couleurs variées : il y a des sonorités techno, rock et folk aussi. Je ne voulais rien m’interdire. Je souhaitais construire des chansons en laissant le plus possible d’ouverture. Il est la résultante de tous ces paramètres… Mais, tout en gardant à l’esprit cette culture musicale qui m’est propre.
L’elpee s’ouvre par « Rainbow » et se termine par « No more Rainbows ». Pourquoi ne pas avoir choisi de terminer ton disque par une note positive ?
L’idée était de transformer un message négatif en force. Finalement, je ne sais pas si la notre est vraiment négative parce qu’il y a quand même de l’espoir dans cette chanson. Il s’agirait plutôt d’une boucle. Lorsqu’on arrive en fin de parcours, il suffit d’appuyer sur le bouton ‘repeat’ et de recommencer par « Rainbow ». La boucle est bouclée !
La pochette est plutôt conceptuelle. Les couleurs sont brouillées et partent dans tous les sens. Pourquoi ne pas avoir opéré le choix du portrait classique ?
Sa réalisation a été confiée à d’Eric Croes. Elle représente la propre vision du disque de cet artiste. Nous avons discuté et élaboré plusieurs projets. Celui-ci s’est imposé de lui-même. L’idée était de traduire une forme de dissimulation. Il y a moi, d’une part, et tout ce qu’il y a autour de la musique, d’autre part. Toutes ces émotions prennent parfois le dessus ! Je souhaitais qu’elle incarne davantage une vision de ce que représente le disque qu’un simple portrait linéaire.
Ton LP « Wanderland » était davantage centré sur toi-même alors que celui-ci l’est plus sur les autres. Exact ?
Je souhaitais écrire des histoires qui me touchent et concernent tout le monde. Ecrire pour soi est un concept qui vous enferme dans les mêmes thématiques. Cela commençait à devenir inintéressant ! On a vite fait le tour de la question ! Le fait de décrire, en se servant de mes mots, des émotions et des histoires qui appartiennent aux autres était un défi. Je désirais évoluer comme auteur aussi.
Entre le premier long playing et celui-ci, quatre années se sont écoulées… Est-ce le temps nécessaire à la maturation ?
Je ne sais pas si cinq ans constituent le temps nécessaire… C’est en tout cas, le temps qu’il m’a fallu pour réaliser cet album. C’était un long travail. Il y tout un tas de processus en amont, à savoir la recherche de fonds, d’un producteur, … Entre-temps, j’ai aussi continué à faire du théâtre. Au final, je ne sais pas si c’est moi qui a eu besoin de temps ou alors si ce sont les choses qui ont besoin de temps pour se faire.
Tu as décroché le Prix du Public lors des Octaves de la Musique pour le clip délirant de ‘KOKO’ face à des artistes comme Stromae, BRNS, Suarez, Girls in Hawaii ou bien encore Antoine Chance. Tout roule pour toi en cette année 2015 ?
J’espère que cette année sera la mienne, d’autant plus qu’elle ne fait que commencer ! J’ai été très surpris de gagner face à des artistes de cette trempe. Je dispose peut-être d’un public moins large, mais sans doute plus fidèle !
Pour tourner cette vidéo, tu avais choisi une comédienne, Aurélie Lannoy. Dans « Rainbow », tu te mets en scène. Tu sembles tout disposé pour la danse. Qui en a eu l’idée et pourquoi ce choix délibéré ?
Je voulais me mettre à nu ! En plus, je trouve que cette option correspondait bien à la chanson. Afficher ma propre vulnérabilité à travers un clip était une bonne idée.
Le concert du 17 avril à la Rotonde a très vite été sold out. Ton single est régulièrement diffusé sur les ondes. Comment gères-tu cette soudaine célébrité ?
Je n’ai pas l’impression d’être aussi célèbre que tu crois ! Par contre, rencontrer les gens après un concert, recevoir des mails d’encouragement ou encore des vidéos décalées où certains se filment dans leur voiture occupés d’écouter ma musique, est très plaisant. C’est ce qui m’enchante, véritablement.
Il y a une vraie dynamique scénique qui se forme aujourd’hui. Au début, tu étais seul alors qu’aujourd’hui vous êtes six sur les planches… Les choses évoluent y compris dans le visuel.
Oui, tout à fait ! Pour ce disque, j’avais envie de m’entourer de musiciens. Mais pas seulement. Former un groupe afin de créer une dynamique susceptible d’emmener la musique au-delà de ce que peut procurer un disque. Certaines chansons live auront de facto une couleur différente. La scène est magique ; elle permet un réel partage avec le public.
Tu es un artiste pluridisciplinaire, mais la musique a toujours été en toi ?
Depuis tout petit, la musique a toujours pris une grande place dans ma vie. Je ne dirais pas qu’il s’agit d’une drogue, parce que l’addiction est dangereuse. Je parlerais plutôt d’un besoin. Elle transporte et permet un voyage en dehors de soi !
Tu as participé au festival dourois ‘La Vie en Rock’, en 2014. Ce festival est destiné à rechercher des fonds pour la lutte contre le cancer du sein. Apporter ta collaboration à des actions caritatives, est-ce important pour toi ?
Les organisateurs me l’ont demandé avec beaucoup de sincérité. Il était donc important d’y répondre positivement. C’est une maladie qui nous touche tous, un jour ou l’autre, de près ou de loin. Il y a tellement de progrès encore à faire dans ce domaine. Ce sont des aventures humaines face auxquelles on ne peut pas rester insensible.
As-tu contribué à d’autres manifestations de ce type ?
Non, pas pour l’instant. Ce n’est pas non plus mon rôle ! Mais pourquoi pas, si elles peuvent aider des gens à concrétiser des projets comme celui-là.
L’industrie du disque traverse une crise sans précédent. Penses-tu qu’un jour, on pourra oublier ce support physique ?
Je ne suis pas sûr ! Le vinyle fait un retour en force par exemple. L’industrie du disque propose des produits sous des formes plus abouties, comme les éditions limitées ou ‘collector’. Le support physique a une symbolique sentimentale que le digital ne parviendra jamais à égaler !
Une question que je pose systématique aux chanteurs francophones… Pourquoi chanter en anglais ?
Pourquoi pas finalement ! Il s’agit d’une forme de langage. Si j’avais été peintre, j’aurais pu choisir l’huile, l’aquarelle ou encore le crayon. J’ai choisi une langue que j’aime. Je la connais et la maîtrise. Je prends beaucoup de plaisir à écrire et en jouer. J’aurais bien plus de difficultés à réaliser cet exercice dans la langue de Verlaine.
Comment enisages-tu ton futur musical ?
Je me vois progresser et enregistrer encore quelques disques ! Enfin, j’espère… Peut-être aussi, ferais-je autre chose… J’essaie de ne pas me projeter. J’aime le présent. Ce qui me permet d’envisager l’avenir plus sereinement !
Il s’agit de la troisième soirée passée d’affilée, par votre serviteur, à l'Ancienne Belgique. Il y a 37 ans qu’il la fréquente, soit depuis l’âge de 16 ans. Et il s’en est déroulé des concerts d’anthologie, sous ses yeux et les oreilles grandes ouvertes. Ce soir, le spectacle est intégralement consacré à des découvertes. Soit C.W. Stoneking et en supporting act, Fernando Gonzalez. La salle est en mode flex (théâtre assis)
Fernando Gonzalez est un guitariste qui pratique le finger-picking. En Belgique, Jacques Stotzem et Antoine Goudeseune en sont également de dignes représentants. Chiliens, ses parents et grands-parents étaient des guitaristes professionnels. S’il a choisi la nationalité belge, ce sixcordiste talentueux est à la fois inspiré par le classique et le flamenco. Il est également professeur au Conservatoire d'Anvers.
Sur les planches, Fernando est soutenu par un pianiste. Pas courant d’assister à ce type de spectacle à l’AB. Il prend place sur un siège, à droite du podium. Il tient sa gratte un peu à la manière de Django. Il signale qu'il va interpréter de la musique classique et latine. Le concert s’ouvre en duo par une superbe reprise d'Astor Piazzola. De Vivaldi à Marco Pereira, les adaptations sont superbes. Le set baigne dans une ambiance latine. La guitare devient carrément agressive pour « La Vie Est Brève » de Manuel Falla (NDR : ce pianiste espagnol a bossé en compagnie de Claude Debussy et Maurice Ravel). L’artiste a perdu sa setlist. Un petit moment de silence suivi rapidement de l'hilarité générale au sein de l’auditoire. Ouf, Fernando l’a retrouvée et peut poursuivre le concert qu’il achève par un titre signé par l'Argentin Abel Flery. Grâce à sa technique, Gonzalez nous a carrément bluffés. Une belle entrée en matière…
Place ensuite à Christopher William aka C.W. Stoneking. Très particulière, sa voix s’adapte parfaitement à son répertoire. Perso, je pensais qu’il était issu du Sud des States, tellement il a un accent à couper au couteau. Mais non, il est australien. Peut-être existe-t-il, au pays des kangourous, un Delta et un Bayou, tellement sa musique est contaminée par le blues et le roots.
Le podium est parsemé de plantes exotiques. Un squelette trône devant la batterie et une perruque blanche sur un présentoir. C.W. monte sur l’estrade. Il est armé de sa gratte et se plante juste devant le drummer, Jacob Kinniburgh. Deux charmantes choristes vêtues de robes charleston, prennent position à gauche. Il s’agit de Maddy et Memphis, aka The Kelly Sisters. Andrew Scott, le contrebassiste/bassiste, choisit le côté droit. Stoneking joue du blues, mais un blues qui oscille du plus classique à celui des années 30, et qu’il teinte de swing, de jazz, de roots et de gospel. Ce n’est pas le premier show de l’artiste en Belgique. Son fan club est assez conséquent. Et on va s’en rendre compte au cours du show.
« How long » ouvre le bal. C’est un extrait de son nouvel opus, « Gon' Boogaloo ». Les sonorités de gratte (une Fender jazzmaster - Firemist de 1965) sont vintage et lo fi. On a l’impression de déambuler au sein des rues de Détroit pour ce titre très années 40. Chœurs gospel et grosse caisse font pétiller l’ensemble. Le décor roots est planté. La voix de CW est impressionnante. Andrew a opté pour la contrebasse sur « I'm The Jungle Man ». C.W. a davantage recours au spoken word qu’au chant et il est remarquablement secondé par les voix féminines. Le swing est omniprésent, mais il manque de cuivres. Des aficionados commencent à jumper, à droite de l’auditoire. Gospel/soul, « The Love Me Or Die » (NDR : tiré de « Jungle Blues »), nous entraîne dans un vieux club de jazz enfumé, pour y siffler un tord-boyaux, comme à l’époque de la prohibition. Suranné et langoureux, « Mama Got The Blues » est beau à pleurer. Idéal pour danser un slow. Les choristes ont rejoint les loges. La suite du spectacle sera plus festive…
« The Thing I Done » passe en revue flamenco, roots, reggae et même ska (la section rythmique !) On a franchement envie de danser. Tout comme pour « The Jungle Swing ». De vieilles perles remises au goût du jour et qui enchantent. Le présent conjugué au passé. Pas de cuivres ni de banjo pour « Jungle Blues », un morceau qui pourrait servir de bande sonore à un film muet. Les filles opèrent leur retour pour « Good Luck Charm », une compo à l’atmosphère ‘philspectorienne’ qui nous rappelle les sixties et tout particulièrement The Ronettes et The Crystals. « Tomorrow Gon' Be Too Late » est un blues ténébreux et poignant.
« He's Been A Shelter For Me » est une cover de The Soul Sirrers datant de 1961. Bien épaulé par la chorale soul, C.W. épate la galerie. « Get On The Floor » est un rockabilly endiablé, « The Zombie » un titre plus sombre et « Talking Lion Blues », une chanson récréative. Le set s’achève par une brillante interprétation du titre maître de son dernier opus, « We Gon' Boogaloo », un rock’n’roll enflammé réminiscent de Jerry Lee Lewis. Le dernier album est passé dans son intégralité à la moulinette.
Tout au long du show, C.W. interagit avec l’auditoire. Mais excusez-moi l’expression, mais putain, j'ai passé une belle soirée ! Dur, dur de revenir dans notre siècle. Je pense ne pas emprunter la DeLorean du Professeur Emmett Brown, mais m’exiler dans le Mississipi australien.
(Organisation : Ancienne Belgique)
Pour ouvrir les Nuits Botaniques 2015, les organisateurs nous proposaient une nuit très électro au cours de laquelle allaient se produire des artistes en concert et des DJ sets, au sein de trois salles du Botanique : l'Orangerie, la Rotonde et le Grand Salon. Le point commun entre les artistes programmés : ‘Une vision forte de ce que la scène électronique bouillonnante a en stock cette année, et une personnalité musicale marquante qui les fait surgir de la multitude des productions actuelles’.
Dès minuit vingt, on se presse dans la Rotonde pour (re)découvrir Elizabeth Bernholz aka Gazelle Twin. Issue de Brighton, cette Anglaise s'était distinguée dès 2011, en publiant « The Entire City », une petite merveille de dark art-pop/synth-pop. On y identifiait l'influence de Kate Bush mais aussi du légendaire John Foxx, en compagnie duquel elle collabore. En 2014, changement de cap au profit d'une musique expérimentale, industrielle, voire bruitiste : c'est « Unflesh ». Dans la Rotonde, cet avatar est proposé sous la forme d'une Gazelle Twin habillée en jogging bleu électrique et affublée d'un bas nylon qui déforme son visage. Elle est accompagnée d'un acolyte aux commandes d'un contrôleur Ableton.
Qu'il s'agisse de « Guts », « Anti-Body » ou « The Belly of The Beast », la musique est sombre, déstructurée et la voix, trafiquée par de multiples effets. On pense surtout à The Knife / Fever Ray et à Björk mais aussi parfois à Pharmakon, tant la démarche est radicale et sans concession. Un concert que l'on prend comme un coup de poing en pleine face... Perso, surtout fan de son premier opus, je suis resté sur ma faim. J'attends impatiemment sa 3ème production qui, je l'espère, synthétisera les deux Gazelle Twin.
Direction le Grand Salon pour découvrir une des curiosités des Nuits Botaniques 2015 : Walter Hus. C'est lui qui interprétait le générique de fin du film « The Sound Of Belgium », une adaptation pour Orgue Decap du cultissime « Universal Nation » du producteur electro trance Push. L'Orgue Decap est un instrument inventé par W. Hus : il se compose de flûtes d'orgue et de différents instruments (percussions, accordéon,...), le tout est piloté par des automates programmables reliés à un ordinateur et un clavier. Ce soir, l'orgue de barbarie version 2.0 se la joue techno au travers d'une programmation qui fait la part belle aux rythmes modernes. L'étrange orchestre impose une ambiance unique, hypnotique. Le compositeur gantois accuse 56 ans mais semble s'amuser comme un petit fou. On est en plein surréalisme belge et... ça fait du bien. Courrez voir Walter Hus : il est ‘résident’ au Grand Salon pendant toute la durée des Nuits.
Un passage rapide par l’Orangerie pour voir Clark, un des artistes incontournables du label Warp. Attention, on parle ici de Chris Clark, pas de Dave Clarke, un autre DJ techno anglais notoire ! Agé à peine de 35 ans, Clark a gravé son septième elpee, fin de l'année dernière. En live, c'est de la techno de qualité, très mélodique, combinée à des touches noise, classical, ambient et post-rock. Le musicien se sert de ses machines derrière une table, et la scène est illuminée par les créations de l'artiste visuel Julian House, du label Ghostbox. Les beats sont compulsifs, adossés à des murailles sonores glacées d'où émanent des myriades de textures électroniques de toute beauté. L'ambiance générale est fascinante, assez 'dark' (à nouveau) : il y a un côté apocalyptique, 'dystopien' dans cette bande-son de fin du monde.
Forcé l’opérer des choix cornéliens, on quitte Clark pour retourner dans le Grand Salon, car... C.A.R. est au programme. C.A.R., acronyme de ‘Choosing Acronym Randomly’ (assurément un des noms de groupes les plus originaux), est le nouveau projet de la Franco-britannique Chloé Raunet (ex-Battant). Lumineux et radical, son premier disque, paru fin de l'année dernière sur Kill The DJ, a tout de suite impressionné. J'avais découvert son titre « Idle Eyes », grâce à mon cher collègue Pierre Sensurround, dans le cadre de notre émission WAVES, sur Radio Vibration. Mais c'est surtout le remix de ce titre par Roman Flügel qui m'avait impressionné, au point de le passer plusieurs fois lors de mes DJ sets. Je ne serai pas déçu par le show de C.A.R. Accompagnée par Thorbjorn Kolbrunarson aux claviers, Chloé Raunet propose un mélange subtil et glacé de pop synthétique eighties et de sonorités martiales. Ou si vous préférez, réalise la fusion entre l’inspiration berlinoise, baroque mais aussi ténébreuse et la légèreté pop aérienne et furtive. Affichant un look de tomboy synthétique, elle chante d’une voix fragile et nous réserve des moments intenses et envoûtants. Je réclame « Idle Eyes » et, quelques minutes plus tard, à l'entame du morceau, l'artiste se dirige vers votre serviteur pour lui faire un 'high five'. Sympa ! Très chouette concert !
Retour vers la Rotonde pour assister à la prestation de Blanck Mass, la moitié de Fuck Buttons. Projet solo de Benjamin John Power, Black Mass a publié un 2ème long playing sur l'excellente écurie Sacred Bones. On y retrouve ces élans épiques propres à Fuck Buttons, mais aussi des sonorités chaleureuses émanant de la techno nineties, des drones puissants laissant un espace considérable pour des sub basses envoûtantes. Les rythmiques quasi tribales font le reste. Le tout nous renvoie évidemment à cet indie post rock électronique qui est la marque de fabrique des Buttons. Et le public du Botanique ne s'est pas trompé, transformant la Rotonde en un dancefloor sous transe.
Plus tard, dans l'Orangerie, Helena Hauff, la productrice / DJ hanséatique (Hambourg !), nous a balancé une sélection de tracks puisée dans les sonorités EBM, wave et new beat des 80’s, qu'elle a confrontée à des productions plus récentes aux accents electro, acid et techno.
Malheureusement, vu l'heure tardive, nous n'avons pas pu voir Orphan Swords mais un vent favorable nous a signalé que sa prestation avait été en tous points remarquable. Pour rappel, ce duo belge exécute une techno abstraite et industrielle, au sein de laquelle on décèle des éléments de la scène noise électronique. On attend son prochain disque, publié sur l'excellent label français Desire Records.
Dans l'ensemble, cette nuit a été une vraie réussite. Seul bémol, les superpositions de concerts nous ont confrontés à des fameux dilemmes : il aurait peut-être fallu concentrer la programmation dans deux salles et permettre aux concerts de se succéder sans se concurrencer…
Néanmoins, très audacieuse, elle nous a permis de découvrir des artistes hors normes, passionnants et attachants. On notera avec plaisir que la dominante musicale était très noire, très 'dark', un cadre sonore idéal pour les hiboux nocturnes que nous sommes...
(Organisation : Botanique)
Life Of An Owl In Alaska est un trio guitare/basse/batterie qui trouve son équilibre dans l'émotion, la mélancolie et cette saine colère à laquelle nous avons tous droit. Il pratique du post-rock et fréquente principalement le milieu underground. A son actif, un Ep paru le 19 avril dernier, chez God Hates God Records. Il s’intitule "My first Kill" et ses trois titres adoptent des noms de ville : « Paris », « San Marino » et « Kiev ».
Les mélodies sont principalement produites par la guitare électrique.
Elles reposent sur des suites d'arpèges dont les notes, tantôt caressées, tantôt attaquées vigoureusement s'entrechoquent et s'harmonisent sur des nappes d'échos habillement poussées aux extrêmes.
D'un point de vue rythmique, basse et batterie s'accordent parfaitement et se greffent subtilement aux compositions de leur acolyte.
Mention spéciale au batteur.
Il ne joue pas les morceaux, il les vit, les transpire et leur permet de prendre une troisième dimension.
Visuellement, il s'agit là d'un atout non négligeable quand on se partage les planches à trois.
Une diffusion vidéo pour les ‘live’ serait la bienvenue. Sans doute les musicos y pensent-t-ils.
Et puis, ce nom de groupe : Life Of An Owl In Alaska (La vie d'un hibou en Alaska)
Rien que ça les amis !
Mais tout est dit ! Enfin presque.
En quelques mois d'existence, le combo a déjà accordé quelques concerts.
Le premier s’est déroulé à Lille le 9 avril 2015. Et les suivants, à Sedan, Mons, Dour et Honnelles.
Il se produira ce 16 mai du côté de Jumet, à l'Open Fest.
Une aventure outre-Manche est programmée, mais on n’en sait pas plus.
Polar Polar Polar Polar était programmé dans la foulée. Il a également fait un tabac, mais dans un style différent. Quoique toujours post rock. C’est-à-dire, sans chanteur…
Un samedi 9 mai, j'ai entendu de la musique, j'ai poussé la porte et je suis entré...
(Concert privé)
Ce soir à l'Ancienne Belgique, il y a du peuple. Dans la grande salle c'est sold out pour le set du quatuor ostendais The Van Jets ; et au Club également, pour la release party et la première date de la tournée européenne de Lightnin' Guy Verlinde. Pour votre serviteur, c'est le second spectacle à l'AB en 2 jours.
Lightnin' Guy est un jeune bluesman belge issu du Nord du Pays. Il est d’ailleurs né le 22 mars 1976 à Aartrijke, un village situé à proximité de Bruges. Très connu et apprécié en Wallonie, il est hébergé par le label français Dixiefrog, une écurie au sein de laquelle on retrouve Beverly Jo Scott, Bjorne Berge, Dom Flemons, Duke Robillard, Joe Louis Walker, Fred Chapellier, Lucky Peterson et j'en passe. Depuis le début de ce millénaire, il accorde une centaine de concerts par an aux Pays-Bas et en Belgique ; en outre il a déjà été programmé dans les principaux festivals tels que le légendaire Blues Peer ou le Gouvy And Blues. Il vient de publier « Better Days Ahead ». Avant de se lancer dans une carrière individuelle, il avait gravé 7 elpees, au sein de The Mighty Gators, One Man Band et Hound Dog Taylor. Il a même enseigné le blues à l’école, en compagnie de Tiny Legs Tim, dans le cadre du projet éducatif ‘Blues In Schools’. Il a joué en compagnie d’Ina Forsman, le représentant de la Finlande lors de l’édition 2014 de l'European Blues Challenge, qui s’était déroulée à Riga. Déjà en 2013, lors de la présentation de l'album « Inhale My World », il avait séduit et conquis un AB Club comble. Il a également assuré la première partie du show mémorable de John Mayall, en 2014. Pour l’anecdote, ce vétéran (NDR : il a 82 balais), y avait accueilli son public à l’entrée, puis vendu ses cds au merchandising avant et après le spectacle. Et Guy avait également joué en première partie de cette légende, au Blues Café (Classic 21) de Francis Delvaux. C’est là que je l’avais découvert.
Arrivé sur place vers 19h15, Guy traverse la salle en saluant chaque spectateur. Il vient tester une de ses trois guitares fétiches, dont une Dobro (NDR : sa carcasse métallique explique sa résonance très particulière) et puis disparaît derrière la scène, pour se diriger vers les loges.
Le concert démarre à 20h30 précises. Pas de supporting act. Et on est parti pour 120 minutes de set. Rares sont encore les artistes qui dépassent le cap d’1h30 de prestation. Une belle forme de respect vis-à-vis du public et des aficionados. Le Club est blindé ou en mode boîte à sardines, si vous préférez. Guy squatte d’abord seul sur le podium. Ses trois musicos sont adossé contre le mur, à droite. Après un petit discours bilingue, ponctué d’un sourire ravageur, il attaque « Grinnin' In Your Face », a capella. Il s’agit d’une cover de Son House, un des premiers pionniers du Delta blues. L’auditoire est déjà sur le cul.
Guy empoigne sa Dobro et s’attaque à « Don't You Cry », un extrait de « Blood For Kali », opus paru en 2012. Un gospel poignant qui raconte l'exode des ‘boat people’. Son backing group, The Mighty Gators, le rejoint sur l’estrade. S’installe à gauche, le guitariste Toon Vlerick, à droite, le bassiste Karl Zosel, et derrière ses fûts, Thierry Stiévenart. Le plus lessinois des quatre qui a emmené avec lui son fan-club.
Guy chante d’une voix proche de Bertrand Lani (NDR : le petit frère du leader de Fred and The Healers) « Sacred Gound », une compo qui trempe dans l'americana pur jus. Ou dans le bluegrass, selon. « Heaven Inside My Head » est un extrait du nouvel opus, un blues électrique presque hard, caractérisé par des interventions de grattes huileuses, graisseuses. Guy ne respecte pas la setlist. Elle est même aléatoire. Il joue à l'instinct et au feeling. Un mot ou un geste, un peu dans l’esprit du Boss, et les musicos embrayent. Le combo parvient à sublimer le « What A Wonderful World » de Louis Armstrong, sans avoir recours aux cuivres. Balayé par des guitares lancinantes, « Feel Alive » est un boogie teinté de rhythm’n’blues qui se mue, fin de parcours, en americana. Les sixcordistes écrasent leurs pédales wah wah sur le plus sauvage « Into The Light ». Un régal ! La température vient de grimper de quelques degrés. A ma droite, quelques mamies sont au bord de l'évanouissement.
Toon excelle à la slide tout au long de « No Time To Waste », tiré de « The Banana Peel Sessions », un long playing paru en 2010. Dommage qu’il n’y ait pas de cuivres. Nouvelle compo, « Call On Me » replonge dans le bluegrass et la country. « Inhale My World » est une ballade empreinte de tendresse. C’est aussi le titre maître d’un LP gravé en 2013. Guy plaisante avec les spectateurs des premiers rangs. Il leur déclare habiter Gand, mais être originaire du point le plus haut de Bruges, à une altitude de 52 mètres. Il faut le croire sur parole. Impossible de vérifier ses propos. Encore un titre récent, « Wild Nights ». Guy nous réserve sa première intervention à l'harmonica. Et elle est splendide ! Place à « Me And My Blues », un slow blues crapuleux, au cours duquel les mamies ne se tiennent plus. Le concert est presque terminé. Après un « Mr Maxwell Street », qui permet au public de jumper, il achève le set par le classique « Bon Ton Roulet ». Chanté en acadien et adapté par les plus grands, il se traduit en français par « Laissez les bons temps rouler ».
Lors du rappel, le quatuor aborde le titre maître du dernier elpee, « Better Days Ahead ». Très pro, Guy Verlinde est une véritable bête de scène, mais également un type très sympa.
En outre son talent ne l’empêche pas d’entretenir un contact permanent avec son public. En tout cas, très énergique son show était vraiment superbe. Que demande le peuple ?
(Organisation : Ancienne Belgique)
Ce soir, tout le monde croise les doigts pour que le concert ne soit pas encore reporté à une date ultérieure, comme déjà, précédemment, à deux reprises. Charlie Winston était attendu à l'Ancienne Belgique le 24/11/2009. Malade, il avait fait faux bond. Le show avait cependant été reporté à Forest National ; et il avait été magique. Pour son deuxième passage à l’AB, prévu le 26/03/2012, dans le cadre de la présentation du 2ème LP, victime d’une hernie discale, il avait à nouveau dû déclarer forfait. Le spectacle avait été également reporté au 08/04/2012. En débarquant à l’AB, pas d’affiche d’annulation. Ouf ! C’est une bonne nouvelle. Je me place donc dans la file, en attendant l'ouverture des portes. Adulé en Belgique et dans l’Hexagone, Charlie Winston est pourtant méconnu en Grande-Bretagne. Et pourtant, il est né dans les Cornouailles et chante dans la langue de Shakespeare. Le spectacle est sold out !
C’est en 2007 que Charlie rencontre Peter Gabriel. Ce dernier l’invite à assurer la première partie de sa tournée européenne. Deux ans plus tard, il publie son premier long playing, « Hobo », qu'il étrenne sur tous les continents. En 2011, il embraie par « Running Still ». Considéré comme un tournant dans une carrière, son troisième, « Curio City », vient de paraître. Sur son propre label. Enregistré au sein de son studio londonien, il est celui de la maturité. Charlie s’est chargé de toute l’instrumentation, sauf des drums. Il en a assuré également la production. Mixé par Ruahdri Cushnan (Ed Sheeran, Mumford And Sons), l’LP marque un virage électro.
Le supporting act est assuré par le nouveau batteur de Charlie, Sam Walker. Un homme-orchestre, qui se réserve la guitare électrique ou acoustique, les percus, le synthé et le chant. Il est venu défendre son premier elpee, « Point ». C’est Charlie en personne qui vient présenter son musicien, appelé à squatter le podium toute la soirée. Sympa ! 30 minutes de set qui démarrent à 19h45. Après avoir interprété un premier titre paisible, l’artiste commence à mettre du rythme dans ses compos. Sa voix est assez particulière et il excelle tant à la gratte acoustique qu’électrique. Il est assis sur un cajon, pas seulement pour s’en servir comme siège, mais pour le marteler du pied à l’aide d’une pédale de grosse caisse. Il parle à la foule entre ses compos ; et en français !
Sam s’accompagne à la fois aux claviers et aux percus sur la jolie ballade « This Is The Blues » ; et s’en sort parfaitement. Plage d’ouverture de son opus, « Dreamtime », permet à la voix et la six cordes de s’envoler graduellement. Dominé par les claviers, « Blood Cells » baigne davantage dans l’électro. Pas mal du tout ! Sa palette de styles est variée. Elle est même diablement capable de se colorer de folk, de bluegrass ou de rockabilly.
C'est la troisième fois que Charlie affronte le public de l'Ancienne Belgique. Le backing group de Charlie a été renouvelé. Plus de Ben Edwards à l’harmo, ni de Medi à la batterie, remplacé, bien sûr, par Sam Walker. Le line up est complété par un bassiste chevelu, et surtout talentueux ; et d’un claviériste, qui harangue constamment la foule. Hobo est vêtu d'un costume trois pièces à damiers verts pailletés et coiffé d’un chapeau mou neuf de la même couleur que le costard. Il se plante au milieu de la scène, sur une estrade surélevée et lumineuse. En arrière-plan, juste derrière le drummer, 8 rangées d'immenses miroirs vont se mouvoir en fonction du light show.
Pendant l’intro, la scène baigne dans les lumières bleues. Charlie est précédé par ses trois musiciens, pour monter sur le podium. Le set s’ouvre par « Too Long », une plage issue du nouvel elpee. La setlist épinglera d’ailleurs 9 autres pistes de ce disque : « Evening Comes »,« Truth », « Lately » , « Wilderness », « Say Something », « Another Trigger », « Just Saying », « A Light (Day) » et « A Light (Night) », morceau qui termine le show.
L’auditoire écoute religieusement ses compos les plus paisibles. Puis prend manifestement plaisir à écouter ses nouvelles chansons au profil davantage électro. A l’instar de « Just Saying » et « A Light (Day) », deux pistes découpées dans les guitares funkysantes qui invitent à rejoindre le dancefloor. Et même « In Your Hands » a subi le même traitement. Charlie en profite pour faire son jogging dans la fosse qu’il termine en hauteur sur un fly-case, juste à gauche de la table de mixage. Il va également saluer sa maman assise au troisième rang du balcon.
Le fond de commerce de Winston demeure bien sûr ancré dans le folk/pop. Des chansons contagieuses qu’on se surprend à fredonner sous la douche. Caractérisé par son sifflotement, « Lately » en est un parfait exemple.
Charlie pousse la chansonnette sur « Saint-Claude » de la Reine Christine et embraie par le bouleversant « I Love Your Smile ». Un grand moment du concert au cours duquel le public donne de la voix. A la sauce électro, « Like A Hobo » enflamme littéralement l’auditoire, avant qu’« A Light (Night) » n’achève le show en douceur.
Lors du premier rappel, on a droit à trois titres. D’abord « Constant Sorrow / Speak To Me » que votre serviteur découvre pour la première fois. Puis une cover surprenante et chargée d’émotion du « Back To Black » d'Amy Winehouse, qu’il dédie à deux amis décédés. Et enfin « Kick The Bucket », au cours duquel il danse comme un automate, alors que le light show monte du dessous de la petite estrade, sur lequel Charlie est érigé.
Second rappel sous les applaudissements, avant que Charlie Winston n’attaque « My Life As A Duck », a capella. Showman hors pair, il nous a accordé un excellent concert, ce soir. Sa voix, la richesse de l’instrumentation et l’excellent son, même si la basse me paraissait légèrement vrombissante, ont fait le reste…
Setlist : Intro – Too Long (Jump On The Back)– Evening Comes – Truth –Lately – Wilderness – Say Something – Suburbs– Another Trigger– Hello Alone – In Your Hands – Saint-Claude (Christine and The Queens cover ) / I love Your Smile – A Light (Day) – Just Saying – Generation Spent – Like a Hobo –A Light (Night)
Rappel 1 : Constant Sorrow / Speak To Me – Back To Black (Amy Winehouse cover) – Kick The Bucket
Rappel 2 : My Life As A Duck (a capella)
(Organisation: Live Nation)
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Cette formation nous vient de Memphis. Elle pratique du funky blues et du R&B. C’est à Memphis qu’est né le label Stax, véritable vitrine du southern soul. En 2013, Ghost Town Blues Band a été finaliste de l'International Blues Challenge, qui se déroule dans leur fief ; et l’année suivant, il a décroché la deuxième place.
Réunissant le drummer Preston McEwen et le bassiste Alex Piazza, la section rythmique est puissante. Le line up est complété par le chanteur/guitariste Matt Isbell, le claviériste Jeremy Powell ainsi que deux cuivres, Suavo Jones au trombone et Richie Hale au sax ténor. Le groupe avait déjà publié deux albums, "Dust the dust" en 2010, et "Dark Horse" en 2012. Matt Isbell avait déjà gravé un opus solo, "Once there was a cigar box". Les douze plages ont été mises en boîte au studio Ardent. Et c’est bien sûr, à Memphis !
"Hard road to hoe" nous transporte dans le climat du delta. Primaires, les percus sont dispensés à l'aide d'un balai électro-acoustique et d'une pelle. La ‘cigar box guitar’ est rapidement rejointe par les cuivres. La musique peut alors prendre sa vitesse de croisière, sous les riffs métalliques assénés par Isbell. Une superbe entrée en matière caractérisée par une large palette d’émotions sonores. Le piano de Jeremy Powell nous plonge alors dans du pur rock'n'roll, bien enlevé, digne de Jerry Lee Lewis ("Big Shirley"). Matt en profite pour prendre son envol sur sa gratte. "Tip of my hat" est une célébration des rythmes néo-orléanais. Les percus sont particulièrement mises en exergue. Ravagée, la voix de Matt est proche de celle de Dr John. Brandon Santini le seconde aux vocaux, avant que ce souffleur de génie (NDR : il est toujours du même patelin) ne prenne un billet de sortie sur sa musique à bouche. Tous les musiciens sont bien en place et apportent leur concours à l’ensemble. Santini est encore présent pour attaquer "Doggy". Nous sommes toujours au cœur de la ‘Crescent City’. L’ambiance baigne dans le soul/jazz. Jeremy est passé à l’orgue alors que Matt chante à nouveau dans un registre proche de Malcolm Rebennack. En vagabondant à travers les rues de New Orleans, on croise un brass band festif qui attaque le bref "Mr Handy Man". Il s’agit, en fait, d’un hommage rendu à un artiste considéré comme un maître à Memphis, WC Handy. Ce titre prélude "Hate to see tou go", un R&B local. Suavo Jones tire son épingle du jeu au trombone avant de céder le relais au saxophone de Richie Hale. Une plage au cours de laquelle, Miss Vicki Loveland soutient Matt aux vocaux. "Tied my worries to a stone" est un autre r&b investi par les rythmes du sud. Le leader libère ses cordes largement amplifiées, alors que l'orgue Hammond tapisse discrètement l’expression sonore. "Dead sea" marque le retour de la boîte à cigare dont la caisse de résonance, stimulée par bottleneck, réverbère des sonorités particulièrement métalliques. La voix d'Isbell est autoritaire. Un sommet de l'album ! Plus classique, "Nothin' but time" est un blues lent à la ligne mélodique soignée. L'orgue Hammond talonne les superbes interventions vocales. Un contexte qui permet aux cordes de prendre leur envol. "Dime in the well" nous plonge au sein du Mississippi. La slide en impose. La voix est primaire. Et la cigar box est dans son élément. Ballade soul, "Seventeen" se métamorphose progressivement en Memphis blues, dans l’esprit du grand BB King. De toute bonne facture, cet elpee se referme dans le climat paisible du delta. Matt chante doucement et chaleureusement "Road still drives the same", une plage hydratée par l’orgue Hammond et que Matt illumine de son bottleneck…
Otis Taylor est un chanteur de couleur noire. Agé de 66 balais, il est issu de Chicago. Il s’est intéressé très tôt à la musique ; et au cours des 60’s et 70’s, il a notamment vécu à Londres. Pourtant, en 1977, il abandonne sa carrière, avant d’y revenir, vers 1995. Il s’est alors établi du côté de Denver, dans le Colorado. Depuis lors, il a publié une dizaine d'albums et composé la musique de deux films. Otis, dans ses textes, traite de sujets qui ne prêtent pas toujours à sourire : la solitude, les SDF, la tyrannie, l'injustice, les meurtres… c’est un multi-instrumentiste : il joue aussi de la guitare, du banjo, du violoncelle et de l’harmonica. En 2003, il signe chez Telarc, et en profite pour briser les structures conventionnelles du blues. Il emprunte alors un virage psychédélique et crée le trance-blues, un style qu’il développe tout au long de l’album "Truth is not fiction". Otis a toujours voulu suivre une voie toute personnelle. Pour concocter ce nouvel elpee, il s'est enfermé chez lui, au sein du studio Immersive à Boulder, dans le Colorado, en compagnie de ses musiciens, mais aussi de quelques invités. Parmi son backing group figurent la violoniste excentrique Annie Harris, le batteur Larry Thompson (ex-John Mayall, John Lee Hooker Band), le bassiste Todd Edmunds et le guitariste Taylor Scott.
Otis signe toutes les plages. Hormis le traditionnel "Hey Joe". Un titre écrit par Bille Roberts. Taylor nous en propose deux versions différentes, chacune de plus de sept minutes. La première ouvre l'elpee. Une plage bien balancée, remarquable même. On y savoure les interventions au violon d'Anne Harris, au cornet de Ron Miles, et de guitare, toujours aussi subtiles et aventureuses, de Warren Haynes (Gov't Mule). Langhorn Slim, jeune chanteur/compositeur new-yorkais y assume les backing vocals. Instrumental, "Sunday morning" est partagé en plusieurs segments tout au long du long playing. Le premier baigne au sein d’un climat particulièrement atmosphérique, planant même. Une sorte de transe hypnotique au cours de laquelle s’agrègent violon, cornet et les cordes de Taylor, Scott ainsi que de Haynes. Indolent, dépouillé, empreint d’une grande sensibilité, "The Heart is a muscle (used for the blues)" campe un véritable blues. La voix de Taylor est naturellement passionnée tout au long de cette piste interprétée en format quartet. Acoustique, "Redmeat" est sculpté dans le folk/blues traditionnel. Subtilement funky, "Peggy Lee" ne manque pas de charme. Otis est secondé par les cordes acoustiques de Bill Nershi, un voisin de Boulder qui milite au sein du jam band, The String Cheese Incident, et de celles du banjo de David Moore, membre du Langhorn Slim Band. Autre instrumental, "They wore blues" est une plage acide et climatique. Otis se charge de la gratte électrique et est uniquement épaulé par le cornet et la basse. Et ce morceau prélude la seconde adaptation du fameux "Hey Joe". Elle est assez différente de la première. Otis et Langhorn Slim chantent en duo. Anne Harris est préposée à l’archet. Taylor Scott joue de la gratte en rythmique. Daniel Sproul (Rose Hill Drive) s’autorise un envol remarqué sur la sienne. Et le tout est pimenté par un soupçon de banjo, d'orgue et de synthétiseur. Un exercice de style très réussi, il faut le reconnaître. Les deux dernières tranches de "Sunday morning" figurent en fin de parcours, et adoptent une tonalité contemporaine. La dernière est même futuriste et cosmique. Enfin, les drums de Thompson et les cordes hallucinées de Daniel Sproul illuminent "Cold at midnight"…
The Boom Band est un nouveau supergroupe. Qui a relevé le pari un peu fou de faire cohabiter cinq solistes. En l’occurrence Paddy Milner, une étoile du piano et de l'orgue et pas moins de quatre guitaristes. Soit l’ex-Hoax Jon Amor, aujourd’hui leader du groupe de rockin' blues, Amor ; Marcus Bonfanti, qui repris le rôle du regretté Alvin Lee, chez Ten Years After ; Mark Butcher patron au sein de son MB Band ; et Matt Taylor, le leader des Motives. Vu le cv des gratteurs, on pouvait s’attendre à se farcir du hard rockin' blues propice aux orgies de cordes. Et bien non, comme les musicos l’ont annoncé, cet opus fait la part belle au blues, southern rock et country. Le cinq gentlemen britannique se partagent les compositions, le chant et bien entendu les envolées en solo. Chacun apporte modestement sa pierre à l'édifice et c'est tant mieux. Le collectif a quand même intégré une section rythmique qui réunit Steve Rushton (Imelda May/Jeff Beck) aux drums et Scott Wiber (Saint Jude) à la basse.
L’opus s’ouvre par une bonne tranche de southern rock. Taylor a écrit et chante ce "We can work together", une solide compo qu’il a écrit et chante. Dense, le climat sonore est davantage yankee qu’insulaire. Les vocaux sont soignés. Un fameux challenge, quand on sait qu’il y a six chanteurs au sein du line up. Il n'y a pas un seul instant de répit au sein des compos. Les petites incursions de gratte fusent de partout. Marcus Bonfanti signe et chante "Diamond in the rust", une plage à l’intro légèrement psychédélique, mais dont la suite est sculptée dans de l’excellent blues. La voix de Marcus s’y révèle naturellement puissante. Sa gratte et celle de Taylor sont aventureuses. Une construction audacieuse qui implique également le piano de Milner. Un premier sommet pour cet opus! "Under the skin" est issu de la plume de Mark Butcher. Paddy Milner siège derrière l’orgue Hammond pour ce r&b vivifié par la voix expressive de Mark. Chaque sixcordiste possède un style différent, ce qui explique la richesse sonore affichée par le Boom Band. Wiber, le bassiste, signe "Sweet Alberta", une piste qui baigne dans une ambiance roots rock ; un morceau bien charpenté qui lorgne vers le country rock et se distingue par de nombreuses interventions vocales. Jon Amor a composé "Moonshine". Il se réserve également le micro tout au long de cette ballade indolente à la mélodie accrocheuse et enchanteresse. Marcus et Matt s’y consacrent à la slide. Miler et Wiber ont co-écrit "Waste my time", un funk chanté par Paddy. Jon Amor et Mark Butcher parviennent à s'extraire de l’ensemble en propageant des effets sonores à l’aide de leurs pédales. Instrumental, "Monty's time" met en exergue les différents solistes, sans pourtant tomber dans le nombrilisme. "Favour Bank shuffle" opère un retour dans l’americana. Les ivoires de Paddy Milner adoptent un profil néo-orléanais. Les grattes électriques, la slide de Bonfanti et les cordes acoustiques de Matt enrichissent l’ensemble. "When you come home" est une piste acoustique ; un superbe country blues au cours duquel la voix de Marcus affronte les chœurs, pendant que Taylor s’illustre à l’aide de sa slide resonator. Matt est au micro pour "Red eye of the devil", une finale qui permet à chaque musico de s’autoriser un envol. Mais cet excellent opus recèle encore quatre bonus tracks unplugged : "Nobody's fult but mine", un traditionnel qu’interprète Amor d’un ton autoritaire, le "Can't find my way home" de Stevie Winwood, que se réserve Butch en y injectant beaucoup d’émotion dans le timbre, "You can bring me flowers" et une cover de "We can work together".
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