Groupe jeune mais déjà presque vétéran de l’indie rock insulaire, The Crookes ne risque pas d’affoler les ‘charts’ de ce côté-ci de la Manche, malgré les évidentes qualités mélodiques de leur « Soapbox » (« Don’t Put Your Faith in Me »). Formé en 2008, dans la banlieue de la triste cité de Sheffield, The Crookes en est aujourd’hui déjà à son 3ème essai… L’influence de la pop et du rock des 60’s est flagrante. A l’instar de « Play Dumb », découpé dans des riffs kinksiens. Mais aussi celle de formations insulaires contemporaines. Titre puissant, « Echolalia » évoque Arctic Monkeys, qui vient d’ailleurs du même patelin. Plus accessible, « Holly Innocents » lorgne vers les Kooks, alors que « Marcy » épouse le lyrisme de Pete and The Pirates. On comprend ainsi mieux pourquoi Noel Gallagher est devenu fan des Crookes, d’autant que le combo affiche une morgue typiquement british, doublée d’un talent d’écriture imparable. Et comme la voix de George Waite rappelle celle de Jarvis Cocker (NDR : également issu de Sheffield), on peut affirmer que la musique des ‘Crookes’ est bien britannique. Et ce n’est pas une arnaque…
La musique, Douglas Dare s’y est frotté dès son plus jeune âge. Son père était professeur de piano. Pas étonnant que l’artiste britannique se soir rapidement familiarisé aux ivoires. Très tôt, il commence à écrire ses propres chansons. Mais pour parfaire ses connaissances, il part étudier la musique à l’Université de Liverpool. Ce n’est qu’en 2013, alors établi à Londres, qu’il grave un premier Ep, un disque qui lui permet d’assurer la première partie européenne d’Olafur Arnalds. Il vient de publier son premier long playing sur le label anglais en vogue, Erased Tapes (Nils Frahm, Peter Broderick, …)
Tout au long de « Whelm », Douglas Dare nous entraîne à la découverte des paysages paisibles qui ont bercé son enfance (NDR : il est originaire de Bridport, au sud-ouest de l’Angleterre), des tableaux parfaitement illustrés sur la pochette de l’album. Sa musique est minimaliste et délicate. Le piano constitue le motif central autour duquel viennent se greffer des éléments électroniques et divers instruments. Le résultat est au final assez proche d’un James Blake. Cependant, la voix de l’Anglais n’est pas suffisamment identifiable. Elle est parfaite, mais il lui manque cette petite étincelle pour nous faire chavirer. Ce qui n’empêche pas les mélodies, à l’instar de l’excellent « Nile », de vous communiquer l’un ou l’autre frisson...
Afin de vous faire une idée du potentiel de Douglas Dare, n’hésitez pas à aller l’applaudir au Parc Royal de Bruxelles, le 27 août où, dans le cadre des Feeërieën, l’Anglais partagera l’affiche avec Perfume Genius.
Agé de 40 balais, Manu Lanvin est auteur, compositeur, interprète et producteur. C’est le fils de l'acteur Gérard Lanvin. Les premiers artistes qu'il écoute dans sa jeunesse sont Téléphone, Paul Personne et Bernie Bonvoisin (Trust). Au début de ce nouveau siècle, il publie plusieurs albums : "Venir au monde" en 2000, "Tout ou presque" en 2004, "Les Temps mauvais" en 2005 et "Faible humain" en 2007. Année au cours de laquelle il rencontre le chanteur texan Calvin Russell. Il coécrit et coproduit son opus, "Dawg eat dawg". Et collabore encore sur ses deux derniers elpees, "Contrabando" et "The last call, in the heat of the night". En 2012, Manu grave son quatrième long playing, "Mauvais casting", flanqué de The Devil Blues. Il croise alors un autre bluesman américain, devenu populaire dans l'Hexagone, Neal Black, en compagnie duquel il accomplit le "Paris - Texas Tour", en 2013. En janvier 2014, Manu représente la France à l'International Blues Challenge de Memphis.
Pour concocter son nouvel essai, il a pu compter sur le concours de Jimmy Montout à la batterie et Gabriel Barry à la basse. Soit sa section rythmique. En route pour une nouvelle tranche de blues urbain et rageur…
Le titre maître ouvre la plaque, un blues solidement amplifié réminiscent du ZZ Top. La voix est puissante et passionnée. Manu a de l'expérience à revendre, mais il la met au service de sa musique. La guitare suit constamment le chant empreint d’une certaine agressivité. "All night long" emprunte un riff à "Green onions" voire à "Help me". La lame de fond filtre davantage le blues au profit du rock. L’attaque est permanente et cette rage devient contagieuse, provoquant un climat de transe. Brutal, le réveil s’opère dans la langue de Voltaire. Soutenue par la basse de Gabriel et face aux cuivres fiévreux, ce "Merci" est une plage sculptée dans des accords de gratte sereins, légèrement rockabilly. "Just wanna drown" est certainement le meilleur morceau de l’elpee. Un titre imprimé sur un mid tempo et inspiré par le Memphis blues d'Albert King. Le chant est particulièrement soigné et les cuivres sont omniprésents. Mais l’irruption d’une voix proche de l’envoûtement, s’exprimant en français, est plutôt surprenante. Toujours interprété dans sa langue maternelle, "Laisse couler" est un titre bien ficelé qui autorise encore de chouettes envolées de cordes. Les percussions de Jimmy nous convient à une nouvelle fête du rythme tout au long de "Luzern", une piste entretenue par les sonorités artificielles et les cuivres. "Ain't gonna be your dawg" nous entraîne dans le delta. L’harmo impose sa rythmique implacable sur cette compo au son plus métallique. Un violon gémissant introduit "Lorsqu'une femme pleure", une ballade douce-amère, trempée dans le folk roots, que chante nonchalamment Manu, face aux instruments acoustiques. "Back in Montreux" est un rockin' blues plein de vigueur. Lanvin s’est forgé quelques uns de ses meilleurs souvenirs sur cette scène helvète, spectacle que feu Claude Nobs présentait en personne. "Ain't got time for love" concède un court exercice de rockabilly. Caractérisé par une slide incisive et acérée, "Hey hey hey" est le Lanvin boogie attendu. "Goin' down" clôt le long playing, un long blues que Manu interprète d'une voix moins impatiente. Sous un arrangement personnel, ce titre reflète un périple entre le Mississippi, une slide dans le décor, et la Nouvelle Orléans, où il retrouve un des nombreux brass bands locaux.
Incarnation même de l’esprit ‘sombre’ reflété par son band The Walkmen, Hamilton Leithauser s’offre une parenthèse solo, afin que ses aspirations de crooner puissent s’affranchir de manière plus douce qu’au sein de l’univers chargé d’électricité de sa troupe new-yorkaise. Issu du groupe probablement le plus sous-estimé des années 2000, l’Américain possède une voix d’une rare intensité capable de transformer la moindre mélodie en pic émotionnel. Vu son titre, « Black Hours » ne devrait pas se démarquer d’une ligne de conduite ténébreuse… Pourtant Leithauser a décidé de varier les plaisirs et, dès l’inaugural « 5 AM », on découvre une nouvelle facette de l’artiste, plus apaisée, quoique toujours aussi majestueuse. Le leader des Walkmen est ainsi capable de passer d’un format quasi pop, à l’instar d’« Alexandra », une compo coécrite par Rostam Batmanglij de Vampire Weekend (NDR : également responsable de la production), à des rythmes marimba (« The Silent Orchestra ») en passant par de la soul hymnique (« I Retired ») et une évocation de sa propre formation (« I Don’t Need Anyone »). « Black Hours » aurait pu constituer un recueil de flip sides (NDR : faces B) légèrement alternatives réservé par Leithauser à ses fans…
Lower nous vient du Danemark. De Copenhague, très exactement. « Seek Warmer Climes » constitue le premier album. Auparavant, ces Danois avaient déjà publié plusieurs Eps ; mais surtout partagé deux ‘split cd’ en compagnie de leurs compatriotes d’Iceage. Ces deux formations pratiquent un post-punk brutal et sans concession.
Les dix titres de « Seek Warmer Climes » constituent autant d’hymnes obscurs et urgents à la gloire du post-punk. A cause de la voix vindicative d’Adrian Taudro, de la ligne de basse puissante, écrasante même, des interventions de guitare dissonantes, chargées de décibels et des drums percutants. Il règne un climat oppressant tout au long de cet elpee, avant que les percus tribales ne viennent suggérer l’exploration d’un « Expanding Horizons (Dar Es Salaam) », en toute fin de parcours…
Dans le style, Lower a parfaitement réussi son premier long playing. Et franchement, j’aimerais pouvoir assister à un de leurs spectacles, en ‘live’ ; la forte personnalité du vocaliste apportant –suivant les reviews publiées sur la toile– une dimension particulière à leurs shows…
Si Bob Mould n’est plus à présenter pour bon nombre de quadragénaires, fans de rock indépendant depuis leur plus jeune âge, l’ex-guitariste de Hüsker Dü, groupe mythique de punk-hardcore, ne jouit pas d’une grand notoriété auprès du jeune public qui n’a pas été bercé par le rock des 80’s. Pourtant, ce n’est pas faute d’avoir publié des disques. Bob Mould n’a jamais cessé d’enregistrer ou de tourner, que ce soit en solo (NDR : il y a 25 ans que son premier album solo est sorti) ou au sein de Sugar, une formation qui n’a malheureusement sévi que de 92 à 95. « Beauty & ruin » constitue donc le onzième opus de l’Américain.
A nouveau, celui qui a influencé toute une génération de groupes et de musiciens (des Pixies à Nirvana) nous propose onze morceaux efficaces au cours desquels la guitare est bien mise en exergue. Tout comme sur son précédent elpee, Bob Mould a reçu le concours de Jason Narducy (basse) et Jon Wurster (drums). Bonne nouvelle, il a décidé de délaisser les sonorités électroniques, parsemées sur plusieurs de ses essais précédents, pour en revenir à la formule qui lui convient le mieux : le rock électrique.
Le New-yorkais nous réserve 13 pistes spontanées aux mélodies accrocheuses (« Hey Mr.Grey », « I Don’t Know You Anymore »). A 54 ans, il nous démontre qu’il n’a rien perdu de son énergie et que son instinct ‘punk’ est toujours intact ; à l’instar de « Little Glass Pill » ou « The War ». Mais, il nous rappelle aussi qu’il est aussi capable de pondre de jolies ‘ballades’ (« Forgiveness »).
Si le ton paraît enjoué et optimiste, Bob a consacré des lyrics existentiels à ce « Beauty & ruin ». Il a pris de temps de faire le point sur sa vie. En début de parcours, il abord des sujets comme ceux de la vieillesse et de la mort. Il analyse ensuite son existence ; et en bout de course, il pose une réflexion sur l’avenir et l’acceptation de soi. Tout ce cheminement est parfaitement illustré par l’image qui illustre la pochette. Elle superpose la photo actuelle de l’artiste et celle issue d’un dossier de presse datant de l’époque de Hüsker Dü.
Si après 25 ans de carrière solo, le guitariste se pose de nombreuses questions et dresse un bilan intermédiaire, le nôtre est sans appel et il est clairement positif !
D’accord, la galette n’est pas neuve.
Apparue en plein solstice d’été 2013, nous ne nous y intéressons qu’aujourd’hui. Mais à l’écoute de l’œuvre, la fonction ‘espace/temps’ ne semble pas pertinente.
Dès l’ouverture, on est plongés 40 ans en arrière, lorsque les fantômes de Black Sabbath étaient encore menaçants. Alors, 12 mois d’écart entre la sortie et la chronique ne peuvent interférer dans la qualité qui au final en ressort.
Entre les nappes organiques des claviers rutilants, les cordes héroïques et lancinantes, la procession de Rose Windows vient cloîtrer immédiatement le mélomane au sein d’un univers psyché-rock. Epoustouflant ! En y ajoutant des interventions de flûte et de long solos de guitares fièrement déployés, on est vite déchiré entre mélancolie naïve et puissance maléfique, dévotion pieuse et hallucination chamanique.
Sous leur apparence d’hippies attardés, les 7 protagonistes du combo s’affichent tout feu tout flamme, sans la moindre gêne ; et dans une ambiance au sein de laquelle les éléments se baladent, s’entrechoquent, sont cajolés ou retournés, il envoient le bois sans aucune concession.
Au moment même ou l’on signerait le pacte qui lierait notre âme au diable, Rose Windows vient calmer le jeu et nous invite à prendre le recul nécessaire à cette hérésie via la voix superbe de Rabia Shaheen Qazi, la chanteuse, qui teinte les morceaux d’une douceur voluptueuse et permet un répit dans nos errances sataniques.
« The Sun Dog » épate, et peut même carrément laisser sans voix tant la qualité générale présente tout le long de l’album est tout simplement parfaite.
La justesse, tant dans les compositions que les voix, tant au niveau de la production que le choix rythmique des pistes ne pourrait être décortiquée, et c’est justement là que se situe la force imparable de l’elpee : il ne souffre d’aucune faiblesse.
Si l’on peut sourire en voyant débarquer la troupe sous ses airs de nostalgie ‘woodstockienne’ et mettre un fond de doute dans leur sérieux, une fois les amplis allumés et les instruments en branle, la ligne claire et fluide des compositions ne permettent qu’une seule option : tomber délicatement sur un matelas d’épines et s’en relever sans aucune égratignure.
« The Sun Dog » est un petit bijou ; et à l’instar de l’Anneau de Tolkien, il nous mène droit au brasier ardent d’un monde parallèle en plein essor. Et nous y allons, attirés malgré nous, tout en souriant au démon.
Paru chez One Little Indian, « Silkidrangar » pourrait très bien constituer la bande son d’un film de science-fiction, tant sa construction paraît atypique. Une musique venue d’ailleurs chantée dans la langue natale du trio islandais Samaris. Très rapidement proclamé l’un des meilleurs groupes islandais actuels par la majorité de la presse internationale –critiques de NME (‘Elegant and unusual’) en passant par le Financial Times (‘Rich and textured’)– et présent sur les plus grands festivals européens de l’été, Samaris apparaît moins comme une nouveauté scandinave qu’une curiosité structurelle.
En effet, en dépit du refus formel de Jófríður Ákadóttir d’accepter la comparaison, l’influence et la voix de Björk se dévoilent très clairement sur l’ensemble de l’elpee (« Ég Vildi Fegin Verða », « Lífsins Ólgusjór »…)
Outre la spécificité de la langue, l’originalité viendrait plutôt du mélange entre tradition et futur. Un album dichotomique chanté dans leur langue natale naviguant entre musique numérique et poésie traditionnelle islandaise (les textes sont inspirés d’un recueil de poésie ancienne découvert dans le local répétition).
Malgré une trame artistique classique, les mélodies et l’écriture, Áslaug Rún Magnúsdóttir (clarinette) et Jófríður Ákadóttir (chant) cimentent l’esprit final du groupe sur le génie électronique de Þórður Kári Steinþórsson (claviers/laptop). Un court-circuit entre textes anciens et musique d’avant-garde. Une mise en contact insidieuse entre les pôles opposés du temps, et le passé et le futur se mêlent savamment pour produire des morceaux atemporels et exaltants : l’electronica finement ciselée de Brennur Stjarna et la tradition scandinave de Máninn Og Bróðir Hans. Ou encore les lourds beats complexes et obscurs de Nótt ou Hrafnar taillés pour les dancefloor de clubs berlinois.
Un long playing uniquement fabriqué de sons numériques sans l’utilisation de guitares ou autres instruments à cordes. Un son totalement synthétisé qui devrait certainement plaire à tout amoureux de musique électronique en recherche de nouvelles sensations.
Depuis 1999, Stephan Otten et son comparse Oliver Klemm publient, à intervalles réguliers, des albums dans la lignée des pionniers de la musique électronique allemande et en particulier de la légendaire école de Berlin (Klaus Schulze, Tangerine Dream, Ash Ra Tempel). D'abord sur de petites structures ; puis, depuis 2009, chez Denovali. "Messias Maschine" constitue le cinquième opus en cinq ans pour le label teuton ; et c'est sans doute le plus abouti.
L'indéniable atout vient de la présence d'invités prestigieux sur presque tous les morceaux. Et c’est la rencontre du mythique batteur des Ash Ra et de Cosmic Jokers, Harald Grosskopf, qui va tout déclencher. Ce dernier, les considère comme ses fils spirituels et les met en contact avec quelques personnages notoires. C'est ainsi qu'outre Grosskopf, on retrouve le légendaire batteur de Can, Jaki Liebezeit sur 4 titres de l’elpee. Mais aussi Coley Dennis, le guitariste de Maserati, A.E. Paterra (Zombi, Majeure) ou encore le saxophoniste de Bohren & Der Club of Gore, Christoph Clöser.
La majorité des compositions jouissent donc du concours de percussionnistes prestigieux qui ajoutent leurs pulsations métronomiques aux déambulations synthétiques du duo. Outre cette contribution importante, la musique du duo d'Osnabrück conserve les caractéristiques des disques précédents. Atmosphérique, mélodique, cinématique et forcément rétro. On retrouve donc les sonorités cosmiques des pionniers de l'électronique allemande, mais également quelques petites touches plus actuelles. Certaines plages pourraient en effet attirer certains fans d’Ulrich Schnauss (d'ailleurs présent sur un titre) voire même de BOC. On pense aussi parfois à Pete Namlook, à Cluster et même à Pink Floyd quand des notes de guitares ‘darksidiennes’ éclosent.
"Messias Maschine" nous replonge donc dans les atmosphères spatiales des seventies en évitant le piège de la pure imitation. Les amateurs de l'école berlinoise trouveront donc certainement quelque intérêt à ce prolongement de leurs premiers amours ambient. Et plus généralement, ceux qui aiment les atmosphères hypnotiques et les voyages soniques apaisants y découvriront quelques passages fort agréables. Un moment de recueillement bercé par la mélodie des machines.
Son père était d’origine calabraise. Elle est née à Newtown, en Pennsylvanie, un faubourg de Philadelphie, où elle vit d’ailleurs toujours. Agée de 29 ans, Gina Sicilia a chopé le virus de la musique dès son plus jeune âge. Alors qu’elle n’est encore qu’adolescente, elle écrit ses propres chansons. Ce qui ne l’empêche pas de réussir ses études de journalisme. Elle enregistre son premier opus, "Allow me to confess", en 2006, sous la houlette de Dave Gross, qui semble être son compagnon. Elle embraie par "Hey sugar", en 2008 et "Can't control myself" en 2011. Et enfin "It was'nt real" en 2013, pour le label Vizztone. Elle y adapte le succès d’Etta James, "Don't cry baby". Ce qui explique pourquoi, par la suite, on va la comparer à cette célèbre chanteuse de blues.
"The Alabama sessions" est un Ep 5 titres qu’elle autoproduit. L’an dernier, elle a émigré à Nashville. Et en janvier de cette année, elle s’est rendue à Sheffield, dans l’Alabama voisin, pour y entrer aux célèbres Muscle Shoals, afin d’enregistrer ce disque. Cinq compos qui traduisent un changement de cap. Elle veut en quelque sorte y signer sa déclaration d'indépendance, une espèce de survie, selon ses propres mots!
Son backing group a également changé. Le line up réunit ainsi Bryan Farris (guitares et piano électrique), Mike Vargo (basse) et Scott Key (batterie).
Première constation, les cinq plages affichent une coloration différente. "Sinkin' low" est une piste séduisante et rafraîchissante, qui jouit manifestement d’un potentiel pop. La voix de Gina n’a guère changé, mais elle est mise en exergue sous un autre angle. Je préfère "Wasted it all on you", une compo plus intimiste, au cours de laquelle son chant d’une grande pureté se libère de cet environnement de cordes acoustiques, traversé par un solo subtil et discret, dispensé par Farris. Bien plus proche du blues, "I'm in trouble" replonge dans son ancien style. Farris se révèle un gratteur efficace au sein de cette instrumentation qui met une nouvelle fois bien en exergue les vocaux accrocheurs de Gina. "No use at all" est hanté par la Music City de Nashville, une ballade country savoureuse, au cours de laquelle toute la sensibilité naturelle de l'artiste est parfaitement restituée. "My love" est une chanson très personnelle. Confidentielle, même. Elle y exprime ses sentiments, sa passion ou alors elle cache bien son jeu. On en apprendra davantage lorsqu’elle publiera son nouvel album…
Dans le cadre du festival ‘La Vie en Rock’, un événement destiné à financer la recherche contre le cancer, une vingtaine de groupes ou artistes avaient accepté de laisser tomber leurs émoluments pour la bonne cause. Dont Ozvald, une formation issue de la région du Centre. Giuseppe, le leader, et les musicos de son backing group, ont accepté de subir le feu de nos questions.
Outre Giuseppe Petolillo, le line up réunit le gratteur et doux rêveur Stéphane Panozzo (NDR : paradoxalement drummer de formation), le bassiste Fabrice Giacinto et le batteur Maxime Pasquini. Et une violoniste qui remplace intérimairement Laurence Leclercq. Une suppléante manifestement talentueuse, puisque après deux répétitions, elle s’était déjà complètement fondue dans l’ensemble. Faut dire qu’elle a suivi une formation classique. Le combo vient de graver un Ep 5 titres baptisé « United Opposites ». Et Giuseppe est évidemment le mieux placé pour nous présenter sa troupe.
Guiseppe : Ozvald est né il y a deux ans. J'ai tourné pendant une quinzaine d'années en compagnie de mon ex-groupe Al Dente ; et j’avais vraiment envie de vivre une nouvelle aventure. Ozvald est cependant né des cendres de mon ancien band. Je voulais tourner la page et notamment remplacer les cuivres par un violon. Il y a longtemps que je rêvais de ce changement. De m’investir dans quelque chose d'un peu différent. Les compos, je les avais déjà écrites et arrangées. Chez moi. J'ai rencontré Stéphane. Batteur, qui s’est reconverti à la guitare. Il m'a aidé pour réaliser les maquettes et surtout les parties de drums. Puis le bassiste, Fabrice Giacinto, et enfin le batteur Maxime Pasquini, via un intermédiaire. La violoniste attitrée, Laurence, je l’ai croisée par hasard. On a ensuite beaucoup bossé sur les maquettes ; et dès qu’elles étaient terminées, j'ai appelé les musiciens pour entamer les répétitions. On a accordé notre premier concert en septembre 2013. Il y a un peu moins d’un an qu’on se produit en ‘live’. Nous en sommes encore à nos balbutiements. L'Ep est paru en févier. C'est donc tout frais. Les musiciens sont issus de la région de Mons et La Louvière.
Une région en pleine ébullition ?
Guiseppe : Elle regorge d’excellents musiciens. C'est peut-être parce qu’on vit dans une zone sinistrée où la population trouve un exutoire dans ses passions, comme celle de la musique. Sincèrement, pour exercer ce boulot-là en Belgique, il faut être mordu. Heureusement, nous le sommes tous. Si certains membres du band ont un job alimentaire en parallèle, la musique demeure notre leitmotiv. Vivre de sa musique en Belgique est très difficile. Aussi, on cherche avant tout à se faire plaisir. Former une bonne équipe de copains qui partagent un même projet. Et comme il y a une belle entente dans le groupe, on prend plaisir à jouer ensemble.
Votre patronyme comporte un ‘z’ au lieu d’un ‘s’. Une raison ?
Guiseppe : Ce nom, je l’ai créé. Inventé, si tu préfères. Il reflète une autre face de ma personnalité. Il y a une planète au milieu de la pochette. De quoi imaginer un voyage intergalactique. En direction d’un astre quelconque qui gravite au sein de l'univers.
Es-tu un adepte de l’expérimentation ?
Guiseppe : J'adore mélanger les styles. Faire preuve d’audace. Et manifestement, dans le domaine de la recherche, il y a encore de la marge. A notre échelle, le violon apporte une touche mélancolique, classique et lyrique à nos compos. Et les guitares dissonantes s’intègrent parfaitement à l’ensemble. Mais on souhaite approfondir le concept. De plus en plus. Et j’espère que je pourrais encore me produire sur les planches, quand je serais vieux ou retraité. Pour partager ma passion. Je suis conscient que pour être bien dans ma tête et escompter décrocher un peu de bonheur, j'ai besoin de la musique. Elle m’apporte énormément. C'est ma thérapie, une addiction. Lorsque je prends une pause d’un mois, je suis à côté de mes pompes. Notre passion va nous conduire au cimetière…
Stéphane : Je partage le point de vue de Guiseppe, mais il est très difficile de survivre dans ce milieu…
Quand j’écoute vos compositions, je pense au Grand Nord, et en particulier à l'Islande ?
Guiseppe : On me l’a déjà signalé. Au sein des pays nordiques, les artistes osent davantage que chez nous. Mais leurs chansons ne sont pas diffusées à la radio. Donc des groupes novateurs, dont la musique est riche et qu’ils ne craignent pas de défendre, même s’ils ne bénéficient pas de distribution ou de support sur les ondes. Les Nordiques sont en avance sur nous dans pas mal de domaines. Leur culture est basée sur le respect. Nous avons beaucoup à apprendre d'eux. Dans ces pays, il y a moins de 'bordel' qu’ici. Tout est pensé dès le départ. L'éducation est une valeur fondamentale. Les programmes scolaires sont organisés en conséquence. Si l’enfant jouit d’une grande considération, il est également préparé au sens des valeurs humaines. Ce qui est totalement différent de notre système adopté dans notre vieille Europe.
Après avoir intégré du violon, dans votre musique, n’avez-vous pas l’intention de vous frotter aux instruments atypiques, comme la scie ou glockenspiel ?
Guiseppe : On y pense. Et peut-être aussi une harpe. Mais le violon est déjà trituré par des tas d’effets spéciaux ; ce qui plonge notre musique au sein d’un univers particulier.
Quel processus d’écriture respectez-vous chez Ozvald ?
Guiseppe : Je me réserve les textes, mais pour certains morceaux j’ai bénéficié du concours du chanteur d’un autre groupe, Frédéric Viseur. Je suis également responsable de la musique. Pour les arrangements j’ai reçu un fameux coup de main de Stéphane. Notamment ceux réservés aux maquettes. Et tout particulièrement pour les parties de batterie. On a aussi testé quelques guitaristes, et finalement j’ai demandé à Steph de s’y coller, car il s’y débrouille plutôt bien.
Question plus classique, puisqu’elle concerne vos influences…
Guiseppe : Elles sont multiples. J’ai écouté Jimmy Hendrix à l’âge de 5 ans. Il m'a marqué. Tout comme ces artistes majeurs issu des 70’s. Led Zeppelin, notamment, que mon frère aîné m’a permis de découvrir. Et puis toute cette vague progressive, dont le King Crimson de Robert Fripp. Que je considère comme un grand maître. Chaque fois qu’il s’est produit en Belgique, j’étais présent. C'est ma référence incontournable ! Malgré mes goûts éclectiques, je considère Hendrix, Fripp et Metheny comme des maîtres. Ce sont les trois références qui ont forgé mon style. Mais aujourd’hui je me suis ouvert à d’autres courants, dont l’opéra. Il y a toujours moyen de tirer parti d’autres genres.
Stéphane : Mes goûts sont assez variés, également. J’apprécie le rock, le funk, la prog et le jazz fusion. J'ai participé à l'ancien projet de Guiseppe.
Maxime : Je suis aussi très ouvert. Même au classique, au rap et au rock. Et puis comme batteur, j’ai un faible pour Muse et Red Hot Chili Peppers.
Hélène : À trois ans, j’écoutais Mozart. De la musique classique. A cause de la culture inculquée par mes parents. Et tout particulièrement ‘La Flûte Enchantée’. En double cassette. Mon violon est devenu, au fil du temps, le socle de mes influences. Puis j’ai écouté les Beatles, Michael Jackson et surtout Björk et Sting. Des artistes incontournables. Mais je ne considère pas ces artistes comme influences majeures. Simplement, ils m’ont apporté une ouverture d’esprit. Je signale quand même que je ne suis qu’une remplaçante…
La qualité du son, c’est une priorité pour vous ?
Stéphane : C’est le relais nécessaire entre notre musique et l’auditoire. Il est indispensable que l’ingé-son soit au diapason, sinon on est grillés.
Guiseppe : C'est également une marque de respect vis-à-vis du public. Il est important qu’on puisse reproduire en ‘live’, ce qu’on a démontré sur disque.
Quel est le dernier concert auquel vous avez assisté ?
Stéphane : Celui de Ben Harper au Cirque Royal, il y a un mois. Sans quoi, c’est la prestation de Fink qui m’a le plus fait flasher. La grande classe !
Guiseppe : Je dispose de moins de temps qu’auparavant, pour aller applaudir d’autres groupes ou artistes. Le peu qu’il me reste, je le consacre à mon projet. J’ai quand même eu l’occasion d’assister à un set de Balthazar. Il y a une certaine violence dans leur démarche. Elle est totalement différente de la nôtre. Je ne connaissais absolument pas ce band ; mais j’ai vraiment apprécié leur show.
Question bateau, quels ont les disques qui vous ont le plus marqués ?
Stéphane : Celui de Fink. Il existe un feeling authentique dans sa musique. Il est autodidacte et se sert d’une guitare dont les cordes sont en nylon. J'aime bien sa démarche. Il parvient à communiquer une grande profondeur à ses compos, alors que sa musique est rudimentaire. Mais d’une grande pureté…
Guiseppe : Perso, j’estime le que le meilleur album paru au cours de ces 20 dernières années, c’est le « Grace » de Jeff Buckley. Il n’est plus de ce monde, mais il a influencé un tas de monde…
C’est dans le cadre des Francoflies de Spa que Marie Warnant a eu la gentillesse de nous accorder cette interview. Soit ce 18 juillet 2014. Avant de se produire en concert. Notre entrevue se déroule à la cafétéria de l'Hôtel Radisson Blu Palace. L’artiste namuroise vient de publier son troisième opus, « Nyxtape » ; un disque dont elle partage l’écriture avec le bassiste d’Arsenal et d’Arno, Mirko Banovic. Mais pourquoi donc l’avoir intitulé « Nyxtape » ?
Marie : sur la pochette de l’album, on remarque la présence d’un chat qui a une drôle de tête : il a trois yeux et deux queues. 2 et 3, ce sont des chiffres importants pour moi. J'ai eu un frère jumeau. Parfois, je ne comprends pas comment on peut pleurer devant une émission de téléréalité et la détester en même temps. Il existe donc un côté doux et un autre très fort dans ma personnalité. Je peux tour à tour manifester ma joie ou ma mélancolie. Je peux me montrer audacieuse ou très réservée. Cette dualité, je l’assume et je l’aime bien aussi. J'ai besoin de travailler en duo. En compagnie de Mirko Banovic, par exemple ; même si j'écris des chansons toute seule. Ce sont les conséquences de mon passé, de mon histoire, et notamment parce que j’ai j'ai partagé le ventre de ma mère avec un frère jumeau. Je m’y retrouve, mais j'avais envie de dépasser cette dualité. De disposer d’un troisième oeil qui me conduit non pas de « Un à Dix » ou vers « Ritournelle », soit mes histoires de famille, mes joies et mes deuils, mais vers mon futur. Regarder droit devant moi et ouvrir une nouvelle page. C’est ce que symbolise le troisième œil de ce chat. Un chat un peu bizarre qui s'appelle Nyx. En réalité il s’agit de celui de mon graphiste, Sacha. Mais Nyx est également la déesse de la nuit dans la mythologie grecque. Quand j'ai vu ce chat et que j'ai entendu prononcer son nom, j’ai été interpellé. Il existe un aspect félin dans ma façon de vivre. J'aime beaucoup la nuit. Mes compos je les ai écrites en nocturne. Au calme, quand Bruxelles s'endort ou lorsque tout est paisible. ‘Tape’ se réfère aux K7 que j'utilise en live. Des K7 audio que je mixe pour créer un tapis sonore. 'Nyxtape' est un terme également très proche de 'Mix tape'. A l'époque, je réalisais beaucoup de 'mixtapes', soit des compiles de mes chansons préférées que je mettais sur une K7 audio. Je les j'écoutais en boucle et les rembobinais à l’aide un crayon. Bref, j’ai voulu adresser un petit clin d’œil, en même temps, à cette époque-là, à mon côté double, au chat et à la nuit.
Quand as-tu rencontré Mirko Banovic ?
Marie : Lors de la tournée destinée à promouvoir mon second album. Il m'avait accompagné. Nous nous étions produits aux Francos, sous le chapiteau. Mon batteur actuel participait déjà à l’aventure. On avait déjà partagé quelques dates dans le cadre de « Ritournelle ». On s'est ensuite revus lors d'un hommage à Gainsbourg d'abord, puis à Moustaki. Nous en avions déduit que nous partagions des sensibilités artistiques plutôt compatibles. Et on s’est promis de tenter une petite collaboration ensemble. D’abord pour un titre. Et au fil du temps, on a conclu qu’on pourrait aller au bout d’un album. De fil en aiguille, nous avons partagé la composition, l'arrangement et la réalisation. Ce disque on l’a réalisé à deux. Il m'a beaucoup aidé à progresser et a enrichi ma culture musicale. Il m’a fait écouter des tas de trucs qui ne collaient pas spécialement à ma musique. Il voyait des synergies où moi forcément je n'en voyais pas. C’est quelqu'un qui multiplie les projets aussi bien ambitieux que modestes. Un type passionné et généreux. Il ne se borne pas à ta notoriété pour entamer une collaboration. Que ce soit Arno, Arsenal, X, Y ou Z, son implication est identique…
D’une certaine manière, tu te lances dans l’expérimentation…
Marie : Est-ce vraiment de l'expérimentation ? Il est vrai que j’aime prendre des risques et aller vers l'inconnu. Mais tant que je peux me baser sur des acquis. J'ai réalisé mes deux premiers albums en compagnie de Vincent Liben, le guitariste de Mud Flow. Je pense que notre coopération commençait à s’essouffler et perdait de sa fraîcheur. J’ignore si c’est l’expérimentation que je recherche, mais plonger dans l'inconnu, c’est une volonté. Dans l'inconnu, je vais au-delà de mes limites et je prends de l’envergure. C'est un peu comme dans le monde du tennis, quand tu joues contre un adversaire plus fort que toi, tu deviens plus fort. C’est le fruit de ton expérimentation personnelle. Bien sûr, je déteste les productions lisses et passe-partout. Je privilégie l'originalité. Mais ce n’est pas toujours fructueux, car il faut que le public puisse accrocher. Cependant, être différente, me plaît…
Tu collabores encore avec Vincent Liben ?
Marie : Non, plus pour l’instant. Nous avons eu Vincent et moi une coopération aussi bien artistique qu’amicale. Il est resté un ami. Mais j'avais besoin de me renouveler. Quand j'ai rencontré Vincent pour enregistrer mon premier album, il militait chez Mud Flow. Sa musique baignait dans une ambiance très rock'n'roll. Progressivement, il s’est converti à la chanson française (NDLR : il a depuis remonté Mud Flow !). J’y étais déjà et je souhaitais explorer un créneau plus alternatif. Donc nous ne pouvions plus nous apporter grand-chose. Mais vu son talent, je pense que Vincent m'écrira encore des chansons.
Hormis Mirko, quels sont les musiciens qui t'ont suivi dans l'aventure ?
Marie : D’abord Laurens Smagghe. Il a pas mal bossé pour Sharko et Sioen. Il a rejoint Arno maintenant. Puis Tom Goethals, l’ex-guitariste du groupe gantois Barbie Bangkok, une formation très électrique. Pour le son, j’ai retrouvé mon vieil ami Erwin Autrique qui avait mis en forme mon second album. On s'est retrouvé pour deux titres avant de finaliser le disque. Et il était presque terminé, lorsque Mirko et moi avons adapté un titre de Tom Jobim que j’appréciais beaucoup. Un dernier petit cadeau avant de passer à la gravure. En tournée, gravite pas mal de monde, qui ne monte pas nécessairement sur les planches. Dont l’ingé-son. Son rôle est essentiel. Aussi bien pour les musiciens que lorsque je me produis seule en ‘live’. J’ai conservé une formule en solitaire ; mais j’ai quand même besoin de mon technicien. C'est une petite famille.
Une artiste francophone qui récolte du succès en Flandre, ce n’est pas fréquent ?
Marie : En fait, c’est parce qu’en Flandre, on ne m’a pas enfermé dans un tiroir. Je débarque en affichant une certaine fraîcheur. Je joue en compagnie de musiciens flamands. La sonorité de ma musique est plus proche de ce qu’on écoute dans le Nord du pays, que de la chanson française au sens le plus strict du terme. Certaines personnes cultivent des apriorismes. Surtout à partir du moment où tu sors un troisième album. Et vous snobent. D’autres sont plus ouvertes, et font l’effort de vous écouter. De vous diffuser. J’ai pris le risque de me renouveler. Et on ne prend même pas la peine de le vérifier. Ce n’est pas très juste. Pourquoi mes chansons passent-elle plus souvent sur les radios néerlandophones que francophones ? C’est parce qu’en Flandre, on évalue la Marie Warnant actuelle, pas celle vue et entendue il y a 10 ans, en formule acoustique. Il existe une véritable ouverture d'esprit dans le Nord du pays.
Compliqué la vie d'artiste, en Belgique…
Qu’as-tu privilégié sur ce troisième opus, la musique ou les textes
Marie : Plutôt la musique. J'ai terminé la tournée « Ritournelle » en acoustique. J'étais assise pour gratter ma sèche. Et je rêvais être debout armé d’une guitare électrique. J'ai pensé d'abord à la scène. Mais surtout Mirko. Il y privilégie d’ailleurs le groove. Mais ce n’était pas une mince affaire de coller des textes en français sur ce style musical. En anglais, on peut chanter, à peu de choses près, la même phrase pendant trois minutes et demie. Et le texte est cohérent. Si je dis : ‘It's Raining Again’. Ok, ça sonne bien. Mais répéter ‘Il pleut, il pleut, il pleut’ ne tient pas la route. En tous cas, j'avais toujours les mélodies en tête. Puis il y a fallu mettre les textes. Certains sont nés assez rapidement. Pour d’autres, l’inspiration s’est révélée plus laborieuse…
Finalement « Nyxtape », c’est une exploration de la mythologie grecque ou une projection dans le futur ?
Marie : Je dirais plutôt un voyage vers le futur. La mythologie grecque se limite au chat et à la déesse de la nuit... Mon tempérament est tourné vers l'avant et le troisième oeil de ce chat regarde bien devant lui. Ni à gauche, ni à droite, ni derrière. Et pour la suite, j’en ai déjà prévu un quatrième…
Donc, tu as d'autres projets en chantier.
Marie : Oui, effectivement. Un duo en compagnie d’Akro (NDR : un ex-Starflam) qui m'a invité lors des sessions de son nouvel album. Il paraîtra en mars 2015 et sera canon. Il m’a proposé d’interpréter un hymne qui rend hommage aux femmes ; et je suis très honorée d’avoir participé à une plage de son futur cd. C’est un fameux personnage ; et j’ai été ravie de le rencontrer…
As-tu encore le temps d’écouter les disques d’autres artistes ? Si oui, quels sont ceux qui t’ont le plus influencé ?
Marie : Avant de rentrer en studio, j’ai beaucoup écouté Arto Lindsay. Moins de chanson française, comme avant d’enregistrer « Ritournelle ». J’écoute de la musique un peu barrée. Pas toujours immédiate et rarement commerciale. Je suis fan de David Byrne. Quand on entre la première fois dans son univers, on ressent une impression un peu bizarre. Mais dès que tu y pénètres, tu y restes. Je pense que je me retrouve un peu dans sa philosophie. Lorsque tu plonges dans mon album, tant la première que la seconde fois, tu es un peu surpris. C’est un peu comme lors de ton premier baiser. Ce n'est pas toujours canon. Il faut prendre son temps… David Byrne a apporté sa collaboration à Anne Clark et Saint-Vincent, une guitariste exceptionnelle. Damon Albarn est aussi quelqu’un que je respecte. Outre Blur et son projet solo, il a apporté son concours à de multiples artistes, dont Bobby Womack. Je suis fasciné par ce type de personnage qui ne s’enferme pas dans un carcan, refuse qu’on l’y enferme, voyage et développe des projets en compagnie de blacks ou d'autres ethnies. Pour moi, c'est une véritable liberté artistique. Toucher le public et lui plaire par cette création authentique.
Quel est le dernier concert auquel tu as assisté qui t’as le plus marqué ?
Marie : Celui de David Byrne et Saint-Vincent. C’était au Bozar de Bruxelles. Un concert à la fois classe et très chic. Sinon, lorsque Timber Timbre s’est produit dans le cadre des Ardentes. Un spectacle énorme et sexy. C'est un crooner. J'ai beaucoup écouté son disque, mais j’ignorais à quoi il ressemblait. Je n’avais pas encore mis de visage sur son nom. Et j’ai été très étonné de le découvrir en chair et en os. J’imaginais Taylor Kirk, de couleur noire. J’adore leur musique. Mais de nouveau, elle n’est pas immédiate. Il faut un certain temps avant qu’elle vous ne vous apprivoise…
Pour terminer cette interview, on aimerait connaître les trois albums que tu considères comme essentiels ?
Marie : Tout d’abord « Everyday Robots » de Damon Albarn. Ensuite le « The Bravest Man In The Universe » de Bobby Womack. Il est fabuleux. Enfin, une œuvre de Frank Sinatra ou de Nate King Cole, parce qu’elles sont classiques et intemporelles. Et surtout empreintes de romantisme. Or, je suis très sensible au romantisme…
Depuis deux jours à présent, une étrange silhouette ressemblant vaguement à la mort, trône en soirée devant l’entrée du site.
En lieu et place d’une faucille, elle tient en équilibre précaire un amas de PMC composé principalement de bouteilles usagées.
Je n’arrive pas à décrypter son message barbouillé d’une écriture sale en néerlandais, mais j’y vois un appel désespéré à plus de bon sens.
Hélas, les photos immortalisées après le festival prouvent si besoin était, l’inconscience et la bêtise du plus grand nombre.
Heureusement que le site pouvait, lui, compter sur de courageux volontaires, qui tout au long de ces trois jours, ont arpenté le terrain, ramassant sans relâche les divers détritus abandonnés négligemment.
C’est donc sur une plaine encore clean que commence ce dernier jour de l’édition 2014 du Pukkelpop.
Quelques préparatifs liés aux contingences d’un départ agencé m’obligent à sillonner Kiewit de long en large avant de venir traîner mes guêtres du côté du Marquee.
Je suis bien inspiré, car j’assiste là à la très convaincante performance de Big Ups.
Boutant le feu à l’aide de ses brûlots hardcore aux résonances Punk, le groupe réveille mes sens engourdis.
Pas loin d’un Black Flag suintant d’huile et de sueur, d’un Fugazi sous tension ou plus près de nous, d’un Metz dévalant les escaliers qui conduisent à un tripot obscur où des Pavement nihilistes s’asticoteraient le manche en cachette, ces Américains proposent une musique ‘électrifiante’ et juste. Dans le ton et le propos.
Pour preuve, au sortir de scène, les musicos proposent d’acheter leurs T-shirts ici même sans passer par le stand officiel.
Attitude Punk avez vous dit ?
Il me faut d’ailleurs un peu de temps pour remettre mes neurones en place, et ce n’est sûrement pas l’insipidité de The Neighbourhood qui va m’y aider.
J’en profite donc pour recharger mon GSM auprès d’une borne prévue à cet effet, subissant au passage les échos venus de la Main Stage.
Le portable rechargé, je rejoins une nouvelle fois le Marquee, qui ce samedi, va devenir ma seconde résidence…
J’y découvre Sweethead groupe américain sonnant américain et très susceptible de ne plaire qu’aux Américains.
Très anecdotique, la musique du combo n’est pas spécialement mise en valeur par la préposée au micro. Cintrée dans une petite robe aux écailles argentées et aux allures de lampadaire, Serrina Sims aguiche le public (surtout les mâles) ; mais ni sa voix, ni son chant, ne se relèvent pertinents.
Par contre, du côté du Wablief ?, la découverte vaut le détour.
Emmené par le ‘pluriforme’ Tim Vanhamel (Millionnaire), Little Trouble Kids revisite la noirceur des bayous qui serpentent secrètement dans les entrailles de l’enfer.
Un trio complice où chaque membre est à sa place et connaît son rôle.
A commencer bien sûr par Tim, qui malmène sa gratte et joue du Substain avec tout le talent qu’on lui connaît, mais aussi de la chanteuse dont le timbre hanté fait cohabiter dans un même univers Anne Clark et Sonic Youth.
Ponctué par une reprise magistrale du « Mercy Seat » de Nick Cave, le set des Anversois tient en haleine d’un bout à l’autre et j’en ressors galvanisé.
Je pense à tort que la prestation de Bill Callahan va m’apaiser, mais celui qui jadis se produisait sous le patronyme de Smog, a décidé de brouiller délicieusement les pistes.
Transformant le Club en salon noyé de volutes grisantes, le songwriter étale son génie avec modestie et justesse.
Sa musique, interprétée par un band au grand complet, servant d’écrin à de belles histoires qu’il étend sur le fil du temps de sa voix de crooner.
Entre grâce et mystère, les quarante cinq minutes du show s’écoulent bien trop rapidement à mon goût, et le public réserve une belle ovation, amplement méritée à Bill et sa clique.
Tant qu’à côtoyer les moments de grâce, pourquoi donc se priver ?
Si Jake Bugg se produit sur la Main Stage, c’est tout naturellement vers le Marquee que je me dirige à nouveau.
Là, Fink déroule, en toute simplicité, comme d’accoutumée pour cet artiste exceptionnel.
Dans sa musique, jamais la technique ne vient damer le pion à l’émotion.
Il en est donc tout naturellement de même cet après-midi. Et le génial barbu de nous proposer un large éventail de son dernier elpee en date, « Hard Believer ».
Un autre moment de magie au sein d’une journée qui en est déjà émaillée, alors qu’on pressent que ce n’est pas fini.
Si Kellis attire ensuite la toute grande foule, c’est à un tout autre registre que je me réserve, puisqu’à quelques mètres de là, Red Fang s’apprête à en découdre avec une audience impatiente.
Une poignée de main générale entre les membres du groupe et le set peut commencer sur les chapeaux de roues.
Il ne faut pas longtemps pour que le public se mette à pogoter dans un esprit bon enfant (puisque même les filles sont invitées).
Le Stoner Rock impeccable des Yankees, loin de tout cliché, est riche, intelligent et sacrément bien exécuté ; et c’est donc à regret que je dois les quitter.
Mais déjà l’atmosphère est plus compacte à l’intérieur du Marquee et l’attente révérencieuse remplace ici la tension qui caractérise l’ambiance au sein du Shelter.
Concédant un peu de retard sur l’horaire, Darkside pénètre l’obscurité, mais très vite, illumine les ténèbres de ses sonorités plurielles.
L’Electro libre de Nicolas Jaar et les introspections guitaristiques de son comparse Dave Harrington se répondent parfaitement en échos hypnotiques et génèrent une ébullition au sein de la foule, partagée entre fans et curieux.
Un excellent show et sans doute la dernière occasion de les voir puisque le groupe annoncera dans la foulée, la fin prématurée de leur collaboration.
Il faut à présent patienter une heure, mais l’attente en valait la peine.
Quand Portishead monte sur l’estrade, introduit par « Silence », l’excitation est à son paroxysme pour certains dans le public.
Et on peut comprendre.
Ne comptant seulement que trois albums à son actif, le groupe de Bristol est du genre plutôt rare, et leurs concerts constituent dès lors des évènements.
Célébrant ainsi les vingt ans de « Dummy », premier elpee passé à la postérité en très peu de temps, Geof Barrow et Beth Gibbons proposent un Live en forme de Best Of.
Absorbée par son interprétation, possédée par ses paroles et préservée par un instinct timide, la chanteuse semble distante de son public, mais ce n’est là qu’une fausse impression, car dès la fin du concert, c’est en manifestant un enthousiasme enfantin et affichant un sourire béat qu’elle descend dans la foule pour communier auprès de ses fans.
Le retour au premier plan de Portishead attise déjà les plus grands espoirs d’un quatrième opus.
Enfin, Calvin Harris catapulte des milliers de fêtards dans les étoiles ; mais en ce qui me concerne, la tête bien pleine et des souvenirs plein ma besace, je prends le chemin du retour…
(Organisation : Pukkelpop)
Pour la septième journée du Brussels Summer Festival, votre serviteur a décidé d’opter pour le Magic Mirrors. S’y produisent Leaf House, Cascadeur et Coffee Or Not. Tiens, je remarque la présence de Noa Moon dans le public. Elle est venue assister au set de ces derniers, alors qu’elle se produit dans la foulée, au Mont des Arts…
Pour le début du concert de Coffee Or Not, le public est assez clairsemé. Et l’enceinte va se remplir au fur et à mesure. La dernière fois que j’ai pu voir le combo en ‘live’, c’était au Salon de Silly, en première partie de Birdpen. Soho Grant se charge des vocaux et du synthé et véritable homme-orchestre, Renaud Versteegen de la guitare et des drums. Ils sont soutenus par Frédéric Renaud à la basse. Renaud a donc troqué sa sèche contre une gratte électrique. Aussi leur folk s’est mué en rock/pop à coloration électro. Et leur troisième opus, « SoRe », en est une belle illustration. Faut dire aussi que Soho était très favorable à cette conversion. Hormis « Jack », l’intégralité du dernier elpee figure dans la setlist. Pour un show qui se limitera à 45 minutes.
Et il s’ouvre « Part Of Us ». Les percussions sont bien mises en exergue. La voix de Soho est superbe. L’ajout de la basse apporte une autre dimension à leur musique. Le début d’« Ave Maria » est instrumental. Soho participe aux percus, dont les cymbales. Caractérisé par son refrain contagieux, « City Burning » constitue manifestement le sommet de leur set. Les harmonies vocales partagées par le couple sont magistrales. Place ensuite à « Lush », le titre le plus radiophonique de leur répertoire. Outre « Tragic Animal Story », Backpack », « Winter Day » et « If You Don't Understand », on aura droit à deux inédits. Tout d’abord « May I Lay Down », un morceau particulièrement incisif ; et en finale, « Ghost ». On n’a pas vu le temps passer. Signe que le spectacle était de qualité.
Le temps de changer de matos et de se farcir le soundcheck, et c’est Leaf House qui monte sur l’estrade. Lors de leur prestation accordée dans le cadre des Nuits Botanique, le band avait séduit l’auditoire. En conjuguant judicieusement nappes de claviers et sonorités de gratte bien balancées, pour créer une musique terriblement riche ; tout en tirant parti des interventions vocales si particulières, éthérées, de Romain Cupper. La setlist est identique. Elle épingle « Fighting », « Go Outside », « Four Walls », « Dancing Shades », « Cat Mum », « Spine Sippin », « Kind Of Flames » et s’achève par « Feel Safe ». Le meilleur moment du concert ? « Dancing Shades ». Digne de Grizzly Bear. Excellent, même si le set était un peu court.
Vers 21h15, le présentateur nous invite poliment à vider les lieux afin de permettre à Cascadeur de réaliser son soundcheck. Il ne tolère aucun spectateur dans ses parages, quand il règle ses balances. Le personnel nous glisse un autre bracelet de couleur bleue à la sortie, et nous invite à revenir vers 23 heures, pour assister au spectacle. Je file alors vers le Monts Aux Arts alors que Noa Moon achève sa prestation. Pas de souci, je la revois sur les planches, dans le cadre du festival de Scène sur Sambre. Je préfère m’abstenir pour Renan Luce. Sa voix est un peu trop soporifique à mon goût…
On en revient donc à ce fameux Cascadeur. Mais avant de pénétrer dans le Magic Circus, il s’est formé une file interminable. Bref, Alexandre Longo fait son apparition sur l’estrade, casqué et chaussé de lunettes fumées. Il est guidé par quatre faisceaux lumineux émis par les lampes de poche de ses musiciens. L’entrée en matière est intéressante. Mais dès qu’il s’est mis à chanter, j’ai immédiatement déchanté. Sa voix est totalement insipide. Un seul morceau m’a quand même plu dans cet ensemble consternant, « Walker ». Et pourtant, il y a autant de monde à l’extérieur qu’à l’intérieur du chapiteau. Et imaginez la foule dehors face à cet écran géant qui dispense un son complètement pourri. Bref, si les plus indulgents font mine d’apprécier, votre serviteur préfère s’éclipser, ne revenant que lors du morceau final, dont question ci-dessus. Heureusement que Coffe or Not et Leaf House ont sauvé ma soirée…
(Organisation : Brussels Summer Festival)
Coffee or Not + Leaf House + Cascadeur
(Voir aussi notre section photos ici)
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