Elle nous vient d’Edmonton, au Canada et puise son inspiration quelque part entre les rives du Mississippi et la tradition festive et musicale de la Nouvelle Orléans. On la surnomme pourtant la ‘Reine du swamp blues’. Elle chante, joue de la guitare et compose, tout en teintant ses racines de blues et de gospel. Toujours étudiante à l'Université d'Alberta, faculté où elle y suit un cursus consacré à la musique populaire, elle prépare sa thèse de doctorat qu’elle consacre aux musiques populaires du siècle dernier. "Baptized by the mud" constitue déjà son quatrième album!
"Sun goes down" ouvre la plaque. On est immédiatement plongé dans la tradition du gospel. Les chœurs répondent au chant et au piano de Darryl Havers qui talonne le bottleneck de notre Kat. "Sweet baybay" est une chanson roots empreinte de charme. La guitare du producteur Steve Dawson et l'orgue de Havers tapissent impeccablement le décor sonore. Cet orgue est de nouveau mis en exergue sur "None of us are free", composition savoureuse au cours de laquelle la ligne de basse multiplie les échanges, et notamment avec la voix. Le titre maître nous entraîne au cœur des marais louisianais ; et nous y sommes ‘baptisés par la boue’ au son de l’accordéon, du banjo, de pedal steel sans oublier la basse acoustique de Jeremy Holmes. La musique des racines est très riche, un climat sonore qu’illustre parfaitement "Crazy for you", une piste balayée par les accords d’une grande pureté dispensés par la slide de Dawson. "O' Mary don't you weep" et "Hear me out, think it over" sont deux compos à la fois belles et mélodieuses. Kat se sert de sa voix comme un instrument sur "Winsome, lonesome", un blues acoustique qui swingue. Caractérisé par les interventions gémissantes de la slide, "Notes from the other side" exhale un parfum country. Balisé par les ivoires et dynamisé par les percussions de Geoffrey Hicks, "Prove it on me blues" vagabonde parmi les rues de la Nouvelle Orléans. Cette œuvre intimiste s’achève par très belle adaptation du "You gotta move" de Mississippi Fred McDowell, une plage au cours de laquelle la voix de Miss Kat se lâche...
Coffee or Not est un duo établi à Bruxelles. « SoRe » constitue son troisième opus, un disque sur lequel, il a abandonné les instruments acoustiques. « SoRe » (première syllabe des prénoms de protagonistes : Soho Grant et Renaud Versteegen) verse dans une électro-pop mélancolique et parfois même ténébreuse…
« Jack » ouvre la plaque et donne directement le ton. Une plage langoureuse au cours de laquelle la paire met immédiatement son atout majeur en exergue : les harmonies vocales. Combinées au clavier de Soho, à la guitare de Renaud et à la basse de l’invité Frédéric Renaux, les plages baignent dans un climat mélancolique. Pourtant, la formation belge est capable de faire monter la tension, à l’instar de « Winter Night », caractérisé par ses décharges électriques. « Lush » trempe dans la pop réminiscente de Death Cab Cutie. La voix de Renaud Versteegen rappelant même celle de Ben Gibbard. Et le reste de l’opus tient parfaitement la route. J’épinglerai cependant encore l’instrumental « Ave Maria » qui débouche sur le plus rythmé « City Burning », à nouveau illuminé par les superbes harmonies vocales.
Alors, si je souhaite en reprendre ? ‘Graag, met plezier !’
Mary Ann Casale est originaire de Long Island. Au cours de sa jeunesse, elle a sillonné les routes des States de long en large, afin d’y accorder des récitals, en accompagnant sa voix d’une simple guitare acoustique. C'était dans 70’s. Puis elle a tout abandonné et s’est accordée un long break de trente bonnes années. Elle a donc décidé de revenir dans le parcours. Tout en travaillant sa voix intimiste, elle s’est remise à la sèche et puis surtout à écrire des chansons, des compos qui baignent dans une ambiance très folk, légèrement teintée de blues!
L’elpee s’ouvre par "Running out of time", une plage à fois belle et tendre, pour laquelle elle a reçu le concours de Beth Robinson au violoncelle. Caractérisée par ses subtiles effluves de blues et jazz, "Don't knock on that door" est une superbe piste magnifiée par les interventions de la six cordes de Tas Cru. Ce dernier se réserve également l’harmonica sur le blues "No place to hide". Il y tire même presque toutes les ficelles, puisqu’il produit le long playing. L'écriture de Mary Ann est simple et directe. Sa voix est bien timbrée, et si elle colle parfaitement à la douceur de sa musique folk, elle révèle également certaines affinités avec le blues, surtout quand elle monte en puissance. Les plages se succèdent dans un registre qui ne varie guère ; reconnaissons néanmoins que le sens mélodique de ses chansons est à la fois naturel et irréprochable. Plus nerveux, "All that is left behind" est dynamisé par un bohdran, instrument de percussion celtique. Cordes, basse et bongo balaient "Faces never seen" une autre jolie plage aux intonations gospel. Tas Cru revient souffler dans son harmonica sur le gospel blues "One of these days". "Running out of time" est une oeuvre qui baigne dans la sérénité…
Il est à peine âgé de 27 ans et a déjà acquis une belle notoriété dans l’univers de l’indie rock. Il s’est surtout illustré lors de ses collaborations avec M.Ward, Dolorean ou encore Loch Lomond, mais également comme membre –où il a milité pendant 6 ans– d’Efterklang. Par contre, on connaît moins les efforts solo du jeune Américain. Pourtant, le multi-instrumentiste n’en est pas à son coup d’essai. « Float 2013 » était paru en 2008, alors qu’il était à l’aube de sa carrière. Déçu par les réactions suscitées par cet elpee, il a décidé, récemment, de le retravailler en y ajoutant deux titres inédits. Et puis également en sollicitant le concours de la ‘star’ de la musique néo-classique, Nils Frahm. Quant au choix du label insulaire, il n’est pas très étonnant, puisque Erased Tapes héberge déjà des artistes comme Nils Frahm et Olafur Arnalds.
Tout au long de « Float 2013 », le piano et le violon demeurent des instruments incontournables pour l’Américain. Mais des éléments électroniques ont subtilement été introduits dans l’expression sonore, qui quoique dans l’ensemble paisible, ne manque pas de relief, à l’instar de l’excellent « Broken Patterns ». Une œuvre relaxante que Broderick construit dans l’esprit de Nils voire d’Olafur, dont question ci-dessus.
Manifestement, Peter a pris de la bouteille et son essai néo-classique a gagné en substance et en intensité. Moins ‘pop’ et ‘accessible’ que ses autres projets, « Float 2013 » devrait plaire aux aficionados du style, mais risque fort de plonger le mélomane lambda, au sein d’un ennui mortel.
A première écoute, la voix androgyne et nasillarde de Peter Piek est plutôt surprenante. Et pour cause, elle oscille quelque part entre celle de Sharko (« Girona ») et Brian Molko (« If This is the End »). Cet artiste issu d’Allemagne de l’Est (de Leipzig exactement) propose des compositions louvoyant gentiment entre pop, folk et rock de facture très classique, tout au long de « Cut Out the Dying Stuff », son 3ème album. Trop classique peut-être pour soulever un quelconque enthousiasme, car l’opus n’atteint jamais de véritable sommet. Pourtant, le cerveau de Peter Piechaczyk est censé être en constante ébullition. Le personnage s’est même autoproclamé peintre-compositeur (NDR: ‘Sometimes I think I’m a musician who fell in love with colour so much that he can’t help but paint all the time. Then I think maybe I’m just a painter who loves to play guitar and to write songs about himself being a painter.’) et estime que ses morceaux sont complémentaires à ses peintures. Le ton est malheureusement un peu trop guimauve pour accrocher malgré certaines mélodies intéressantes (« Painting a Line »). Sur la route depuis 2011, Peter compte déjà plus de 500 dates au compteur (dont certaines accordée en Chine pour laquelle il a composé un morceau en chinois : « Ti OO »). Il se produira à la Dame de Pique à Namur le 25 avril prochain dans le cadre d’un expo-concert…
Un peu de douceur dans ce monde de brutes ! En cette fin de semaine printanière, que demander de plus lorsqu’on est installé dans un siège confortable, au Cirque Royal, pour admirer la belle Géorgienne et écouter sa douce voix qui va nous bercer le temps d’une soirée.
Votre serviteur débarque à la fin de la première partie assurée par Joel Harries, qui a le courage d’affronter une salle bondée, seul à la gratte. Ses ballades intimistes, dont le style oscille quelque part entre Jeff Buckley (pour le meilleur) et James Blunt (pour le pire), reçoivent un accueil poli du public.
Peu avant 21 heures, Katie Melua monte tout simplement sur les planches, accompagnée de deux musiciens. Et le décor est tout aussi sobre : quatre paravents surplombés par trois imposants spots vintage poussent les artistes vers l’avant du podium. De manière à donner l’impression que les musicos se produisent dans votre salon. Cette tournée a été baptisée ‘Simplified – First Acoustic European Tour’, car les sets se déroulent sous une formule trio inédite : guitare, basse et piano.
Une robe assez ample et un visage quelque peu bouffi et fatigué alimentent les rumeurs selon lesquelles la chanteuse serait enceinte. A vous de juger, les photos sont ici. Mais qu’importe cette parenthèse people, car dès les premières notes, sa voix douce et envoûtante plantent directement le décor. Et les ondes transmises parviennent directement jusqu’aux spectateurs, confortablement assis, mais qui semblent déjà vibrer sous le charme de la belle brune. D’ailleurs les lumières ne se posent que sur elle. Ses musiciens, discrets mais plutôt expérimentés et efficaces, restent en arrière-plan, dans l’obscurité.
Dans la lignée de son cinquième album « Secret symphony », et du dernier « Ketevan » (NDR : son véritable prénom), le set lorgne donc plus vers le jazz, la country ou le blues. Il faut oublier l’instrumentation plus lourde et les notes électro qui grevaient l’opus « The House », sorti plus tôt, en 2010. Au sein de la setlist, certains titres sortent du lot, comme « Nine Million Bicycles », dont les chiffres dithyrambiques cités égalent presque le nombre de singles vendus. Katie nous réserve, pour certaines chansons, un long commentaire introductif. Elle nous explique ainsi que lors de la promotion de son album, les journalistes lui demandent régulièrement si les compositions sont personnelles. Et celle qui va suivre « Where does the ocean go? » l’est manifestement, puisqu’elle évoque la Mer Noire qui n’a pas changé selon elle, contrairement à son village d’enfance. La prestation bénéficie de quelques variations dans les ambiances, de manière à conserver l’attention de l’auditoire. Ainsi le ténébreux « The flood » est enchaîné au plus énergique « God on Drums, Devil on the Bass ». Et lorsque le band prend congé du public, la plupart des spectateurs décollent enfin de leur siège pour accorder une ‘standing ovation’. Qui se prolonge jusqu’au moment où le groupe décide enfin de revenir sur l’estrade. Un rappel consacré à « Call Off the Search » et surtout une reprise surprenante de « Diamonds are Forever ». Une version que Katie Melua exécute en solo, et joue sous un angle inédit (NDR : c’est ce qu’elle nous certifie). Histoire de manifester un max de délicatesse avant de quitter définitivement la scène et de laisser une délicieuse impression d’avoir passé un bon moment d’intimité auprès de son public…
(Organisation Live Nation)
Set list :
Chase Me
The Cry of the Lone Wolf
Spooky
Dedicated to the One I Love
I Never Fall
Bridge Over Troubled Water
In My Secret Life
Nine Million Bicycles
Where Does the Ocean Go?
Spider's Web
Love Is a Silent Thief
Red Balloons
No Fear Of Heights
Nothin' in the World Can Stop Me Worryin' 'Bout That Girl
The Flood
God on Drums, Devil on the Bass
Shiver and Shake
The Closest Thing to Crazy
Kozmic Blues
Rappel:
Call Off the Search
Diamonds Are Forever
C’est en visionnant un clip d’Anna Aaron que votre serviteur s’est décidé de se rendre à un de ses concerts, et puis de lui consacrer une interview. Une superbe vidéo (voir ici ) au cours de laquelle on est immédiatement scotchés par l’amplitude vocale de l’artiste. Qui oscille de Sinéad O’Connor à Kate Bush, en passant par Lene Lovitch. Elle a bien sûr inclus cette chanson, « Stellarling », sur son second elpee intitulé « Neuro », un album dont le titre s’inspire du « Neuromancer » de William Gibson (NDR : enfin c’est ce que raconte la bio), écrivain qui a lui-même influencé le fameux long métrage « Matrix ». Pour entamer cet entretien, il me semblait donc naturel d’aborder le thème de la science-fiction sous son aspect littéraire et cinématographique…
Ce ne sont pourtant pas des sujets qui la dévorent particulièrement. Elle s’explique : « J’ai lu des extraits du bouquin, car je souhaitais acquérir un certain vocabulaire pour mieux appréhender cette matière. Et j’ai entrepris des tas de recherches pour y parvenir… » Mais c’est surtout l’aspect cyberpunk (NDR : définition sur Wikipédia ici) de ces références qu’elle creuse. Elle précise : « Une thématique parfaitement développée dans ‘Ghost in the shell’ (NDR : un manga de Masamune Shirow qui remonte à 1989), au cours duquel il y a des machines qui ont une âme presque humaine et où la femme est presque moitié robot et moitié déesse. Une approche à la fois mystique, romantique et technologique que j’ai beaucoup appréciée… » Est-ce la raison pour laquelle elle a un jour déclaré que la musique était mathématique, qu’elle nécessitait une cohérence entre le rythme et les harmonies ? Réduire la musique à des maths, n’est-ce pas la traduire en équation scientifique ? Et la réduire au solfège ? N’est-ce pas contraire au véritable esprit rock’n’roll ? Elle argumente : « Oui, j’ai fait cette déclaration, car on parle toujours de l’inspiration sous sa forme émotionnelle. Mais il existe également un côté rationnel dans la musique. Car la musique, ce n’est pas n’importe quoi. Les Occidentaux utilisent certaines tonalités ; or, elles sont beaucoup plus nombreuses dans les autres cultures. Chez nous, on s’arrête aux demi-tons. Pour bien comprendre la musique, il faut la placer dans un certain contexte. Plus scientifique. Il y a des mesures derrière… » Manifestement, les cours de piano classique qu’elle a suivis au cours de son enfance l’on plus marqués que le rock. Elle ajoute : « Mais le rythme, c’est aussi structuré, même si c’est plus simple. C’est souvent 1-2-3-4. Du 4/4 quoi. C’est métronomique. C’est mathématique… »
Si le premier elpee, avait bénéficié du concours de Marcello Giulliani, bassiste d’Eric Truffaz (NDR : qui l’a par ailleurs invitée à participer à la confection d’un de ses elpees, et à assurer le supporting act d’une de ses tournées), à la production, ‘Neuro’ a été enregistré sous la houlette de David Koster, mieux connu pour avoir notamment mis en forme des albums de Bat For Lashes et de Guillemots. Mais comment se sont déroulées les sessions auprès d’un personnage qualifié d’aussi perfectionniste ? Anna commente : « Bien. D’abord, je me suis posé des tas de questions avant notre rencontre ; et il est clair que j’étais un peu angoissée de bosser en compagnie d’un grand nom auquel je voue beaucoup de respect ; et je ne parvenais pas imaginer qu’il avait envie de travailler avec moi. Mais sur le terrain, il était nécessaire de briser la glace et d’évacuer ses idées préconçues, parce que dès qu’on entre studio, il faut être présent d’esprit, être bien lucide, prendre les bonnes décisions, gérer, diriger le processus et je ne pouvais pas perdre de temps en manifestant trop de révérence à son égard ; ce qui aurait pu nuire à la collaboration. Et puis finalement, c’est quelqu’un de très rigolo. Il a énormément d’humour, parfois même puéril ; ce qui nous a finalement permis de se détendre et même de rire aux éclats. Et le rire casse toujours la glace, comme on dit en allemand… » David a également entraîné Ben Christophers et le drummer de Cure, Jason Cooper, dans l’aventure. Quel a été leur rôle lors des sessions ? Anna répond : « Ben Christopher est venu 2 ou 3 jours. Il a assumé les parties de guitares et joué de toute une série d’instruments bizarres comme le phono phaser ou le marxophone, mais également plus anciens. Jason Cooper n’y a consacré qu’une seule journée. Mais comme le studio était trop petit, on a dû déménager une journée complète… »
Tout au long de ‘Neuro’, on est frappé par la qualité des harmonies vocales. Des chœurs, si vous préférez. Un travail technologique opéré sur sa propre voix. Elle confirme : « Oui, oui, il s’agit bien de ma voix. On a utilisé des samplings, des plugs in, des delays et d’autres trucs. Mais ce n’est pas ma voix qui est retravaillée, ce sont surtout les chœurs qu’on a mis en couches… » Lene Lovitch ? Elle ne connaît pas. Quoique manifestant beaucoup de considération pour Sinéad, elle n’aime pas trop son timbre, qu’elle estime trop atmosphérique…
Certaines compos de son long playing adoptent un tempo binaire, dance, presque disco, d’autres sont imprimées sur un rythme plus élaboré. Le choix est-il délibéré ? Elle nous répond : « Non, pour moi, c’est très intuitif. Je suis incapable de fournir une explication logique. » ‘Totemheart’ évolue ainsi à la croisée des chemins du Floyd circa ‘One of these days’ et de Donna Summer, un morceau qui s’achève par une prière, voire une incantation mystique. Notre interlocutrice confirme que la fin de la composition est abordée comme une prière. Par contre Donna Summer, et même son célèbre ‘I feel love’, ça ne lui dit rien. Là où nos réflexions vont converger, c’est au sujet de ‘Neurohunger’, la plage le plus électro-indus de l’opus. D’abord le titre me fait penser à Sophie Hunger, une autre Suissesse, mais la compo, surtout à Nine Inch Nails. Elle corrobore mon point de vue : « C’est exact. Pourtant, je n’ai pas pensé à N.I.N. quand je l’ai composée ; mais il est vrai que pas mal de monde me l’ont fait remarquer…. »
Anna apprécie beaucoup David Eugene Edwards. Mais préfère-t-elle feu 16th Horsepower ou Wovenhand ? « Pour moi cette question est difficile. Il est clair que Wovenhand est encore en pleine évolution. Ce n’est pas un produit fini comme 16th Horsepower. En plus, chez Wovenhand, la métamorphose est toujours en cours. Entre le premier disque et le dernier, il y a une fameuse différence. J’ai eu le bonheur d’écouter le nouvel album de Wovenhand que quelqu’un du label m’a filé secrètement ; et manifestement il y a une progression marquante vers l’univers du rock, alors qu’à l’origine, la musique baignait plutôt dans le folk… »
Lorsqu’elle se produit en concert, Anna souhaite que le public devienne témoin de son set, qu’il y ait un partage entre elle et cet auditoire. « Effectivement, car je ressens sa présence. C’est très important. Il constitue un énorme corps dans la salle. C’est de la force. Et c’est cette puissance qu’elle incarne, qui est très importante pour moi. Je m’appuie dessus et c’est réciproque, je crois… »
C'était un dimanche. J'allais vivre une expérience étrange et merveilleuse. En retard pour me rendre au concert, j’ai poussé ma vieille voiture, peut-être au-delà de ses limites. Je ne sais plus. Arrivé au Botanique, je ne me suis pas rendu compte tout de suite de ce qui s’est produit. Mais une fois pénétré dans la salle, alors que le concert avait déjà débuté, j’ai compris que j'avais traversé une faille spatio-temporelle. Ma vitesse excessive?
Je suis projeté en 1962 aux Etats-Unis, entouré de demoiselles aux robes colorées et aux coiffures choucroute explosives se dandinant gracieusement dans un même mouvement d'épaule sur un R&B classieux. Sur scène, on remarque la présence de 8 personnages tirés à quatre épingles, dont un sosie de Buddy Holly. Nick Waterhouse a commencé à égrener les pépites de ses deux albums. Comme le héro de ‘Minuit à Paris’, je peux savourer le bonheur de côtoyer l'époque à laquelle j'aurais voulu vivre. Comme Marty McFly, comme le savant d'HG Wells, je partage le privilège d'habiter une autre époque pendant quelques précieuses minutes. Une époque fabuleuse où sont nés tous les rudiments de la musique actuelle.
Cette introduction un peu délirante est destinée à vous faire comprendre le bonheur qui m'envahit durant ce concert. Nick Waterhouse, accompagné de son crew, a une nouvelle fois enthousiasmé son public par ses compositions rétro. Un public étonnamment de tous âges. On savait que les sixties étaient tendance chez les jeunes, mais quel plaisir de voir que certains poussent le vice jusqu'à se repaître de la musique de leurs grands-parents. Ce qui doit les changer de Guetta, toutes ces notes…
Mais évoquons un peu le spectacle. Le groupe (2 saxos, un Hammond, un batteur, un percussionniste, un bassiste et une choriste plus Nick à la guitare) va évidemment principalement proposer les titres de son formidable nouvel album "Holly" mais aussi puiser dans les morceaux de "The Time All Gone" (une bonne moitié de cet opus sera interprété dont "Some Place, "Is That Clear" ou "Don't You Forget it"). Nick n'oublie pas non plus de faire la promo de son grand pote Ty Segall avant d'entamer la reprise d'"It # 3", une vieille compo du nouveau génie du garage et une des grandes réussites de "Holly". Il est vrai que Nick a beaucoup côtoyé la nouvelle scène garage-psyché californienne et la reprise finale, poisseuse à souhait, du "Pushing Too Hard" des Seeds, est une parfaite démonstration que sa vénération pour les sixties ne se limite pas aux premières années.
Mais finalement, la cover la plus représentative des goûts viscéraux du Californien sera un vieux standard du Rhythm & Blues qui a bercé l'enfance de Nick : le "It's Your Voodoo Working" du méconnu Charles Sheffield.
Le concert a duré un rien trop peu à mon goût. Le groupe semblant accablé par la chaleur de la salle, notamment le bassiste, personnage tout droit sorti d'Austin Powers, ruisselant de sueur et s'essuyant le front avec application entre chaque morceau. Pour les rappels, Nick tombe même la veste, laissant découvrir le vrai pantalon d'époque remonté jusqu'au nombril et soutenu bien évidemment par des bretelles sixties. C'est beau le souci du détail.
On soulignera également les prestations des musiciens, car cette musique nécessite plus de virtuosité qu'on ne le croit ; et le Waterhouse Band n'en manque assurément pas. La section rythmique tout d’abord. Et particulièrement un excellent jeune batteur qui s’illustre dans un style très jazz secondé par les congas et les tambourins du percussionniste. Mais aussi le claviériste, lançant quasi toutes les mélodies à l’aide de son Hammond et conférant parfois un léger et délicieux psychédélisme à ces compositions fusionnant R&B, rock, soul et jazz. Difficile en tout cas de résister à l'appel de la dance, dans cette effervescence rythmique, où le groove règne en maître.
Timide, un peu mal à l'aise au cours de ses interactions avec le public (et même après son set lorsqu'il viendra papoter au stand de merchandising), Nick Waterhouse n'en reste pas moins un personnage sympathique. Et tant pis si sa chaleur humaine est bien plus palpable dans sa musique, c'est l'essentiel après tout. Les mines réjouies à la fin du set sont la preuve qu'il a atteint son but : nous replonger avec maestria dans l'insouciance d'une époque dorée où l'on pensait encore que tout était possible, où tout était encore à inventer. Fin du voyage. Une voiture tunée déglutit une atroce euro-dance devant le Botanique. Pas de doute, je suis bien revenu en 2014. Nostalgie.
(Organisation Botanique)
En presque treize ans Owls n’a publié que 2 albums. Et inévitablement, « Two » constitue son second. Il fait donc suite à « Holy Fucking Ghost », un premier elpee, paru en 2001. A l’époque, la formation étasunienne avait reçu le concours de l’incontournable Steve Albini, pour le produire.
Ces doux zigotos pratiquent un rock émo estampillé indie, dans la lignée de Sunny Day Real Estate. La voix de leur chanteur, Tim Kinsella, rappelle en effet celle de Jeremy Enigck. Mais un Sunny Day dans une version plus expérimentale parfaitement résumée par l’étonnant « Ancient Stars See… »
Fondé à Chicago sur les cendres du groupe Cap’n Jazz –hormis Davey von Bohlen parti pour participer à l’aventure The Promise Ring– par les frères Kinsella (Tim et Mike à la batterie), le guitariste Victor Villareal et le bassiste Sam Zurick (NDR : pour rappel, Zurick et Tim Kinsella ont milité chez Joan of Arc et Make Believe), Owls pratique de l’émo biaisée par une approche quasi jazzy et très déstructurée ; notamment à travers le jeu sidérant de Villareal. Ne cherchez pas d’évidentes mélodies émanant de ces guitares math-rock ou de la voix souvent à contre tempo de Kinsella ! Un ton donc à la fois original (« Why Oh Why… ») et déjà entendu (« I’ll Never Be »). Owls reprend les choses où il les avait laissées, et ses fans (s’il en reste 12 ans plus tard) devraient être ravis de retrouver les mêmes ingrédients rencontrés sur le premier elpee…
Encore un Rice, mais sans lien de parenté ou de style avec le célèbre Damien ! L’univers sonore de Johnathan est plus proche de James Mercer (« Acapulco Gold ») voire de Josh Ritter (« Good Graces »), même si « Lou Rider » rend un bel hommage à Lou Reed. En moins de 30 minutes, ce jeune artiste trentenaire parvient à nous refourguer un condensé de folk-pop primesautier. « Good Grace » constitue le 3ème opus du chanceux boyfriend de Jenny Lewis. Non seulement, il a produit un de ses albums, mais les deux tourtereaux collaborent régulièrement ensemble, notamment au sein du duo Jenny and Johnny. Et sa dulcinée est encore de la partie sur cet opus, sur le fameux tribut rendu à feu l’ex-Velvet Underground.
Les harmonies vocales sont extrêmement soignées et évoquent celles des Beach Boys immortalisées au cours des 60’s. Subtilement laidback, les 9 plages de ce long playing baignent dans le soleil. Ouais, c’est peut-être parfois léger, mais on y détecte l’insouciance des beaux jours…
Songwriter talentueux, Rice mène également en parallèle, une carrière d’acteur. Il a en effet interprété Roy Orbison dans le biopic de Johnny Cash, « Walk the Line ».
Début 2011, le premier elpee de Familha Artús, « Drac », m’avait complètement bluffé. Ce qui lui avait sans doute valu de sortir sur le célèbre label alternatif du Folklore de la zone mondiale (lancé par les Bérurier Noir). La chronique de cette bombe du pays basque est toujours disponible ici.
Rebaptisé plus sobrement Artùs, le collectif a entre-temps créé sa propre boîte, Pagans. Une écurie, qui se définit comme une plateforme commune pour les groupes, ouverte à la musique improvisée en téléchargement libre et propice à des laboratoires singuliers de rencontres éphémères.
Eponyme, ce nouvel opus constitue le résultat d’un long cheminement où chaque musicien a composé deux morceaux. Quant aux lyrics, ils sont issus de l’œuvre « Cantaplora » de Bernard Manciet, écrits entre 1961 et 1964. Robert Cahuzac était cependant intervenu au préalable, afin de récupérer les textes. Des textes chantés en occitan de Gascogne, mais traduits en français au sein du booklet.
Résultat des courses ? Et bien, on est entraîné au cœur d’un véritable voyage musical à travers les superbes paysages vallonnés et verdoyants des Landes. Entre ciel, mer et terre. Réalisé grâce à un savant dosage entre électro et instruments traditionnels comme la cornemuse, la guitare baryton ou encore le tambourin béarnais. Et lorsque des chants viennent parfois s’y poser, c’est de façon inattendue. Tantôt comme criés du haut d’une colline, tantôt chuchotés dans le creux de l’oreille, voire sous une forme tribale.
Bref, onze titres à écouter en manifestant une ouverture d’esprit aussi profonde que les forêts landaises. Mais susceptibles de procurer leur lot de surprises et de sensations fortes.
Cette réédition ne me rajeunit pas ; mais alors pas du tout ! Enregistré en décembre 1983, « Macadam massacre » souffle donc ses 20 bougies. Il a été remasterisé en janvier 2004. Soit l’année de leur reformation, le temps de quelques concerts. Comme celui du Dour festival (NDR : la chronique est toujours disponible ici)
Ce premier album, remis au goût du jour, est sans conteste le plus épuré du groupe phare de la scène punk/alternative française. Un morceau d’intro très brouillon mais aux riffs sans concession, et un deuxième au titre évocateur (« Baston ») plantent le décor. Une attitude rebelle bien sûr, mais ténébreuse. Les interventions de guitare ont le chic pour plomber l’ambiance et les couplets ne transpirent pas la joie (« La nuit noire », « J’ai peur »). Leurs compos naviguent alors à des années-lumière de leur période de gloire, soit fin des années 80, lorsque déguisements loufoques et clowneries en tout genre émailleront leurs prestations ‘live’. Après avoir atteint le sommet, Bérurier Noir finira par mourir de sa belle mort, lors d’un concert d’adieu accordé l’Olympia… Sur « Berurier Noir, macadam massacre », la guerre et la mort constituent les thèmes majeurs de leurs lyrics. Difficile de faire plus noir obscur. Les polars français et les films de guerre dramatique des années 80 sont en vogue. Le tempo nous le rappelle, un peu comme le bruit des bottes sur le macadam. Les interventions de sax un peu plus ‘festives’, si caractéristiques chez les Bérus, sont plutôt discrètes, et ne débarquent vraiment que sur le dernier titre, « Noir les horreurs ». Une piste qui laisse néanmoins entrevoir un peu de lumière au bout du tunnel. Car tout au long de l’œuvre, les lyrics dressent un tableau noir susceptible de conduire au suicide.
Le second cd retrace les prémices des Béru. Enregistré quelques mois plus tôt (en mars 1983), il reprend les 6 plages de leur 45tours initial « Nada », et recèle 4 inédits. Autant de morceaux qui ressemblent à des œuvres inachevées ou à des brouillons ou maquettes qui seront réutilisés plus tard, dans leur carrière. Ainsi « Nada 3 » et « Manifeste » incarnent différentes variantes du titre « Lobotomie ». Des inédits qui devraient donc ravir les fans soucieux de découvrir la parturition d’un groupe devenu culte malgré lui, mais qui lancera en France la vague de rock alternatif entre 1983 et le début des années 90.
Il y a deux ans, ces Londoniens publiaient un premier album intitulé « Everything is Dancing », un disque surprenant, suggérant même une version punk de Vampire Weekend. Depuis, les Anglais se sont plutôt fait discrets. Avant de publier ce second opus, ma foi, fort sympathique.
Première constatation, tout au long de « Jungle Cats », Fair Ohs n’a rien perdu de sa vitalité et continue de dynamiser ses compos de percussions afro-caribéennes. Néanmoins, hormis le caoutchouteux « Ya Mustafa », les comparaisons entre le band new-yorkais et insulaire, s’arrêtent ici. Sur cet elpee, on ressent davantage les racines britanniques dans leur musique. Les chœurs sont ainsi beaucoup plus présents, rappelant les grandes heures de la britpop, à l’instar de « Panama Red Jets ». Et les quelques touches de punk-rock psychédélique injectées dans cette solution sonore particulièrement addictive, accentuent cette impression.
Si le deuxième essai de Fair Ohs est tout aussi nerveux que le précédent, il permet au groupe de s’ouvrir à d’autres influences, et surtout de proposer sa propre vision débridée du rock.
Dès les premières notes de « Sugarpie I’m not the Same », morceau qui ouvre l’opus, le mélomane est transporté au sein d’un troquet des années 30 : une contrebasse, un piano aux sonorités ‘cabaret’ et la voix vintage de Josephine Foster. De quoi être plongé dans le climat enfumé d’un club de Jazz d’avant-guerre (NDR : elle reprend d’ailleurs « Cabin in the Sky », un morceau issu d’une comédie musicale datant de 1940). Mais, bonne nouvelle, Josephine Foster, Américaine ultra-douée, est loin d’être une novice et ne se limite pas à un simple exercice de style : elle impulse à ses chansons un indéniable sens du swing et un véritable talent pour trousser des mélodies imparables (« No One is Calling Your Name »)… Le tout en y ajoutant une touche de country à laide d’une pedal-steel, d’un harmonica ou encore d’un violoncelle. L’album n’a pas été enregistré à Nashville pour rien…
« I’m a Dreamer » n’est pas le coup d’essai de Josephine Foster, mais il pourrait lui valoir la reconnaissance tant il semble dans l’air de ce temps… vintage. Un disque diablement plaisant en tout cas !
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